Katalog Łódź Design 2011

Komentarze

Transkrypt

Katalog Łódź Design 2011
Interprint / Mecenas katalogu Łódź Design Festival 2011
Interprint / Patron of the Łódź Design Festival 2011 catalogue
Paradyż Group / Główny Mecenas Łódź Design Festival 2011
Paradyż Group / Main Patron of Łódź Design Festival 2011
06 – 07
Zmiana! / Change!
Spis treści /
Contents
008 – 031
Program Główny – Przekierowanie / Main Programme – Redirection
032 – 059
Program Główny – NeoFarm / Main Programme – NeoFarm
060 – 077
Wystawy Specjalne / Special Exhibitions
078 – 103
Przegląd Szkół / School Review
104 – 111
make me!
112 – 143
Wystawy Towarzyszące / Accompanying Exhibitions
144 – 159
Wystawy Towarzyszące – Program Otwarty / Accompanying Exhibitions – Open Programme
160 – 161
Ceramika Paradyż
162 – 163
Łodź Design Festival 2010
164 – 165
Podziękowania / Special Thanks
166 – 167
Organizacja / Organisation
/ 06
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Zmiana! /
Change!
Jedną z cech niezmiennie ludzkich jest potrzeba podporządkowania świata swoim wymaganiom i zmienianie go. Rozwijają się
technologie i powstają sztuczne inteligencje. Świat zmienia się
na skutek naszych działań, ale podlega także transformacjom
wbrew naszej woli. Rozwój przemysłu i gospodarki rujnuje
środowisko, powoduje przemiany społeczne, przeformułowuje
sposób i warunki życia. Do tego dochodzą klęski żywiołowe,
których skutkom możemy jedynie próbować zapobiegać.
W ciągu zaledwie kilku pokoleń znany od stuleci świat bardzo
się zmienił i na tym nie poprzestanie. Transformacji podlega
społeczeństwo, gospodarka i ekonomia, a my jesteśmy sprawcami i ofiarami tego procesu. Zmieniają się potrzeby i to, co
najważniejsze – świadomość. To, co jest jednak stałe bez względu na wszystko, to potrzeba reagowania na zmiany na każdym
poziomie: zarówno rozumu, czyli rozwiązywania problemów, jak
i emocji, czyli ich oswajania.
W 5. edycji festiwalu Łódź Design właśnie zmianom poświęcamy dwie wystawy Programu Głównego: Przekierowanie,
przygotowaną przez Centrum Architektury z Warszawy oraz
NeoFarm, której kuratorami są Boaz Cohen i Sayaka Yamamoto, izraelsko-japońska para działająca na co dzień w Eindhoven
w Holandii. Wiele innych wydarzeń festiwalowych będzie do
tego niezmiennego w swej ciągłości zjawiska nawiązywać.
Wystawa Przekierowanie opowie nam o zmianach w architekturze. O tym, jak ta sztywna, monumentalna i przeznaczona po to,
by trwać jak najdłużej, dziedzina projektowania wytrzymuje inicjatywy użytkowników. Na ile jest elastyczna i gotowa sprostać
przeludnieniu, kryzysowi surowcowemu czy dewastacji środowiska? Na ile architektura jest podatna na eksperyment? Czy te
zmiany powstają z inicjatywy architektów, czy też są zjawiskiem
oddolnym, na które architekci zmuszeni są reagować? W jakimś
sensie budynek, zespół urbanistyczny, być może bardziej niż jakiekolwiek inne dzieło raz oddane w ręce użytkownika, zaczyna
żyć własnym życiem. Wystawa Przekierowanie nie poda gotowych recept ani odpowiedzi, lecz wskaże kierunki gdzie należy
ich szukać. Pokaże, jak patrzeć i jak czytać, by zrozumieć istotę
nieuniknionych zmian, z którymi architektura musi i będzie
musiała się mierzyć coraz bardziej.
Wystawa NeoFarm odnosi się do zmian w strukturze społecznej. Mimo industrializacji i migracji znacznej części społeczeństwa do miast, pozostała w nas tęsknota do wiejskiego życia,
rzemieślniczo wytwarzanych przedmiotów, naturalnych materiałów itp. Jednak nawet wyjeżdżając na wieś z trudem możemy
je znaleźć. Poziom i jakość życia na wsi i w mieście zasadniczo
dzisiaj się nie różni, a przynajmniej są wszelkie warunki po temu,
by tak było. Wieś jest zmechanizowana. Pola są uprawiane,
a zwierzęta „hodowane” przez komputery, które oczywiście
obsługują ludzie. Jednak komputery, internet czy dostęp do
wiedzy i do technologii – niewątpliwie wartościowe – pozbawiły ludzkość innych wartości, związanych z wiejskim życiem.
Unifikacja i przemysłowa powtarzalność przedmiotów jest
niechcianym ubocznym efektem rozwoju. To zmiana, niedawna
i nieodwracalna. Jednak projektanci wypełniają tę lukę. Zamiast
proponować sztucznie i nieszczerze „naturalne” przedmioty, bawią się tradycją, po trosze zaspokajając emocjonalne potrzeby,
a po trosze przyjaźnie z nich pokpiwając. Zbliżają się do granicy
kiczu, żartu, pastiszu, lecz w gruncie rzeczy ich propozycje są
całkiem poważne. To propozycje nawiązania nowego kontaktu
z naturą i prostym życiem. Na innych warunkach, przyjaznych
dla obu stron.
Zmiana to proces ciągły. Jednak by go dostrzec trzeba sie
zatrzymać. By zrozumieć, trzeba się zatrzymać na dłużej.
Propozycje Programu Głównego tegorocznego festiwalu Łódź
Design zapraszają do refleksyjnego zwolnienia biegu
i ponownego zadania pytania – skąd przychodzimy,
kim jesteśmy i dokąd zmierzamy.
Agnieszka Jacobson-Cielecka
Dyrektor Artystyczny Łódź Design Festival 2011
Zmiana! /
Change!
One of the unchangeable human features is the need to subject
the world to our demands and change it. Technologies are
developing and artificial intelligences are being produced. The
world changes as a result of our actions, but it also transforms
against our will. Development of the industry and economy
ruins the environment, causes social changes, reformulates the
way we live and our living conditions. What is more, there are
also natural disasters, whose results we can only try to prevent.
During merely few generations, the world that we had known
for ages has changed a lot, and it will not stop changing. The
society and economy are transforming, and we are the perpetrators and victims of this process. The needs are changing and
so is the awareness. However, what remains stable regardless
of other things is the need to react to changes on every level,
both mental, which is to solve problems, and emotional – to get
accustomed to these new feelings.
During the 5th Łódź Design Festival, we dedicate two exhibitions
of the Main Programme to changes: Redirection, prepared by
Centrum Architektury from Warsaw, and NeoFarm, whose curators are Boaz Cohen and Sayaka Yamamoto, the Israel-Japanese
couple that work in Eindhoven in Holland. Many other festival
events will refer to this unchangeable and continuous phenomenon.
The Redirection exhibition will show us the changes in architecture –
how this stiff, monumental field of design, meant to last as long
as possible, faces grass-roots initiatives? To what extent is it
flexible and ready to cope with overpopulation, resource crisis
or environment devastation? To what extent is architecture
prone to experiments? Are the changes caused by architects,
or are they a bottom-up phenomenon to which the architects
must react? A building, an urban complex, when it is handed
over to the users, starts to live its own life, more than any other
work. The Redirection exhibition will not provide ready recipes
and answers, but it will show the directions in which to look for
them. It will show how to look and read in order to understand
the nature of unavoidable changes with which architecture must
and will have to cope.
/ 07
The NeoFarm exhibition refers to changes in the social structure.
In spite of industrialization and migration of a considerable part
of the society to cities, we still long for rural life, craft made
objects, natural materials, etc. However, even if we go to the
countryside, it is hard to find them. Nowadays, the level and
quality of life in the countryside do not differ from the life in
the city, or at least they do not have to be different. Villages
are mechanized. The land is cultivated, and animals are ‘bred’
by computers, which are operated by people, of course. Yet,
computers, the Internet or access to knowledge and technology – undoubtedly valuable and needed – have deprived the
humankind of other values connected with rural life. Unification
and industrial repeatability are an unwanted side effect of the
development. It is a change, new and irreversible. However,
designers fill this gap. Instead of suggesting artificially ‘natural’
objects, they play with tradition and in this way they satisfy our
emotional needs on the one hand and make light-hearted and
rather warm fun of them on the other hand. They balance on the
verge of kitsch, joke, pastiche, but their suggestions are quite
serious. They encourage us to establish a new connection with
nature and simple life, and establish new conditions, favourable
for both sides.
Change is a continuous process. But to notice it, you have to
stop running. To understand it, you have to stop for a longer
time. The Main Programme of this year’s Łódź Design Festival
invites us to slow down, think, and ask again – where do we
come from, who are we, where do we go?
Agnieszka Jacobson-Cielecka
Artistic Director of Łódź Design Festival 2011
/ 08
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Program Główny /
Main Programme
/ 09
Program Główny /
Main Programme
Domek Vardehaugen, projekt Fantastic Norway, zdjęcie: Håkon Matre Aasarød, dzięki uprzejmości Fantastic Norway
Cabin Vardehaugen, Fantastic Norway project, photo: Håkon Matre Aasarød, courtesy of Fantastic Norway
/ 10
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Program Główny /
Przekierowanie
Przekierowanie /
Redirection
/ 11
Main Programme /
Redirection
Przekierowanie. O zmianie w architekturze.
Redirection. Change in architecture.
Architektura jest w kryzysie.
Architecture is experiencing a crisis.
Skończyła się epoka systemów organizujących całokształt
życia człowieka i niosących w dziedzinie architektury gotowe
recepty na poprawę bytu, jak maszyny do mieszkania czy
całościowo zaplanowane miasta. Lawinowy przyrost ludności
powoduje zwiększenie produkcji architektonicznej na niespotykaną dotąd skalę. Budownictwo podlega coraz szybszemu
technologicznemu liftingowi. Tempo zmian pogłębia dezorientację. Niezmienną cechą architektury wciąż pozostaje sztywność i odporność na przekształcenia. To stawia pod znakiem
zapytania przyszłą użyteczność powstających budynków
i osiedli ludzkich, zwłaszcza w kontekście nowych problemów
współczesnych społeczeństw, jak przeludnienie, nadciągający
globalny kryzys surowcowy, pogłębianie się różnic społecznych
czy zanieczyszczenie środowiska.
Czy współczesna architektura ma pomysł na siebie? Spontanicznie, często oddolnie, pączkują nowe idee, które być może
wskażą kierunki zmian. Przekierowania dokonują się tu i teraz:
testom poddawane są pomysły na ekologiczne życie, eksperymentalne modele edukacji i pracy, prototypowe systemy
kalkulacji danych, takie jak dataizm, czy nowe formy partycypacji społecznej w projektowaniu miast. Nie wiadomo dokąd te
zjawiska nas doprowadzą. Warto jednak przyjrzeć się im jako
próbom zaradzenia kryzysowi. Zamiast gotowych odpowiedzi,
prezentujemy wiele podpowiedzi.
Kurator: Centrum Architektury
The era of systems aiming to organise the entirety of human
existence while providing ready architectural formulas to
improve lives – such as ‘machines for living’ or comprehensively planned cities – is over. Explosive population growth has
caused an unprecedented increase in architectural production.
The construction industry is rapidly undergoing a technological revolution. The pace of all these changes intensifies the
feeling of confusion. On the other hand, rigidity and resistance
to modifications continue to characterise architectural works,
raising questions about their usability in a changing world. The
design of modern buildings and housing estates must take into
account society’s new problems, like: overpopulation, an
approaching global resources crisis, deepening social
differences as well as environmental concerns.
Does contemporary architecture have an idea for itself and its
future? There are spontaneous, bottom-up ideas which indicate
the industry’s future directions. Redirections are happening
here and now. In fact, these ideas, such as environmentally
friendly living, experimental modes of education and work,
prototype systems for data calculation – dataism, or new forms
of social participation in urban design, are all being tested right
now. While we do not know where these ideas will lead us, it is
worth examining them as attempts to avert a global crisis. There
are no ready solutions and answers, but we do have some hints
and strategies to share.
Curator: Centrum Architektury / Architecture Centre
/ 12
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Przekierowanie /
Redirection
/ 13
Kierunki /
Directions
Miejskie rolnictwo / Urban agriculture
Spółdzielnia pszczelarska w Chicago / Chicago Honey Co-op
Jadalny park / Edible Park
Miejski ogród leczniczy / Urban Physic Garden
Ogród Prinzessinnengarten w Berlinie / Prinzessinnengarten in Berlin
Eko-estetyka / Eco-aesthetics
Budynek z makulatury PH-Z2 / Recycled Paper Building PH-Z2
Sklep firmowy Freitag / Freitag Flagship Store
Dataizm / Dataism
Domek Vardehaugen / Cabin Vardehaugen
Nowa praca, nowa edukacja / New work, new education
Wielofunkcyjna przestrzeń dla firmy Teletech /
Multifunctional space for Teletech
Kultura współuczestnictwa / Culture of participation
Podwórko na warszawskiej Pradze, ul. Równa/Szwedzka /
A courtyard in Warsaw's Praga district, Równa/Szwedzka Streets
Osiedle komunalne Quinta Monroy / Quinta Monroy social housing
Sklep firmowy Freitag, zdjęcie: Roger Frei, dzięki uprzejmości firmy Freitag
Freitag Flagship Store, photo: Roger Frei, courtesy of Freitag
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 14
Przekierowanie /
Redirection
/ 15
Miejskie rolnictwo /
Urban agriculture
It is estimated that by 2050, the Earth’s population will have
grown by 3 billion. As much as 80 per cent of the people will
live in cities – currently, already about 50 percent do. In order
to feed everyone, we will need additional farmland with an area
of Brazil and Libya combined. But where will we find these
new fields? How much more carbon dioxide emitted by trucks
transporting spinach and lettuce to cities will our atmosphere
accommodate? One solution is growing vegetables in urban
wastelands, on balconies, walls and roofs. Urban agriculture is
not going to solve the world’s food supply problem, but it will
certainly help local communities, while significantly changing
the appearance of our cities.
Do 2050 roku liczba ludzi na Ziemi ma wzrosnąć o 3 miliardy.
Aż 80 procent populacji będzie wtedy mieszkać w miastach –
już teraz to około połowa ludzkości. Żeby wszystkich wyżywić,
potrzebny będzie dodatkowy obszar ziemi uprawnej wielkości
Brazylii i Libii razem wziętych. Skąd wziąć dodatkowe pola,
skoro i tak niewiele ich już zostało? Ile jeszcze dwutlenku
węgla emitowanego przez silniki ciężarówek wożących szpinak
i sałatę do miasta może przyjąć nasza atmosfera ? A może by
tak uprawiać warzywa na miejskich nieużytkach? W donicach
na balkonie? Na dachach i ścianach? Miejskie rolnictwo nie
rozwiąże problemów z wyżywieniem wszystkich mieszkańców
Ziemi, ale pomoże lokalnym społecznościom. I radykalnie wpłynie na wygląd miasta.
Spółdzielnia pszczelarska w Chicago, zdjęcie: Amanda Temple, dzięki uprzejmości Chicago Honey Co-op
Chicago Honey Co-op, photo: Amanda Temple, courtesy of Chicago Honey Co-op
/ 16
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Przekierowanie /
Redirection
/ 17
Spółdzielnia pszczelarska w Chicago /
Chicago Honey Co-op
Jadalny park /
Edible Park
Pasieka na nieużywanym parkingu w Chicago, w okolicy
zniszczonej w trakcie zamieszek na tle rasowym w latach 60.
Spółdzielnia pszczelarzy-ochotników od 2004 roku produkuje
miód i naturalne kosmetyki bez stosowania substancji chemicznych, zgodnie z zasadami zrównoważonego rozwoju, a także
organizuje szkolenia zawodowe dla okolicznych mieszkańców.
Publiczny ogród warzywny w Hadze – projekt brytyjskiego artysty Nilsa Normana. Ulokowany w środku warzywnika pawilon
z ogrodem na dachu służy do odpoczynku, przechowywania
narzędzi oraz jako punkt informacyjny dla odwiedzających.
Wokół pawilonu zainstalowano urządzenia pokazowe dla ekologicznego ogrodnika, np. toaletę kompostującą czy wiklinowy
filtr do wody.
The apiary is located in an abandoned parking lot in a Chicago
neighbourhood that suffered major damage during race riots in
the 1960s. Since 2004, this co-op of beekeeper-volunteers has
been working in accordance with the principles of sustainable
development to produce chemical-free honey and honey-based
cosmetics, while organising job training programs for local
residents.
A public vegetable garden in The Hague, designed by the British
artist Nils Norman. Situated in the centre of this urban farm
is a pavilion which is a place to rest, a storage space for tools,
and an information point for visitors. Around the pavilion, there
are examples of eco-friendly gardening installations such as a
composting toilet and a willow water filter.
Zdjęcie: dzięki uprzejmości Stroom Den Haag
Photo: courtesy of Stroom Den Haag
Zdjęcie: Amanda Temple, dzięki uprzejmości Chicago Honey Co-op
Photo: Amanda Temple, courtesy of Chicago Honey Co-op
Zdjęcie: Eric de Vries, dzięki uprzejmości Stroom Den Haag
Photo: Eric de Vries, courtesy of Stroom Den Haag
/ 18
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Przekierowanie /
Redirection
/ 19
Miejski ogród leczniczy /
Urban Physic Garden
Ogród Prinzessinnengarten w Berlinie /
Prinzessinnengarten in Berlin
Tymczasowy ogród z roślinami leczniczymi, kawiarnią
i bogatym programem wydarzeń kulturalnych, zbudowany
przez wolontariuszy z materiałów z odzysku na nieużywanym
terenie w południowym Londynie. Czynny od 11 czerwca
do 15 sierpnia 2011 r.
Organiczny ogród warzywny w skrzynkach, w berlińskiej
dzielnicy Kreuzberg, urządzony przez organizację non-profit
Nomadisch Grün wraz z grupą pasjonatów, aktywistów, przyjaciół, fanów i sąsiadów na terenie będącym od ponad pół wieku
miejskim nieużytkiem.
A temporary medicinal herb garden, with a cafe and a rich programme of cultural events, built out of recycled materials
by a group of volunteers on an abandoned site in south London.
Open from 11 June to 15 August 2011.
An organic garden made up of moveable vegetable planting
boxes. Located in Berlin/Kreuzberg, in an area which had been
an urban wasteland for more than half a century. The non-profit
Nomadisch Grün (Nomadic Green) organisation along with
a group of enthusiasts, activists, friends, fans and neighbours
created the garden.
Zdjęcie: Mike Massaro, dzięki uprzejmości Urban Physic Garden
Photo: Mike Massaro, courtesy of Urban Physic Garden
Zdjęcia: Marco Clausen, dzięki uprzejmości Prinzessinnengarten
Photos: Marco Clausen, courtesy of Prinzessinnengarten
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 20
Przekierowanie /
Redirection
/ 21
Eko-estetyka /
Eco-aesthetics
Design radzi sobie z wyzwaniami zrównoważonego rozwoju –
przetwarzanie bezużytecznych przedmiotów w nowe, o innej
funkcji lub wyglądzie, wykorzystywanie odpadów do produkcji
nowych materiałów i pakowanie w szary papier od dawna uznawane są za normę. Architektura dopiero zaczyna na poważnie
eksperymentować z eko-estetyką. Specjalistyczne technologie
produkcji ogniw fotowoltaicznych, pomp ciepła i zaawansowanych, ekologicznych tworzyw to jedno. Powrót do prostoty,
tradycyjnych, sprawdzonych materiałów i technik budowlanych
oraz próby wykorzystania odpadów w budownictwie to drugie.
Przywykliśmy do trawertynu, a może będzie trzeba okładać
budynki dyktą? W krajach najbardziej rozwiniętych obserwujemy nowe zjawisko – „postbogactwo”. Stare domy odnawia
się tylko na tyle, na ile naprawdę jest to potrzebne. Używane
sprzęty wyrzuca się jedynie wtedy, gdy naprawdę do niczego
już się nie nadają. Po co burzyć stary dworzec, jeśli wystarczy
go umyć? Czy w kupionym właśnie mieszkaniu koniecznie trzeba zbić kafelki, żeby położyć nowe? Dlaczego zrywać podłogi,
skoro można je pomalować? Takie samoograniczenie bierze się
z troski o środowisko. Nie możemy oczekiwać od architektury,
że będzie się wciąż zmieniać, udoskonalać, unowocześniać.
Design has responded to the challenges of sustainable
development – transforming useless objects into new by giving
them a new function or appearance, utilizing waste to produce
new materials and using recycled packing paper are all standard
solutions by now. Meanwhile, architecture is just beginning serious experiments with eco-aesthetics. Specialist technologies
of producing PV cells, heat pumps, and advanced ecological
materials are one thing. The other one is a return to traditional,
tested and proven methods, and making use of wastes in
construction. We have gotten used to travertine facades, but
what if we have to use plywood instead? In the most developed
countries, a new trend has appeared – post-abundance.
According to this new vision, old buildings are renovated only to
the extent that it is really necessary, old appliances are thrown
away only when they really stop functioning. Why demolish an
old railroad station, when it is enough to clean it? Do we really
need to remove tiles in a newly-purchased flat, just to put new
ones in? Why tear-up old floors, when you can paint them?
By asking such questions and changing our behaviour, we are
acting out of care for the environment. After all, we cannot
expect architecture to continuously transform, improve, and
modernize our surroundings.
/ 22
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Przekierowanie /
Redirection
/ 23
Sklep firmowy Freitag /
Freitag Flagship Store
Budynek z makulatury PHZ2 /
Recycled Paper Building PHZ2
Budynek z makulatury. Projekt mobilnej przestrzeni do pracy
autorstwa niemieckiej pracowni Dratz&Dratz Architekten,
zrealizowany w 2008 roku. Sprasowane w kostki kartony
z supermarketu (także wykonane z papieru z odzysku) okazały
się tanim i wytrzymałym materiałem dla architektury (na razie)
tymczasowej.
Sklep firmy Freitag, produkującej torby z używanych dętek i pasów bezpieczeństwa. Znajduje się w Zurychu i został urządzony
w przenośnej konstrukcji z 17 kontenerów, z platformą widokową na dachu. Projekt: Annette Spillmann, Harald Echsle.
A store for Freitag, a producer of bags made of used tyre tubes
and seatbelts. It is located in Zurich, in a transportable structure
made up of 17 containers, with a rooftop viewing platform.
Design: Annette Spillmann, Harald Echsle.
A building made out of waste paper, designed as a mobile workspace by German studio Dratz & Dratz Architekten, and built
in 2008. Pressed into blocks, supermarket carton boxes (also
made from recycled paper), turned out to be a cheap and solid
material for (so far) temporary architecture.
Zdjęcia: dzięki uprzejmości Dratz&Dratz Architekten
Photos: courtesy of Dratz&Dratz Architekten
zdjęcie: Roland Tännler, dzięki uprzejmości firmy Freitag
photo: Roland Tännler, courtesy of Freitag
/ 24
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Przekierowanie /
Redirection
Dataizm /
Dataism
Domek Vardehaugen /
Cabin Vardehaugen
Projektowanie opiera się na analizie danych: potrzeb, możliwości, zachcianek oraz ściśle policzalnych parametrów. W
przypadku dataizmu ten ostatni czynnik staje się najważniejszy.
Parametry i dane nie są jednym z czynników, lecz czynnikiem
głównym, punktem wyjścia i punktem dojścia. Dzięki temu
w czasach wymagających szybkich i racjonalnych decyzji
projektowych ograniczona zostaje rola ego architekta. Dataiści
podążają w stronę hodowania architektury, praktykowania
zawodu, który staje się odporny na manifesty, bliższy hodowli
koni czy wytwarzaniu wina. Architekci i projektanci nie tworzą
już skończonych form tylko otwarte systemy.
Nadmorski domek na norweskim półwyspie Fosen autorstwa
pracowni Fantastic Norway. Został zaprojektowany tak, by zaoferować jak największy komfort w zmiennym i ostrym klimacie.
A seaside cabin on the Fosen peninsula, designed by the
Fantastic Norway studio. It offers great comfort in the harsh and
changing climate.
The design process is based on analysing data: needs, capabilities, desires, and strictly quantifiable parameters. In dataism,
this last factor is crucial. Parameters and data are not just
some of the factors - they constitute the core, and are both the
starting and ending points. Thanks to this approach, in times
requiring quick and rational design decisions, the role of the
architect’s ego has been limited. Dataists aim toward ‘growing’
architecture, practicing the occupation in a way resistant to
manifestos, almost approaching the methodology of
horse-breeding or winemaking. Dataist architects and
designers create open systems instead of finished forms.
Zdjęcia: Håkon Matre Aasarød, dzięki uprzejmości Fantastic Norway
Photos: Håkon Matre Aasarød, courtesy of Fantastic Norway
/ 25
/ 26
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Przekierowanie /
Redirection
Nowa praca, nowa edukacja /
New work, new education
Wielofunkcyjna przestrzeń dla firmy Teletech /
Multifunctional space for Teletech
Dzięki internetowi można prowadzić firmę, nie ruszając się
sprzed komputera. Telepraca wielu ludzi uwięziła w domu. Po
jakimś czasie z powrotem zapragnęli oni kontaktu z ludźmi. Zaczęli się zrzeszać i tworzyć miejsca wspólnej pracy. Zaś właściciele tradycyjnych biur dostrzegli, że ich pracownicy lepiej czują
się w miejscach, które choć trochę przypominają dom. Lub
knajpę. Mamy więc biuro w domu, dom w biurze albo platformę
co-workingu i żadne z tych miejsc nie kojarzy się ze zwykłym
miejscem pracy. A zresztą, czy forma jest jeszcze istotna? Programy komputerowe można pisać siedząc w budynku sprzed
wieków. Dobry laptop sprawdzi się w prymitywnej chacie. Jak
będą wyglądać kiedyś biurowce? Czy będą w ogóle potrzebne? Również dzieci doświadczają zmiany w architekturze.
W szkołach zamiast klas pojawiają się przestrzenie z ruchomymi
ścianami. Sale lekcyjne nie przypominają sal wykładowych
z biurkiem nauczyciela i rzędami ławek, jeszcze niedawno było
to możliwe tylko w placówkach eksperymentalnych. Teraz nowe
podejście do edukacji, w którym nauczyciel, zamiast przekazywać wiedzę zza biurka, towarzyszy uczniowi w odkrywaniu
świata, coraz częściej wpływa na wygląd nowo budowanych lub
odnawianych szkół i przedszkoli.
Niskobudżetowe biuro w opuszczonej fabryce musztardy
w Dijon, dla 600 operatorów call center, którzy będą mogli sami
wybierać miejsce pracy w urządzonych nieformalnie przestrzeniach. Projekt holenderskiej pracowni MVRDV.
Thanks to the Internet, it is possible to run a company without
even leaving your computer desk. Unfortunately for many, telework (or tele-commuting) has made the home-office a prison. These workers missed interacting with other people, and
started gathering in groups and creating co-working spaces.
At the same time, owners of traditional offices noticed that their
employees feel better in spaces which look, at least a little bit,
like home. Or a café. Thus, we have home-offices, homes at
offices, co-working spaces, and none of these are like a ‘typical‘
workplace. So, is the form still that important? After all, you can
write computer programs in centuries-old buildings – a good
laptop is just as good in a simple cottage as it is in a big office.
Which leads us to the question of what office buildings will look
like in the future? Or, will we even need them at all?
Children are not exempt from experiencing the changes
happening in architecture. Instead of classrooms, they often
learn in open-spaces with moveable walls. Learning no longer
has to take place in a traditional setting with the teacher’s desk
facing rows of students. Until recently, such arrangements were
only available in experimental schools. A new approach
to learning, where a teacher accompanies students in exploring
the world, rather than instructing them from behind a desk,
is increasingly influencing newly built or renovated schools
and kindergartens.
A low-cost office in an old mustard factory in Dijon, for 600
call centre operators. The employees can choose their own
workspaces in the informally designed interior. Design by Dutch
studio MVRDV.
Wizualizacja dzięki uprzejmości MVRDV / Visualisation courtesy of MVRDV
/ 27
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 28
Przekierowanie /
Redirection
/ 29
Kultura współuczestnictwa /
Culture of participation
W misję architekta i urbanisty od zawsze wpisana była rola
demiurga. Porządkował chaos organicznie narastających miast.
Planował od nowa idealne przestrzenie. W czasach modernizmu projektował nowoczesne domy i osiedla pełne słońca,
świeżego powietrza i zieleni. Niestety, pozbawiona ludzkiej skali
przestrzeń przytłacza i odpycha. Dzielony z tysiącem anonimowych sąsiadów teren wydaje się niczyj, kto więc ma o niego
dbać? Pozbawiony indywidualnych cech, zaprojektowany „do
końca” budynek, w którym już nic nie można zmienić, wydaje
się obcy, nieprzyjazny. Może by tak urządzić coś po swojemu?
Architektura stoi na piedestale, jest traktowana jak dzieło sztuki,
w które nie można ingerować. Wszelkie próby modyfikowania jej przez użytkowników traktuje się jak świętokradztwo,
a przecież są one wyrazem naturalnego dążenia człowieka do
indywidualizacji estetycznej, oswajania, ocieplania, dostosowywania do potrzeb. Dosyć ikon w architekturze. Architekcie,
zapytaj przyszłego użytkownika, czego chce!
Architects and urban planners have always acted a bit like
demiurges – organizing the chaos of organically-growing cities,
planning ideal spaces, designing modern houses and sunny
estates full of fresh air and green trees. Unfortunately, a project that exceeds the human scale is overwhelming and rather
repulsive. A space shared with thousands of anonymous neighbours seemingly belongs to no one, so nobody takes care of it.
Devoid of individual features, a ‘completely’ designed building
in which nothing can be changed, seems unfriendly and odd.
The residents have no way of making their surroundings their
own. Traditionally, architecture has stood on a pedestal, treated
like a work of art, with which the public may not interfere. User’s
attempts to modify it were considered sacrilegious, despite the
fact that they only reflected a natural human desire for aesthetic
individualisation and the taming, warming, and adjusting of our
surroundings to meet our needs and desires. From now on,
no more icons in architecture! Dear architects, it is time to ask
future users what they want and need!
/ 30
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Podwórko na warszawskiej Pradze,
ul. Równa / Szwedzka /
A courtyard in Warsaw's Praga district,
Równa / Szwedzka Streets
Przekierowanie /
Redirection
/ 31
Osiedle komunalne Quinta Monroy /
Quinta Monroy social housing
Osiedle komunalne w Chile projektu pracowni Elemental. Każdy
budynek zbudowano do połowy, pozostałą część pozostawiając
do indywidualnej rozbudowy przez użytkowników.
Social housing development in Chile, designed by Elemental.
Only half of each building was built, so that residents could
individually decide on its further development.
Społeczny projekt renowacji podwórka, powstały w wyniku
ścisłej współpracy mieszkańców, lokalnych władz, administracji,
Grupy Pedagogiki i Animacji Społecznej Praga-Północ oraz
stowarzyszenia Odblokuj, działającego na rzecz poprawy środowiska mieszkalnego.
Projekt: Arch. Marek i Marlena Happachowie,
arch. krajobrazu – Joanna Hernik, 2011
A community project for the renovation and improvement
of an apartment-building courtyard, developed as a result of
close collaboration between the residents, local authorities and
administrators, Praga-Północ Pedagogy and Social Animation
Group and the Odblokuj (Un-block) association.
Project: Architects Marek and Marlena Happach,
landscape architect – Joanna Hernik, 2011
Zdjęcie: dzięki uprzejmości stowarzyszenia Odblokuj
Photo: courtesy of Odblokuj association
Zdjęcie: Tadeuz Jalocha (lewe), Cristóbal Palma (prawe), dzięki uprzejmości Elemental
Photo: Tadeuz Jalocha (left), Cristóbal Palma (right), courtesy of Elemental
/ 32
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Program Główny /
NeoFarm
„Jesteśmy projektantami, nie kuratorami” – pomyśleliśmy, kiedy poproszono nas o przygotowanie wystawy na Łódź Design
Festival. Jednak niemal równolegle ta sama myśl przerodziła
się w ekscytujące wyzwanie. Projektując, często stawiamy sobie za cel połączenie różnych elementów i scalenie ich w jedną
harmonijną całość, w wystawie także szukamy takiego właśnie
podejścia.
Wybieranie różnorodnych prac i zestawianie ich ze sobą ma
w sobie coś z budowania własnego gospodarstwa – miejsca,
które zaspokaja podstawowe potrzeby, ale także niektóre
z naszych największych pragnień. Wybrane przedmioty często
„ożywają” dzięki nawiązaniom do naszego życia i otoczenia
oraz wkomponowaniu ich w odpowiedni kontekst.
Z biegiem czasu wielu projektantów zdaje sobie sprawę z tego,
jak ważne jest poszukiwanie i wychodzenie poza granice czysto
funkcjonalnego wymiaru ich dzieł i zwracanie uwagi również na
elementy emocjonalne i osobiste. To często prowadzi do silnej
więzi na linii obserwator – obiekt. Takie wartości, wraz z wymogami funkcjonalno-praktycznymi, są niejednokrotnie postrzegane jako niezbędny element „dobrego designu”, a często
uzupełniają się nawzajem – funkcja budzi emocje i vice versa.
Chęć wyrażenia indywidualności w gwałtownie zmieniającym
się otoczeniu popycha nas w stronę tego, co znajome, wywołane doznaniami wizualnymi, a także dotykiem, zapachem lub innym bodźcem czuciowym. Powiązanie takie może mieć źródło
w naszej tęsknocie lub rodzić się w pamięci zbiorowej.
W rezultacie mamy do czynienia z przyjaznym otoczeniem,
które jest nam dobrze znane, a jednocześnie nowatorskie, ze
środowiskiem z pozoru prostym, a jednak bardzo twórczym.
Kurator: BCXSY – Boaz Cohen & Sayaka Yamamoto
NeoFarm
/ 33
Main Programme /
NeoFarm
“We are designers, not curators.” – this was the first thing which
came to our minds when we were asked to create an exhibition
for the Łódź Design Festival. Yet, almost at the same time,
this thought transformed into an exciting challenge. When we
design, our goal is often to bring together different elements
and merge them into one harmonious entity, and when thinking
about it, this approach is also what we would like to see when
looking at an exhibition.
Choosing different works and placing them side by side is like
building our very own farm – a place which provides our basic
needs along with some of our utmost desires. The chosen
objects are often ‘animated’ through the use of references to
our life and our surroundings, and through the positioning in
a relevant context.
In the course of time many designers have recognized the
significance of exploring and looking beyond the purely
functional properties of their creations, through additionally
addressing emotional and personal aspects. This resolution
often leads to a stronger bond between the viewer and the
object. Such values, along with the functional/practical needs
are often seen as essential in order to generate ‘good design’,
and often are complementary – the function raises the emotion
and vice-versa.
Our urge to express the individual within a rapidly changing
milieu is drawing us toward the familiar, triggered by the visual
properties, as well as the tactile, smell or any other sensory
stimulation. The relation could derive from our own nostalgia, or
emerge from collective memory.
The result is a welcoming surrounding which is well known, yet
innovative. An environment seemingly simple, yet very clever.
Curator: BCXSY – Boaz Cohen & Sayaka Yamamoto
/ 34
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Arzu Firuz & Paul Huber
Christien Meindertsma
Max Lipsey
AZE design
Front Design
Matylda Krzykowski
Ika Kuenzel
mischer'traxler
Kraud
Timo Sarpaneva
5.5 Designers
Lladró
Yanes Wühl
Ronan & Erwan Bouroullec
Floris Hovers
Paul Loebach
Big Game
Hans J. Wegner
Sebastian Wrong & Richard Woods
Marcel Wanders
Benjamin Hubert
David Clarke
Juliette Warmenhoven
Benjamin Hubert
Artyści /
Artists
NeoFarm
/ 35
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 36
NeoFarm
Arzu Firuz & Paul Huber
Christien Meindertsma
www.arzu-firuz.com
Francja / France
www.christienmeindertsma.com
Holandia / The Netherlands
Kolekcja drewniana Trompe l’Oleil /
Wood Trompe l’Oleil Collection (2007)
wykładzina PVC, wykrój cyfrowy /
PVC floor covering, digital cutting
Lniany projekt / The Flax Project (2009)
len, zwijanie liny / flax, winding rope
Twórczość Arzu i Paula opiera się na wymianie odniesień
stylistycznych i synergii inspiracji. Zainteresowanie nomadzkim
dywanem orientalnym doprowadziło ich do zakwestionowania
konceptu pokrycia podłogi – postanowili skorzystać z właściwości winylowych wykładzin podłogowych i połączyć je
z delikatnością wzorów perskich i osmańskich, tworząc serię
dywaników przeznaczonych do użytku domowego. Wykonane
są one z wykładziny podłogowej imitującej drewno, w której
wycięto wzory typowe dla kultury perskiej i wywodzące się
z Maroka mozaiki. Lekkie i elastyczne dywaniki z kolekcji
Trompe l'Oeil przypominają delikatną drewnianą koronkę.
Arzu and Paul's creations are based on their exchange of
stylistic references and the synergy of their inspirations. Their
interest for the oriental carpet as a nomad item led them to
question the concept of floor covering. They chose to gather the
qualities of a vinyl floor with the delicacy of Persian or Ottoman
patterns in the collection of rugs suitable for private indoor use.
Made in residential vinyl floor covering that looks like wood, in
which antique Persian and Zellige designs are cut, these
Trompe l'Oeil rugs look like delicate wood lace. Flexible
and light, they are easy to carry.
Analizując historię XVI-wiecznego holenderskiego przemysłu
linowego, Christien Meindertsma ograniczyła produkcję do
oryginalnego materiału Holendrów: lnu. Z włókien pochodzących z lokalnej uprawy powstała przędza, która następnie
została spleciona w sznurek. To świeże i innowacyjne podejście
Meindertsmy do bardzo starych technik, takich jak przędzenie,
tkanie, wyplatanie i rozdzielanie lin, zaowocowało niesamowitą
kolekcją różnych przedmiotów, a jednym z nich jest siedzisko
Flax.
By analysing the history of the traditional Dutch 16th-century
cordage industry, Christien Meinderstma has reduced the
ropery to the original material: flax. Using the flax from a Dutch
farmhouse, the filaments are spun in flax yarns, after which these
are twisted into strands. The fresh and innovative approach of
Meindertsma to the very old techniques as spinning, weaving,
twining and splitting has resulted in an astonishing collection of
different objects, and one of them is the Flax Ottoman.
Producent / Manufacturer: www.thomaseyck.com
/ 37
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 38
NeoFarm
Max Lipsey
AZE design
www.lipsmax.net
USA
Anna Kotowicz-Puszkarewicz, Artur Puszkarewicz
Wieszaki-gałęzie / Branch Hooks (2008)
farby proszkowe, aluminium lane /
powder coating, cast aluminum
Wieszaki to część projektu mającego na celu wprowadzenie
więcej życia i natury do naszych, często sterylnych i statycznych, domów. Haki na ubrania to aluminiowe gałęzie, które
wyglądają jak drzewo przebijające się przez ścianę. Powierzchnia kory, o wyraźnej fakturze, jest matowa, a końcówki gałęzi
gładko wypolerowane, co daje efekt małych lusterek. Wieszaki
o czystym, nowoczesnym wyglądzie jednocześnie przywodzą
na myśl wrażenie naturalnego wzrostu, a taką dawkę „organiczności” jesteśmy w stanie tolerować w naszych domach.
Part of a project exploring ways to bring more nature and life
into our often sterile, static home environments, the coat hooks
are aluminum branches which pose a semi-violent intrusion of
a tree growing in through the wall. The tree bark is a textured,
matte surface which ends in a mirror polished flat. These clean
and modern hooks also bring to mind a strong organic feeling of
growth. I believe that we can tolerate this much ‘organicness’
in our homes.
www.azedesign.pl
Polska / Poland
Dywan NODUS / NODUS carpet (2006)
sznur bawełniany, dywan wykonany ręcznie techniką szydełkową /
cotton cord, handmade carpet, needlecraft technique
Dywan NODUS jest transpozycją historycznej i etnograficznej ludowej twórczości szydełkowej. Jej bogata ornamentyka
i misterne sploty były wynikiem umiejętnego przetwarzania
prostego tworzywa, jakim jest nić. Poprzez zmieniony materiał,
rozmiar i zasadę kształtowania struktur obiekt zyskał zupełnie
nowe przeznaczenie oraz zaskakujący efekt estetyczny. Dywan
NODUS jest wykonany ręcznie z 1,5 km sznura bawełnianego.
The NODUS carpet is a transposition of historical and ethnographical folk needlecraft art. Its rich ornamentation and elaborate
weaves resulted from skilled processing of a simple material
– thread. Changes introduced to the material, as well as the
size and the structure shaping principle gave the object a new
function and brought about a surprising aesthetic effect. The
NODUS carpet is handmade from 1.5 km of cotton cord.
/ 39
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 40
NeoFarm
Front Design
Matylda Krzykowski
Sofia Lagerkvist, Charlotte von der Lancken, Anna Lindgren
www.matyldakrzykowski.com
Polska / Poland
www.frontdesign.se
www.moroso.it
Szwecja / Sweden
Miękka sofa drewniana / Soft Wood Sofa (2010)
pianka poliuretanowa odporna na nacisk, o zróżnicowanej
gęstości, drewniana rama, pokrycie z tkaniny TREVIRA z nadrukiem zaprojektowanym przez FRONT / stress-resistant
polyurethane foam with differentiated densities, wood frame,
covered by TREVIRA fabric with digital print according to
a specific design by FRONT
W twórczości grupy młodych szwedzkich projektantek Front
wyraźnie zaznacza się zainteresowanie grą pozorów, iluzją.
W kolekcji „Moment” w nietypowy sposób wykorzystują fotografie – przy ich pomocy wywołują wrażenie ruchu w przedmiotach i zniekształcają odbiór ich kształtu oraz materiału, z jakiego
są wykonane. Poduszki na kanapie zdają się balansować na
krawędziach, płaska powierzchnia pokrywa się bogato udrapowaną tkaniną, a drewno okazuje się być całkiem miękkie.
The concept of appearances emerges clearly in the work of an
all-female group of young Swedish designers, Front. The
‘Moment’ collection makes a striking use of photographic
images to create an illusion of movement in the objects and to
twist the experience of their shape and materiality. The images
make the cushions of the sofa balance on their edges, turn a flat
surface into one richly draped with fabric, and make a wooden
surface soft.
Producent / Manufacturer: Moroso
Tatuś byłby dumny / Daddy Would Be Proud (2011)
stare drewno gruszy, obróbka drewna /
old peer tree wood, woodworking
Na targowiskach w Polsce można znaleźć niezwykłe drewniane rzeźby. Te najbardziej interesujące powstają w Beskidach,
paśmie górskim na południu Polski.
Rzeźbiarze z tych regionów prezentują swoje wyroby na
rynkach. Pochodzi stamtąd mój tato – mama zawsze mówiła,
że jest prawdziwym Góralem, chłopcem z gór. Zainspirowana
tradycyjnym rzemiosłem pochodzącym z mojej ojczyzny, wykorzystałam swoje umiejętności, by stworzyć kolekcję małych
przedmiotów z drewna gruszowego.
Extraordinary wood carvings can be found when you visit Polish
markets. Some of the most interesting ones are carved in the
Beskids, a mountain range in southern Poland.
The wood carvers from there present their wares on the
markets, My father is from this region. My mother has always
said that he is a true ‘Goral’, a boy from the mountains.
Influenced by these crafts from the country of my origin, I used
my own woodworking skill to create a series of small objects
made of pear tree wood.
/ 41
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 42
NeoFarm
Ika Kuenzel
mischer'traxler
ikakuenzel.com
Niemcy / Germany
Katharina Mischer, Thomas Traxler
Uwaga, rodeo! / Caution This Is Rodeo (2006)
poliuretan, spienione tworzywo polimetanowe,
skóra, klasyczne obicie /
polyurethane, polymethane cellular plastic, leather,
classical upholstery
„Uwaga, rodeo!” to pomysłowy stołek bujany – używane siodło
trafiło ze stajni do salonu, gdzie ze z atrybutu aktywnego jeźdźca przeobraziło się w rozkołysane domowe siedzisko.
“Caution This Is Rodeo” is a ready-made rocking stool: a used
riding saddle has been taken from the barn into the living room
and transformed from an active sports tool into a domestic
rocking chair.
www.mischertraxler.com
Austria
Odwrócone kształty / Reversed Volumes (2010)
zaimpregnowany barwiony proszek ceramiczny, odlew /
impregnated pigmented ceramic powder, casting
„Odwrócone kształty” to miski, o których formie stanowi odbicie
owocu/warzywa w odlewie. Przestrzeń między naczyniem
a owocem/warzywem jest wypełniana masą ceramiczną. Po
usunięciu materiału organicznego, odlana miska zachowuje
jego odcisk. Użycie proszku ceramicznego, który twardnieje
bez potrzeby wypalania, sprawia, że każda miska jest tak samo
niepowtarzalna, jak prawdziwy owoc/warzywo. Wszystkie
naczynia są więc unikatami. Kształty odciśnięte są niezwykle
dokładnie, a użytkownik spogląda na owoc/warzywo z innej
perspektywy.
“Reversed Volumes” are bowls that are shaped by capturing the
imprint of a fruit/vegetable. The space between a vessel and
a fruit/vegetable is filled with ceramics. After the original organic material is taken away, the bowl preserves the actual imprint.
The use of ceramic powder, which becomes really hard without
being fired, gives the possibility for each bowl to be as unique as
the actual used fruit /vegetable. Therefore, each cast bowl is an
unique piece. The surface of each fruit/vegetable is represented in detail and lets the user see it from a different perspective.
/ 43
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 44
NeoFarm
Kraud
Timo Sarpaneva
Yvonne Fehling & Jennie Peiz
www.iittala.com
Finlandia / Finland
www.kraud.de
Niemcy / Germany
Martwe natury / Still Lives (2010)
bryła z włókna szklanego, tradycyjne skórzane obicie, ręczne
wykonanie / fiber glass body, traditional leather upholstery,
handmade
Przedmioty przeznaczone do domu. Element wyposażenia, zabawka, towar luksusowy, rzeźba. Wypchana zabawka, przyrząd
do ćwiczeń. Obszar projekcji. Zaskakujące. Urocze. Co sprawia,
że wprawiają nas w dobry nastrój? Ciche, wytresowane, nie
wymagają specjalnej opieki. Być może wyrażają one rodzaj
przesytu, może braku. Być może po prostu wystawiają na ciężką
próbę klasycznie pojmowany design. W każdym razie z uporem
godnym innego przedstawiciela parzystokopytnych opierają się
wszelkim definicjom i jest w tym zarówno element zaskoczenia,
jak i wolności. W każdym razie stanowią miłą odmianę w dość
nieoczekiwanym kierunku.
Objects for domestic space. Fitment, toy, luxury good, sculpture.
Stuffed toy, gym equipment. Projection area. Confounding.
Adorable. What is it that puts people in a happy mood when they
see these objects? Silent, house-trained, low-maintenance.
Maybe they are an expression of a certain type of saturation.
Or of deprivation. Maybe, they simply eagerly strain the classic
concept of design. In any case, they deliberately defy all definition. There is something both confounding and liberating about
it. In any case, they are a welcome change in an unexpected
direction.
Garnek Iittala Sarpaneva / Iittala Sarpaneva pot (1960)
odlew żelaza, emaliowane wnętrze, drewniana rączka / cast
iron, enamelled inside, wooden handle
Garnek zaprojektowany przez Timo Sarpanevę w 1960 r. to klasyczny projekt, będący połączeniem użyteczności tradycyjnego
żeliwnego naczynia z ponadczasową formą. Ten emaliowany,
żeliwny wyrób jest praktyczny w kuchni i pięknie wygląda na
stole. Idealnie nadaje się do przyrządzania wszelkiego rodzaju
zapiekanek oraz wolno podpiekanych w piecu dań. Garnek
Sarpanevy to klasyk, potwierdzający, że przedmioty zaprojektowane w sposób przemyślany są odporne zarówno na skutki
użytkowania, jak i upływ czasu.
Combining the practicality of a traditional cast iron pot with
a timeless form, the pot designed by Timo Sarpaneva in 1960 is
a popular evergreen. The pot is as practical in the kitchen as it
is beautiful on the table. This enamelled, cast iron ware is ideal
for various casseroles and slowly simmering oven dishes. The
Sarpaneva pot remains a classic that demonstrates the ability of
thoughtfully designed objects to withstand both use and time.
/ 45
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 46
NeoFarm
5.5 Designers
Lladró
www.cinqcinqdesigners.com
www.skitsch.it
France / Francja
www.lladro.com
Hiszpania / Spain
Ognisko / Fire Kit (2010)
dmuchane szkło, drewno / blown glass, wood
Od niepamiętnych czasów człowiek tworzył przedmioty pod
wpływem inspiracji przyrodą. Głównym założeniem w tym
wypadku jest powrót do źródeł poprzez skonstruowanie lampy
wyglądającej jak ognisko na plaży. Podstawa zbudowana jest
z dwóch skrzyżowanych drewnianych elementów, na których umieszczono „płomień”, czyli klosz z dmuchanego szkła
zawierający żarówkę. Światło lampy pozwala poczuć się jak na
pikniku na plaży.
Since ancient times, man has been forging objects inspired by
nature. The idea is to return to the origin of artefacts by building
a lamp that looks like a bonfire on the beach. The base is made
of two crossed wooden elements supporting a blown-glass
flame that contains the bulb. The light creates the illusion of
a picnic on the beach.
Producent / Manufacturer: Skitsch
Papużki nierozłączki / Parrot Party (2010)
ręcznie wytwarzane elementy porcelanowe / porcelain pieces
made by hand with porcelain
Kolekcja „Papużki nierozłączki” to pierwszy projekt Lladró Atelier. Opierając się na szkicach lampy zaprojektowanej w 2007
r. w dziale wzornictwa Lladró, zespół kreatywny tego studia
rozpoczął pracę nad projektem, którego owocem jest oryginalna kolekcja porcelany. Szlachetna podstawa, przypominająca
dzięki elementom poziomym i pionowym abstrakcyjne drzewo,
kontrastuje ze szczegółowym upierzeniem ptaków. Całość
cechuje swego rodzaju dualizm: tylko to, co konieczne wobec
dodatkowych zdobień, funkcjonalność wobec dekoracji,
jaskrawość i równowaga, mat i połysk… To właśnie dzięki
niemu kolekcja Lladró Atelier jest tak wyjątkowa.
“The Parrot Party Collection” is the first initiative from Lladró
Atelier. Taking its starting point in sketches of a lamp created in
2007 at the Lladró Design Department, its creative team began
to conceive a project which ended up in this original collection.
The refined forms of the supports, reminiscent of the abstraction of a tree with its horizontality and verticality, contrast with
the minute plumage of the birds. It depicts the duality – the
essential and the ornamental, functionality and decoration,
brightness and balance, matte and gloss – that makes the first
Lladró Atelier collection so special.
/ 47
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 48
NeoFarm
Yanes Wühl
Ronan & Erwan Bouroullec
www.yaneswuhl.com
Szwajcaria / Switzerland
www.bouroullec.com
www.vitra.com
Francja / France
Piecyk opalany drewnem / Wood Stove (2010)
odlew żelaza i beton zbrojony / cast-iron and armed concrete
Tworząc ten piecyk, traktowałem go jak rzeźbę czy pomnik –
taki pokaźny sprzęt zazwyczaj na zawsze pozostanie w miejscu,
w którym został ustawiony. Betonowa podstawa służy do przechowywania drewna, zaś górna, żeliwna część jest przystosowana do opalania drewnem. Po zamknięciu drzwiczek piecyk
może służyć jako dodatkowy grzejnik, mogący ogrzać pomieszczenie o kubaturze do 120 m3, a gdy jest otwarty – stwarza
przytulną atmosferę kominka opalanego drewnem.
I created my wood stove interpreting it as a sculpture,
a monument, because generally it is an imposing object that
once placed will not be removed anymore. It has a concrete
base, which is used to store the logs, and a cast iron upper part,
where the wood is burnt. When the door is closed, it can be an
auxilary heater for a room of 120m3, and when open it creates
a cozy fireplace atmosphere.
Algi / Algue (2004)
polipropylen / polyprophylene
Plastikowe elementy dekoracyjne, przypominające rośliny, które można łączyć na wiele sposobów, tworząc przejrzystą, gęsto
utkaną, trójwymiarową zasłonę – sieć.
Plastic decorative elements, resembling plants, which can be
combined in various ways, thus creating a transparent, densly
knit, tridimensional curtain – web.
Producent / Manufacturer: Vitra
/ 49
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 50
NeoFarm
Floris Hovers
Paul Loebach
www.florishovers.com
Holandia / The Netherlands
www.paulloebach.com
USA
Archezabawki / Archetoys (2005-2009)
stal – metalowe rurki, cięcie, spawanie i malowanie /
steel – metal tubes, cutting, welding and painting
Krzesło Great Camp / Great Camp Chair (2010)
drewno poddane obróbce frezarką typu CNC,
tradycyjnie wyplatana trawa /
CNC-milled wood, traditional grass weaving
Używając gotowych metalowych części, Hovers montuje modele znanych wszystkim pojazdów, które sam nazywa Archezabawkami. Choć do stworzenia trójwymiarowych ambulansów,
wozów strażackich czy piętrowych autobusów projektant wykorzystuje zaledwie kilka elementów, jego wyobraźnia sprawia, że
patrząc na nie, uśmiechamy się z zaskoczeniem.
With basic, factory-made metal parts, Hovers assembles what
he calls Archetoys, archetypes of familiar motorized vehicles.
The designer creates a three-dimensional impression of an ambulance, a fire truck or a double decker bus with few elements,
but enough imagination to make anyone smile with surprise.
A może blaszana? / Suggesting Tin (2004)
Ta „klasyczna” szafka jest efektem fascynacji blaszanymi
zabawkami oraz sposobem myślenia dzieci. Szafka wygląda na
drewnianą, ale tak naprawdę wykonana jest z blachy. Przypomina trójwymiarową ilustrację z książki dla dzieci, jest meblem
konkretnym i użytecznym, a jednocześnie pozostaje na granicy
rzeczywistości i wyobraźni.
A fascination for tin toys and a passion for suggestive thinking
of children formed a ‘classic’ cabinet. Not from wood, though
it looks like this, but in fact it is made from tin-plate. It looks
like a materialized, three dimensional illustration in a children
book. Tangible and useful, yet somewhere between fantasy and
reality.
Kolekcja „Great Camp” zainspirowana jest stylem spędzania
wakacji popularnym wśród zamożnych Amerykanów w końcówce XIX wieku, najczęściej w górach Adirondack na północy
stanu Nowy Jork – był to wyjątkowy czas i miejsce, gdzie
wielkie, dostojne rezydencje letnie płynnie wtapiały się w nieposkromioną naturę. Kolekcja powstała w Stanach Zjednoczonych
przy użyciu autorskich technik mechaniki komputerowej, opracowanych specjalnie dla potrzeb tego projektu, dzięki czemu
udało się uzyskać niezwykle szczegółowe, „ciosane” formy.
Zaprojektowane dla MatterMade.
“Great Camp” collection derives its inspiration from the
Adirondack vacation culture of upstate New York in the late
1800s – a unique time and place where untamed wilderness
and bold domestic grandeur met in seamless fashion. Built in
the USA, Great Camp is made using proprietary computerized
machining techniques developed specifically for this project,
capable of producing uncommonly meticulous faceted forms.
Designed for MatterMade.
/ 51
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 52
NeoFarm
Big Game
Hans J. Wegner
www.big-game.ch
www.moustache.fr
Szwajcaria / Switzerland
www.pp.dk
Dania / Denmark
Łoś / Moose (2005)
Łoś jest jednym z trzech drewnianych trofeów, zaprojektowanych przez Big Game. Jest to przedmiot ozdobny, w którym
dziedzictwo przodków konfrontowane jest ze współczesnym
stylem życia. Należy do kolekcji „Heritage in Progress”, powstałej w 2005 roku, która zajmuje się różnymi aspektami współistnienia tradycji i współczesności.
Moose is one the three assembled wood trophies designed by
Big Game. It is a decorative item confronting heritage and modern lifestyle. It belongs to the “Heritage in Progress” collection
of 2005, focusing on the aspects of tradition and contemporariness.
Producent / Manufacturer: Moustache
Pawie Krzesło / The Peacock Chair (1947)
Choć niemal postmodernistyczny design krzesła sugerowałby
inaczej, powstało ono już w 1947 r. Nowoczesna forma krzesła
nie służy jednak tylko oczom. Szerokie oparcie z nietypowo
ukształtowanymi szczeblami to świetny przykład estetyki w służbie ergonomii – spłaszczone części szczebelków,
które nadają krzesłu pawi wygląd, są usytuowane dokładnie
w miejscu, gdzie łopatki stykają się z oparciem. Co więcej, jak
to u Wegnera, krzesło nawiązuje do historii – a konkretnie do
słynnego fotela Windsor.
Despite the chair’s almost postmodern design, it was actually
manufactured as far back as 1947. However, its consciously
modern lines are not merely a matter of looks. Rather, the
sweeping back with its extravagantly shaped sticks are a feat
of ergonomic aesthetics. The flat parts of the sticks, which give
them the peacock-like appearance, are placed where the
shoulder-blades meet the chair’s back. Also, and not unusual
with Wegner, the chair has a historical anchorage, namely the
classic Windsor Chair.
Producent / Manufacturer: PP Møbler
/ 53
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 54
NeoFarm
Sebastian Wrong & Richard Woods
Marcel Wanders
www.richardwoodsstudio.com
www.establishedandsons.com
Wielka Brytania / Great Britain
www.marcelwanders.nl
www.moooi.com
Holandia / the Netherlands
Ceglany Fotel / Brick Chair (2009)
Jajeczny wazon / Egg Vase (1997)
biała porcelana nieszkliwiona na zewnątrz, szkliwiona
od wewnątrz / white unglazed porcelain outside, glazed inside
Obicie fotela pokryte jest charakterystycznym dla Woodsa
sitodrukiem, dzięki któremu dobrze znany, wielokrotnie
wykorzystywany motyw ma szansę stać się użytkową „ikoną”.
Ironia projektu wyraża się w kontraście pomiędzy wyjątkowym
komfortem siedziska oraz pozorną „twardością” nadruku. Eleganckie, mocno zarysowane kształty fotela, dwusiedziskowej
sofy czy otomany są idealnymi nośnikami dla śmiałego wzoru
Woodsa.
The upholstery bears a classic Woods’ screen print that turns
recycled, domestic motifs into applied ‘icons’. The irony of the
design lies in the extreme comfort of the chair in comparison to
the perceived ‘hardness’ of the print. The elegant, fundamental
shape of the single seat chair, two-seater sofa and ottoman
provide the ideal vehicle for Woods’ bold design.
Producent / Manufacturer: Established & Sons
Kolekcja trzech figlarnych wazonów porcelanowych. Ich kształt
powstał poprzez wypchanie prezerwatyw lateksowych jajkami
ugotowanymi na twardo.
A collection of three playful porcelain vases. The form is created
by stuffing latex rubber condoms with hard-boiled eggs.
Producent / Manufacturer: Moooi
/ 55
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 56
NeoFarm
David Clarke
Juliette Warmenhoven
misterclarke.wordpress.com
Wielka Brytania / Great Britain
www.juliettewarmenhoven.nl
Holandia / The Netherlands
Niepraktyczna Zastawa / Unusable Tableware (2010)
srebrzony nikiel i pewter, proste techniki wyrobu / silver plated
nickel and pewter, simple fabrication techniques of objects
Ziemniaczana Pozytywka / Potato Music Box (2010)
papier, sznurek, metal, plastik / paper, rope, metal, plastic
coating
Łyżka – narzędzie, przyrząd, przybór kuchenny. Używana do nakładania, mieszania, karmienia i odmierzania. Teraz zaś nadarza
się okazja, aby przyjrzeć się znajomym wyrobom i z przymrużeniem oka zastanowić się nad funkcją, zachłannością i przesadą.
„Ziemniaczana Pozytywka” (należąca do kolekcji „Everyday
Growing”) została wykonana w całości ręcznie, jest elegancka i delikatna. Powstała jako realizacja pomysłu na ukazanie
ukrytego piękna kiełkującego ziemniaka. Ziemniak, jako artykuł
spożywczy, jest zazwyczaj ograniczany i nie pozwala mu się
kiełkować. Kiełkujące ziemniaki są powszechnie uważane za
zepsute. Pozytywka zachęca widzów do zmiany sposobu postrzegania tej, zdawałoby się dobrze znanej, rzeczy – ziemniaka.
Tym razem jego widok z pewnością wywoła błysk w oku.
The spoon – a tool, an implement, a utensil. Used for serving,
mixing, for feeding, and as a measure. Here, it is an opportunity
to visit a familiar silversmithing object and raise questions
about function, greed and excess in a playful manner.
”The Potato Music Box” (a part of the “Everyday Growing”
collection) is a completely handmade music box which reveals
its aesthetic elegance and delicate beauty. It reflects the original
thoughts of showing the hidden beauty of the sprouting potato.
The potato as a consumption article is usually constrained and
therefore not allowed to shoot. Shooting potatoes are generally
seen as tainted. This music box invites the audience to renew
their view on this apparently familiar object. It will bring a twinkle
to their eyes.
/ 57
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Benjamin Hubert
www.benjaminhubert.co.uk
www.viaduct.co.uk
Wielka Brytania / Great Britain
Światło z komina / Chimney Light (2009)
glina garncarska, terakota, piasek,
białe szkliwo, odlew z masy lejnej /
earthenware clay, terracotta, sand,
white tin glaze, slipcast moulding
„Światła z komina” produkowane są przez Viaduct Furniture
w walijskiej pracowni garncarskiej jako odlewy z masy lejnej,
przy użyciu lokalnie pozyskiwanej białej gliny. Lampy są
następnie ręcznie malowane za pomocą masy terakotowej,
zawierającej 25% piasku. Proces malowania odbywa się na kole
garncarskim.
The Chimney Lights are manufactured by Viaduct Furniture.
The lamps are produced using a technique known as
slip-casting (liquid clay poured into plaster moulds) – they are
cast with white earthenware clay. They are produced in
a pottery studio in Wales and utilise the natural clay of the
region.After casting, they are hand painted with a terracotta slip
which has an addition of 25% sand. The painting process takes
place on a potter’s wheel.
Producent / Manufacturer: Viaduct
/ 58
NeoFarm
/ 59
/ 60
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Wystawy Specjalne /
Special Exhibitions
Wystawy Specjalne /
Special Exhibitions
/ 61
/ 62
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Artyści /
Artists
Ruchoma wyspa – Kitchen Budapest / Moving island – Kitchen Budapest
Rzeźbiąc w świetle, czeskie lampy stołowe 1950-1990 /
Light Sculptures, Czech table lamps 1950-1990
Przeminęło z wiatrem / Gone with the wind
Nika Zupanc
...i obudziłem się w Europie / ...and I woke in Europe
Andrey Bondarenko
Alexander Kozynets
Grycja Erde
Kateryna Sokolova
Igor Pinigin
Roman Zubaryev
Tereza Barabash
Roman Shpelyk
Nataliya Aulova
Oleksandr Shestakovych
Valeriy Kuznetsov & Kateryna Kuznetsova
Mukomelov Studio
Oksana Shmygol
Wystawy Specjalne /
Special Exhibitions
/ 63
Dlaczego Wschód? /
Why East?
Doświadczenia minionych edycji festiwalu uświadomiły nam,
że otwierając się szeroko na światowe trendy, często nie zdajemy sobie sprawy, co dzieje się w najbliższym sąsiedztwie. Nasi
międzynarodowi goście przyjeżdżają do Łodzi, chcąc między
innymi poznać wschodni design, zobaczyć projekty pochodzące z tej części Europy, poznać projektantów, których nie spotkali na największych europejskich wydarzeniach związanych z designem. Z tych względów postanowiliśmy podczas Łódź Design
2011 w ramach Wystaw Specjalnych zaprezentować design
wschodni. Chcemy być mostem łączącym Wschód i Zachód.
Wybrane przez nas wystawy nie pretendują do obiektywnego przeglądu zjawisk zachodzących w Europie Wschodniej,
jednak bardzo dobrze sygnalizują aktualne trendy. Definiują
obszary zainteresowań i prezentują to, czego „nikt się po nas
nie spodziewa”. Pokazują, że choć mamy inną historię i bagaż
doświadczeń, umiemy z nich uczynić atut i siłę naszego projektowania.
The experience gained during the previous editions of the
festival helped us realise that while we are opening up for the
latest global trends, we are often not aware of what is happening
in our own neighbourhood. Additionally, our international guests
visit Łódź to experience eastern design as well, and see projects
from this part of Europe. They would like to meet the designers
that were not presented on the biggest European design-oriented
events. Therefore, we decided that during Łódź Design 2011 we
would display eastern design as part of our Special Exhibitions.
We want to be the cultural link between the East and the West.
The exhibitions we selected are not intended to present the
objective overview of tendencies in Eastern Europe, but they
adequately reflect current trends. They define the areas of
interest and surprise with the unexpected. Even though our
history and experiences differ, we can make them our asset and
the source of strength that makes our design so special.
/ 64
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Wystawy Specjalne /
Special Exhibitions
/ 65
Ruchoma wyspa – Kitchen Budapest /
Moving island - Kitchen Budapest
Kitchen Budapest (KIBU) to ruchoma wyspa, na której spotkać
można młodych specjalistów (architekt, programista, artysta,
designer), pracujących nad projektami kulturalnymi opartymi
o nowe technologie.
– KIBU to ruchoma wyspa, na której prowadzone są różne
projekty eksperymentalne i badawcze, począwszy od instalacji interaktywnych, poprzez projekty typu „zrób to sam”, designerskie, badania autoetnograficzne, aż po aplikacje na telefony komórkowe.
– KIBU to ruchoma wyspa, której celem jest dzielenie się
wiedzą oraz umiejętnościami z uniwersytetami, szkołami, grupami kreatywnymi oraz firmami z Węgier i innych krajów.
– KIBU to ruchoma wyspa, propagująca metodę wspólnej
pracy, tj. wspólne warsztaty, projekty, wykłady
oraz rezydentury.
– KIBU to ruchoma wyspa, włączona w lokalne
i międzynarodowe sieci kontaktów.
– KIBU to ruchoma wyspa, będą innowacyjną platformą
dla ludzi, którzy chcą się sprawdzić w czymś nowym.
– KIBU to ruchoma wyspa, pełna dynamicznych,
otwartych i kreatywnych ludzi.
LANdelion (2010)
Kitchen Budapest (KIBU) is a moving island with young researchers from different backgrounds (architect, programmer, artist,
designer), who are working together on new technology-based
cultural projects.
– KIBU is a moving island with various experimental
and research projects, from interactive installations, through DIY or design prototypes, auto-ethnographic research
to mobile applications.
– KIBU is a moving island with the aim to share knowledge
and skills with universities, schools, creative groups
and companies from Hungary and other countries.
– KIBU is a moving island with a collaborative working
method – common workshops, projects, lectures, residencies.
– KIBU is a moving island with a local and international
network of contacts.
– KIBU is a moving island which serves as an innovative
platform for those who want to try themselves at new things.
– KIBU is a moving island with a dynamic, open
and creative community.
Kitchen Budapest to media lab, powstały w 2007 roku przy
wsparciu Magyar Telekom.
Nighmo / Nocek (2007-2011)
Kitchen Budapest is a medialab created in 2007 with the
support of Magyar Telekom.
Arbour Light / Świetlna altana (2007-2009
/ 66
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Wystawy Specjalne /
Special Exhibitions
/ 67
Rzeźbiąc w świetle, czeskie lampy stołowe 1950-1990 /
Light Sculptures, Czech table lamps 1950-1990
Antonín Hepnar, Růžena Žertová, Jaroslav Anýž,
Helena Frantová, Zukov Workshop, Pavel Grus,
Josef Hůrka, Stanislav Kučera... i inni / and others
Kuratorski wybór lamp stołowych stworzonych
w latach 1950-1990 w byłej Czechosłowacji,
na terytorium dzisiejszych Czech /
A curatorial selection of table lamps made in 1950-1990 in
former Czechoslovakia, or in the territory of the present-day
Czech Republic.
The installation starts in the 1950s, when the Czechoslovak
design was not forced to conform strictly to the period’s
socialist realism and historicism. Czech lighting designers
tended towards international modernism. Lights were delicate
statues with a luminous function. This holds true for both the
production in the newly established producer cooperatives,
(Napako, Drupol, Lidokov, Zukov), and the hand-crafted lights
(Alena Nováková, Antonín Hepnar, and others). Their aesthetics
and designing methods approximated modernist designs of
European and American designers in many aspects, but superb
workmanship and materials were substituted with imitations
and substandard quality of socialist production. The unique
table lamp designed by Jaroslav Anýž serves as an exception
here. It is an artful combination of porcelain, metal, and glass.
Lamps designed by Josef Hůrka, Pavel Grus, and others are
also very elegant despite some workmanship flaws.
Wystawa rozpoczyna się od lat pięćdziesiątych dwudziestego wieku, kiedy to czechosłowackie wzornictwo nie musiało
rygorystycznie podporządkować się realizmowi socjalistycznemu i historyzmowi. Czescy projektanci oświetlenia preferowali
międzynarodowy styl modernistyczny. Lampy z tamtego okresu
to subtelne posągi z funkcją oświetlenia – odnosi się to zarówno
do procesu produkcji w nowo powstałych spółdzielniach
(Napako, Drupol, Lidokov i Zukov), jak i do ręcznie wykonywanych lamp (Alena Novákova, Antonín Hepnar i in.).
Ich estetyka i metody projektowania w wielu aspektach bliskie
są modernistycznemu designowi europejskiemu i amerykańskiemu, jednak szlachetne metale i staranne wykonanie
ustępują miejsca imitacjom i podrzędnej jakości socjalistycznej
produkcji. Wyjątkiem od tej reguły jest unikalna lampa stołowa
zaprojektowana przez Jaroslava Anýža, będąca połączeniem
porcelany, metalu i szkła. Projekty Josefa Hůrki, Pavela Grusa
i innych są także bardzo eleganckie, mimo pewnych uchybień
w jakości wykonania.
Estetyka dekoracyjna w tzw. stylu brukselskim (nawiązanie do
Wystawy Światowej w 1958 r.), dominowała aż do późnych lat
sześćdziesiątych. Lata siedemdziesiąte przyniosły nowe trendy
– uproszczenie i monumentalizację. W tamtym okresie prace
Růženy Žertovej i Antonína Hepnara wyróżniały się najbardziej,
aż do lat osiemdziesiątych. Unikalne lampy, które wykonywali
własnoręcznie w bardzo niewielkich seriach, odpowiadały
powszechnemu w tamtym okresie zainteresowaniu projektami
futurystycznymi i minimalizmem. Większość eksponatów po raz
pierwszy pojawia się na tego rodzaju wystawie.
The decorative aesthetics of the so-called Brussels style,
named in relation to the world exhibition in 1958, dominated
until the late 1960s. In the 1970s, new impulses arrived –simplification and monumentalization. Růžena Žertová and Antonín
Hepnar stood out most in that period and continued to do so
into the 1980s. The unique lights, which they made themselves
in very limited editions, correspond with the period’s interest in
space-age design and minimalism. Most objects on display are
presented in such a curatorial selection for the first time.
Kurator / Curator: Adam Štěch, OKOLO
Helena Frantová, Lampa stołowa i ścienna / Table and wall lamp
Antonín Hepnar, Halogenowa lampa stołowa / Halogen table lamp
/ 68
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Przekierowanie /
Redirection
/ 69
Przeminęło z wiatrem /
Gone with the wind (2010)
Nika Zupanc
www.nikazupanc.com
Wejdź do wietrznego ogrodu, w którym Czarne Wiśnie,
Kostki Cukru i Skromne Myśli bez pamięci zakochują się
w przyrodzie. Nika Zupanc przedstawi w nim swoje prace,
skromne i samodzielne, reprezentujące nowy sposób
rozumienia designu – przez symbole i emocje.
Enter the windy garden, where things such as Black Cherries,
Sugar Cubes and Modest Thoughts fall hopelessly in love with
the ways of nature. Inside the windy garden, Nika Zupanc presents her family of objects on display. This time, they come to
address you as advocates of a sort because they present a case
for new symbolic and emotional readings of design, and are told
through elements of modesty and self-reliance.
Patron wystawy / Exhibition patron: Elle Decoration
Boris, Design by Nika Zupanc, 2009
Sugar Cubes, Design by Nika Zupanc, 2010
/ 70
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Wystawy Specjalne /
Special Exhibitions
...i obudziłem się w Europie
...and I woke in Europe
Projekt „...i obudziłem się w Europie” jest pierwszą prezentacją
ukraińskiego designu w Europie (i na świecie).
“...and I woke in Europe” is the first presentation of Ukrainian
design in Europe (and in the world).
Większość prezentowanych prac powstała w ciągu ostatnich
pięciu lat, a więc kilkanaście lat po rozpadzie Związku Radzieckiego oraz 20 lat po odzyskaniu przez Ukrainę niepodległości.
O wschodnich sąsiadach Zachodowi przypomniało jednak
dopiero zaangażowanie świata w „pomarańczową rewolucję”.
I kiedy raptem Zachód ocknął się, żeby może Ukrainę do Europy
wreszcie zaprosić, okazało się, że ona dawno już tam była.
Ukraińcy sami pewnego dnia przebudzili się i zrozumieli, że
podążają tą samą drogą. Że teraz wszystko, co robią, robią na
europejskim poziomie. I taki też jest ukraiński design. Dojrzały,
świadomy – z jednej strony swej tradycji, a z drugiej – przynależności do wspólnej Europy.
Most of the presented works were created in the last 5 years,
i.e. more than 10 years after the dissolution of the Soviet Union
and 20 years after Ukraine gained independence. The West
took notice of its eastern neighbours only after the world got
involved in “the Orange Revolution.” So when the West finally
decided to invite Ukraine to Europe, it turned out that it was
already there. The Ukrainians woke up one day and understood
that they are on the same train and whatever they do, they do it
on the European level. Ukrainian design is the same. It is mature
and conscious of its tradition and European membership.
Nowa fala, tzw. pokolenie posttransformacyjne, lekcję europejskiej sztuki, która przez dziesiątki lat kształtowała doświadczenie pozostałej części kontynentu, odrobiła zaledwie w ciągu
dwóch dekad. Młodzi ukraińscy projektanci wytyczyli sobie
drogę daleką od najprostszej. Jest w ich projektach coś świeżego, nowego, przede wszystkim pozbawionego ideologicznych
ograniczeń. To harmonijny wielogłos typowych dla ukraińskiej
postmoderny: buntu, prowokacji, niedopowiedzeń, karnawalizacji i ekscentryzmu. Młodzi bawią się funkcją, mieszają hierarchie, prowokują pytania. Szanują tradycję i dobre rzemiosło.
Stawiają na profesjonalizm, ale, jednocześnie, w ciężkiej pracy
wciąż odnajdują pasję.
Ukraina. Idealna geografia: stanowić nieodłączną część Europy,
wpisywać się w światowy kontekst, a jednocześnie zachowywać
swoją fantastyczną unikatowość. Projekt „...i obudziłem się w
Europie” nie jest jedynie ekspozycją wybranych kilkunastu przykładów współczesnego wzornictwa. Towarzyszący wystawie
katalog, prezentujący sylwetki poszczególnych projektantów
i ich miast, stanowi zapis śladów i miejsc, w których kumulują
się emocje młodego, wolnego pokolenia. To emocjonalny zapis
pewnej drogi, która biegnie przez Europę. Drogi bez granic,
szlabanów i wiz.
Tytułem wystawy jest zdanie bez początku. Dla nas liczy się
to, co tu i teraz. Przeszłość pozostawiamy historykom. To ona
stanowi właśnie pierwszą część zdania. Resztę niech każdy
dopowie sobie sam. Nas interesuje ów moment przebudzenia.
Pokazujemy sztukę pozbawioną ciężaru historii i wolną od
epatowania martyrologią. Proponujemy za to kreatywny potencjał i dojrzałość młodego pokolenia. Projekt „...i obudziłem
się w Europie” nie definiuje charakteru ukraińskiego designu,
ale stanowi próbę pokazania dzieła w toku, work in progress,
zmiany. Przecież jesteśmy świadkami początku zmian na mentalnej mapie Europy. Projekt ma charakter otwarty, gdyż, wedle
ukraińskiego poety Andrija Lubki, zmiana jest tym, co już można
odczuć, ale czego jeszcze nie można opisać.
Kurator: Ksenia Kaniewska
New wave, the so called post-transformation generation, took
their lesson on European art, which had been shaping the experience of the remaining part of the continent for ages, in less
than two decades. Young Ukrainian designers have chosen a
course far from the easiest one. In their projects, there is something fresh, new, devoid of ideological limitations. This is a harmonious choir of typically post-modernist Ukrainian defiance,
provocation, understatement, carnivalesque and eccentricity.
The young play with function, they mix hierarchies and provoke
questions. They respect tradition and good craftsmanship, and
they believe in professionalism, but, still, they find passion in
hard work.
Ukraine. Ideal geography: to be an inseparable part of Europe,
set in the global context, and, at the same time, to retain the fantastic uniqueness. The “... and I woke in Europe” project is not
only an exhibition of several selected examples of contemporary design. The accompanying catalogue, presenting individual
designers and their cities, is a record of places and traces which
accumulate emotions of the young and free generation. It is an
emotional record of a road which runs across Europe. A road
without borders, gates and visas.
/ 71
The title of the exhibition is a sentence without the beginning.
We value only here and now. We leave the past to historians.
The first part of the sentence is past, whereas the rest is up to
you. We are interested in this moment of awakening. We show
art devoid of historical weight and free from martyrology. Instead,
we offer the creative potential and maturity of the young
generation. The “... and I woke in Europe” project does not
define the character of Ukrainian design, but it is an attempt
to show work in progress, change. We witness changes on the
mental map of Europe. The project is of open character since,
in the words of Ukrainian poet Andrij Lubka, change is what can
be already experienced, but not yet described.
Curator: Ksenia Kaniewska
Patroni wystawy / Exhibition patrons:
Ambasada Ukrainy w Polsce / Ukraine Embassy in Poland
Fundacja CCA, Kijów / Foundation Center
for Contemporary Art, Kiev
Instytut Polski w Kijowie / Polish Institute, Kiev
Cersanit Koło
/ 72
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Wystawy Specjalne /
Special Exhibitions
Andrey Bondarenko
Grycja Erde
jolkalapalkala.blogspot.com
www.grycja.com
Dog i Tax / Dog and Tax (2011)
drewno, tkanina / wood, textile
Najprostsze krzesło / The Simplest Chair (2010)
drewno (dąb) / wood (oak)
/ 73
Alexander Kozynets
www.kozynets.com
Linne (2011)
ręcznie wykonany prototyp:
metalowa podstawa,
styropian, tkanina /
handmade prototype:
metal base, styrofoam, textile
Kateryna Sokolova
www.behance.net/Sokolova
ZIG & ZAG (Redesign of Gerrit Rietveld chair /
Nowa interpretacja krzesła Gerrita Rietvelda) (2006)
sklejka / plywood
/ 74
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Wystawy Specjalne /
Special Exhibitions
/ 75
Igor Pinigin
Oleksandr Shestakovych
Tereza Barabash
dorogaya.com
shestakovych.com
www.trbarabash.blogspot.com
Föhn (2010)
termoodporny polimer, szkło ceramiczne, metalowa rama /
thermoresistant polymer, ceramic glass, metal frame
Duga (2011)
pogięte i zespawane metalowe rury, miękkie siedzisko /
bent and welded metal, soft seat
Tryptyk: Dzieci / Triptych: Kids (2007)
kolaż: tkanina, papier, druk /
collage: fabric, paper, print
Roman Zubaryev
www.behance.net/Zubarev
ZU (2010)
sklejka / plywood
Igor Pinigin
dorogaya.com
Egglight (2006)
jaja kurze, diody LED / hen eggs, LEDs
Roman Shpelyk
www.shpelyk.com
Pianokomoda / Pianocomod (2011)
farbowana płyta MDF / painted MDF
/ 76
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Nataliya Aulova
Wystawy Specjalne /
Special Exhibitions
Valeriy Kuznetsov
& Kateryna Kuznetsova
Organy Aulova / Aulova Organ (2011)
drewno / wood
www.decorkuznetsov.com
Mukomelov Studio
Płaszczyzna / Plane (2006)
sklejka z drewna brzozowego / birch plywood
Oksana Shmygol
www.oksanashmygol.com
mukomelov.com
„… i obudziłem się w Europie” katalog wystawy /
“... and I woke up in Europe” exhibition catalogue (2011)
książka w formacie 170x220mm, 150 stron /
book, format 170x220mm, 150 pages
Lampa TR / TR Lamp (2010)
plastik / plastic
Mukomelov Studio
/ 77
mukomelov.com
Valeriy Kuznetsov
& Kateryna Kuznetsova
Lampa-rekin / Shark Lamp (2010)
plastic / plastic
www.decorkuznetsov.com
Leżanka / Lying-in (2008)
drewno jesionowe / ash wood
/ 78
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Przegląd Szkół /
School Review
Przegląd Szkół /
School Review
/ 79
/ 80
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Akademia Sztuk Pięknych w Łodzi /
Strzemiński Academy of Art Łódź
Walentyna Balcerzak
Daria Balińska
Aleksandra Barańska
Alicja Łaciak
Małgorzata Mróz
Katarzyna Staryk
Anna Szydłowska
Milena Wiaderek
Uniwersytet Artystyczny w Poznaniu /
University of Arts in Poznań
Magdalena Ataman
Małgorzata Masłowska
Weronika Sochacka
Politechnika Koszalińska, Instytut Wzornictwa /
Technical University of Koszalin, Design Institute
Aleksandra Groś
Marika Lewandowska
Marcin Sutuła
Anna Szklińska
Szkoły /
Schools
Szkoła Designu w Kolding / Kolding School of Design
Dorte Agergaard
Akademia Gerrit Rietveld w Amsterdamie /
Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam
Joshua Enker
Pablo Londono Sarria
Uniwersytet Sztuki w Londynie, Central Saint Martins College /
University of the Arts in London, Central Saint Martins College
Helen Bullock
Phoebe English
Myrza de Muynck
Shoun Samson
Przegląd Szkół /
School Review
/ 81
Tkanina / Textile
Przegląd Szkół to jedno z kluczowych wydarzeń festiwalu.
Pozwala na nawiązanie współpracy między uczelniami, konfrontację programów i metod nauczania, wymianę myśli i doświadczeń. Daje niepowtarzalną możliwość promocji uczelni
i zaprezentowania przez nią swoich osiągnięć. Wystawy i multimedialne pokazy przedstawiają prace najzdolniejszych, często
debiutujących studentów i realizują w ten sposób podstawowy
cel festiwalu – odkrywanie młodych utalentowanych osób.
The School Review is one of the key events of the festival. It
allows art schools to establish cooperation and confront their
curricula and teaching methods, to exchange thoughts and
experiences. It is a great opportunity to promote themselves
and to show their accomplishments. Multimedia shows and
exhibitions present the works of the most talented students, and
that is how the most fundamental aim of the Festival is realized –
to discover young talents.
W tym roku tematem Przeglądu Szkół jest „Tkanina”. Postanowiliśmy skupić się na nauczaniu projektowania tekstyliów.
Niewiele jest rzeczy w naszym codziennym otoczeniu o tak
długiej historii, jak tkanina. Towarzyszy nam od ośmiu tysięcy
lat. Począwszy od prymitywnych plecionek, w których wykorzystywano naturalne materiały, jak trawy, włókna, elastyczne
gałązki, po najnowsze odkrycia rodem z NASA i laboratoriów
sportowych, zaspokaja potrzeby praktyczne, a równocześnie
spełnia funkcje dekoracyjne i artystyczne. Nieustannie ewoluuje, zachowując swoją tożsamość: wykorzystuje coraz to nowe
tworzywa i technologie, odpowiada na zmieniające się ludzkie
potrzeby i oczekiwania. Nieustannie żyje. Zaskakuje, przybierając nowe formy, wzory, kolory i funkcje.
This year, the theme of the School Review is “Textile”. We
decided to focus on the tradition of teaching textile design.
There aren’t many things in our every day life that have a history
as long as textiles. They have been part of our lives for eight
thousand years. Starting with primitive pleats, made with
natural materials such as grass, fibres, flexible twigs, all the way
to the newest discoveries from NASA and sports laboratories,
they fulfill our practical needs and at the same time play the
decorative and artistic function. They continuously evolve, yet
manage to retain their identity: they use ever newer materials
and technologies that respond to the changing human needs
and expectations. They live continuously. They surprise us by
embracing new forms, patterns, colours and functions.
Do Przeglądu zaprosiliśmy wszystkie uczelnie, wydziały
i kierunki, które zajmują się tkaniną unikatową i przemysłową,
innowacjami w tej dziedzinie oraz starym artystycznym rzemiosłem. Postanowiliśmy przyjrzeć się temu, czym jest tkanina
współcześnie i jakie są kierunki jej rozwoju. Czy jest terenem
odkrywania nowych możliwości, realizacji innowacyjnych projektów, polem estetycznych dążeń, czy może jest tylko i wyłącznie historycznym artefaktem, któremu owszem można oddać
honor, ale który nie jest już dzisiaj wyzwaniem projektowym?
Każda z tych możliwości jest opisem i wyrazem zmiany. Zmiany
ludzkich oczekiwań, dążeń i potrzeb. Czas rozstania z tkaniną
jeszcze nie nadszedł. Ci, którzy przewidują trendy, wieszczą
jej wielki powrót. Co mówi o nas dzisiejsza tkanina? Co mówią
przez nią dzisiejsi studenci? Przywróćmy tkaninę Łodzi, niegdysiejszej stolicy przemysłu tekstylnego.
During the School Review, we decided to take a closer look at
textiles and their meaning nowadays as well as at the directions
in which they are evolving. Is it an area of discovering new
possibilities, implementation of innovative projects, a field of
aesthetic aspirations, or is it just a historic artifact which can be
honoured, but is no longer a design challenge? Each of these
possibilities is a description and an expression of change. The
change of human expectations, their aspirations and needs. It is
still too early to part with textiles. Those who foresee new trends
promise their great comeback. What do modern textiles say
about us? What do students try to say when working with them?
Let’s bring textiles back to Łódź which was once the heart of
textile industry.
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 82
Przegląd Szkół /
School Review
Magdalena Ataman
Marcin Sutuła
www.atamandesign.com
www.archteam.pl
Doily (2011)
stelaż stalowy, wypełnienie z plecionej gumki kapeluszowej /
steel frame, plaited round elastics
Czerwona róża / Red Rose (2011)
filc dekoracyjny, organza / decoration felt, organza
Uniwersytet Artystyczny w Poznaniu, Wydział Architektury
i Wzornictwa, Architektura Wnętrz, III Pracownia Projektowania
Mebla, V rok /
University of Arts in Poznań, Faculty of Architecture
and Design, Department of Interior Architecture,
Furniture Design Studio III, 5th year
Opiekun / Tutor: dr Mateusz Wróblewski
www.uap.edu.pl
Siedziska doily. Wynieśmy serwetki na zewnątrz, do ogródka, na
taras czy balkon i zanurzmy się w nich rozkoszując się słońcem.
Doily seats. Let’s take the napkins outside, to the garden,
terrace or balcony, sink in them and enjoy the sunny day.
Politechnika Koszalińska, Instytut Wzornictwa,
Wzornictwo Przemysłowe, Pracownia Projektowania
Ubioru i Kostiumu, III rok /
Technical University of Koszalin, Design Institute, Industrial
Design, Studio of Clothing and Costume Design, 3rd year
Opiekun / Tutor: dr Alina Adamczak
www.wzornictwo.tu.koszalin.pl
Inspiracją dla kreacji stała się symbolika róży oraz szczególna
charakterystyka materiału, całość buduje się na relacji tych
dwóch wartości i trzeciej, już niezależnej, tajemnicy kobiecości.
The outfit has been inspired by a rose as a symbol and by
unique characteristics of the fabric. The whole concept is based
on the relation of these two values, and on the third –
independent – one, namely, the mystery of feminity.
/ 83
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 84
Przegląd Szkół /
School Review
Pablo Londono Sarria
Katarzyna Staryk
www.pablolondonosarria.com
Lampy / Lamps (2010/2011)
drewno, drut, przędza / wood, wire, yarn
Pedes in Orbis (chodząc w kółko) /
Pedes In Orbis (walking in circles) (2011)
Akademia Gerrit Rietveld, Projektowanie,
Moda, Mode11, IV rok /
Gerrit Rietveld Academie, Design,
Fashion, Mode11, 4th year
Opiekun / Tutor: Karima Benali
www.gerritrietveldacademie.nl
Pedes in orbis to po łacinie „chodzenie w kółko”. Prezentowany
projekt to moja wizja życia – i przeżycia – siedmiu młodych
mężczyzn w odległej przyszłości. Ludzie ci przeszukują to, co
zostało z dawno minionej cywilizacji, polując na odpadki i złom
– skarby, które pozwolą im przeżyć kolejny dzień chodzenia
w kółko. Tak zachowują się ludzie na pustyni, ale nie każda
pustynia jest z piasku.
Pedes in orbis is Latin for ‘walking in circles’. This is my story
about the survival of seven young men in a distant future. They
scavenge the surface of what once was a civilization, looking
for useful scrap, treasures that will help them survive another
day walking in circles. That is what you do in deserts, but not all
deserts are made out of sand.
Akademia Sztuk Pięknych w Łodzi, Wydział Tkaniny
i Ubioru, Wzornictwo, Pracownia Dywanu i Gobelinu, III rok /
Strzemiński Academy of Art Łódź, Faculty of Textile
and Fashion, Design, Carpet and Tapestry Studio, 3rd year
Opiekun / Tutor: prof. Jolanta Rudzka-Habisiak
www.asp.lodz.pl
Seria unikatowych lamp wiszących i stojących inspirowanych
naturą i ekologią.
A series of unique floor and pendant lamps inspired by nature
and ecology.
/ 85
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 86
Przegląd Szkół /
School Review
Dorte Agergaard
Anna Szydłowska
Z kolekcji Pure / The Pure Collection´s (2010/2011)
tkaniny i druk cyfrowy / textiles and digital printing
www.annaszydlowska.pl
Szkoła Designu w Kolding, Wzornictwo, Wydział Projektowania
Produktu, Projektowanie tkanin, dyplom 2007 /
Kolding School of Design, Design, Department
of Product Design, Textile Design, graduate 2007
Opiekun / Tutor: Helle Graabaek
www.designskolenkolding.dk
Ideą kolekcji PURE jest „zachowanie czystości”. Kolekcja
przeznaczona jest do domu, gdzie wyrazistość i formę uzyskuje
się poprzez przearanżowanie układu przedmiotów codziennego
użytku i umieszczenie ich w nowym kontekście – co stanowi
swoistą grę z naszym pojęciem normalności. Projekt łączy
zabawę z powagą.
The concept behind the collections PURE is about ‘keeping it
pure’. It is a design series created for home, where expression
and form start from rearranging everyday objects and placing
them in a new context – a play with our concepts of normality.
It’s fun and serious.
Bez tytułu / Untitled (2010)
tkanina żakardowa / jacquard-woven fabric
Akademia Sztuk Pięknych w Łodzi, Wydział Tkaniny i Ubioru,
Wzornictwo, Pracownia Tkaniny Dekoracyjnej, IV rok /
Strzemiński Academy of Art Łódź, Faculty of Textile and Fashion, Design, Decorative Textile Studio, 4th year
Opiekun / Tutor: prof. Krystyna Górska
www.asp.lodz.pl
Tkanina wnętrzowa oparta na prostym układzie geometrycznym i zastosowaniu cieniowanego wątku.
A fabric for interiors based on a simple geometrical pattern and
shaded weft. / 87
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 88
Przegląd Szkół /
School Review
Weronika Sochacka
Walentyna Balcerzak
Ręcznie wykonany papierowy fotel i hoker /
Handmade, Paper Lounge Chair & Paper Bar Stool (2011)
stal, gazety z recyklingu / steel, recycled newspapers
Amfibia / Amphibia (2011)
szkło, plastik, materiał fosforyzujący – kauczuk /
glass, plastic, phosphorescent material – natural rubber
Uniwersytet Artystyczny w Poznaniu, Wydział Architektury
i Wzornictwa, Architektura Wnętrz,
Pracownia Projektowania Obiektu, III rok /
University of Arts in Poznań, Department of Interior Design,
Design, Product Design Studio, 3rd year
Akademia Sztuk Pięknych w Łodzi, Wydział Tkaniny i Ubioru,
Wzornictwo, Pracownia Tkaniny Eksperymentalnej, I rok /
Strzemiński Academy of Art Łódź, Faculty of Textile
and Fashion, Design, Experimental Textile Studio, 1st year
Opiekun / Tutor: prof. Jolanta Usarewicz-Owsian prof. zw. UAP
www.uap.edu.pl
Ekologiczne, eleganckie meble (fotel i hoker) o nowoczesnej,
prostej formie. Ich oryginalne i wbrew pozorom trwałe siedziska
zostały wyplecione z gazet pochodzących z recyklingu. Idea
plecenia siedzisk z papieru powstała podczas prób jego ujarzmienia, kiedy to wyplot z papieru został wzmocniony cienkim
stalowym drucikiem.
Environmentally friendly, stylish furniture (a lounge chair and
a bar stool) with a simple, modern shape. Their unique and
surprisingly strong seats have been woven of recycled
newspapers. The idea of weaving seats made of paper was
born in the process of restraining this material, when paper
weave was strengthened with steel wire.
Opiekun / Tutor: dr hab. Lidia Choczaj
www.asp.lodz.pl
Obiekt wolnostojący, transparentny. Tysiące zmultiplikowanych
kapsuł budują organiczną formę. Drobne elementy wypełniające pojedyncze kapsuły świecą w ciemności, tworząc misterny
koronkowy wzór.
A free-standing transparent object. Thousands of multiplied
capsules compose an organic form. Small elements filling individual capsules shine in the dark and create a fine lacy pattern.
/ 89
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 90
Przegląd Szkół /
School Review
Marika Lewandowska
Alicja Łaciak
www.noboart.pl
Akademia Sztuk Pięknych w Łodzi,
Wydział Tkaniny i Ubioru, Wzornictwo /
Strzemiński Academy of Art Łódź, Faculty of Textile
and Fashion, Design
Płaszczyk z filcu / Felt coat (2011)
filc / felt
Politechnika Koszalińska, Instytut Wzornictwa, Wzornictwo,
Pracownia Projektowania Ubioru i Kostiumu, IV rok /
Technical University of Koszalin, Design Institute, Industrial
Design, Studio of Clothing and Costume Design, 4th year
Opiekunowie / Tutors: dr Alina Adamczak,
dr hab. Zygmunt Laskowski
www.wzornictwo.tu.koszalin.pl
Płaszcz, którego konstrukcja inspirowana jest strojem stewardessy, wykonany został z jednego kawałka filcu dekoracyjnego
o grubości 2,5 mm oraz 1 mm.
A coat inspired by a flight attendant’s uniform, was made of one
piece of decoration felt (2.5 mm and 1 mm thick).
/ 91
dzienny / daily (2011)
wełna czesankowa, sznurek lniany, klej termotopliwy / worsted
wool, linen string, hot-melt glue
Pracownia Tkaniny Eksperymentalnej, II rok /
Experimental Textile Studio, 2nd year
Opiekun / Tutor: dr hab. Lidia Choczaj
www.asp.lodz.pl
Kompozycja składająca się z siedmiu elementów, stanowiących
zestaw naszyjników na siedem dni tygodnia. Każdy następny
naszyjnik jest logiczną kontynuacją poprzedniego.
The composition consists of seven elements – a set of
necklaces for each day of a week. Every necklace is a logical
continuation of the previous one.
patchwork (2011)
papierowe rolki, opakowania po jajkach, szary papier, folia /
paper rolls, egg trays, brown paper, foil
Pracownia Papieru, II rok / Paper Studio, 2nd year
Opiekun / Tutor: prof. Ewa Latkowska-Żychska
www.asp.lodz.pl
Monochromatyczna masa małych elementów zaskakuje swym
wewnętrznych reliefem. Choć uzyskany został w bardzo prosty
sposób, nie daje się od razu rozpoznać.
A monochromatic mass of small elements surprises with its
internal relief. Although it was obtained in a very simple way,
it cannot be identified immediately.
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 92
Przegląd Szkół /
School Review
Anna Szklińska
Aleksandra Groś
Wiwat Obojętność! / Viva Indifference! (2010-2011)
tkanina z drugiej ręki, technika własna /
second-hand fabric, author’s own technique
www.ohhla.hostzi.com
Politechnika Koszalińska, Instytut Wzornictwa,
Wzornictwo Przemysłowe,
Pracownia Projektowania Produktu, dyplom 2008 /
Technical University of Koszalin, Design Institute,
Industrial Design, Studio of Product Design, graduate 2008
www.wzornictwo.tu.koszalin.pl
Czym innym jest tkanina, jak nie materią położoną w najbliższej
człowiekowi przestrzeni? Nosi w sobie tajemnicę, swój własny
ciężar i ciepłotę naszego ciała, jego zapach... Jest chłonna,
posłuszna, nieczysta. Jest jak nasze wnętrze.
What is a fabric if not the matter placed in our nearest space?
It contains the mystery, its own weight and the warmth of our
body, its smell… It’s absorptive, obedient, unclean. It’s like our
inside.
Origami (2010/2011)
ortalion, skaj, atłas / polyamide, artificial leather, satin
Politechnika Koszalińska, Instytut Wzornictwa, Wzornictwo,
Pracownia Projektowania Ubioru i Tkaniny, IV rok /
Technical University of Koszalin, Design Institute, Design,
Studio of Clothing and Textiles Design, 4th year
Opiekun / Tutor: dr Alina Adamczak
www.wzornictwo.tu.koszalin.pl
Kolekcja ubiorów damskich i galanterii inspirowana origami
demonstruje możliwości, jakie niesie ze sobą najstarsza sztuka
składania papieru zaadaptowana do funkcji użytkowej, pokazując jednocześnie zależności pomiędzy sylwetką a geometrią
ubioru. Formy są zarazem proste i eleganckie, jak i pełne
niedopowiedzeń, zaskakujących rozwiązań i nowoczesnych
konstrukcji.
A collection of ladies’ clothing and accessories inspired by
origami. It demonstrates the opportunities which are provided
by the oldest art of folding paper when it is used in functional
design, and it shows the relation between a silhouette and
clothing geometry. The forms are simple but elegant and full of
allusions, surprising solutions and modern constructions.
/ 93
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 94
Przegląd Szkół /
School Review
Małgorzata Masłowska
Daria Balińska
www.maslowskadesign.pl
Elewacje IX / Elevations IX (2008)
tkanina żakardowa / jacquard-woven
90 m (2011)
metalowe rurki, pręty, linka żeglarska (ok. 90 metrów),
biały spray /
metal pipes, rods, sailing rope (about 90 meters),
white spray paint
Uniwersytet Artystyczny w Poznaniu, Architektura
Wnętrz i Wzornictwo, Wzornictwo,
III Pracownia Projektowania Mebla, III rok /
University of Arts in Poznań, Department of Interior Design,
Design, Furniture Design Studio III, 3rd year
Opiekun / Tutor: ad. Mateusz Wróblewski
www.uap.edu.pl
Forma powstała w wyniku syntezy bryły i wstęgi, w której seria
powtarzających się splotów buduje organiczną, interaktywną
płaszczyznę ograniczoną stabilną, geometryczną konstrukcją.
Główną inspiracją jest ruch włókna, jaki występuje podczas
tworzenia się powierzchni tkaniny, jego rytmiczny tor oraz
symetryczny, regularny podział długości.
The form is a result of the synthesis of a solid and a band,
where a series of repetitive weaves build an organic, interactive
surface limited by a stable geometrical construction. The main
inspiration comes from yarn moving as the fabric surface is
created, its rhythmical path and a symmetrical, regular division
of length.
Akademia Sztuk Pięknych w Łodzi, Wydział Tkaniny i Ubioru,
Wzornictwo, Pracownia Tkaniny Dekoracyjnej, dyplom 2008 /
Strzemiński Academy of Art Łódź, Faculty of Textile
and Fashion, Design, Decorative Textile Studio, graduate 2008
Opiekun / Tutor: prof. Krystyna Górska
www.asp.lodz.pl
Tkanina dekoracyjna pochodząca z kolekcji dyplomowej inspirowanej nowoczesną architekturą wielkomiejską.
A decorative textile that comes from the author’s diploma
collection inspired by modern urban architecture.
/ 95
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 96
Przegląd Szkół /
School Review
Aleksandra Barańska
Małgorzata Mróz
www.aleksandrabaranska.daportfolio.com
Nicielnicowa / Shaft (2008-2010)
przędza, aluminium / yarn, aluminium
Metro (2011)
maty bambusowe, gazety, taśma /
bamboo mats, newspapers and magazines, tape
Akademia Sztuk Pięknych w Łodzi, Wydział Tkaniny i Ubioru,
Wzornictwo, Pracownia Tkaniny Eksperymentalnej, III rok /
Strzemiński Academy of Art Łódź, Faculty of Textile
and Fashion, Design, Experimental Textile Studio, 3rd year
Opiekun / Tutor: dr hab. Lidia Choczaj
www.asp.lodz.pl
Tkanina eksperymentalna wykonana z bambusowych mat
przeplatanych kawałkami kolorowych gazet i białej taśmy
klejącej. Tkanina „Metro” może stanowić rodzaj ściany, dzielącej
przestrzeń wnętrza.
Experimental textile made of bamboo mats in which straps of
colour newspapers and magazines and white scotch tape are
weaved. The Metro textile may serve as a ‘wall’ that divides the
interior.
Akademia Sztuk Pięknych w Łodzi, Wydział Tkaniny i Ubioru,
Wzornictwo, Pracownia Tkaniny Eksperymentalnej, V rok /
Strzemiński Academy of Art Łódź, Faculty of Textile
and Fashion, Design, Experimental Textile Studio, 5th year
Opiekun / Tutor: dr hab. Lidia Choczaj
www.asp.lodz.pl
Tkanina dwustronna, wykonana ręcznie na krośnie nicielnicowym. Poza klasyczną osnową/wątkiem, w „ciało” tkaniny wbudowane zostało aluminium. Niezwykły efekt tworzą blikujące
światła, ażury, subtelna gama barw.
A two-sided textile handmade on a shaft-based loom. Besides
the classic warp/weft, the ‘body’ of the textile has been fitted
with aluminium. Glittering lights, ajoure and subtle colours give
a unique effect.
/ 97
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 98
Przegląd Szkół /
School Review
Milena Wiaderek
Myrza de Muynck
32 (2011)
folia przezroczysta, klisze RTG, nici / transparent plastic film,
x-ray film, thread pieces
www.myrzademuynck.com
Akademia Sztuk Pięknych w Łodzi, Wydział Tkaniny i Ubioru,
Wzornictwo, Pracownia Tkaniny Eksperymentalnej, III rok /
Strzemiński Academy of Art Łódź, Faculty of Textile
and Fashion, Design, Experimental Textile Studio, 3rd year
Opiekun / Tutor: dr hab. Lidia Choczaj
www.asp.lodz.pl
Tkanina eksperymentalna – transparentny ekran do wnętrz,
zbudowany z rentgenowskich zdjęć zębów. Pierwszoplanowym
elementem obrazu są nici.
An experimental textile – a transparent interior screen,
build of dental x-rays. The main element of the picture
are threads.
Bieda de luxe, kolekcja jesień/zima /
Poverty de luxe A/W (2011)
ubrania / clothes
Uniwersytet Sztuki w Londynie, Central Saint Martins
College, moda damska, dyplom 2011 /
University of the Arts in London, Central Saint Martins College,
Fashion Womenswear, MA in Fashion, graduate 2011
Opiekun / Tutor: Louise Wilson
www.csm.arts.ac.uk
Myrza de Muynck inspirację zaczerpnęła z kolekcji sukien z lat
20-tych XX wieku oraz z licznych cytatów zebranych z książek
o Paulu Poiret, Coco Chanel oraz Dianie Vreeland. Zafascynowana wymyślnymi projektami tkanin tamtego okresu,
de Muynck postanowiła zaprojektować proste, sportowe
w formie ubrania, wykonane jednak z bardzo wymyślnych
i czasochłonnych, ręcznie tkanych materiałów. Nadała im w ten
sposób mocny, współczesny rys – z jednej strony jest to haute
couture, z drugiej, widać tu dążenie do standaryzacji.
Myrza de Muynck found inspiration for the collection in dresses
from the 1920s and a series of quotes she collected from books
about Paul Poiret, Coco Chanel and Diana Vreeland. She was
fascinated by the elaborate fabric designs of this period and
thought it would be interesting to make very time-consuming
and handcrafted fabrics, but capture them in a simple
sportswear-like silhouette. Her garments became more
contemporary – in a way they’re couture fashions, but they
project an image of standardisation.
/ 99
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 100
Przegląd Szkół /
School Review
Phoebe English
Helen Bullock
www.phoebeenglish.com
www.helenbullock.com
Kolekcja dyplomowa / MA final collection (2011)
ręcznie szydełkowanie z włosów, guma oraz włosy akrylowe /
hand crochet threading with hair,rubber and acrylic hair
Kolekcja jesień/zima / A/W (2011)
sitodruk, ręczny malunek / screen printing, hand painting
płótno, len, bawełna / canvas, linen, cotton
Uniwersytet Sztuki w Londynie, Central Saint Martins College,
Moda damska, dyplom 2011 /
University of the Arts in London, Central Saint Martins College,
Fashion Womenswear, graduate 2011
Uniwersytet Sztuki w Londynie, Central Saint Martins College,
Moda, Projektowanie tkanin, dyplom 2011/
University of the Arts in London, Central Saint Martins College,
Fashion, Textiles fashion, graduate 2011
Opiekun / Tutor: Wojciech Dziedzic
www.csm.arts.ac.uk
Opiekun / Tutor: Wojciech Dziedzic
www.csm.arts.ac.uk
Kiedy pracuję, przede wszystkim badam związek pomiędzy
ubiorem i ruchem. Ręcznie wykonane elementy ozdobne stanowią kluczowy element mojej twórczości, w której szczególnie
skupiam się na kompozycji.
Kolekcja stworzona spontanicznie i intuicyjnie. Niespodziewane połączenie kolorów i kompozycji, zainspirowanych stylem
filmu „Candy” z lat sześćdziesziątych… marionetkami Paula
Kleesa… grupą the Polyphonic Spree… twórczością Gordona Matta-Clarka, spódnicami z rozcięciem, a także własnymi
rysunkami osobliwych kobiet. Stworzona metodą sitodruku,
ręcznego malunku i malowania z użyciem szablonu. Skomponowana z płótna, lnu oraz zakupionej kwiecistej tkaniny, wykorzystanej tak, by zasłonić niektóre jej fragmenty. Obuwie powstało
przy wykorzystaniu znalezionego drewna, które zostało wyrzeźbione tak, aby pasowało do reszty buta.
An experimentation into the relationship between garment and
motion is at the forefront of my mind when designing. Handmade laboured decorative details form the centre of my design
ethos which includes a sharp attention to composition.
A collection created from spontanaiety and intuition.
Unexpected colours and compositions inspired by a festival
scene of banners in the 60s movie “Candy” ... Paul Klee’s hand
puppets... The Polyphonic Spree ... Gordon Matta-Clark, splits
in skirts, and my drawings of odd ladies. Created using screen
printing, stenciling and hand painting, and composed of canvas,
linen and bought floral fabric, which was then manipulated by
using a technique to block out some areas. Shoes have been
created by using found wood that was then sculpted to fit the
shoe.
/ 101
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 102
Przegląd Szkół /
School Review
Shaun Samson
Joshua Enker
shaunsamson.co.uk
Akademia Gerrit Rietveld, Moda, Wydział Mody,
dyplom 2011 /
Gerrit Rietveld Academie, Fashion, Fashion department, ,
graduate 2011
Wiosna / Lato 2012
Spring / Summer 2012
koce meksykańskie, wełna, bawełna, igłowanie filcu /
mexican blankets, wool, cotton, needle punch felting
Uniwersytet Sztuki w Londynie, Central Saint Martins College,
Moda, Moda męska, dyplom 2011 /
University of the Arts in London, Central Saint Martins College,
Fashion, Fashion Menswear, graduate 2011
Prowadzący / Tutor: Peter Jenses
www.csm.arts.ac.uk
Tradycyjne koce meksykańskie, filc igłowany na różne inne
materiały.
Native Mexican blankets, needle punch felted onto various
other materials.
/ 103
Opiekun / Tutor: Wojciech Dziedzic
www.gerritrietveldacademie.nl
Bez tytułu – serie flokowane /
Untitled – flocked series (2011)
papier Tyvek, włókno celulozowe, klej flokowy, flokowanie
i ogrzewanie gorącym suchym powietrzem /
Tyvek paper, cellulose fiber, flock glue, flocking and
dry heat treatment
Seria ta jest wynikiem eksperymentowania z techniką flokowania na materiale Tyvek. Flokowany papier daje bardzo ciekawe
wrażenie dotykowe, a obróbka cieplna nadaje mu zupełnie
nowy wymiar.
This series is the result of experimental research with flocking
on Tyvek. The flock gives a completely different tactile feel to
the paper and how the heat treatment adds yet another
dimension.
Kolekcja dyplomowa / BA graduation collection (2011)
papier Tyvek, jedwab, tkanina bawełniana, dżins, żółta taśma,
igłowanie maszynowe, szycie /
Tyvek paper, silk, cotton shirting, denim, yellow tape, machine
punching, sewing
Inspiracją do stworzenia kolekcji był „Boro”, czyli ubiór japońskich wieśniaków. Były to stroje robocze dla mężczyzn i kobiet,
pozszywane z kawałków i resztek ubrań. Piękno zrodzone
z potrzeby.
The main inspiration came from “Boro”, Japanese peasant
textiles. It was work wear for both men and women, patched
together from scraps and remnants over the years – a case of
beauty born out of necessity.
/ 104
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Konkurs
make me! /
make me!
contest
Konkurs make me! /
make me! contest
/ 105
Fundatorem nagrody głównej 20 000 zł jest Mecenas Festiwalu – Ceramika Paradyż /
The main prize, PLN 20 000 is funded by the Main Patron of the Festival – Ceramika Paradyż
Fundatorami pozostałych nagród / The remaining awards are funded by
/ 106
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Konkurs make me! /
make me! contest
/ 107
make me! /
2011
5/
1 / Agnieszka Przewoźna (Polska / Poland)
www.adesignstudio.pl
Multiplo (2011)
papier / paper
2 /
Agnieszka Dybowska (Polska / Poland)
www.agdyby.eu
Fiu Fiu (2011)
drewno, farba, gięty drut / wood, paint, bent wire
1/
6/
3 / Anna Kruk (Polska / Poland)
www.aniakruk.com
100YEARS.PL (2011)
strona www, animacja flash /
website, flash animation
5 / Daniel Glazman (Izrael / Israel)
www.danielglazman.com
Stołek w uścisku / Clamped Stool (2011)
drewno klonu, stal, mosiądz / maple wood, steel, brass
4 / Cordula Kehrer (Niemcy / Germany)
www.cordulakehrer.de
Plecione kosze / Bow Bins (2008)
czerwone plastikowe wiadro, biała wiklina /
red plastic bucket, white willow
6 / Chang Yu-Chih, Hu Tsuo-Ning (Tajwan / Taiwan)
www.eandjdesignstudio.com
Typ Y / Type Y (2011)
sklejka / plywood
2/
7/
3/
4/
7/
Fawory (Polska / Poland)
Małgorzata Piotrowska, Monika Niezabitowska,
Zofia Hejduk
www.fawory.com
Transformacja / Transformation (2011)
komunikacja >> interakcja >> fabrykacja /
communication >> interaction >> fabrication
8 / Jacek Ryń (Polska / Poland)
www.razy2.pl
Gryzmoł / Doodle (2011)
aluminium, pleksiglas, mdf, lakiery i farby /
aluminium, acrylic glass, MDF, varnishes and paints
8/
/ 108
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Konkurs make me! /
make me! contest
/ 109
9/
13 /
Kristína Sekerová (Słowacja / Slovakia)
Dżinsowe wzory /
Denim patterns (2011)
dżins / denim
14 / Magdalena Garncarz (Polska / Poland)
www.magdalenagarncarz.com
Stołek Baby Jagi /
Baba Yaga’s stool (2011)
8 szczotek (zamiataczy) + bukowe kołki /
8 brooms (sweepers) + beech studs
13 /
11 /
9 /
Jakub Marzoch (Polska / Poland)
Płachta / Shelter (2011)
poliester ripstop, aluminium /
polyester ripstop, aluminium
10 / Katarína Siposová (Słowacja / Slovakia)
www.katarinasiposova.blogspot.com
Serwetki Re-born /
Re-born napkins (2010)
tkanina bawełniana, nić bawełniana, krochmal /
100% cotton fabric, cotton thread, starch
15 / Pilar Rojo Peso (Hiszpania / Spain)
www.pilarrojo.es
Seria fotoksiążek ShowOFF / Series of ShowOFF Photobooks (2011)
książki / books
15 /
14 /
16 / Sylwia Sroka (Polska / Poland)
www.facebook.com/sylwiasrokatextile
Kryształy / Crystals (2011)
poliester w 3 kolorach, biała osnowa, techniki tkackie / polyester in 3 colours, white warp, weaving techniques
10 /
11 / Katarzyna Augustyniak (Polska / Poland)
projektkatarzynow.blogspot.com
Czerwony Kapturek /
Little Red Riding Hood (2011)
książka / book
12 / TODO (Polska / Poland)
Katarzyna Jakubowska, Tomasz Gębala
www.to-do.com.pl
Kafel ceramiczny CALDO /
CALDO ceramic tile (2011)
plastyczna ogniotrwała glina, glazura /
formable fireproof clay, glaze
12 /
16 /
/ 110
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Konkurs make me! /
make me! contest
/ 111
make me! /
2010
17 /
17 / Thibaut Godard (Francja / France)
www.thibautgodard.fr
Porcelana / Porcelain (2010-2011)
porcelana, korek / porcelain, cork
18 / Urszula Kowal (Polska / Poland)
cargocollective.com/ulakowal
IGE Indywidualny Generator
Energii Open Source /
IGE Individual Energy Generator
Open Source (2011)
tektura falista 2 mm, panele fotowoltaiczne, akumulatory
AAA, port USB, diody kierunkowe, przewody /
2 mm corrugated board, photovoltaic panels,
AAA batteries, USB port, diodes, wires
Nagrodzone projekty / Awarded projects:
19 / Wojciech Kawczyk (Polska / Poland)
YGREK (2010)
stal nierdzewna i pleksi / stainless steel and acrylic glass
4 / Magdalena Karasińska
Stolik Moso / Moso Table (2010)
Nagroda Główna - 20.000 zł / The main prize PLN 20,000
1 / Poliszdizajn: Kamila Niedźwiedzka i Nikodem Szpunar
Lampa Komar / Mosquito Lamp
Pozostali laureaci / Other laureates:
2 / Emmanuel Gardin
Recto Verso (2008)
1/
3 / Wiktoria Gołębiewicz
Drop – nalewaczka dla osób starszych /
Drop – pouring device (2010)
5 / Aleksandra Pięta & Piotr Wiśniewski (Polska / Poland)
Smaki Podhalańskie / Podhale Tastes (2010)
20 / Tomasz Pydo (Polska / Poland)
www.pydodesign.com
Owijka / Wrappie (2011)
ceramika / ceramics
18 /
6 / Filip Wcisło & Katarzyna Bukowska-Wcisło
SpaghettiMonster (2010)
2/
3/
20 /
5/
19 /
6/
4/
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Wystawy Towarzyszące /
Accompanying
Exhibitions
/ 112
Wystawy Towarzyszące /
Accompanying Exhibitions
/ 113
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 114
Wystawy Towarzyszące /
Accompanying Exhibitions
/ 115
must have
Energia Wnętrza. Styl Skandynawski /
Interior Energy. Scandinavian Style (2011)
must have
Łódź Design ekspertów wskazała najciekawsze, najbardziej
wyróżniające się projekty rodzimego wzornictwa, odzwierciedlające aktualne trendy polskiego designu. Wśród laureatów
BoConcept, IKEA, Kinnarps, &tradition
ność, ergonomia, jakość wykonania oraz uroda projektu.
-
Spośród 150 nominowanych przedmiotów wyłoniono 44 pro-
-
To zestawienie, które polecamy jako must have –
po prostu musisz je mieć.
must have is a vote in which a group of experts invited by Łódź
Design has selected the most interesting, attention-worthy
projects of Polish design, reflecting current trends in our
country. The laureates of must have include big and well-known
enterprises, and also small family and friends’ initiatives related
to furniture, interior design, lighting, packaging and toys. In each
case, the choice was determined by their innovativeness,
functionality, ergonomics, quality and beauty of the project.
Out of 150 nominated objects, 44 have been selected which we
recommend as examples of a wise and conscious strategy of
investing in design.
We recommend the following as must haves.
Prostota i funkcjonalność. Tak można określić wzornictwo skandynawskie, którego pragmatyczny charakter w dużej mierze
podyktowany jest surowym klimatem krajów dalekiej północy. Śnieżne zimy sprzyjały koncentrowaniu życia w domach:
wnętrza stawały się oazami przytulności, wygody i ciepła. Dizajn
północy nawiązuje również do wiekowej tradycji rękodzielniczej; solidność i wytrzymałość mebli idzie w parze z naturalnym
urokiem drewna. Formy wynikają z konkretnych potrzeb (także
estetycznych), nie ma zbędnych elementów. Na sukces i silną
pozycję skandynawskiego dizajnu składa się przekonanie,
że każdy obywatel powinien mieć do niego dostęp. Brzmi utopijnie? Żyjąc w kraju, w którym realia odbiegają od wyobrażeń,
skorzystajmy z tego, co wypracowano w Skandynawii.
Zdjęcie / Photo: BoConcept
Simplicity and functionality. This is how we can describe
Scandinavian design, whose pragmatic character is largely
determined by the harsh northern climate. Snowy winters have
always made people spend most of their everyday live at home:
interiors became cosy, comfortable and warm oases.
Scandinavian design makes use of the centuries-old handicraft
tradition; and the solidity and durability of furniture is combined
with the natural beauty of wood. Form is determined by specific
needs (also aesthetic), there are no redundant elements. The
success and strong position of Scandinavian design are shaped
by the belief that it should be accessible for every citizen.
Sounds utopian? In our country, where the reality is rather far
from our wishful thinking, let us at least find inspiration in the
ideas implemented in Scandinavia.
Zdjęcie / Photo: Kinnarps Group, marka / brand: Materia
Zdjęcie / Photo: IKEA
/ 116
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Wystawy Towarzyszące /
Accompanying Exhibitions
Przeprojektowane? /
Overdesigned? (2011)
Modus Vivendi (2011)
Wystawa Stowarzyszenia Twórców Grafiki Użytkowej (STGU) /
Exhibition of the Association of Applied Graphic Designers
Monika Jaworska
www.jaworska.com.pl
Wydaje się, że w Polsce mainstream projektowy pozostawia
wciąż wiele do życzenia. Jednocześnie wielu młodych projektantów coraz częściej buntuje się przeciwko terrorowi przeestetyzowanej formy, eksperymentując z estetyką niedoskonałości.
Jak jest naprawdę? Czy rzeczywiście grozi już nam zjawisko
„przedizajnowania”? Czy też „brud” i „bylejakość” to tylko
chwilowa moda? A może jest to sposób na szukanie własnej
tożsamości w dizajnie? Wystawa pozwoli zastanowić się nad
tym, jakie miejsce zajmuje polska grafika użytkowa A.D. 2011
w odniesieniu do pojawiającego się w „starych demokracjach”
zjawiska dizajnu totalnego, kiedy wszystko wydaje się już
zaprojektowane.
Wierząc, że stare podniszczone ubrania ze strychu mają swoją
historię, stworzyłam damską kolekcję o takim właśnie klimacie.
Widzimy małą dziewczynkę włożoną w za duże, męskie ubranie.
Zabawa konstrukcją, poszukiwania nowej formy, tworzenie iluzji
dwóch rzeczy w jednej, inspiracja męską garderobą – a ściślej
wnętrzem tych ubrań – to w efekcie wolność od obowiązków
sezonu, rozmiaru i poprawności krawieckiej...
I believe that old clothes found in the attic have their own history. I have created a ladies’ clothing collection of this kind. There
is a little girl dressed in men’s clothes, much too large. Playing
with the structure, searching for the new form, creating an
illusion of two things in one, inspiration found in men’s clothes
– and to be more precise, what is inside them – brings freedom
from all the restrictions related to the current season, size and
tailor’s accuracy...
It seems that Polish ‘design mainstream’ leaves much to be
desired. At the same time, many young designers more and
more often rebel against the terror of ‘over-aesthetic’ form by
experimenting with the aesthetics of imperfection. What is it
really like? Are we already in danger of ‘overdesigning’? Or are
‘dirt’ and carelessness only a temporary fashion? Or maybe
it is just a way of searching our own identity in design? The
exhibition will encourage us to think about the place of Polish
applied graphics A.D. 2011 in response to the phenomena of
total design typical of “old democracies”, i.e. the situation when
everything seems to have already been designed.
Kurator / Curator: Agata Szydłowska
Projekt / Design: Jan Bajtlik
/ 117
/ 118
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Wystawy Towarzyszące /
Accompanying Exhibitions
Śląska Rzecz 2010 /
Silesian Icon 2010
Dziecinada – polski dizajn dla dzieci /
Childishness – Polish design for children
www.slaskarzecz.pl
www.muzeum.stalowawola.pl
„Śląska Rzecz” to jedyny regionalny konkurs designu w Polsce.
Zamek Cieszyn organizuje go od sześciu lat. Chcemy, żeby
dobry design był równie popularny jak śląskie kluski. Dlatego
w konkursie „Śląska Rzecz” nagradzamy firmy, które postawiły
na współpracę z projektantami i wzornictwo światowej jakości.
Konkurs przyczynia się do odbudowy śląskiego etosu – region
jest kojarzony z pracowitością i produktem dobrej jakości.
A o każdym ze zwycięzców możemy powiedzieć: „Dobre,
bo śląskie”.
Wystawa „Dziecinada” to prezentacja prac polskich projektantów przeznaczonych dla najmłodszych odbiorców. Przytulanki,
klocki, lampy i meble dla maluchów. Niektóre jednostkowe,
unikatowe, niepowtarzalne, inne powielane w krótkich seriach
lub produkowane przemysłowo. Osobną kategorią są wydawnictwa, doceniane i nagradzane na międzynarodowych forach,
mniej znane w kraju. Polska ilustracja książkowa ma świetną
i wartą popularyzacji tradycję. Przedmioty prezentowane na wystawie wymykają sie stereotypowemu myśleniu o zabawkach
i przedmiotach dla dzieci. Podważają konwencję, dyskutują
z odbiorcą, prowokują do pytań i do zabawy. Wymuszają niejako
dialog między dorosłym a dzieckiem. Ucząc, bawią.
Konkurs „Śląska Rzecz 2010” jest organizowany w ramach
drugiej edycji projektu „Design Silesia” ze środków Unii Europejskiej w ramach Europejskiego Funduszu Społecznego oraz
budżetu państwa.
/ 119
The “Childishness” exhibition presents works of Polish designers
addressed to the youngest audience. Cuddly toys, blocks, lamps
and furniture for kids. Some are individual, unique, inimitable,
whereas others are produced in short or long (industrial) series.
Publications are a separate category – they are valued and
awarded around the world, but less known in Poland. Polish
books illustration has a great and tradition worth much more
attention. The items presented on the exhibition are far from
the stereotypical way of thinking about toys and children’s stuff.
They undermine the convention, discuss with the user, provoke
questions and play. They force a dialogue between a parent and
a child. They teach and entertain at the same time.
“Silesian Icon” is the only regional design contest in Poland.
Cieszyn Castle has organised it for 6 years. We want good
design to be as popular as Silesian dumplings. Therefore, in the
“Silesian Icon” contest we award companies which decided to
cooperate with designers and make use of world-class design.
The contest contributes to the reconstruction of the Silesian
ethos – the region is associated with diligence and high quality
products. Therefore, what we can say about any of the winners
is: “It is good because it is Silesian”.
The “Silesian Icon 2010” contest is organized within the second
edition of the project “Design Silesia”, funded from the EU
resources under the European Social Fund and the national
budget.
Kurator / Curator: Agnieszka Jacobson-Cielecka
Organizator / Organiser:
Muzeum Regionalne w Stalowej Woli /
Regional Museum in Stalowa Wola
Aranżacja wystawy / Exhibition arrangement:
Grupa Projektowa Wzorro: Natalia Jakóbiec,
Katarzyna Pełka, Marcin Krater
Kalimba, Natka Luniak, Konik na patyku / Stick Horse
Kolekcja "Mała Rzecz", nagroda specjalna, kategoria: produkt /
“Small Thing” collection, special award, category: product
/ 120
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Wystawy Towarzyszące /
Accompanying Exhibitions
NgispeN
50 lat Rosenthal Studio-Line, 50 lat designu /
50 years of Rosenthal Studio-Line,
50 years of design
www.ngispen.com
www.rosenthal.pl
NgispeN to nowa holenderska marka założona przez Gispen,
jedną z najstarszych i największych firm meblarskich
w Holandii. Kolekcję stworzyli, pod opieką artystyczną Richarda
Hutten, Jerszy Seymour, Michael Young, Dick van Hoff, Maarten
Baas, James Irvine, Studio Makkink & Bey, Fabio Novembre,
ZUS, W.H. Gispen, Gerrit Rietveld, Wim Rietveld, Wiro van
Vilsteren i Ontwerpers.nu.
Od 50 lat Rosenthal Studio-Line jest synonimem innowacyjnego i awangardowego designu. W tym okresie wielu wybitnych
artystów oraz designerów, m. in. Walter Gropius, Tapio
Wirkkala, Björn Wiinblad, Jasper Morrison, Marcel Wanders
i Patricia Urquiola, stworzyło dla marki Rosenthal wyjątkowe
kolekcje, które charakteryzuje najwyższa jakość zarówno
w formie, jak i funkcji. W ciągu dekad stanowiły one kamienie
milowe w rozwoju Rosenthal Studio-Line. Ponad 150 artystów
i projektantów sprawiało, że Rosenthal Studio-Line podążał zawsze z duchem czasu, a ponad 350 międzynarodowych nagród
jest świadectwem kreatywności niemieckiego atelier.
Wszystkie projekty mają jedną wspólną cechę: zostały opracowane zgodnie z doktryną „zabawa tradycją”. Ponad połowa
portfolio NgispeN znajduje się w kolekcjach muzeów na całym
świecie.
NgispeN is a new Dutch brand founded by Gispen, one of the
oldest and largest office furniture companies from
The Netherlands. Under the art direction of Richard Hutten,
the collection is designed by Jerszy Seymour, Michael Young,
Dick van Hoff, Maarten Baas, James Irvine, Studio Makkink &
Bey, Fabio Novembre, ZUS, W.H. Gispen, Gerrit Rietveld, Wim
Rietveld, Wiro van Vilsteren and Ontwerpers.nu.
Jerszy Seymour, Amateur Master A
All these products have one thing in common, they are
designed under the credo ‘playing with tradition’. Did you know
that more than 50% of the product portfolio of NgispeN has
been acquired by museums from all over the world for their own
collections?
For 50 years, Rosenthal Studio-Line has been a synonym of
innovative and avant-garde design. In this period, numerous
famous artists and designers, i.e. Walter Gropius, Tapio
Wirkkala, Björn Wiinblad, Jasper Morrison, Marcel Wanders and
Patricia Urquiola, have created for the Rosenthal brand their
unique collections that are of highest quality in terms of both
form and function. For decades, they have been milestones in
Rosenthal Studio-Line development. Thanks to over 150 artists
and designers, Rosenthal Studio-Line has always followed the
spirit of the times, and over 350 international prizes are the
evidence for the great creativity of the German atelier.
Organizator / Organizer: Rosenthal Polska
Kurator / Curator: Remigiusz M. Kuczuba
Richard Hutten, LayersTable, Centraal Museum Chairs, Thunderball Lamps
/ 121
Trinidad-Troy, Philip Rosenthal 1989
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 122
Wystawy Towarzyszące /
Accompanying Exhibitions
Enter Me – Spiritual Design (2011)
Fresh Light of Corian® (2011)
Karolina Hałatek
Jaroslav Bejvl, René Šulc, Jaroslav Vetvicka,
Dorota Koziara, Przemysław Stopa
Wystawa powstała w wyniku osobistych poszukiwań uniwersalnego języka dotyczącego podstawowych i fundamentalnych
kwestii właściwych każdemu człowiekowi, bez względu na
uwarunkowania kulturowe. Światło jest pierwszym warunkiem
dla zaistnienia sztuki. Budowa fizyczna światła, składającego się
z nieuchwytnych, pozostających w nieustannym ruchu fotonów,
jest bezpośrednią inspiracją, jak i kluczem interpretacyjnym
wystawy, która składa się z 3 instalacji: Blue Gate, Light Timer
i Prism.
The exhibition has been created out of personal search for
a universal language referring to the basic and fundamental human issues, regardless of cultural background. Light is the first
condition for art to exist. Physical composition of light, made of
elusive, always moving photons, is a direct inspiration and a key
to understanding the exhibition, consisting of three installations:
Blue Gate, Light Timer and Prism.
Praca prezentowana w ramach
I Festiwalu Kinetycznej Sztuki Światła „Light Move Festival” /
The work presented as part of “Light Move Festival” –
the 1st Festival of Kinetic Light Art
/ 123
Światło jest niematerialne, ale kształtowane jest przez materiały. Sztuka transformacji światła przez twórcze wykorzystanie
materiałów i innowacyjne kształty przekroczyła kolejną granicę.
Materiał DuPont™ Corian® zapoczątkował nową erę projektowania, oferując projektantom wyjątkowe możliwości modelowania i unikalną sensoryczność. Wystawa odkryje różnorodne
i inspirujące przedmioty świetlne stworzone przez kreatywnych
profesjonalistów z Republiki Czeskiej i Polski.
Light is immaterial but is transformed by materials. The art of
transforming light through the creative combination of materials,
and through innovative shapes has reached a new frontier. The
DuPont™ Corian® material has begun a new designing era and
offers designers superior modeling possibilities and sensorial
qualities. The exhibition will discover various inspiring light
objects made by creative professionals from the Czech
Republic and Poland.
Jaroslav Bejvl, Mystery, zdjęcie / photo: DuPont™ Corian®
Kurator / Curator: Andrzej Wojciechowski
Dorota Koziara, Floe, zdjęcie / photo: DuPont™ Corian®
/ 124
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Twórcze spotkania! /
Creative Meetings!
Wystawy Towarzyszące /
Accompanying Exhibitions
PININFARINA nieznany –
ORBITAL i inne arcydzieła designu /
PININFARINA unknown –
ORBITAL and other masterpieces
of design (2011)
www.kinnarps.pl
Dobrze zaprojektowane miejsce spotkań to coś więcej niż
design i wygoda. Tworzymy takie miejsca, które stymulują,
inspirują i skłaniają do otwartości. W tym tkwi tajemnica
„Creative Meetings”!
www.pininfarina.it
Idea kreatywnych miejsc spotkań stała się ostatnio bardzo
popularna. Zwrócono uwagę na aspekty psychologiczne
wyposażenia takiego miejsca, jego wpływ na atmosferę i kreatywność. „Od połowy 90. lat XX w. promujemy nowe wzorce
funkcjonalności i projektujemy takie wnętrza, które sprzyjają
kreatywności w pracy. To nasza specjalność”, mówi Lars Bülow,
projektant serii siedzisk Centrum i Plint. Według Kinnarps rolą
każdego biura jest pobudzanie do pracy. Tworząc rozwiązania
dla różnych miejsc spotkań, zwracamy uwagę, aby projekt wnętrza zachęcał uczestników do aktywności. Na wystawie można
te pomysły obejrzeć i wypróbować!
Wystawa przedstawia najnowszy projekt ze znakiem PININFARINA – stół ORBITAL, wykonany dla firmy Calligaris. Będzie to
jego premierowa prezentacja w Polsce, ukazująca proces jego
tworzenia – od pomysłu-inspiracji do gotowego mebla.
Na wystawie pokazane są również wcześniejsze, mało znane
dokonania tego wyjątkowego studia – ikony światowego
designu. Szybkie łodzie motorowe, zegarki, okulary, flakony
do perfum, ekspresy do kawy, walizki, a nawet szczoteczka do
zębów noszą charakterystyczne logo PININFARINA. Wystawa
jednak skupi się na meblach – ORBITALu oraz innych meblach
projektowanych na przestrzeni ponad 80-letniej historii studia
dla różnych firm. Reflex, Snaidero, Riva 1920 czy Ares Line to
niektóre z nich.
A well-designed meeting place means more than design and
comfort. We create places which stimulate, inspire and make
people more open. It is the secret of “Creative Meetings”!
The idea of creative meeting places has become very popular
recently. Psychological aspects of their furnishing, as well as
their influence on the atmosphere and creativity, have also been
noticed. “Since the mid-1990s, we have been promoting new
functionalities and design interiors that support innovative work
processes. This is our unique expertise, our speciality,” says
Lars Bülow, Centrum and Plint seatings designer. According
to Kinnarps, each office should stimulate to work. By creating
solutions for different workplaces, we pay attention to make the
interior design encourage to activity. Our solutions are available
to be tested at our exhibition!
The exhibition presents the latest project with the PININFARINA logo – the ORBITAL table, designed for Calligaris. It will
be the first presentation of the table in Poland, showing the
process of its creation, from the concept-inspiration to the ready
item of furniture.
Additionally, the exhibition presents earlier, less-known works
by this amazing studio – the icon of global design. Fast
motorboats, watches, glasses, perfume bottles, coffee makers,
suitcases, and even a toothbrush, all bear the distinctive logo.
The exhibition focuses on furniture, though – ORBITAL and
other items designed for various customers (incl. Reflex,
Snaidero, Riva 1920 or Ares Line) during the over 80-year
history of the studio.
Zdjęcia / Photos: Kinnarps
Organizatorzy / Organizers: Alto Galeria, Calligaris
/ 125
/ 126
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Czas przeszły dokonany /
Simple Past (2011)
Wystawy Towarzyszące /
Accompanying Exhibitions
/ 127
Od szkiców w Sztokholmie do tkanin dla domu /
From sketches in Stockholm to textiles for homes (2011)
domosfera.pl
bryla.pl
prezentacja multimedialna / multimedia presentation
Ta multimedialna podróż w czasie wciąga widza w świat, którego już nie ma. W dobie nowoczesnych technologii wspominamy
życie bez przenośnych komputerów, elektronicznych książek
i smartfonów. Zapomniane budynki, zapomniane przedmioty,
zapomniane miejsca. Z tej układanki na nowo odkrywanych
klisz każdy ułoży własną historię.
This multimedia time travel takes the viewer into the world that
does not exist anymore. In the age of modern technologies, we
recall life without portable computers, e-books and smartphones.
Forgotten buildings, forgotten objects, forgotten places.
Discovered anew, these images are waiting for you to make
your own story out of them.
Realizacja multimedialna / Multimedia realization:
Krzysztof Wykrota
Kuratorzy / Curators: Agnieszka Rumińska – Bryla.pl
(redaktor naczelna/editor-in-chief),
Marta Lubaszewska – Domosfera.pl
(redaktor naczelna/editor-in-chief)
Partner projektu / Project partner:
Narodowe Archiwum Cyfrowe / National Digital Archives
W kwietniu 2010 r. specjalistka IKEA ds. rozwoju produktów
tekstylnych, Emma Jones, dołączyła do studentów Beckmans
College of Design w Sztokholmie. Podczas warsztatów 22 studentów, wykorzystując rożne techniki, stworzyło setki czarno-białych szkiców. Wszystkie projekty za zgodą autorów trafiły
w formie cyfrowego archiwum do biura IKEA w Älmhult. Tam
zostały przekształcone w nowe wzory zgodne z duchem firmy.
W sierpniu tego roku IKEA wprowadziła je do swojego asortymentu. Tkaniny MADDE, EDMA, GULLIVI, LILLIVI, JULITA,
DURITA, zasłona prysznicowa SANDGRUND i pościel EIVOR
ORD są doskonałymi przykładami tej owocnej współpracy.
In April 2010, Emma Jones, IKEA specialist for textile product
development, has started her studies in Beckman’s College
of Design in Stockholm. During workshops, 22 students used
various techniques to create thousands of black and white
sketches. With the authors’ consent, a digital archive of all the
projects has been sent to the IKEA office in Älmhult. There, they
have been turned into new patterns in tune with the company’s
spirit. This August, IKEA included them in its range of products.
MADDE, EDMA, GULLIVI, LILLIVI, JULITA, DURITA textiles,
SANDGRUND shower curtain, and EIVOR ORD bedclothes are
great examples of this fruitful collaboration.
Zdjęcie / Photo: Narodowe Archiwum Cyfrowe / National Digital Archives
Zdjęcia / Photos: IKEA
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 128
Wystawy Towarzyszące /
Accompanying Exhibitions
Architects Welcome!
Qi i roztańczona tkanina /
Qi & Dancing Fabric
Architects Welcome! w Atak Design to miejsce przyjazne
architektom, miejsce, w którym będą mieli oni możliwość
zobaczenia znanych kolekcji klasyków designu, stałych kolekcji
znanych marek i nowości dopiero co pokazywanych na targach.
Wszystko w takiej aranżacji, aby przebywanie z nimi stało się
prawdziwą przyjemnością kontemplowania dobrego designu,
w atmosferze lekkiego lenistwa przy muzyce i dobrej kawie. Dodatkowo dla architektów będą przygotowane katalogi, pliki 3d,
materiały informacyjne. Atak Design zaprasza do zobaczenia
kolekcji takich projektantów, jak Philippe Starck, Charles & Ray
Eames, Verner Panton, Arne Jacobsen, Alberto Meda, Antonio
Citterio, Marcel Wanders, Patricia Urquiola, Patric Jouin, Ferrucio Laviani, Frank Gehry, Ron Arad, Eero Aarnio. Przedstawi
takie marki jak Vitra, USM, Kartell, Magis, Fritz Hansen, Alias,
Moooi, B&B Italia, Foscarini, Diesel, Artemide, Belux, Fatboy,
Bulthaup, Lightyears, Porro, Gandia Blasco i inne.
Maciej Strumiłło
www.mstrumillo.com
Architects Welcome! at Atak Design is an architect-friendly
place – they will have an opportunity to see the collection of
design classics, permanent collections of well-known brands as
well as the new releases only just shown on fairs. The
arrangement of all that makes staying there a real pleasure –
contemplating good design in a lazy atmosphere, listening to
music and drinking good coffee. Additionally, the architects
will be provided with catalogues, 3D files and informational
materials.Atak Design invites you to see the collections of such
designers as Philippe Starck, Charles & Ray Eames, Verner
Panton, Arne Jacobsen, Alberto Meda, Antonio Citterio, Marcel
Wanders, Patricia Urquiola, Patric Jouin, Ferrucio Laviani, Frank
Gehry, Ron Arad, Eero Aarnio. It will present brands: Vitra, USM,
Kartell, Magis, Fritz Hansen, Alias, Moooi, B&B Italia, Foscarini,
Diesel, Artemide, Belux, Fatboy, Bulthaup, Lightyears, Porro,
Gandia Blasco and others.
The exhibition combines a creative use of fabrics and a wide
range of technology related to designing. In Feng Shui, the
term Qi denotes ‘a life force’, and this is why it glows with light.
The fabric it wears makes the item – a lamp – more human-like. “Dancing Fabric”, in turn, is a collection of contemporary
textiles, created with the use of a screen printing technique,
which makes the fabric ‘dance’. Their author surely belongs to a
small group of designers with passion, who create unique works
of design art using fabrics.
Wystawa ta łączy w sobie kreatywne wykorzystanie tkaniny
i całej technologii związanej z projektowaniem. Qi w Feng Shui
oznacza „siłę życiową” i dlatego daje światło, a że jest ubrana
w tkaninę, uczłowiecza przedmiot, czyli „lampę”. Natomiast
„Dancing Fabric” to kolekcja nowoczesnych tekstyliów wykonana metodą sitodruku, dzięki któremu tkanina „tańczy”. Autor
z pewnością należy do wąskiego grona projektantów, którzy
tworzą z pasją niepowtarzalne dzieła sztuki designu z wykorzystaniem tkaniny.
Honorowy patronat: Hanna Zdanowska, Prezydent Miasta
Łodzi
Honorary Patron: Hanna Zdanowska, Mayor of Łódź
/ 129
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 130
Wystawy Towarzyszące /
Accompanying Exhibitions
MSES KOŁO
by Janusz Kaniewski
Aukcja Dizajnu /
Design Auction
Mobilna Sala Ekspozycyjno-Szkoleniowa KOŁO od wiosny
2011 r. jeździ po Polsce i Europie. Obiekt zaprojektował Janusz
Kaniewski, którego festiwalowa publiczność zna z lat ubiegłych.
Wielka ciężarówka Sanitec Koło jest kontynuacją zainteresowania jej projektanta przemysłem motoryzacyjnym. Wcześniej
współpracował z takim firmami jak Ferrari, Honda czy Fiat.
MSES KOŁO składa się z 470-konnego ciągnika siodłowego Scania i naczepy, w której wnętrzu urządzono wystawę.
Eksponowana jest tam ceramika łazienkowa, wanny, kabiny
natryskowe oraz meble oferowane przez wiodącego producenta i dystrybutora branży łazienkowej w Polsce – firmę Sanitec
Koło.
Aukcja Dizajnu oraz poprzedzająca ją wystawa łączą w sobie
dwa cele – popularyzację polskiego wzornictwa oraz sprzyjanie
idei kolekcjonowania dizajnu. Wystawa przedaukcyjna to wybór
kilkudziesięciu autorskich przedmiotów, powstałych od lat 30.
XX w., przez kolejne dekady, aż do czasów współczesnych –
przekrojowa prezentacja najważniejszych zjawisk i kierunków
w polskim wzornictwie, w kontekście przykładów z innych
krajów europejskich. Wśród obiektów znajdują się zarówno
przedmioty wdrożone do produkcji przemysłowej, krótkie
serie, jak i prace unikatowe. Wystawa i Aukcja Dizajnu ma być
w naszej intencji krokiem ku zmianie funkcjonowania polskiego
dizajnu na rynku sztuki i zachętą do budowania własnej kolekcji.
Since spring 2011, the mobile KOŁO Exhibition-Training Room
travels around Poland and Europe. The construction was
designed by Janusz Kaniewski, who is already known to the
festival audience from previous years. A huge Sanitec Koło lorry
is a continuation of the designer’s interest in the automotive
industry. Earlier, he cooperated with such brands as Ferrari,
Honda or Fiat. MSES KOŁO consists of a 470-horsepower
Scania truck tractor and a semitrailer with an exhibition of
bathroom tiles, bath tubs, shower cabins and furniture offered
by the leading producer and distributor in the bathroom branch
in Poland – the Sanitec Koło company.
Design Auction and the preceding exhibition combine two
aims – to popularize Polish design and to support the idea of
collecting design. The pre-auction exhibition is a selection of
several original items created since the 1930s up to today. It
is an overview of the most important phenomena and trends
in Polish design, set in the context of examples from other
European countries. The items include projects implemented in
mass production, short series and unique works. In our
intention, the exhibition and Design Auction are meant to be
a step towards changing the way Polish design functions on
the art market, and the way to encourage the audience to build
private collections.
Kurator / Curator: Katarzyna Figura, ARTon
/ 131
Oskar Zięta, Plopp Standard
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 132
Wystawy Towarzyszące /
Accompanying Exhibitions
Combinations (2011)
SZTUKAteria ZMIAN /
Stuccowork of CHANGES
Wzornictwo mebli to kombinacja materiału, kształtu i koloru.
Ale co właściwie pasuje do siebie? Interprint odpowiada na
to pytanie, prezentując inspirujące zestawienia. Pod hasłem
„Combinations” kryje się połączenie dekorów odzwierciedlających struktury drewna, kamieni czy też motywów fantazyjnych
z jednolitymi kolorami metalicznymi. Właściwie dobrany jednobarwny odcień eksponuje wygląd powierzchni, równoważy,
nadaje akcent lub, jeśli to pożądane, wizualny efekt kontrastu.
Combined by Interprint – firma oferuje nie tylko inspiracje poprzez prezentację aktualnych trendów we wzornictwie dekorów,
ale także ukierunkowuje projektantów na tworzenie odpowiednich zestawień kolorystycznych.
Świat sztukaterii to wciąż niedocenianie źródło inspiracji
do zmian w przestrzeni. Akademia SZTUKaterii & Aniro przedstawia kierunki ZMIAN, które stworzyły nowe oblicze sztukaterii.
Furnishing is almost entirely about the combination of materials,
shapes and colours. But what actually goes really well together?
Interprint answers this question with inspiring combinations.
Under the motto ‘Combinations’, the new Interprint décors
(wood grains, stones and fancy pictures) offer a great
complement to trendy metallic single colours. The right single
colour positively influences the effect of the surface. It balances
out, sets accents or, if necessary, produces the visual tension.
Combined by Interprint – the company that not only inspires
with its trendy décors, it provides a versatile complement for
combinations with the perfect colour.
ZMIANA spojrzenia na klasyczne elementy dekoracji wnętrz:
nowe rozety i listwy.
ZMIANA przestrzeni poprzez zastosowanie sztukaterii z kolekcji 3D.
ZMIANA jako inspiracja do śmiałych pomysłów projektowych.
ZMIANA jako nowe drzwi we współczesnym designie wnętrz.
Nowe oblicze SZTUK(I)aterii – to prawdziwa radość ZMIAN.
The world of stuccowork is still an underestimated source of
inspiration for spatial changes.The Academy of Decorative
Elements & Aniro present new directions of CHANGES which
have contributed to creation of the new image of stuccowork.
CHANGE of the outlook on classic elements of interior
decoration: new rosettes and battens.
CHANGE of space by using 3D stuccowork.
CHANGE as an inspiration for bold design projects.
CHANGE as a new door in contemporary interior design.
New image of artwork and stuccowork –
genuine joy of CHANGES.
/ 133
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 134
Wystawy Towarzyszące /
Accompanying Exhibitions
% (2011)
Jurczyk Design projektuje /
Designed by Jurczyk Design (2011)
www.moomoo.pl
www.jurczykdesign.com
MOOMOO Architects
(Jakub Majewski, Łukasz Pastuszka)
Wystawa prezentuje dorobek 13 lat pracy studia Jurczyk
Design, które działa od 1998 r. Narodziło się z zamiłowania do
harmonii, estetyki i... papieru. Ich najmocniejszą stroną i tym, co
ich wyróżnia, jest stosowanie niekonwencjonalnych i śmiałych
rozwiązań w zakresie druku i uszlachetniania papieru. Specjalizują się w budowaniu wizerunku firm i marek, począwszy od
projektów znaków firmowych i towarowych, poprzez opracowywanie akcji marketingowych, a skończywszy na realizacji
tych pomysłów. Dążąc do tego, aby być agencją full service,
zajmują się przygotowywaniem prezentacji multimedialnych
i stron internetowych. Mają także na swoim koncie cykl szkoleń
i warsztatów przygotowanych na zamówienie klienta.
The exhibition presents the output of 13 years of work by the
Jurczyk Design studio. Jurczyk Design has been operating since
1998. The studio was born out of passion for harmony, aesthetics
and... paper. Their strongest and most distinguishing point is
application of unconventional and bold solutions in printing
and paper refining. They specialize in creation of corporate and
brand image, starting with trademark design, planning marketing
campaigns, and ending with putting these ideas into practice. As
they want to be a full-service agency for their clients, they also
prepare multimedia presentations and websites. They have also
organised a series of training courses and workshops for their
customer.
/ 135
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 136
Wystawy Towarzyszące /
Accompanying Exhibitions
XXII Konkurs im. Władysława Strzemińskiego – Projekt 2011 /
22nd Strzemiński Competition – Design 2011
Obraz / Image (2011)
Od 22 lat Akademia Sztuk Pięknych im. Wł. Strzemińskiego
w Łodzi jest organizatorem konkursu pod nazwą „Konkurs im.
Wł. Strzemińskiego”. Konkurs jest prezentacją prac studentów
powstających we wszystkich pracowniach projektowych uczelni: Wydziału Tkaniny i Ubioru, Wydziału Grafiki i Malarstwa oraz
Wydziału Wzornictwa i Architektury Wnętrz.
Pracownicy Katedry Malarstwa i Rysunku Wydziału Sztuk
Wizualnych Akademii Sztuk Pięknych im. Władysława
Strzemińskiego w Łodzi / Employees of the Department of
Painting and Drawing, Faculty of Visual Arts at the Strzemiński Academy of Art in Łódź:
Wystawa konkursowa umożliwia młodym projektantom zaprezentowanie swoich pomysłów i skonfrontowanie ich z realiami
rynku. Przedstawia projekty z takich dziedzin, jak ubiór i tkanina,
obuwie, biżuteria, projektowanie graficzne i wzornictwo przemysłowe.
For 22 years, the Władysław Strzemiński Academy of Art in
Łódź has been the organiser of a competition known as ‘Strzemiński Competition’. The competition presents students’ works
created in all design studios of the academy: Faculty of Textile
and Fashion, Faculty of Graphics and Painting and Faculty of
Industrial Design and Interior Design.
Young designers present their ideas and works on an exhibition,
where they can confront them with the reality of the market. We
can see designs relating to such areas as fashion and textiles,
shoes, jewellery, graphic design and industrial design.
Kurator / Curator: mgr Przemysław Hajek
/ 137
prof. Jolanta Wagner, dr hab. Włodzimierz Stelmaszczyk prof.
ASP, dr hab. Aleksandra Gieraga prof. ASP, dr hab. Andrzej
Michalik, ad. Tadeusz Wodziński, ad. Przemysław Wachowski,
ad. Rafał Sobiczewski, mgr Maciej H. Zdanowicz, mgr Maciej
Bohdanowicz, mgr Krzysztof Ostrowski
Jakie znaczenie ma obraz? Czy ciągle jest wartością samą w
sobie? Stawiamy pytanie o granice obrazu, czy rzeczywiście
one istnieją? Czy można określić granice znaczeniowe? Jakie
obszary anektuje obraz? Czy pojawi się pytanie: obraz kogo?
Czego? Czy pojawi się pytanie o symboliczne białe płótno? Czy,
wraz z podjętą próbą redefinicji pojęcia obraz, powróci właściwe obrazowi miejsce? Jakie ono będzie?
What kind of meaning does an image have? Does it still constitute a value in itself? We ask about the limits of an image, do
they really exist? Can we define the borderline of meaning?
Which areas does an image annex? Will the question be asked:
the image of whom? Of what? Will the question about the
symbolic white canvas be asked? Will the attempt to redefine
the concept of an image manage to return the image its place?
What will it be?
Kuratorzy / Curators: Aleksandra Gieraga, Maciej H. Zdanowicz
/ 138
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Wystawy Towarzyszące /
Accompanying Exhibitions
Fashion Flash. Moda w obiektywie Elle /
Fashion Flash. Fashion in Elle Lens (2011)
Prawdziwy kolor /
Authentic Colour
Mateusz Stankiewicz, Aldona Karczmarczyk,
Artur Wesołowski, Robert Ceranowicz
Wystawa kolekcji meblowych Cassina autorstwa Le Corbusier,
Charlotte Perriand oraz Pierre Jeanneret koncentruje się na
koncepcji autentyczności, interpretowanej na różne odmienne
sposoby, używając przy tym zwięzłego języka typowego dla
SMS-ów.
Wielka moda w obiektywie najlepszych polskich fotografów,
spektakularne plenery i światowej sławy modelki. Rozmach
i dynamiczne kadry mody miejskiej kontra nostalgiczne i malarskie zdjęcia w plenerze. Graficzne i nowoczesne fotografie studyjne. Do współpracy przy takich sesjach zawsze zapraszamy
nie tyko fotografów, ale też makijażystów i fryzjerów z najlepszych polskich agencji. Te publikacje to wizytówka ELLE.
Moduły ekspozycyjne, wykonane z ekologicznych paneli tekturowych, poświęcone są wybranym zagadnieniom, związanym
z prezentowanymi kolekcjami – kolorom, standardom, prawom
autorskim, koncepcji skali modulor, harmonii przestrzeni itp.
Wystawa prezentuje zatem zmiany w kolekcji Le Corbusier, jakie
dokonały się w ostatnich latach, zarówno w kwestii stosowanej
kolorystyki (bogate możliwości łączenia kolorów) i materiałów
(np. wypełnienie z pierza, miękkie skórzane obicia), jak i w aspekcie prawnym (Cassina to obecnie jedyny licencjonowany producent mebli Le Corbusier na świecie).
Great fashion in the lens of the best Polish photographers,
spectacular shooting locations and world-famous models.
Dynamics and verve of urban fashion frames, as well as modern
studio photographs. We always invite photographers, make-up
artists and hair stylists from the best Polish agencies to such
sessions. These images are ELLE’s showpiece.
The exhibition dedicated to the Le Corbusier, Charlotte Perriand
and Pierre Jeanneret collections signed by Cassina employs a
concise language of short messages and centres on the concept
of authenticity, which is interpreted in various different ways.
The display modules, made of recycled cardboard panels, focus
closely on the chosen themes – e.g. colour, standards, copyright,
Modulor, harmony of space. The exhibition is thus a presentation
of the updates made to Le Corbusier Collection over the last
years, both in terms of the colours (numerous colour combinations) and materials used (e.g. feather filling, soft leather
coverings) and legal issues (Cassina as the only licensed
producer of Le Corbusier furniture in the world).
Zdjęcie / Photo: Aldona Karczmarczyk (Van Dorsen Talents)
Modelka / Model: Zuzanna Bijoch (D'vision)
/ 139
/ 140
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Wystawy Towarzyszące /
Accompanying Exhibitions
PechaKucha Night Łódź – Review (2011)
Polskie znaczki pocztowe /
Polish Stamp Design / Poczta Polska S.A. (2011)
Cock’nbullstory, Grupa CUKIER, Szymon Hanczar, JOTE, Michał Kacperczyk, Bartosz Kosowski, Libido Architects, Jacek
Olszewski, Pink Pug Design, Maria Rybicka, Take Me, Tamizo
Architects Group, Artur Tenczyński, Maja Urbańska Allure
www.filatelistyka.poczta-polska.pl
Magdalena Błażków, Jacek Brodowski, Marzanna Dąbrowska,
Jacek Dąbrowski, Joanna Fleszar, Przemysław Krajewski, Paweł
Myszka, Anna Niemierko, Jarosław Ochendzan, Agnieszka
Sancewicz, Agnieszka Sobczyńska, Janusz Wysocki
Z okazji pierwszej rocznicy PechaKucha Night Łódź powstała
wystawa, na której na żywo można zobaczyć wybrane prace
prezentowane podczas pierwszych pięciu edycji „peczakczy”.
To niepowtarzalna okazja, aby przyjrzeć się projektom związanym z architekturą, designem, modą, grafiką, fotografią oraz
ilustracją.
Znaczek pocztowy – produkt filatelistyczny, walor płatniczy
i obiekt kolekcjonerstwa – powszechnie dostępny, dociera do
najdalszych zakątków świata. To również małe dzieło sztuki
polskiego designu. Mimo niewielkiego formatu zaskakuje siłą
wyrazu porównywaną z plakatem. Ten uniwersalny język artystyczny polskich znaczków zyskał światową renomę. „Polskie
znaczki pocztowe” to wystawa projektów polskich walorów
filatelistycznych i materiałów promocyjnych wydanych przez
Pocztę Polską S.A., które w ciągu ostatnich kilku lat zdobyły
nagrody i wyróżnienia w konkursach krajowych i zagranicznych.
Wydarzenie zakończy kolejna odsłona PechaKucha Night Łódź
– 29 października.
On the occasion of the first anniversary of PechaKucha Night
Łódź, we would like to invite you to the exhibition where you
can see selected works presented during the first five editions
of Pecha Kucha. It is a unique opportunity to watch the projects
related to architecture, design, fashion, graphics, photography
and illustrating.
A stamp – a philatelic product, store of value, and collectors’
object – is widely available and reaches the furthest corners
of the world. It is also a little piece of Polish design art. What is
startling is that in spite of the small size the expression is
comparable to a poster. This universal artistic language of
Polish stamps has become world-famous. “Polish Stamp
Design” is an exhibition of Polish stamps and promotional
materials provided by Poczta Polska S.A., which in the last few
years have won awards and honours in Polish and international
contests.
The event will close with another edition of PechaKucha Night
Łódź on 29 October.
Kurator / Curator: Grupa CUKIER
Cock’nbullstory
Kurator / Curator: Agnieszka Trząskowska
/ 141
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Moja przestrzeń /
My Space (2011)
Albino Celato, Enrico Benetta
www.diehldesign.pl
„Moja przestrzeń” to wystawa prezentująca harmonię przestrzeni i elementów małej architektury, które nas otaczają,
z wykorzystaniem projektów Albino Celato dla firmy De
Castelli. Ukazuje, w jaki sposób elementy te mogą pozostawać
w symbiozie z naturą – niektóre naśladują ją w formie, inne
w strukturze powierzchni. Wzornictwo to perfekcyjnie współgra
z prezentowanymi na wystawie meblami i innymi elementami
wyposażenia wnętrz, reprezentującymi najbardziej ekskluzywny
design światowy: Antonio Citterio, Paola Navone, Karim Rashid,
Jamie Hayon, Patricia Uruquiola, Roberto Lazzeroni, Jasper
Startup, Zaha Hadid, projektujący dla firm wyznaczających
trendy współczesnego designu.
“My Space” is an exhibition that presents the harmony of space
and elements of street furniture that surround us, with the use
of the Albino Celato’s projects for De Castelli company. It shows
how the elements can live in symbiosis with nature – some
of them imitate its forms, while others imitate the structure of
a surface. Such design stays in perfect harmony with the
furniture and other elements of interior furnishing presented
at the exhibition, representing the world’s most prestigious
projects by Antonio Citterio, Paola Navona, Karim Rashid, Jamie
Hayon, Patricia Uruquiola, Roberto Lazzeroni, Jasper Startup,
Zaha Hadid, who work for companies which set trends for
contemporary design.
/ 142
03
Wystawy Towarzyszące /
Accompanying Exhibitions
/ 143
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 144
Wystawy Towarzyszące /
Accompanying Exhibitions
/ 145
Program Otwarty /
Open Programme
W tym roku po raz pierwszy ogłosiliśmy otwarty nabór do programu wystaw towarzyszących, będący odzewem na rosnące
zainteresowanie festiwalem wśród projektantów. Spośród 70
nadesłanych zgłoszeń, w kategorii Open Programme obejrzeć
można 10 wystaw.
This year, for the first time, we have announced an open call for
the accompanying exhibitions programme, as a response to the
growing interest of designers in the festival. In the Open
Programme, we can see 10 exhibitions selected out of 70 entries.
/ 146
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Wystawy Towarzyszące /
Accompanying Exhibitions
/ 147
Design Faction (2011)
Współczesna Polska Fotografia Wnętrz /
Contemporary Polish Interior Photography (2011)
Gunnar Green, Santiago Ortega Haboud,
Vilma Jaruseviciute, Marek Kultys, Gerard Rallo,
Dominic Wilcox, Ludwig Zeller, Sitraka Rakotoniaina,
Studio Duho (Hina Thibaud & Olivia Decaris), Revital Cohen,
James Auger & Jimmy Loizeau, Alexandra Daisy Ginsberg
Piotr Antonów, Mariusz Bykowski, Marcin Czechowicz, Hanna
Długosz, Cezary Hładki, Yassen Hristov, Olek Iwaszkiewicz,
Kalbar, Jacek Kucharczyk, Rafał Lipski, Jerzy Malinowski,
Michał Mrowiec, Sara Niedźwiedzka, Adam Oleksiak, Anna
Orłowska & Mateusz Lipiński, Magda Pacana, Jakub Pajewski,
Michał Przeździk, Joanna Siedlar, Michał Skorupski, Juliusz
Sokołowski, Aneta Tryczyńska, Radek Wojnar, Leo Zappert,
Krzysztof Zasuwik
Łac. fictio, f. – tworzenie, kształtowanie, wymyślanie
Łac. factio, f. – czyn, działanie
Przez ostatnie sto lat ciało ludzkie zmieniło się, jak nigdy wcześniej. Badania pokazują, że jesteśmy wyżsi, ważymy więcej,
nasze ciała mają inną budowę. W ten sposób ludzki organizm
przystosował się do szeregu zmian, jakie wydarzyły się w ciągu
ostatniego stulecia. To, z czym biologia jeszcze nie zdążyła się
uporać, stało się nowym polem zainteresowań projektantów.
Przenośne mini-urządzenia, tymczasowe protezy i aktywne
implanty są ich odpowiedzią na postęp technologiczny. Są to
także przykłady na to, jak bardzo zmienił się zakres dizajnu. Do
szerokiego spektrum projektowania 2- i 3d dołączyło tworzenie alternatywnych scenariuszy i spekulatywnych rozwiązań
wybiegających daleko w przyszłość. Dizajn pełni także rolę
krytycznego komentarza na temat współczesności: naszego
stylu życia, ambicji i pragnień. Jednocześnie mąci nasz komfort
bycia użytkownikiem, sprawiając, że z niepokojem zaczynamy
się zastanawiać, czy jest to projektowa fikcja, czy kolejny krok
w ewolucji technologicznej.
Partnerem projektu jest British Council.
Lat. fictio, f. – creation, shaping, inventing
Lat. factio, f. – action
For the last hundred years, human body has changed like never
before. Research shows that we are taller, we weigh more, our
bodies have different build. This way, human organism has
adjusted to a variety of changes which we have been exposed
to during the last century. Where biology still has to work on
something, designers get involved. Mobile mini-devices, temporary prostheses and active implants are their response to the
technological progress. These are also examples showing how
much design itself has changed. A wide spectrum of 2D and 3D
planning has been joined by creation of alternative scenarios
and speculative solutions which run far into the future. Design is
also a critical commentary on contemporariness – our lifestyle,
ambitions and desires. At the same time, it disturbs our comfort
of being a user, making us wonder if what we witness is design
fiction or another step in the technological evolution.
Ludwig Zeller, Introspectre
Wystawa zdjęć 25 najlepszych polskich fotografek i fotografów
współpracujących z magazynami wnętrzarskimi oraz architektonicznymi, która obejmuje pół tysiąca fotografii artystów
z różnym stażem, zajmujących się rozmaitymi tematami z zakresu fotografii wnętrz. Zestaw ten przekrojowo przedstawia
tę dziedzinę fotografii, skupiając się głównie na najnowszych
realizacjach. Dzięki wystawie dowiadujemy się, jak wyglądają
polskie wnętrza oraz jaki jest artystyczny poziom ich rejestracji.
The exhibition of 25 best Polish photographers cooperating with
interior design and architecture magazines, consisting of five
hundred photos by artists of various professional experience,
dealing with different themes related to interior photography.
The collection provides a review of this field of photography,
focusing mainly on the newest projects. The exhibition shows us
what Polish interiors look like and what is the artistic level of their
portrayal.
Partner of the project – British Council.
Kurator / Curator: Kasia Jeżowska
Zdjęcie / Photo: Cezary Hładki
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Kastom bajks / Custom bikes (2011)
KamilosKuztomKreationz i A dizajn
pod szyldem Kanciapa Kuztom Kreationz /
KamilosKuztomKreationz and A dizajn
as Kanciapa Kuztom Kreationz
Adrian Łucejko, Kamil Stysiak
metaloplastyka / metalwork
Ergonomiczne rowery o niepowtarzalnym wyglądzie i formie,
projektowane pod indywidualne upodobania. Team Kanciapa
Kuztom Kreationz tworzy je kompleksowo, począwszy od
szkiców koncepcyjnych, a skończywszy na samodzielnym
wykonaniu każdego modelu. Projektanci inspirują się zarówno
designem motocykli, samochodów czy owadów, jak i realizują
własne futurystyczne wyobrażenia, a poszukiwania najciekawszej formy trwają czasem parę miesięcy. Celem jest stworzenie
roweru o niebanalnej formie, zapewniającego jednocześnie
maksymalny komfort i przyjemność jazdy.
Ergonomic custom-designed bicycles of exceptional look
and form. The members of the Kanciapa Kuztom Kreationz
team create them comprehensively, starting from conceptual
sketches and finishing with hand construction of each model.
The designers are inspired by motorcycles, cars or insects, but
they also realise their own futuristic ideas, and the search for the
most interesting form sometimes lasts a few months. The aim is
to create a distinctive bicycle which is also very comfortable and
pleasurable to ride.
/ 148
Wystawy Towarzyszące /
Accompanying Exhibitions
/ 149
Wystawa Katedry Biżuterii Akademii Sztuk Pięknych
im. Władysława Strzemińskiego w Łodzi /
Exhibition by the Jewellery Studio
at the Strzemiński Academy of Art in Łódź (2011)
W Katedrze Biżuterii Akademii Sztuk Pięknych im. Wł. Strzemińskiego w Łodzi kształcą się przyszli projektanci biżuterii i form
złotniczych. Projektują i wykonują przedmioty z różnych materiałów oraz w różnych technologiach. Zmieniająca się rzeczywistość modyfikuje nasz odbiór, naszą wrażliwość, nasze potrzeby.
Tworząc biżuterię i przedmioty użytkowe, trzeba szukać dla nich
nowych form, nowych zestawień materiałowych, aby powstałe
prace nie wyglądały, jak wyjęte z babcinej szuflady, aby komunikowały się z odbiorcą współczesnym językiem. Na wystawie
prezentowane są prace dyplomantów katedry. Różnorodność
najlepiej świadczy o rozwijaniu indywidualnych postaw artystycznych ich autorów.
The Jewellery Studio at the Strzemiński Academy of Art trains
future designers of jewellery and goldsmiths. They design
and produce items made of various materials and with the use
of various technologies. The changing reality influences our
perception, sensitivity, and needs. When creating jewellery and
other items, we need to search for new forms and new material
combinations so that our works do not look as if taken out from
grandma’s drawer. They need to communicate with the audience
using a contemporary language. The exhibition presents works
by graduates from the studio. The diversity of these objects is the
best proof of development of individual artistic personalities of
their authors.
Kuratorzy / Curators: Sergiusz Kuchczyński,
Michalina Owczarek
Marcin Nowak, Bransoleta
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 150
Wystawy Towarzyszące /
Accompanying Exhibitions
... A ten pokój będzie pusty /
... And this room will be empty (2011)
Szklany Warzywniak /
Glass Vegetable Garden (2008)
Agnieszka Lasota
www.agnieszka-lasota.pl
Anna Gawłowska
www.pracownia-szklana.com
Video-instalacja oprowadza widza po nieistniejącej wystawie
designu, w której bohaterami filmów są obiekty, lecz wydźwięk
całości jest antymaterialny.
Wystawa ma kształt małego ogrodu warzywnego. Sadzenie
warzyw, prowadzenie ogrodu, w tym przypadku szklanego
warzywnika, ma charakter symboliczny, niemalże mistyczny.
Ma symbolizować powrót człowieka do natury, uświadomić
prostotę, a zarazem kruchość i wagę, naszego istnienia na
ziemi. „Szklany Warzywniak” to manifest naturalności dla
odważnych i zdecydowanych kobiet, które swoim wyglądem,
sposobem bycia oraz zachowaniem reprezentują same siebie
naturalnie i szczerze. Wiedzą, jaki mają wpływ na rzeczywistość,
otoczenie, więc świadomie wybierają swoje życiowe cele.
Zawsze w zgodzie ze swoją naturą, otoczeniem i rzeczywistością. Najwyższą wartością jest dążenie do spełnienia i szczęścia
w naturalny, bliski przyrodzie sposób, w ogólnym poszanowaniu
wartości obu stron.
„Pustka to stan niechciany, niewart kontemplacji. W dobie
przymusu nieustannej produkcji rzeczy tym bardziej brakuje
miejsca dla Pustki. Projekt Agnieszki Lasoty generuje ją. Artystka, zamiast proponować przedmioty, niweluje je. Daje widzowi
namiastkę obiektów w postaci obrazów video i uwalnia go od
przymusu konsumpcji, zapraszając do niełatwego celebrowania
efemerycznego stanu Braku.” Marika Kuźmicz.
This video-installation shows the audience around a non-existent design exhibition. The main characters of videos are
objects, but the general message remains anti-material.
“Emptiness is an unwanted state, not worth contemplation. In
the times of the omnipresent pressure to produce things, the
lack of space for Emptiness becomes even more evident. The
project by Agnieszka Lasota generates it. Instead of creating
items, the artist removes them. She gives the audience a taste
of objects in the form of video images and frees them from the
pressure of consumption, inviting to difficult celebration of the
ephemeral state of Absence.” Marika Kuźmicz.
The exhibition has the form of a small vegetable garden. Planting
vegetables, cultivating a garden – in this case a glass vegetable
one – has a symbolic, even mystical character. It is meant to
symbolise human’s return to the nature, and show the simplicity,
but also fragility and importance, of our existence on the Earth.
“Glass Vegetable Garden” is a manifesto of naturalness for brave
and determined women who by their appearance, way of living
and behaviour represent themselves in a natural and sincere way.
They know how they influence the reality, and their surroundings,
so they knowingly choose their life goals. They always live in
harmony with nature, surroundings and reality. The highest value
is to find fulfilment and happiness in a natural way that is close to
nature, respectful for the values of both sides.
/ 151
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 152
Wystawy Towarzyszące /
Accompanying Exhibitions
Tu było kino /
There used to be a cinema here (2008)
Ludzka przestrzeń / Zmiana /
Human Space / Change (2011)
kinoportal.pl
Chrum.Company
(Ewa Cieniak-Nowakowska, Bartosz Nowakowski)
www.femina.art.pl
Golińska/Biernacki (Gosia Golińska, Remigiusz Biernacki)
Wystawa fotograficzna „Tu było kino” pokazuje zmiany zachodzące w wyglądzie i stanie tradycyjnych budynków kinowych.
Zmiany te spowodowane są tzw. „ucieczką z kina do multipleksu, komputera, telewizora”. Pozostawione samym sobie kina nie
wytrzymują konkurencji i popadają w ruinę. Czasami ktoś dostrzeże w nich potencjał do wykorzystania, jeśli jednak nie może
ono spełniać choćby funkcji komisu czy sklepu spożywczego,
zostaje zburzone i na jego miejsce stawiane są apartamentowce. Jest to smutny los wielu obiektów przez nas udokumentowanych. Mamy świadomość, że w pewnym sensie nasze zdjęcia
pozostaną ostatnim świadectwem istnienia tych kin.
The photography exhibition titled “There used to be a cinema
here” shows changes in the appearance and condition of
traditional cinema buildings. The changes are caused by the
‘escape from the cinema to a multiplex, computer, TV’. Left on
their own, cinemas are not able to bear competition and fall into
ruin. Sometimes, somebody finds potential in them that can be
used, but if a cinema building cannot even function as a
second-hand shop or a grocery store, it gets destroyed and
replaced with new apartment blocks. It is a sad lot of many
buildings that we have photographed. We are aware that, in a
way, our pictures will be the last testimony to the existence of
these cinemas.
Zmiana to konieczny, zasadniczy element życia człowieka i jego
przestrzeni. Tematem tego projektu jest śledzenie, odkrywanie
i wizualizowanie zjawisk niezmienności i zmienności. Bohaterkami zdjęć są postaci młodych, zaprzyjaźnionych kobiet. Po
obudowaniu ich torsów rekwizytami, następuje zmiana najbliższej przestrzeni bohaterek – na granicy ich skóry zmienia się
sposób komunikowania z otoczeniem. Każdej z nich towarzyszą
inne atrybuty, inna charakterystyka oświetlenia, odrębne przestrzenie czasowe. Obok fotografii pojawiają się instalacje Gosi
Golińskiej wykonane z rekwizytów zastosowanych w procesie
fotografowania, powstałych z używanych swetrów, szali, narzut,
spódnic, sukien, tkanin i jeansu.
Change is an essential, fundamental element in our life and
environment. This project focuses on watching, finding and
visualising the phenomena of un-changeability and changeability.
The photographs present young female friends. After props are
attached around their bodies, the nearest surrounding of the women changes – the way of communicating with the environment
on the boundary of their skin is not the same any more. Each of
them is provided with different props, different lighting, different
time spaces. The photographs are accompanied by Gosia Golińska’s installations which are constructed of the props used in the
process of photographing, made of worn jumpers, scarves, bed
covers, skirts, dresses, textiles and denim.
/ 153
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Na zmianę / In turns (2011)
/ 154
Wystawy Towarzyszące /
Accompanying Exhibitions
Młody Polski Design – wybrane obiekty /
Young Polish Design – Selected Objects
SPRAWCY
(Jan Kochański, Agnieszka Mazur, Kamila Niedźwiedzka,
Przemek Ostaszewski, Maciek Sobczak, Nikodem Szpunar,
Łukasz Wysoczyński, Małgorzata Żółkiewska)
„Na zmianę” to eksperyment projektowy z udziałem młodych polskich designerów. Każdy z członków grupy stworzy
jeden obiekt i włączy go w cykl ingerencji przez pozostałych
„sprawców”. Tytułowe hasło „na zmianę” opisuje metodę pracy,
w której efekcie powstanie kolekcja funkcjonalnych obiektów,
będących jednocześnie zapisem cech wszystkich projektantów,
którzy podjęli się ingerencji. Jednocześnie tytuł projektu dotyka
istoty „zmiany” – tegorocznego tematu festiwalu. Kluczowym
aspektem całości jest proces projektowania i kolejne etapy
rozwoju, które zostaną udokumentowane i zaprezentowane
w postaci filmu podczas trwania wystawy.
“In turns” is a design experiment involving young Polish
designers. Each group member will create one object and
incorporate it into a series of interventions introduced by others.
The title motif, ‘in turns’, refers to the method of work which will
result in a collection of functional objects, a recording of
features of all the designers who decided to intervene. At the
same time, the title of the project touches upon the nature of
‘turn’ as a ‘change’ – the main motif of the festival this year. The
key aspect of the whole is the design process and subsequent
stages of development which will be documented and
presented in the form of a video during the exhibition.
/ 155
The idea of “Young Polish Design – Selected Objects” was
born spontaneously in response to numerous entries which
contained only one or few interesting items, which meant they
would not constitute a separate exhibition. This was not the
purpose of the Open Programme, which was addressed to
curators who wanted to present their ideas, or designers who
wished to show their completed series of works, installations,
or other forms that could make an individual exhibition. A single
object, a lamp or a furniture piece does not provide such an
opportunity. We did receive such projects as we wanted, and
they are included in the festival’s programme of accompanying
exhibitions.
„Młody Polski Design – wybrane obiekty” to wystawa, która
powstała spontanicznie. Jest odpowiedzią na liczne zgłoszenia
zawierające tylko jeden lub kilka ciekawych obiektów, przez
co nie mogłyby one stworzyć samodzielnie odrębnej wystawy.
Nie taki był cel ogłoszenia Otwartego Programu, w założeniu
adresowanego do kuratorów, chcących zaprezentować swoje
koncepty lub projektantów, pragnących pokazać skończone
cykle prac, instalacje lub inną formę prezentacji tworzącą indywidualną wystawę. Pojedynczy obiekt, lampa lub mebel takiej
możliwości nie dają. Projekty, o jakie nam chodziło, otrzymaliśmy także, i one właśnie stworzyły program wystaw towarzyszących festiwalowi.
Na wystawę „Młody Polski Design – wybrane obiekty”
składają się natomiast obiekty, które powstały w ostatnim roku,
a które nie zostały ujęte w żadnej z wystaw kuratorskich. Wystawa prezentuje stan młodego polskiego projektowania, pokazuje
co nowego. I, co ciekawe: choć tematem przewodnim Programu Otwartego był główny temat festiwalowy Change!, można
zaryzykować twierdzenie, że wśród młodych designerów tendencja jest niezmienna: flirt z rzemiosłem, powrót do rękodzielniczych korzeni, prace powtarzalne, ale jednak unikatowe. To
cieszy – tak myślący projektanci mogą stawić czoła wyzwaniom
przemysłowym, o ile ktoś zechce je przed nimi postawić.
Kurator: Agnieszka Jacobson-Cielecka
“Young Polish Design – Selected Objects”, on the other hand,
consists of objects created during the last year which haven’t
been used in any of the curatorial exhibitions. The exhibition
presents the condition of young Polish design and its new
aspects. Interestingly, although the subject of the Open Programme was the main theme of the festival, namely “Change!”,
we can actually say that young designers do not change: they
flirt with crafts, return to handiwork roots, their works are
repetitive, but unique at the same time. It is a good sign, as it
means that such designers are able to face the industrial
challenges, if anyone wishes to present them with such a task.
Curator: Agnieszka Jacobson-Cielecka
/ 156
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Wystawy Towarzyszące /
Accompanying Exhibitions
/ 157
1/
1 / Knockoutdesign / Marta Florkowska-Dwojak,
Magda Juszczak, Maya Ober, Dorota Kabala
www.knockoutdesign.eu
Awateef (2011)
5 / Maciej Baszko Trybek
www.bashko-trybek.com
Fotel / Armchair (2010)
6 / Paulina Lis
Łazienkowiec / Bathroom Thing (2011)
2 / Lessdesign
www.lessdesign.pl
Tubo Motus (2010)
Babeczki / Buns (2011)
La Urna (2011)
3/
7 / Tomasz Tomaszewski
Tańczące taborety / Dancing stools (2009)
5/
8 / Zuzanna Jura
Toolset (2010)
3 / Szymon Hanczar
Symbol (2010)
4 / Karolina Gwóźdź
Isolation Loop (2011)
6/
2/
7/
8/
4/
/ 158
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Wystawy Towarzyszące /
Accompanying Exhibitions
/ 159
9/
9 / Aleksander Pawlik
Foton / Photon (2011)
10 / BOSO studio
www.bosostudio.pl
Plotkarka / Braider (2011)
12 /
11 / Fawory
www.fawory.com
Małgorzata Piotrowska, Monika Niezabitowska,
Zofia Hejduk
Druciaki / Wire Chairs (2011)
14 /
11 /
12 / Marzena Rusiłowicz
www.cargocollective.com/marzenarusilowicz
Luzak / Idler (2011)
13 / Arek Wolski
www.arekwolski.com
Bóg Honor Ojczyzna / God Honour Motherland (2011)
10 /
13 /
14 / Dominika Laskowska
www.projektowanie.kei.pl
Półka / Shelf (2007)
/ 160
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Ceramika Paradyż
/ 161
Ceramika
Paradyż
Ceramika Paradyż to wiodący polski producent płytek ceramicznych. Od ponad 21 lat tworzy produkty, które zyskują
uznanie klientów w 37 krajach na całym świecie. Ofertę firmy
wyróżnia nowatorski design, dbałość o dopracowanie detali
oraz szeroka gama kompletnych kolekcji ścienno-podłogowych
i elementów zdobniczych w wielu formatach. Uznanie klientów
potwierdzone dynamicznie rosnącymi wynikami sprzedaży oraz
licznymi nagrodami przyznanymi w prestiżowych konkursach,
m.in. „Laur Konsumenta”, „Jakość Roku” „Perły Ceramiki UE”
czy „Łazienka – Wybór Roku”, dowodzi, że Grupę Paradyż
można dziś uważać za przewodnika po światowym designie
na rodzimym rynku materiałów budowlanych i wyposażenia
wnętrz.
Ceramika Paradyż is the leading Polish manufacturer of tiles.
For over 21 years, it has been creating products which win
recognition of customers from 37 countries. The company’s
range is distinguished by innovative design, carefully refined
details and a wide variety of complete wall and floor collections
and decorative elements of various sizes. Clients’ recognition
has been confirmed by dynamically increasing sales results and
many prizes awarded in prestigious contests: “Laur Konsumenta” (Consumer’s Laurel), “Jakość Roku” (Quality of the Year),
“EU Pearls of Ceramics” or “Łazienka – Wybór Roku” (Bathroom – Choice of the Year), which prove that Paradyż Group can
be considered as a leader of international-quality design on the
Polish market of construction materials and interior decoration.
Ceramika Paradyż, jako firma nowoczesna i otwarta na nowe
trendy, jak co roku uczestniczy w łódzkim przeglądzie najnowszych nurtów światowego projektowania. Niezwykła wrażliwość
na sztukę oraz powiązanie ze środowiskiem artystycznym to
powody, dla których Grupa Paradyż zdecydowała się objąć
Mecenat nad V Międzynarodowym Festiwalem Łódź Design.
Ceramika Paradyż is a modern company that is open for new
trends. Like every year, it takes part in the Łódź review of the
newest directions of international design. Unique artistic sensitivity and cooperation with the artistic milieu are the reasons for
which Paradyż Group has decided to become the Main Patron
of the 5th International Design Festival in Łódź.
Już od 4 lat, czyli od początku istnienia festiwalu, firma wspiera
jego organizatorów i co rok zaskakuje nowymi pomysłami.
W 2010 r. zaprezentowała nowatorskie rozwiązanie –
Multimedialne Studio Projektowe 3D.
For 4 years, since the very beginning of the Festival, the company has been supporting the organizers and surprising the
audience with new ideas. In 2010, it has presented an innovative
solution – 3D Multimedia Design Studio.
Zdjęcia / Photos: Joanna Świderska, Łódź Design 2010
/ 162
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Łódź Design Festival 2009 Relacja /
Łódź Design Festival 2009 Photo Coverage
/ 163
Łódź Design
Festival 2010
Zdjęcia / Photos: Joanna Świderska, Łódź Design 2010
/ 164
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 165
Podziękowania /
Special Thanks
Czesława Frejlich, Gian Luca Amadei, Łukasz Kardas,
Sylwia Lasota, Jacek Kłak, Irmina Kubiak , Katarzyna Dubik,
Stowarzyszenie Teatralne Chorea, Bartłomiej Wojdak, Izabella
Korczak, Paweł Brzeziński, Andrzej Jaskólski, Joanna i Marek
Więckowscy, Przedszkole Niepubliczne „Koliberek”, Agnieszka
Trząskowska, Remigiusz Kuczuba, Andrzej Wojciechowski,
Aleksandra Brzuchała, Małgorzata Bąblewska, Monika Sikora,
Dorota Kaźmierczak, Adriana Nowicka, Paulina Roswag,
Adrian Burzyk, Salvattore Figliuzzi, Iwona Łuczak-Szymańska,
Aleksandra Krawsz, Anna Gołębicka, Ludmiła Mielczarek, Anna
Rejniak, Renata Bobrowska, Marzena Jach, Kacper Chudzikiewicz,
Dominika i Krzysztof Wilżak, Wojciech Kustosz, Justyna
Drogowska , Paweł Fedorowicz, Małgorzata Jezierska,
Dagmara Kapitułka-Wojdak, Joanna Łozińska, Radosław
Altheim, Anna Grabarek, Anna Zabdyrska, Magdalena
Węglewska, Marian Andrzej Kareński-Tschurl, Agata Sadza,
Robert Stańczyk, Wiesława Pabjańczyk, Rafał Szymański,
Tomasz Przytarski, Maciej Zarembski, Maciej Lebiedowicz,
Justyna Burzyńska, Paweł Kuzański, Księgarnia Artystyczna
BookOff, Stanisław Zaręba, Beata Milewska, Weronika Ruszecka, Anna Tomaszewska, Paweł Grobelny, Piotr Wróblewski, Ewa
Solarz, Wojtek Gajewski, Jan Sukiennik, Marta Morawska, Józef
Mrozek, Krystyna Łuczak-Surówka, Ksenia Kaniewska, Ewa
Banaś, Ewa Ayton, Katarzyna, Piotr Robak, Bartosz Robak, Jan
Krajewski, Marzena Jach, Tomasz Ćwikliński, Paweł Brzeziński,
Dorota Stępniak, Justyna Makowska.
Specjalne podziękowania dla naszych wolontariuszy
i wszystkich tych, którzy nas wspierają! /
Special thanks to our volunteers and all the people
who support us!
Zdjęcia:
str. 20
str. 28
str. 35
str. 60-61
str. 78-79
str. 104
str. 112-113
str. 144-145
str. 165
Budynek z makulatury PHZ2, dzięki uprzejmości Dratz&Dratz Architekten
Osiedle komunalne Quinta Monroy, zdjęcie: Tadeuz Jalocha,
dzięki uprzejmości Elemental
Max Lipsey, Wieszaki-gałęzie (2008)
Nika Zupanc, Black Cherry lamps (2010)
Katarzyna Staryk, Lampy (2010/2011)
Thibaut Godard, Porcelain (2010-2011)
www.atakdesign.pl, kolekcja Gandia Blasco Flat
Gerard Rallo, Urządzenia do bezmyślnej komunikacji
Domek Vardehaugen, projekt Fantastic Norway, zdjęcie: Håkon Matre Aasarød, dzięki uprzejmości Fantastic Norway
Photos:
p. 20
p. 28
p. 35
p. 60-61
p. 78-79
p. 104 p. 112-113 p. 144-145 p. 165 Recycled Paper Building PHZ2, courtesy of Dratz&Dratz Architekten
Quinta Monroy social housing, photo: Tadeuz Jalocha, courtesy of Elemental
Max Lipsey, Branch Hooks (2008)
Nika Zupanc, Black Cherry lamps (2010)
Katarzyna Staryk, Lamps (2010/2011)
Thibaut Godard, Porcelain (2010-2011)
www.atakdesign.pl, Gandia Blasco Flat collection
Gerard Rallo, Devices for Mindless Communication
Cabin Vardehaugen, Fantastic Norway project,
photo: Håkon Matre Aasarød, courtesy of Fantastic Norway
/ 166
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
Organizator / Organizer
Organizacja /
Organization
Łódź Art Center
Tymienieckiego 3, 90-365 Łódź
tel./fax: +48 42 684 20 95
www.lodzartcenter.com
[email protected], [email protected]
Krzysztof Candrowicz – Dyrektor / Director
Michał Piernikowski – Wicedyrektor / V-ce Director
Małgorzata Żmijska – Dyrektor Programowy /
Programme Director
Maja Kudlińska – Dyrektor Wykonawczy / Executive Director
Agnieszka Jacobson-Cielecka – Dyrektor Artystyczny /
Artistic Director
Dział współpracy z partnerami oraz sponsorami /
Cooperation with partners and sponsors
Emilia Kołowacik – Dyrektor ds. Rozwoju /
Business Development Director
Olga Łosiak – Koordynator ds. Współpracy z Partnerami /
Coordinator of Cooperation with Partners
Natalia Wasilewska – Koordynator Wystaw Partnerskich /
Coordinator of Partner Exhibitions
Dział promocji / Promotion
Aleksandra Kietla – Dyrektor Działu Promocji,
Rzecznik Prasowy / Promotion Director, Spokesperson
Kasia Dobrzańska – Koordynator Produkcji Reklamowej /
Advertising Production Coordinator
Kasia „Frania” Frankowska – Koordynator Identyfikacji
Przestrzeni, Gadżety Festiwalowe /
Space Identification Coordinator, Festival Gadgets
Kasia Zawada – Koordynator Działań w Internecie /
Internet Operations Coordinator
Dział koordynacji/ Coordination
Andrzej Sieczkowski – Koordynator Wystaw Programu
Głównego / Main Programme Exhibitions Coordinator
Marta Piechocka – Koordynator Wystaw Towarzyszących,
ReMade Market, wystawy pokonkursowej make me! /
Coordinator of Accompanying Exhibitions, ReMade Market,
make me! post-contest exhibition
Agnieszka Żebrowska – Koordynator Przeglądu Szkół /
School Review Coordinator
Katarzyna Gołaszewska – Koordynator Wystaw Towarzyszących /
Coordinator of Accompanying Exhibitions
Maria Ostrowska – Koordynator Przeglądu Portfolio, Wykładów,
Strefy dla Dzieci / Coordinator of the Portfolio Review, Lectures,
Design Playground
Kasia Dobrzańska – Koordynator Tłumaczeń,
Redakcja Tekstów / Coordinator of Translation, Editing
Wiktor Szkopek – Koordynator Transportów /
Transports Coordinator
Magda Herbst – Koordynator Wolontariatu /
Coordinator of Volunteer Work
Tomasz Włodarczyk i Szczepan Dyszewski –
Koordynatorzy Biura Festiwalowego / Festival Office Coordinators
Agnieszka Gernand – Koordynator Gości /
Guest Care Coordinator
Weronika Marczak – Koordynator Bankietu oraz Imprez /
Banquet and Parties Coordinator
Emilia Szywała – Asystentka Dyrektora Programowego /
Programme Director’s Assistant
/ 167
Dział techniczny / Technical department
Tomasz Krukowski – Kierownik Działu Technicznego /
Technical Department Manager
Maciej Kobalczyk – Koordynator Centrum Festiwalowego /
Festival Centre Coordinator
Piotr Wdówka – Koordynator Przeglądu Szkół /
School Review Coordinator
Krzysztof Butryn, Wojciech „Budzik” Górniak, Marcin Tomes,
Arkadiusz Rogoziński, Wojciech Kucharski, Krzysztof Słychań, Zbigniew Stasiak, Maciej Karolczak – Dział Techniczny /
Technical Department
Księgowość / Accountant
Marta Redzynia, Anna Gacka
Współpraca / Cooperation
Magda Kubicka, Michał Chojnacki, Katarzyna Zdzieńkowska,
Rafał Marciniak, Radosław Starczewski, Marta Szymańska
Współorganizator / Co-Organizer
Fabryka Sztuki w Łodzi / Art Factory
Tymienieckiego 3, 90-365 Łódź
tel./fax: +48 42 646 88 65
www.fabrykasztuki.org
[email protected]
Maciej Trzebeński – Dyrektor Naczelny / Chief Executive
Tomasz Rodowicz – Dyrektor Artystyczny / Artistic Director
Maria-Magdalena Sobczyk – Rzecznik Prasowy / Spokesperson
Album
Kasia Dobrzańska – redakcja / editing
Piotr Okrasa BDSN / Progressivo – projekt graficzny i skład /
design & editorial / www.bsdn.pl
Translateria – tłumaczenie, weryfikacja, korekta /
translation, proofreading, editing / www.translateria.pl
Drukarnia Poligraf – druk / printing / www.poligraf.net.pl
© 2011 Łódź Art Center, Poland, All rights reserved
ISBN 978-83-61332-20-6
Łódź Design Festival 2011 /
CHANGE!
/ 168
/ 169
The only authorized authentic
www.cassina.com
www.lccollection.cassina.com
LC2 by Le Corbusier, Jeanneret, Perriand and Cassina.
Design first.
ul. Rydygiera 8, bud. 6 01-793 Warszawa tel. +48 22 639 44 55 www.ideamm.pl

Podobne dokumenty

Katalog Dobry Wzór 2010 4.64 MB

Katalog Dobry Wzór 2010 4.64 MB Each good world design competition is a  barometer of a market. Organized since 1993 Good Design records the history of changes happening in the Polish design by monitoring the Polish market, recom...

Bardziej szczegółowo