Marta Rosenthal-Sikora IRREGULAR TALENTS
Transkrypt
Marta Rosenthal-Sikora IRREGULAR TALENTS
Irregular Talents Indeks Wprowadzenie, Sergio Zini Wstęp, Maria Śliwińska Irregular Talents, Franco Faranda Szczerość i autentyczność, Krzysztof Białowicz IRREGULAR TALENTS - Akademicka Przestrzeń Kulturalna , Marta Rosenthal-Sikora Informacja o projekcie Talent kontra reguła, czyli nowatorstwo kontra paradygmat, Luca Farulli Sztuka między „regułą” i „brakiem reguły” – z perspektywy „zmiany poglądów”, Peter Assmann Polscy artyści w projekcie Irregular Talents, Alicja Saar-Kozłowska Artyści i ich dzieła: - Cesare Paltrinieri - Michał Nowak - Agata Miszewska - Ewa Świokła - Mieczysław Saar - Anita Baier - Anita Wend - Peter Bischof - Elle Fee - Peter Assmann - Jarosław Latowski - Jacek Miszewski - Elisabeth Watzek - Hubert Zemsauer - Andrea Obwaller - Marta Rosenthal Sikora - Andrea Giordani - Renata Jagielska - Andrea Carminati - Riccardo Persico - Franco Veneri - Leszek Bicki - Alicja Saar - Gianluca Pirrotta - Anna Szary - Mirosław Kocoł - Barbara Jankowska - Agnieszka Pietrzak - Manuela Candini Biografie artystów 2 Index pag. pag. pag. pag. pag. 3 3 7 7 8 pag. 9 pag. 10 pag. 18 pag. 23 pag. pag. pag. pag. pag. pag. pag. pag. pag. pag. pag. pag. pag. pag. pag. pag. pag. pag. pag. pag. pag. pag. pag. pag. pag. pag. pag. pag. 32 34 36 38 39 40 42 44 46 48 50 52 54 56 58 60 62 64 66 68 69 70 72 74 76 77 78 80 Foreword, Sergio Zini Introduction, Maria Śliwińska Irregular Talents, Franco Faranda Sincerity and Authenticity, Krzysztof Białowicz IRREGULAR TALENTS - Academic Cultural Space, Marta Rosenthal-Sikora Presentation of the project "Irregular Talents" Talent and rule: innovation and paradigm, Luca Farulli The art between “regular” and “irregular” - from the “view change” perspective, Peter Assmann Polish artists in the "Irregular Talents" project, Alicja Saar-Kozłowska Artists and Works: - Cesare Paltrinieri - Michał Nowak - Agata Miszewska - Ewa Świokła - Mieczysław Saar - Anita Baier - Anita Wend - Peter Bischof - Elle Fee - Peter Assmann - Jarosław Latowski - Jacek Miszewski - Elisabeth Watzek - Hubert Zemsauer - Andrea Obwaller - Marta Rosenthal-Sikora - Andrea Giordani - Renata Jagielska - Andrea Carminati - Riccardo Persico - Franco Veneri - Leszek Bicki - Alicja Saar - Gianluca Pirrotta - Anna Szary - Mirosław Kocoł - Barbara Jankowska - Agnieszka Pietrzak - Manuela Candini Biographies of the artists Wprowadzenie Foreword Wstęp Introduction Sergio Zini ' Maria Sliwinska “Blask, który przebija się przez rysy delikatnego ludzkiego bytu ukazuje nam nieoczekiwane Piękno, które nasze serce dostrzega i odbiera z zadziwieniem. Tak i ziemia rozstępuje się, by pozwolić wypłynąć na powierzchnię wodzie, która bynajmniej nie do niej należała i która – kierowana jakąś wyższą mądrością – zaczyna swój bieg dając nowe życie wszędzie tam, gdzie zdoła dopłynąć. Piękno jest poza naszą powierzchownością – jest wewnątrz nas i do nas należy by je uzewnętrznić. Gdy pozwalamy Pięknu wypłynąć na powierzchnię prosto z naszej wrażliwości, rodzi się dla nas nowa nadzieja. Tego właśnie doświadczamy, gdy towarzyszymy na co dzień artystom pracującym w ramach Cooperativa Nazareno i to nas motywuje w naszej dalszej i niekończącej się podróży w poszukiwaniu nowych źródeł Piękna". (Tłumaczenie /Translation Agnieszka Gajewska) Talenty w swej naturze są niejednorodne i mimo, iż pierwotnie termin talent używany był jako jednostka miary, talenty są niemierzalne. Talenty, czyli uzdolnienia mogą być różnorodne. Można mieć talent organizacyjny lub techniczny, językowy lub artystyczny i wiele innych. Można być wszechstronnie utalentowanym jak Leonardo da Vinci, lub skoncentrowanym na jednej dyscyplinie czy technice. Talenty nie zawsze są rozpoznawalne. Częstokroć trzeba odpowiedniego zbiegu okoliczności, spotkania z kimś, kto potrafi talent rozpoznać, nawet jeżeli jeszcze nie w pełni został ujawniony, spotkania z kimś, kto zechce ten talent rozwinąć i wydobyć na światło dzienne. Artyści, których prace prezentujemy spotkali na swej drodze ludzi, którzy potrafili dostrzec ich potencjał. Dzięki temu w projekcie Irregular Talents możemy pokazać tak różnorodne prace na wystawie międzynarodowej we Włoszech w Bolonii (otwarcie 16 maja 2015 r.), w Polsce w Toruniu (otwarcie 24 czerwca 2015 r.) i w Bydgoszczy (otwarcie 20 lipca 2015) oraz w Austrii w Pregarten k. Linz (otwarcie 29 sierpnia 2015 r.). Prace te prezentowane są w otoczeniu artystów, którzy sami swój talent odkryli zainspirowani czymś lub zachęceni przez kogoś i rozwijali go w procesie regularnego akademickiego kształcenia. Zestawienie tych dzieł w jednym miejscu uświadamia nam, że kreatywność i sztuka nie zna granic a każdy twórca widzi świat na swój sposób, czasami zbliżony do widzenia innych twórców, z którymi nigdy prawdopodobnie się nie zetknął i których prac raczej nie zna. W dorobku wszystkich artystów "The light that shines through the cracks of a fragile existence gives us unexpected beauties which our heart glimpses with astonishment. Like the Earth parting to let water spring forth, water that the Earth did not own and that, guided by higher wisdom, starts flowing, and giving new life to whatever it touches. Beauty is without us: it is up to us to welcome it within, because if Beauty can spring forth from fragility, a new hope is born for each of us. This what we have experienced in the daily life of the people we assist in Cooperativa Nazareno, and what motivates us in the ongoing quest for new wellsprings of Beauty". Talents are intrinsically heterogeneous and, though originally the term ‘talent’ was used to denote a unit of measurement, they are in fact unmeasurable. There are different talents, or gifts, to talk about. Thus a person may demonstrate an organizational talent or technical one or language-learning one or artistic one or one of so many others. Finally, a person may be multi-talented, like e.g. Leonardo da Vinci, or focused only on a single discipline or technique. By no means are talents always discovered. Often, some really happy coincidence needs to happen so as to come across somebody who can recognize a talent, especially when it is still latent, and, what is more, who is willing to unearth and develop it. Therefore, artists whose works are presented here are indeed lucky to have been discovered and appreciated. Thanks to this, we have an opportunity to display their works within the project of ‘Irregular Talents’ on the international exhibition that opens in Bologna, Italy on 16th May 2015, in Toruń, Poland on 24th June 2015, in Bydgoszcz, Poland on 20th July 2015, and in Pregarten, Austria, on 29th August 2015. The given works are presented together with the works of artists who managed to discover their talents on their own, though they may have been inspired by some issue or encouraged by a certain personage, and who developed their gifts in the course of a formal artistic training. Juxtaposition of these two types of works in one exhibition helps us to realize that human creativity and art know no bounds and that truly all the presented here artists have their own view of the world, even if sometimes it is similar to the view of the other artists whom most probably they never met and whose works they are not familiar with. Both the professional authors, so those with the fine-arts degree, and the authors who make the so-called outsider art (or art brut in French, which literally means ‘raw art’), including ‘primitives’ and the ones working within the styles of naïve art or intuitive art, have in their oeuvre inspirations 3 4 zarówno profesjonalnych z dyplomami szkół artystycznych, jak i z nurtu określanego jako Art Brut, prymitywizm czy sztuka naiwna, surowa lub intuicyjna znajdziemy prace inspirowane dziełami sławnych artystów, czasami dosłownie, a innym razem poddane interpretacji. U wszystkich artystów mamy do czynienia z poszukiwaniem własnego stylu. Widzimy to nie tylko na naszej wystawie, gdzie do jednorodnych prac prezentowanych w Bolonii, w polskiej wersji ekspozycji dodajemy inne aspekty twórczości artystycznej pokazując różne techniki stosowane przez twórców polskich. Poszukiwanie własnego stylu widać wszak także w dziełach najbardziej znanych artystów jak chociażby Vincenta van Gogha, który za życia też zmagał się z problemem niedoceniania jego sztuki. Dziś posiadanie jego dzieł jest marzeniem każdego z muzeów. Podobnie, choć na mniejszą skalę, uznana jest już dziś sztuka tzw. artystów prymitywnych, wśród których dzieła polskiego Nikifora obok Teofila Ociepki czy Stanisława Zagajewskiego też zaliczają się do cenionych i poszukiwanych przez muzea. Ci, obecnie cenieni artyści przez wiele lat tworzyli z potrzeby serca, w warunkach prymitywnych, bez wsparcia i bez zrozumienia, dopóki ktoś nie odkrył i nie rozpoznał ich talentu. Twórcy – Irregular Talents – których dzieła prezentowane są w wyborze na wystawach i w katalogu mieli to szczęście, że ich talenty zostały odkryte i mogą być przez nas podziwiane. Dodatkowo, twórczość dwunastu artystów została w miarę obszernie przedstawiona w poświęconych im monografiach. Zróżnicowana twórczość zachwyca bogactwem treści i formy. Wśród prezentowanych artystów włoskich mamy portrecistę Cesare Paltrinieri, który także świetnie maluje przyrodę i architekturę w stylu zbliżonym do kubistów, co doskonale widać w jego monografii. Nigdy nie zapomina o podpisaniu swych dzieł. Andrea Giordani, którego twórczość również przedstawiona jest szerzej w monografii, to artysta bardzo precyzyjny i pracowity. Jego dzieła składające się z wyrysowanych długopisem/cienkopisem kwadracików przedstawiają plany miast i postaci zbliżone w charakterze do azteckich czy olmeckich rysunków znanych z zachowanych kodeksów. Andrea Carminati posługujący się kolorową kredą i pastelami tworzy wielobarwne wizerunki ptaków rajskich. Riccardo Persico, któremu także w projekcie poświęcono monografię, to twórca wszechstronny. Część jego dzieł to komiksy, ale także miniaturowe postaci malowane piórkiem oraz prezentowane na wystawie prace przedstawiające antropomorficzne portrety wybranych zwierząt tworzone mieszaną techniką. Obrazy Franco Veneri to jakby kolorowe plany miast z ukrytymi na nich w pewnych miejscach postaciami. Franco maluje na papierze, ale potrafi także zadbać o ożywienie instrumentów muzycznych. Twórczości tej towarzyszą monochromatyczne prace artystki profesjonalnej Manueli Candini. W grupie artystów austriackich prace Paula Duhema, w których w kształt zaostrzonego ołówka wpisane są kolorowe domki, przypominają nieco rozwiązania Tadeusza Makowskiego, polskiego artysty działającego w Paryżu w pierwszej połowie XX wieku, który malował „ołówkowe dzieci”. Anita Baier na kolorowych tablicach tworzy farbami akrylowymi liczne przesłania do świata. Natomiast świat Elisabeth Watzek wypełniają postaci przyjaźnie portretowanych ludzi, najczęściej przy użyciu 2-3 kolorów. Wśród nich są postacie z prostokątnymi lub trójkątnymi twarzami ukształtowanymi płaszczyznowo, jednokolorową plamą. Hubert Zemsauer prezentuje prace fotograficzne ze scenkami z pchlego targu w Linz, które następnie poddaje obróbce malarskiej. Natomiast Andrea Obwaller posługując się długopisem zarysowuje kartki papieru licznymi przecinającymi się pod różnym kątem cienkimi liniami, meandrami. Całość dopełniają posługujący się także cienką kreską artyści profesjonalni Peter Bischof, Peter Assmann i Helena Ellefee Möstl, dający interesujący przykład kolektywnej twórczości. W polskiej wersji katalogu koncentrujemy się na wyborze talentów polskich. Spośród wielkiej ich rzeszy ograniczyliśmy się do przedstawienia twórców z jednego tylko miasta – Torunia. Po wielu naradach uznaliśmy, że należy wypromować młodą artystkę Ewę Świokłę, która borykając się z poważną chorobą od dzieciństwa, zatraciła się w sztuce bez reszty. Nie tylko ukończyła studia na Wydziale Sztuk Pięknych na Uniwersytecie Mikołaja Kopernika w Toruniu, ale także szkołę muzyczną i występuje z zespołem jako mezzosopranistka. Jej liczne prace malarskie to poszukiwanie własnego stylu, w którym ważną pozycję zajmują obrazy o tematyce kosmicznej. Pozostałe osoby wybraliśmy z jednego ośrodka – Pracowni Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych (PRTON), która powstała z inspiracji niestrudzonej działaczki społecznej, znanego pedagoga Wandy Szuman. Pracownia już od 35 lat zajmuje się rozwijaniem talentów osób poszkodowanych przez los. Zaczęło się to od inicjatyw społecznych, realizowanych przez wrażliwych studentów Wydziału Sztuk Pięknych Uniwersytetu Mikołaja Kopernika w Toruniu, koncentrujących się na wspieraniu poszczególnych artystów. Po uzyskaniu pomocy od dyrektora Biblioteki Uniwersyteckiej, obecnie Profesora Bohdana Ryszewskiego, udało się zorganizować pierwsze wernisaże uzdolnionych artystycznie osób, wśród których byli artyści malujący ustami, nogami, twórcy niewidomi, malujący na papierze brajlowskim, rzeźbiący w glinie. Do dziś w Bibliotece Uniwersyteckiej przechowywane są niektóre z tych prac, zakupione lub podarowane do jej zbiorów po wernisażu. Był to czas, kiedy polityka społeczna państwa nie brała pod uwagę tego rodzaju akcji. Obecnie Pracownia działa na zasadzie organizacji pozarządowej, uzyskującej fundusze publiczne na zaspokojenie podstawowych potrzeb. Mimo skromnego finansowania wciąż kontynuują w niej swoją misję życiową artyści Anna Szary i Mirosław Kocoł, których prace także tu zamieszczamy. Spośród licznych podopiecznych Pracowni wybraliśmy troje, których twórczość przedstawiona jest obszerniej w monografiach. Są to Renata of artefacts created once by famous classics. Those works are more or less liberally interpreted. Nonetheless, all the given artists clearly search for their own particular style of artistic expression, which can be noticed on the presented exhibitions, whose the Bologna version consists of more homogenous works while the Polish version is expanded with some extra forms of artistic creativity to show diversity of techniques used by the Polish artists. But the problem of searching for one’s own style of expression, and consequently recognition, apply also to the authors who are today famous but who had to endure the situation of being underrated during their lifetime, like Vincent van Gogh. Nowadays, each single museum around the world dreams of having one of his works. Similarly, though on a smaller scale, the so-called ‘primitives’ finally have gained recognition, among whom there are the Polish authors Nikifor, Teofil Ociepka and Stanisław Zagajewski, and whose works are now highly valued by critics and sought after by many museums. The mentioned artists, today highly regarded, for many years had nothing but a heartfelt need to create their works, i.e. they had no decent working or even living conditions, none’s support or understanding, till the moment some proper person met them and spot their talents. The artists from the project Irregular Talents, whose selected works are presented on the exhibition and in the catalogue, are lucky to have had their talents discovered in the past and to be admired now. Additionally, the works of twelve of them are described in more detail in the monographs. The proposed here artistic production delights with diversity of forms and contents. Among the Italian artists, there is presented Cesare Paltrinieri, the portraitist, who also splendidly paints nature and architecture in the style similar to the cubist one – which is very well shown in his monograph. He never forgets to sign his works. Andrea Giordani, whose output is also discussed at length in the monograph, is an author very diligent and meticulous. His works consist of little squares, drew up with a ballpoint pen or fine ballpoint pen, which represent plans of cities and characters similar in their nature to Aztec or Olmec drawings seen in the survived codes of those civilizations. Andrea Carminati uses a coloured chalk or a pastels stick and in this way he creates multi-coloured images of birds of paradise. Riccardo Persico, who also has a separate monograph devoted to him, is a versatile creator. He is an author of comics, but also of pen and ink miniatures of human figures, and finally of anthropomorphic animal portraits in mixed media techniques, the latter included in the above-mentioned exhibition. The paintings by Franco Veneri are like colourful town plans with characters hidden in some of their areas. Franco paints on paper, but he also knows how to adorn musical instruments. Works of these artists are juxtaposed with the monochrome ones by the professional artist, Manuela Candini. As for the group of Austrian artists, the works of Paul Duhem, depicting the shape of a sharpened pencil in which there are set little coloured houses, evoke memories of some solutions of Tadeusz Makowski (the Polish painter active in Paris in the first half of the 20th century) regarding the characteristic ‘pencil-like children’ of his. Anita Baier uses acrylic paints on coloured panels to create numerous messages to the World. Further, the world by Elisabeth Watzek is filled with people portrayed in a very friendly manner, usually with the help of no more than 2-3 colours. Among the given people there are characters with rectangular or triangular two-dimensional physiognomies painted with monochromatic patch of colour. Hubert Zemsauer takes photographs of scenes of the flea market in Linz, which then he colorizes with paints. Andrea Obwaller uses ballpoint pen to cover sheets of paper with many thin lines, meanders, intersecting at different angles. The Austrian group is complemented with the trio of professional artists, Peter Bischof, Peter Assmann and Helena Ellefee Möstl, who also apply thin strokes of colour and who give an interesting example of collective work. The Polish version of the catalogue focuses on the selection of domestic talents. Eventually, from a wealth of it we decided to present here only artists from the city of Toruń. After much deliberation, we chose to promote a young artist Ewa Świokła, who, in spite of suffering from a serious illness since childhood, became completely immersed in her creative activity. She graduated not only in Fine Arts at the Nicolaus Copernicus University (NCU) in Toruń but also from the music school and gives concerts with the orchestra singing as a mezzo-soprano. Her prolific painting output reflects the search of the artist’s own style which is fairly distinctive due to the ‘cosmic paintings’. Other Polish artists were chosen from one institution, the Centre for the Development of the Handicapped Persons' Artistic Activity (PRTON), which was founded thanks to the initiative of the indefatigable activist and well-known educator Wanda Szuman. The Centre has been engaged in the development of talents of the disadvantaged people for over 35 years now. It all started with the actions carried out by socially responsible students of the Faculty of Fine Arts at the NCU in Toruń, who concentrated on assisting individual artists. Having received help from the director of the University Library, Bohdan Ryszewski, they managed to organise first exhibitions of artistically talented charges, among which there were mouth and foot painting artists, blind artists, those painting on braille paper or sculpting in clay. Some of the displayed works were sold or donated to the Library after the exhibition and still are included in its collection. In those days, the state social policy did not support this type of action. Today, the Centre functions as a non-governmental organisation and receives public funds for its basic needs. Despite the modest funding, such people as Anna Szary and Mirosław Kocoł, whose works are listed in this catalogue, keep working for the institution and fulfil their mission in life. Among the many charges of the Centre, three were selected to have their works more extensively discussed in the monographs. The first one is Renata Jagielska. She 5 6 Jagielska, która najlepiej wyraża się w technice linorytniczej, chociaż jej pastele i rysunki kredką też są godne uwagi. Niektóre z nich przypominają projekty witraży. Anita Wend z kolei najchętniej maluje kredką na tkaninie, tworząc monumentalne dzieła, interpretacje obrazów znanych mistrzów. Jak wszyscy wychowankowie tej pracowni nie stroni ona od innych technik, jak rysunek, puncowanie i linoryty. Jarosław Latowski także zafascynowany jest możliwością tworzenia grafik, a jego prace malowane kredką starają się wiernie oddać najmniejsze elementy ludzkiego ciała. Nie są mu także obce puncowanie i malowanie na szkle. Poza tymi artystami, na wystawie prezentowane są także introwertyczne prace Michała Nowaka oraz Agaty Miszewskiej, Jacka Miszewskiego i Leszka Bickiego. Osiągnięcia tych artystów zestawiamy z dziełami ich mistrzów. Na ile można odnaleźć ich wpływ w twórczości uczniów, każdy sam może sprawdzić na wystawie. Prezentujemy tu więc prace wspomnianych wcześniej artystów-opiekunów, a zatem rzeźby Anny Szary oraz malarskie i graficzne poszukiwania Mirosława Kocoła. Towarzyszą im dzieła młodszych stażem twórców Barbary Jankowskiej prowadzącej pracownię malarstwa na szkle oraz aplikacja na tkaninie Agnieszki Pietrzak, która opiekuje się pracownią krawiecką, gdzie powstają obrazy „igłą malowane”. Ponadto tło profesjonalnej sztuki dopełniają, podobnie jak na wystawie w Bolonii prace Marty Rosenthal-Sikory z cyklu Cities oraz dzieła Mieczysława Saara, znakomicie korespondujące z twórczością Ewy Świokły i obrazy jego wnuczki Alicji Saar. Niestety każda przestrzeń jest ograniczona stąd wiele innych prac które należałoby pokazać czeka na kolejną taką okazję. Mamy nadzieję, że wystawa ta uświadomi zarówno społeczeństwu, ale przede wszystkim decydentom, jak ważne jest wspieranie twórczości artystycznej osób uzdolnionych, gdyż dzięki niej życie twórców nabiera sensu a nasze staje się piękniejsze. expresses herself best in the linocut printing technique, though her pastel drawings and coloured pencil drawings are also noteworthy. Some of them resemble stained glass designs. The second one, Anita Wend, most willingly draws with coloured pencils on fabric, thus creating large format compositions and interpretations of paintings by famous masters. Like all the other artists of the Centre, she do not limit herself to using only one favourite technique, making also coloured pencil drawings and pastel drawings on paper and linocuts. The third one, Jarosław Latowski, is as well fascinated by creating prints. Additionally, in his coloured pencil drawings he tries to render most faithfully the smallest elements of the human body. Finally, he is also familiar with the sheet metal embossing (punzierung in German) and painting on glass. In addition to the abovementioned artists whose production is described in more detail in the separate monographs, the exhibition shows also introverted works by Michał Nowak, as well as a few works of Agata Miszewska, Jacek Miszewski and Leszek Bicki. The achievements of the given artists are juxtaposed with the works of their masters so the Polish viewer has an opportunity to judge himself how much the charges are influenced by their tutors. Thus, he/she can see the pieces of art by the aforementioned masters, including sculptures by Anna Szary and the art of painting and engraving by Mirosław Kocoł. Their works are accompanied with the ones authored by the other creators, like Barbara Jankowska, who gives classes in painting on glass, and Agnieszka Pietrzak, who leads the workshops in sewing where she teaches how to make the ‘needle-painted’ works. The collection of professional works is complemented with abstract works by Marta Rosenthal-Sikora, and Mieczysław Saar, that perfectly correspond with those by Ewa Świokła, and finally with paintings by Alicja Saar (granddaughter of Mieczysław). Unfortunately, every display space is limited hence many works not included in this exhibition but worth seeing awaits another occasion. We hope, however, that this event will make society, but above all policy-makers, realize how important it is to support artistic activity of talented people, especially as such an activity makes them feel needed and at the same time makes our life more beautiful. (Tłumaczenie/Translation Agnieszka Gajewska) IRREGULAR TALENTS Szczerość i autentyczność Sincerity and Authenticity Franco Faranda Krzysztof Bia owicz Pinakoteka Narodowa w Bolonii jest zaszczycona, że może gościć wystawę będącą rezultatem projektu „Irregular Talents”, stanowiącego wyraz ideałów takich jak uznanie talentów i integracja społeczna przez sztukę, które zawsze były Pinakotece bliskie. Cieszy nas także fakt, iż nasze partnerstwo z koordynatorem projektu Cooperativa Nazareno zapoczątkowane w 2014 r. rozwija się tak owocnie. W tym roku poza patronatem i wsparciem z Programu Unii Europejskiej „Kultura” nasz wspólny wysiłek jest wzbogacony dzięki współpracy z partnerami o różnym doświadczeniu i wrażliwości, mających swe źródło w historii krajów ich pochodzenia – Polski i Austrii. Otwarcie drzwi Pinakoteki dla projektu Irregular Talents jest legitymizacją dokonań artystów i ich prac wybranych przez ekspertów do ekspozycji na tradycyjnej scenie sztuki, w tak znaczącej instytucji kultury jaką jest Pinakoteka. Wystawienie tych prac w Pinakotece jest przypieczętowaniem rezultatów współdziałania organizacji pozarządowych, którym udało się przezwyciężyć ograniczenia i niedomogi w zakresie wspierania talentów, przez znalezienie odpowiedniego sposobu współpracy z partnerami instytucjonalnymi na różnych poziomach. Irregular Talents jest przykładem międzysektorowego i międzynarodowego projektu, w którym inicjatywy społeczne i kulturalne oraz krajowa i międzynarodowa współpraca między instytucjami pozwoliły na osiągnięcie wspólnego celu – dowartościowania talentów, bez względu na jakiekolwiek ograniczenia. Pinakoteka z radością oczekuje kontynuacji tej międzynarodowej współpracy w zakresie uznania talentów i pokonywania ograniczeń oraz chętnie włączy się do oceny, krytyki i wystawiania dzieł sztuki na podstawie ich samoistnej wartości, nie stawiając ograniczeń w zakresie ich pochodzenia. Tłumaczenie/Translation Maria Śliwińska Co to jest szczerość i co to jest autentyczność. To nie jest pytanie. Raczej tytuł, próba zapisu reakcji, definicja klucza jakim posługują się artyści......bezwiednie. Ci artyści. Nie zadajemy sobie pytań, bo są gotowe odpowiedzi. Pokazujemy te prace, ciepłe i nieodgadnione. Niech pozostaną jako ślad w przestrzeni naszej inspiracji. Kształty, litery, symbole, ludzie, dzieci, zwierzęta weszły do pokoju, w którym nie ma mebli więc zawisły w powietrzu. Bo nie ma tu żadnych reguł, rygorów kompozycyjnych, ani schematów. Obrazy, rysunki, grafiki są na wyciągnięcie ręki, chcemy być blisko nich, bo są po to, by odkrywać przed nami sens tworzenia. Bardzo się cieszę że toruńskie Centrum Sztuki Współczesnej bierze udział w tym przedsięwzięciu, że wspiera tą, być może najczystszą, formę wypowiedzi artystycznej. The Pinacoteca Nazionale di Bologna is honored to host the European exhibition project "Irregular Talents", a protean embodiment of those ideals of talent valorization and social inclusion through art that the Pinacoteca itself has always pursued. We are also proud to see how the partnership we started in 2014 with Cooperativa Nazareno, the project's coordinator, is growing more and more fruitful: this year, besides the patronage and support of the European Union's Programme for Culture, our joint effort is enriched by the collaboration with the project's cultural partners, each bringing along a different Weltanschauung derived from the history and sensitivities of their native countries, Poland and Austria. Opening the Pinacoteca's doors to Irregular Talents means aligning with the desire of making available to these so-called "irregular" artists, besides the chance of having their works evaluated by experts in the field, the legitimacy of being featured in the traditional art scene, in a prime institutional location like the Pinacoteca. Exhibiting these works in the Pinacoteca is a chance to put an official seal of a network job born of the daring and confident project of a non-profit sector capable of really embracing limitations and fragilities, understanding possibilities, cultivating talents, and finding adequate ways to interact with institutional partners on various levels. "Irregular Talents" represents a cross-sectoral, international cooperation project where social and cultural initiatives and national and international institutions collaborate towards a common goal: the valorization of talents, regardless of any limitation, and social inclusion through art and culture, while at the same time daring to move over the stigma of limitation and disadvantage, and to broaden their cultural and artistic offering, both in terms of production and of fruition. The Pinacoteca looks forward to a continuation of this international synergy towards valorizing talents, embracing limitations, and being well disposed to evaluate, critique, and exhibit works of art based on their own value, regardless of the limitations of their origins. What constitutes sincerity and authenticity? This is not a question. It’s rather a title, an attempt to record a reaction, a definition of the formula used by the artists.... unknowingly. Those artists. We do not ask ourselves questions since the answers are given. We just present these works, so warm and so mysterious. Let them leave a trace in the expanse of our inspiration. Shapes, letters, symbols, people, children, animals entering an unfurnished room and therefore hanging in the air. There are no rules, no composition rigors, no schemes to observe. Paintings, drawings, graphics stay at your fingertips. We wish to be close to them, as they are to unveil for us the sense of artistic creation. I am very glad that our the Centre for Contemporary Art in Toruń takes part in this endeavour and supports this probably purest form of artistic expression. (Tłumaczenie / Translation Agnieszka Ługowska) 7 IRREGULAR TALENTS - Akademicka Przestrzeń Kulturalna IRREGULAR TALENTS - Academic Cultural Space Prezentacja projektu Presentation of the project Marta Rosenthal-Sikora 8 Progetto co-finanziato dall’Unione Europea Na przełomie lipca i sierpnia Akademicka Przestrzeń Kulturalna Wyższej Szkoły Gospodarki w Bydgoszczy zaprezentuje prace artystów z 3 krajów – Włoch, Austrii i Polski. Ekspozycja, będąca integralną częścią międzynarodowego projektu Irregular Talents, wyraźnie wpisuje się w idee APK – SZTUKI BEZ BARIER. Akademicka Przestrzeń Kulturalna od lat stanowi doskonałe miejsce dla wszelkiego rodzaju przedsięwzięć kulturalnych i artystycznych. Jej wizytówką jest interdyscyplinarność i różnorodność działań kulturalnych. Obok koncertów, spektakli, projekcji filmowych i wystaw odbywają się tu spotkania z ludźmi kultury, debaty społeczne, konferencje oraz seminaria naukowe. Przestrzeń ożywiają cykliczne festiwale oraz unikatowe inicjatywy, realizowane przez studentów oraz przedstawicieli lokalnych środowisk. Z myślą o młodych artystach stworzono takie programy, jak cykl wystawowy Galerii Debiut, Małe Granty APK czy Bydgoska Akademia Fotografii. APK to także liczne projekty edukacyjne oraz genius loci Instytutu Kulturoznawstwa WSG – najważniejszego ośrodka kulturoznawczego w makroregionie. I wreszcie miejsce do współpracy z III sektorem, czego przykładem są projekty społeczne Fundacji „Gaudeamus”, przełamujące stereotypy i ograniczenia, dedykowane osobom niepełnosprawnym i wykluczonym. Wspieramy i promujemy działalność artystyczną osób niepełnosprawnych, nieznanych artystów profesjonalnych i nieprofesjonalnych, którzy poprzez sztukę mają szansę przełamać swoje ograniczenia. Zapewniamy warunki do swobodnego odkrywania i rozbudzania twórczych pasji. Mamy nadzieję, że za pomocą sztuki, która nie rozgranicza pojęć sprawności i niepełnosprawności oraz nie skupia się na barierach poszczególnych twórców, możemy najlepiej i najszybciej doprowadzić do integracji społecznej. Projekt Irregular Talents pozostaje więc dla nas szczególnie ważnym przedsięwzięciem. Jesteśmy przekonani, że wybór artystów z różnymi niepełnosprawnościami, stworzenie monografii poświęconych ich twórczości oraz zaprezentowanie ich prac na międzynarodowej wystawie pokażą, że kultura potrafi być efektywną metodą społecznej integracji. Irregular Talents to trzyletni projekt z zakresu kultury (2013-2015) dofinansowany przez EACEA w ramach Programu Kultura 2007-2013. Jest on realizowany przez konsorcjum składające się z partnerów europejskich: Nazareno Società Cooperativa Sociale (Nazareno- Włochy), Międzynarodowe Centrum Zarządzania Informacją The International Center for Information Management Systems and Services (ICIMSS - Polska), Wyższa Szkoła Gospodarki w Bydgoszczy (WSG-Poland), Verein Integrative Kulturarbeit (VIK-Austria). Celem Irregular Talents jest stworzenie możliwości naukowej oceny wartości artystycznych dokonań dwunastu artystów, którym los mniej sprzyjał. Ich prace poddane zostały ocenie ze względu na ich walory artystyczne, nie ze względu na historie ich twórców. W trakcie trwania projektu eksperci z Austrii, Polski i Włoch zajmowali się selekcją i analizą prac wybranych artystów. Efektem tych działań są monografie prezentujące wieloaspektowe dokonania każdego z artystów. Jednocześnie, pod kierunkiem koordynatora eksperci pracowali nad przygotowaniem wystawy, której ekspozycje zaplanowano we Włoszech, Polsce i Austrii. Na wystawach tych prezentowane są dzieła wybranych zgodnie z kryteriami projektu artystów, którym towarzyszą prace twórców z uznanymi już osiągnięciami. Ideą przewodnią było nawiązanie dialogu między artystami, których dzieła korespondują ze sobą bez względu na doświadczenia autorów czy jakiekolwiek ograniczenia. Projekt skupia się bowiem na wartości artystycznej prac, stwarzając pośrednio autentyczną możliwość międzykulturowego włączenia społecznego. Projekt został objęty opieką kuratorską następujących ekspertów: Luca Farulli (Włochy), Alicja Saar-Kozłowska (Polska), Peter Assmann (Austria) (Tłumaczenie / Translation Maria Śliwińska) At the turn of July and August the Academic Cultural Space at the University of Economy in Bydgoszcz has scheduled an exhibition of artists from Italy, Austria and Poland. Not only does this exhibition constitute an integral part of an international project Irregular Talents but it also fits perfectly into the framework of the Academic Cultural Space mission focused on propagating ART WITHOUT BARRIERS. The Academic Cultural Space (APK) has been a perfect venue for artistic and cultural pursuits of different types for years. Various, interdisciplinary cultural undertakings have been the hallmark of this institution. Beside concerts, performances, screenings and exhibitions also meetings with people involved in culture, social debates, academic conferences and seminars are held there. The Space is enlivened by cyclic festivals and unique initiatives, carried out by students and local environment representatives. Keeping young artists in mind we have geared towards them certain cyclic programs organized by the Debut Gallery as well as APK Small Grants and Bydgoszcz Academy of Photography. Moreover, the Academic Cultural Space is involved in various educational projects and is the genius loci of the Institute of Cultural Studies at the University of Economy, the most important culture center in the macro-region. Last but not least, the APK is the place where cooperation with the third sector takes place, which is borne out by social projects carried out by the Gaudeamus Foundation. These undertakings are aimed at challenging stereotypes and barriers and are dedicated to individuals with disabilities and also to excluded groups. We have been supporting and fostering artistic activi- ties among the disabled, both unknown professional and non-professional artists, for whom art offers a chance to overcome barriers. The Academic Cultural Space provides the conditions to freely discover and stimulate artistic passions. We do hope that through art, which has never been drawing a line between people’s physical abilities and disabilities and bringing out their physical limitations, we can facilitate social integration. Thus, the Irregular Talents project has been of special importance to us. We are deeply convinced that the selection of artists with various disabilities, creation of monographs devoted to their artistic endeavors and presentation of the works during an international exhibition will demonstrate that culture may be conducive to social integration. (Tłumaczenie / Translation Agnieszka Ługowska) "Irregular Talents" is a three-year intercultural project (2013-2015), co-financed by EACEA under the Programme Culture 2007-2013. It is organized by a consortium of European partners made by: Nazareno Società Cooperativa Sociale (Nazareno-Italy), Międzynarodowe Centrum Zarządzania Informacją The International Center for Information Management Systems and Services (ICIMSS-Poland), Wyższa Szkoła Gospodarki w Bydgoszczy (WSG-Poland), Verein Integrative Kulturarbeit (VIK-Austria). Irregular Talents aims to create the opportunity for twelve so called “irregular artists” to be studied from a scientific point of view, with artistic criteria. Their work has been taken into consideration because of its artistic value, and not for the stories of their authors. During the project, in Austria, Poland and Italy art experts select and study the artworks of these artists in order to realize a monograph about the poetic of every artists. At the same time, the art experts, under the supervision of the coordinator, have worked at the organization of the itinerant art exhibition, which is expected to move from Italy to Poland and to Austria, showing the works of the selected artists, together with the artworks of other well known-artists. The idea is to create a dialogue among all these artists on the same theme, no matters the story of the authors or the initial limitation of someone. The focus is on the artistic value itself which, of course, indirectly creates an authentic opportunity for intercultural social inclusion. The curatorship of the project is entrusted to the following experts: Luca Farulli (Italy), Alicja Saar-Kozłowska (Poland), Peter Assmann (Austria). 9 Talent kontra reguła, czyli nowatorstwo kontra paradygmat Talent and Rule: Innovation and Paradigm Starożytny talent był jednostką miary, dokładniej wagi i pieniądza, który ciężarem odpowiadał ustalonej ilości innej lokalnej waluty (różnej w zależności od państwa). W takiej postaci talent służył zatem do ustalania wagi – dosłownie jak i metaforycznie. W Ewangelii wg Św. Mateusza w przypowieści o talentach (25, 14-30) jest on synonimem zdolności posiadanych przez danego człowieka, gdyż właśnie według tego kryterium pan rozdał talenty trzem swoim sługom („każdemu według jego zdolności”). W przypowieści tej talent jest więc jednostką miary szczególnego rodzaju – służącą wycenie człowieka. Gdy na wadze odważa się walutę, jej szalki odchylają się w górę lub w dół wyznaczając jej wartość. Tak oto słowo talent poszerza swoje znaczenie od odchylenie–tendencja–skłonność do zamiłowanie–upodobanie, stan nierównowagi, naturalna tendencja do przedkładania czegoś ponad coś innego, bezkompromisowa wola, rozumiana jako silne postanowienie działania, często wyprzedzająca wszelkie zastanowienie. W tym zakresie znaczeniowym talent znajduje się w skomplikowanej relacji w stosunku do pojęcia reguła – a mianowicie jest przeciwieństwem reguły widzianej jako najbardziej ogólny porządek rzeczy, narzucony z góry, w oderwaniu od konkretów, do którego należy się przystosować. Talent tymczasem, broni prawa jednostki do jej specyficznego charakteru/natury, gdzie jedność odczuć i myśli powinna być regułą. W tym kontekście talent jest nie tylko prośbą o wysłuchanie tego, kto ma wyjątkową wrażliwość, wolę i wyobraźnię. Związek pomiędzy wielkością talentu a regułą pomija przypadek, w którym dochodzi do prostego uznania faktu, iż individuum est inefabbile, czyli jednostka jest niezwykła (jednostkę, pojedynczego człowieka nie da się do końca określić i poznać). Jest coś jeszcze w relacji między talentem a regułą – pewien ważny element, który pomaga zrozumieć istotę projektu Irregular Talents – a mianowicie jest to fakt, iż talent, mimo swego bliskiego pokrewieństwa z naturą, nie jest mocą, która powstaje sama z siebie i rozwija się bez pośrednictwa języka – w tym przypadku języka sztuki. Gdyby talent, jako cecha naturalna i przeciwstawiająca się abstrakcyjnej/ absolutnej regule, zależał tylko od siebie, czyli był całkowicie samowolny/arbitralny, nie byłby w stanie się rozwijać, istnieć w dialogu, negocjować swojego miejsca w świecie innych talentów. Gdyby był jak bogactwo naturalne, dosłownie by się wyczerpał. Powyższy fakt wyjaśnia związek pomiędzy talentem a sztuką we współczesnym świecie, rozumianą jako osobna dziedzina wiedzy, która obejmuje swym zakresem uwspółcześnianie, bądź konstruktywne przełamywanie ogólnie przyjętych reguł i paradygmatów. Niemniej jednak sztuka współczesna stawia otwarte pytanie na temat talentu, który przekracza granice i sięga do wielu przemyśleń etycznych i moralnych, skupiając się przy tym na aspekcie wkładu każdego człowieka, jako indywidualności, w ustalanie i definiowanie wspólnych wszystkim, zatem powszechnych, reguł. Nasz projekt Irregular Talents faktycznie przełamuje ogólnie przyjęte reguły: języka, interpretacji, wyrażania radości i smutku, dialogu; i tworzy nowe reguły, które z racji swego artystycznego kontekstu, nie są narzucone, ale raczej nastawione na osiągnięcie celu, po czym cierpliwie oczekują akceptacji ogółu. Ta aprobata natomiast wyznacza sukces danego nowego paradygmatu językowego, powstałego w celu kształtowania woli, pragnienia, wyobraźni. Aspekty artystyczne i etyczne inspirujące projekt Irregular Talents łączą się nie tylko w powyższy sposób. Irregular Talents to act. In this sense, the talent has a very problematic relationship with the field of rule: against it as a most general order, abstractly imposed from above and to which conformity is expected, talent defends the right to one's specific nature urgent in the individual is urgent, more precisely, that own unity of feeling and thinking that demands to become the rule. In this context, talent is not only a request for listening to that "someone" who is the result of a unique feeling, a unique will, a unique imagination. The relationship entertained by the dimension of talent with the rule passes over the instance consisting of mere affirmation of the particular from a mere recognition of the fact that individuum est inefabbile, the individual is ineffable. There is something further in the mutual relationship between talent and rule, a very important aspect which explains exactly the soul of the Irregular Talents project: namely, the fact that talent, despite its clo- seness to nature, is not force that can establish itself and develop without the mediation of language; in our case, of the artistic language. If talent as a natural characteristic and, however resisting to abstract/absolute rule, was a slave of itself, if it was, that is, a tyrannical instance, it would lack the ability to grow, to develop, to establish itself dialogically, to bargain its place in the world of life. As a natural mining vein, talent would, literally, lose strength, and run out. This element explains the relationship that talent has established, in our modernity, with art, understood as a specific field of knowledge, which includes the innovation of rule, the productive breaking of generally accepted rules and paradigms. That said, however, the open question modern art asks on talent crosses the borders and draws upon the scope of ethical and moral reflection, focusing on the theme related to the contribution that each person, in their own individuality, provides to the establishment/definition of shared, and therefore common, rules. Our Irregular Talents, in fact, break commonly accepted rules: rules of language, of representation, of expression of joy and sorrow, of dialogue; they develop a new rule that, specifically because of its artistic nature, is not imposed, but rather aims, then patiently waiting its confirmation by the approval of others; an approval which evaluates the success of the new language paradigm developed, to shape will, desire, imagination. The meeting between ethical and artistic dimensions that animates the entire project is not limited to this: it proceeds further, when the art is not reduced to catharsis but developed as a constant, methodical practice of language management: shape and color for painting and drawing, volumes for plastic arts. Only the competence in managing the language of art allows talent to develop, in an innovative fashion, an artist's style, to Projekt Irregular Talents 10 An ancient currency, the "talent" was a measure, a weight equivalent to a fixed number of other currencies. As such, the talent has to do with the scale and with the act of weighing, actually and metaphorically. In the Gospel of Matthew, 25:14-30, in the parable of the talents, the currency becomes synonymous with "capacity": it is indeed by this criterion that the master of the three servants distributes the money to them. Therefore, it a basic constitutive element of the talent to be a measure, but of a very special kind, as it presents itself as individual evaluation. The scale weighs the currency, but the plates have an inclination: this is value. The word "talent" passes therefore on to denote a penchant, an imbalance, a natural tendency to prefer something and not something else, an uncompromisable will, in many ways, prior to all thinking, which emerges strong and determined as an intention Luca Farulli To połączenie ma również miejsce, gdy sztuka nie jest zredukowana do efektu katharsis, ale występuje jako ciągła metodyczna praca nad językiem, tj. kolorem i kształtem w przypadku obrazów i rysunków oraz bryłą w przypadku dzieł przestrzennych. Jedynie umiejętność posługiwania się językiem sztuki pozwala na to, aby talent, w sposób nowatorski, rozwinął się w indywidualny styl artysty, aby w pełni korzystał z wolności w warunkach zmiennego i nieprzewidywalnego świata realnych zjawisk i aby wychwytywał te zjawiska w ich charakterystycznym i właściwym tonie w sposób czytelny oraz w momencie, w którym jeszcze istnieją. operate through freedom and change on the volatile and variable field of life's phenomena, always caught in their characteristic, decisive, accurate note: in the exact moment when they still live. Kolor Jaka relacja istnieje pomiędzy talentem a kolorem? W słynnym fragmencie swojej autobiografii Emil Nolde wspominał jak podczas tworzenia Ostatniej Wieczerzy (1909) musiał pracować w stanie bliskim platonicznemu entuzjazmowi, tj. poza kontrolą inteligencji, czyli „bez rozumowania” i przede wszystkim Color What is the relationship between color and talent? In a famous passage of his autobiography, Emil Nolde remembered how, in making his Last Supper (1909), he had to work in a state close to the platonic enthusiasm, outside the control of intelligence, that is, "without any thinking" and, above all, "without any model", as if the colors and shapes of that picture emerged from inside the artist. Although brought back to a moment of rapture, although beyond every model or paradigm, the gesture that led the painting shows, however, how much it incorporates the language of art. It's not the mechanism of imitation, in fact, that drives Nolde, but „bez kierowania się wzorcem”, tak jak gdyby kolory i kształty tego obrazu pojawiały się z jego wnętrza. A jednak mimo tego stanu zachwytu, mimo tworzenia bez oglądania się na wszelkie wzorce czy paradygmaty, ruch ręki malarza zdradza jak wiele wprowadził z języka sztuki. Ale Nolde nie kierował się imitatorstwem, tylko siłą przykładu, faktem tworzenia po Leonardzie i innych autorach niezliczonych Ostatnich Wieczerzy, o których to dziełach zapomniał do momentu ich kolejnego wywołania pod postacią przywidzeń (phantasmata), powracających wizerunków, na bazie których kontynuował pracę nad swoim obrazem, tak jak gdyby malował w podświetleniu, zrywając w ten sposób ze wzorcem. Ruch ręki artysty jest więc wyuczony i wyćwiczony do tworzenia nowego paradygmatu, jakby kadencji, używając terminologii muzycznej (czyli improwizowanego popisu solisty-wirtuoza w trakcie koncertu). Przy takiej metodzie oko zawsze działa retrospektywnie, bierze pod uwagę przeszłość, jak i szerszą oraz bliższą perspektywę czasową. Ustosunkowuje się do dotychczasowych przykładów, the force of example, his coming after Leonardo, after countless other Last Suppers, that he has forgotten to the point of making them remerge as a phantasmata, as the image of return, on which he continues the work of painting, as if he was painting in backlight, subverting the example. The gesture is so instructed, exercised to produce a new paradigm, like an a solo cadenza. In this proceeding, the eye is historical, always reckoning with the past, looking sideways, around its own corner. It works with the rest, renewing the example, reworking the exemplary work of a predecessor, activating, without thinking, that history, so to take it back to life and compromise with other paradigms, other rules. This is emblematically clear in the case of the particular artistic management of color in Emil Nolde. Certainly, disconnected from the representative value that color has in modernity, the colors of the Last Supper reference a self-contained, ideal value system that they 11 12 tej całej reszty, zmieniając ją, tworząc nową wersję wzorcowego dzieła autorstwa danego poprzednika, przywołując – bez namysłu – przeszłość, by ją połączyć ze współczesnością i pogodzić z nowymi paradygmatami i regułami. Jest to widoczne i typowe dla Emila Nolde przy jego charakterystycznym posługiwaniu się kolorem. Kolory jego Ostatniej Wieczerzy, zdecydowanie inne od typowych dla czasów nowoczesnych walorów barwnych, nawiązują do samodzielnego i doskonałego systemu walorów charakterystycznego dla czasów przed-nowoczesnych, przełamanych przez Emila Nolde w kierunku większej jego ekspresyjności i złożoności. Wielu artystów prezentowanych na wystawie w ramach projektu Irregular Talents pracuje w tym samym stylu jeśli chodzi o kolory. Tak jak np. Cesare Paltrinieri, zazwyczaj wyrafinowany portrecista, który, po wyzwoleniu swego talentu z tendencji do wyrażania naturalnych, niepowtarzalnych i nieokiełznanych umiejętności, wykonuje obecnie przepiękne pejzaże, w których kolor nadaje kształt postaciom domów, nieba i gór, a wszystkie te postacie, otoczone czarną kreską, nabierają zupełnie nowej ekspresji. Inne jego kolorowe rysunki (reprodukcje nr. 9 i 10) nie tylko uwidaczniają ekspresję stosowanej linii i wielokolorowych geometrycznych form – w stylu podobnym do Klee – ale również przywołują na myśl charakterystyczny zapał rysunków dziecięcych, tak uwielbianych przez szwajcarskiego artystę. Dziecko jest nie tylko tym, kto, tak jak talent nieregularny, wykracza poza konwencję, ale jest również tym, kto pracuje kolorami i kształtami, by sportretować to co widzi dookoła. W tym sensie, każda sztuka jest realistyczna, tzn. ma celu odtworzenie danej powierzchowności, otwiera nowe perspektywy dla metafor, przy tym pozwala na rozwijanie umiejętności artystycznych oraz poskramia naturalne upodobania i skłonności artysty na rzecz posługiwania się językiem sztuki. Inni artyści z Irregular Talents postępują podobnie. Na przykład wrodzony talent do kolorów Andrei Carminati ujawnia się jako specyficzna i konkretna wola artysty. Jego ptaki przybierają kształty, które tak naprawdę są doznaniami dźwiękowymi, gdzie dany kolor wyraża właśnie określony dźwięk. I tak, na pierwszym planie mamy kolor żółty wyrażający dźwięki wysokie/ piskliwe oraz biel jako dźwięki zimne, w tle występują dźwięki niebieskie, wreszcie czarny karton również jest dźwiękiem, ogólnym gwarem ptaków, z którego wyodrębniają się wszystkie pozostałe tony jako odgłosy solo. Z podobnie umiejętnym opracowaniem koloru i kształtu mamy do czynienia w pracach trójki autorów Petera Bischofa, Petera Assmanna i Heleny. W ich akwarelach, rezultat nadania kształtu uczuciom wypływającym z głębi ich wrażliwości jest jeszcze bardziej uwidoczniony. Naturalny, jakby nieplanowany impuls zostaje powstrzymany, opanowany, przetworzony w formę, by nadać uczuciom postać i strukturę, jak w przypadku dzieła "Im GutenAuseinander". Uczucia są wiernie transponowane na język sztuki, które to medium z kolei gwarantuje komunikację, przekaz, sens i znaczenie. Mamy tu dwie figury – jedną poniżej, która stara się wyłonić, narodzić, oraz drugą dominującą ponad pierwszą i utrudniającą uniesienie się. Nie mają wspólnej historii, występują jakby osobno, nie oddziałują wzajemnie na siebie (aus-einander). Jedyna zależność między nimi to gra sił-uczuć wyrażona poprzez zmienność bieli wobec czerni oraz przez delikatną, ledwie zasugerowaną, mgiełkę światła, którą można zdefiniować jako doznanie dominacji, wyłonienia się, uwolnienia. Uwolnienie w sztuce jest również procesem nabywania kształtu. "Vorgestützt" to dwie naszkicowane figury obrysowane czerwoną i czarną kredką, wyrażające stan nacisku, przytłoczenia, oporu. Nacierają na siebie, bez delikatności. Tak oto artyści z projektu Irregular Talents usiłują wydobyć na światło dzienne ich najgłębsze uczucia, by nadać im kształt, ale nie po to by się ich pozbyć, lecz by móc na nie spojrzeć z zewnątrz. Szczęście jest tu całkowicie po stronie formy. Jak wspominał Cézannes, „silne odczuwanie" natury – można dodać, jako zjawiska zewnętrznego jak i wewnętrznego – jest podstawą wszelkiej pracy artystycznej, ale „wiedza na temat środków, za pomocą których można wyrażać emocje jest nie mniej istotna, a nabywa się ją tylko poprzez długotrwałe doświadczenie” (list z dnia 25 stycznia 1904). Talent znajduje się na tym kruchym pomoście pomiędzy nowatorstwem a regułą, pomiędzy uczuciem, tym „artystycznym instynktem, który jest w nas" (Cézannes, list z dnia 13 września 1903) a środkiem wyrazu. Mitsuko Uchida, japoński pianista, powiedział kiedyś, że sam talent nie wystarcza. Do sukcesu potrzeba jeszcze umiejętności technicznych, zdolności intelektualnych, uporu, silnego charakteru. Artystyczna wola, ten precyzyjny zamiar odnośnie tego JAK wykonać dzieło, który to zamiar odmienia paradygmat, rzeczywiście ujawnia się podczas "długotrwałego doświadczenia", o którym wspominał Cézannes oraz w „uporze” i „charakterze” wspomnianych przez Uchidę, a także w ciągłym poszukiwaniu nowych kolorów i form, by realizować, w oryginalny i przez to niespotykany jeszcze sposób, np. zachody słońca, domy – jak te rysowane przez Paula Duhema – miasta, czy bitwy – jak te tworzo- ne przez Anitę Wend. W tym drugim przypadku, praca artystki z językiem sztuki jest dwojaka, tzn. (1) przybiera formę fresku lub obrazu oraz (2) prowadzi do zmiany paradygmatu poprzez zmianę kolorów i kształtów. Zarówno wspomniane freski jak i obrazy, skonstruowane jako dyptyki lub tryptyki, będące konstruktem kulturowym wewnątrz człowieka, służącym do odczytywania rzeczywistości zewnętrznej, stanowią wyczerpujące i komunikatywne omówienia danego wydarzenia, kawałka z życia. Tryptyki z czasów od średniowiecza do okresu tzw. Nowej Rzeczowości (inaczej Realizmu Magicznego), czyli pierwszej dekady XX wieku. Najbardziej znamienne są w tym przypadku prace stworzone przez Ottona Dixa w latach dwudziestych i trzydziestych, takie jak "On War", "Metropolis". Prace te przedstawiają daną scenę bardzo szczegółowo, stanowiąc kontrapunkt dla dynamicznej natury egzystencji i jej ruchu. W porównaniu ze zbliżeniem, które wymaga realizacji danego tematu z bardzo bliskiej odległości, plan ogólny fresku czy ołtarza przedstawia szczegółowe omówienie całości possessed in pre-modernity, but that self-contained value is here bent by Emil Nolde in the direction of its expressive use and development. Many of Irregular Talents on display here work in the same fashion, in the field of color. It is the case of Cesare Paltrinieri, normally a refined portraitist who, when freed from the tendency of talent to be an expression of a unique, tyrannical natural ability, now crafts beautiful landscapes, where color gives shape to figures of houses and sky, of mountains that, surrounded by black pencil strokes, acquire a whole new expressive value. Other color drawings [Nr. 9 and 10 in reproductions] not only highlight the expressiveness of the line, of the many-colored geometric shapes, in a style not unlike Klee, but at the same time recall the characteristic commitment of children's drawings, so dear to the Swiss artist. A child is not only the one who, as an irregular talent, goes beyond convention, but one who undertakes to craft with shapes and colors what he sees and wants to portray. All art is, in this sense, realistic: it means to create appearance and opens new roads to figuration, exercising competence, bending desire and inclination to the labor of language. Other Irregular Talents proceed in this direction. In the case of Andrea Carminati, an innate talent for color opens the way as a specific, well determined artistic will. What takes shape in his birds are, in fact, aural sensations, which color articulates: sounds in the foreground, high-pitched sounds, in yellow; cold sounds, in white; sounds on the background, in blue; black cardboard is also a sound-color, the buzz from which all other tones emerge as solo voices. A similar effort of shape and color, skillfully manage, is also found in the works of the Peter Bischof-Peter Assmann-Helena trio. In these drawings in watercolor, the effort to manage, to shape a feeling that emerges from the depth is even more underlined. The natural impulse, almost ad-libbed, is held back, managed, channeled into form to give body and structure to feeling, as in the case of the drawing "Im Guten-Auseinander". Feeling literally stipulates its way to into the space of language mediation that, alone, guarantees communication, transmissibility, sense. Two figures, one below trying to emerge, to be born; another dominating above, making the ascent difficult. There is no narrative between them. They are separated, aus-einander; only an interplay of forces-feelings expressed by the interplay of white on black, by the delicate, barely hinted haze, which leaks out of the definition of a sensation: crushing, emergence, liberation. Liberation is also, in art, a process of acquiring a shape. "Vorgestützt": two outlined figures, edged in red and black colored pencil, express a feeling of pressure, superimposition, contrast; they insist on one another, without any feeling. Irregular Talents trying, with effort, to bring to the light their inner, deep feelings, to give them a shape not to get rid of them, but to be able to see them. Happiness, here, is all on the side of the form. As Cézannes recalled, the "strong feeling" of nature - of the outer and inner phenomena, we might add - is the basis of every artistic work, but the "knowledge of the means to express emotion is no less essential, and is acquired only trough a very long experience "(letter dated 01.25.1904). The talent hangs on this delicate bridge between rule and innovation, between feeling, "artistic instincts that are within us" (Cézannes, letter dated 09.13.1903) and means. Japanese pianist Mitsuko Uchida once said, about talent, that this is not enough: its crowning requires technical skill, intellectual ability, conviction, character. The artistic will, the precise intention regarding the how of depiction, which innovates the paradigm, indeed reveals itself in the "very long experience" mentioned by Cézannes, the "conviction" and "character" mentioned by Uchida, in the continuing search for more color and more form to realize, in novel, hitherto unseen ways, a sunset, a house - like the ones drawn by Paul Duhem - a city or a battle, such as those depicted by Anita Wend. In the latter case, the artist's work with the languages of art is twofold: she takes on the format of a fresco or a picture and re-elaborates the paradigm, through form and color. The fresco or the picture, organized in diptychs and triptychs, being cultural constructs active within us as a mode for reading external reality, constitute a comprehensive and well articulated overview of an event, a slice of life. Triptychs, from the medieval examples to those of the "New Objectivity" of the 1900s (most significant, in this sense, are those made by Otto Dix between the 1920s and 1930s, like "On War", "Metropolis"), depict a scene in great detail, constituting the counterpoint to the dynamic na- ture of existence, to its movement. Compared to the close-up, which requires a short-distance fruition that encompasses the subject, the long shot of the fresco or altarpiece depicts a detailed overview of reality. Because of this, Paolo Uccello painted as if through an inlay for some reasons of the Battaglia di San Romano, contrasting greens and bright reds with black and gray backgrounds. Compared to this paradigm, Wend chooses a different strategy, making the represented event dynamic through vertical strokes, intertwining lines, figures free from any prospective order, communicating the impression of a movement-image. The same structure characterizes the second painting by Wend, Passion, condensed into a picture of a city with evanescent features, not unlike the spatial geometry of the enchanted German Expressionism. The same oneiric geometry characterizes the images of cities built by Lisa Perini in her huge canvases. In the 13 również są odpowiedzią na artystyczną wolę nadania określonego porządku poprzez kształt. Struktura jest słowem kluczem w pracach Jagielskiej, jak w przypadku katedry, której porządek obrazują fundamentalne relacje doskonałości, proporcji i blasku. Jak w witrażu, kształty są dynamiczne, emanują ruchem, siłą, które z kolei z racji samego ich kształtu wyróżniają się i dominują, jak np. dłonie Chrystusa, z których bije moc, czy ramiona Matki Boskiej trzymające zdjętego z krzyża Jezusa ukazując go w całej jego potędze. Prace Latowskiego odpowiadają na inną potrzebę artysty dotyczącą formy, a mianowicie potrzeba ta zostaje wydobyta na światło dzienne poprzez elementy graficzne tych prac. Linie strzał dotykają ciała lwicy, by wskazać punkt, w którym dwie siły – czynna strzały i bierna ciała – łączą się i napierają na siebie tworząc akcję i reakcję. Temat męczeństwa został tu przepracowany, a jego przeanalizowanie i rozwinięcie miało na celu stworzenie nowej reguły interpretacji. Obwaller, among our Irregular Talents, which denote a propensity to seriality. In each of the paintings made by Giotto we have the recurring theme of "Saints": jubilant, financiers, virtuous, engravers, commanders. Looking closer, here, rather than with seriality in its machinic meaning, what we have are types or typologies, that is to say, as it were, a sensitive rule, showing itself in the moment in which it produces its variations on the basic figure. How many forms-morphè do the Saints have? Even more precisely: to how many typologies does to the figure of the Saint gives rise? How many faces can it have? These questions are answered by the drawings of Giotto, in which the representation, common to almost every one, of the Saint produces different phenomena, developing differences and similarities. Namely: innovation and rule. How many sunsets does the Sun possess? How many shapes does the landscape take on? How many shapes, always certain and precise, does desire or thought take on? Here comes Giotto, an Irregular Talent producing the many color and graphic variations of Saints, whose sacredness draws from iconologies of various kinds, including Islamic ones. A partly different consideration stems from Obwaller's works, where the joyfulness of color we found in Giotto dissolves in the direction of a material color: the stroke of a pencil. Of course, here we're considering a process of abstraction, a total alienation from a reference object: inner, mental images that hint at a form of seriality. In their mode of composition, however, these images devoid of an object and of a nature, so richly resounding, are somehow related to the tradition of concrete art, in its distance from lyricism or any symbolic reference which are otherwise present in the language of abstraction. Mathematical images, images generated by a language. Consider the work of Max Bill and Karl Otto Goetz. While being part of this type of contemporary artistic languages, however, the drawings of Obwaller reveal a kind of affection for the things of life, an accuracy of shape that always gives the expression of a sensory or emotional feeling. Like sound waves transmitted by a radio, these lines answer question: how to bring order and, therefore, sense in this veritable Babel of strokes, of graphical noise? Although figurative in nature and with a well-define reference object, the works of Renata Jagielska and Jaroslaw Latowski also respond to the artistic will to bring order with shape. Construction is the keyword of the work of Jagielska, as in a cathedral whose orders are linked in a fundamental relationship: one placed upon the other. As in a stained glass window, shapes are dynamic, they radiate motion, forces, flows that, by their shape alone, stand out and become powerful: the hands of Christ, from which power streams forth; the arms of a Madonna holding the body of the Son and exposing it in all its force. The works of Latowski respond to a different need for form, brought into the light by their graphic features. The lines of the arrows meet with the lion’s body to indicate the point in which two forces - the active force of the arrow and the passive force of the body - come together and insist upon one another: action and passion. Here the artistic theme of martyrdom is reworked, indicating a development, a review that proposes a different rule of representation. know - says Diotima addressing Socrates - that poetry is more than a single thing. For of anything whatever that passes from not being into being the whole cause In fact, the reason why everything went from nonbeing to being the whole cause is composing or poetry; so that the productions of all arts are kinds of poetry, and their craftsmen are all poets"1. The talent for this procreative action, this passing from the darkness of not-being to be bright and joyful being, is something that unifies every artistic act, every genre and mode of expression; at the same time though, it requires its own specification, its further determination. Theorists and artists with critical awareness have often wondered if this force, that brings into being what alone would not have been, has its own specificity in plastic, three-dimensional art. Is there, in other words, a specific feeling for the three-dimensional shape, such as the feeling, the inexplicable and original sense that Smilla głębokiej czerwieni, która świadczy o napiętym, dynamicznym i bujnym wymiarze natury. paintings of Perini, the color is the crude matter, the element from which shapes emerge and against which they stand out. As objects on water are drawn by difference of transparencies, so the faces, the contours that form a church or a seated woman, are emerge from the monochrome background color - usually a deep red, as if to confirm the nature of a tense, dynamic, fecund dimension. Line and Color 14 obrazami mentalnymi sugerującymi seryjność. Niemniej jednak, jeśli chodzi o kompozycję, prace Obwaller pozbawione obiektu odniesienia oraz bogato oddziałującej przyrody, są w jakiś sposób związane z tradycją sztuki konkretnej w swoim zdystansowaniu się od liryzmu i od jakichkolwiek symbolicznych aluzji, które są obecne w języku abstrakcji w inny sposób. Są to wyobrażenia geometryczne, obrazy tworzone przez język. Można tu przypomnieć prace Maxa Billa czy Karla Ottona Goetza. A jednak rysunki Obwaller, mimo że są częścią współczesnego języka sztuki tego typu, ujawniają rodzaj zamiłowania do rzeczy ze świata realnego, prezentują dokładność kształtów, która zawsze daje wrażenie doznań sensorycznych i emocjonalnych. Jak fale dźwiękowe emitowane przez radio, tak kreski artysty odpowiadają na pytanie, jak zaprowadzić porządek i przez to nadać sens tej istnej plątaninie linii, temu graficznemu chaosowi. Prace Renaty Jagielskiej i Jarosława Latowskiego, mimo że metaforyczne w swym charakterze i posiadające jasno zdefiniowany obiekt odniesienia, Kompozycje trójwymiarowe W powyższym tekście dowodziliśmy, iż talent nie powinien być widziany jako wewnętrzny samowolny „demon”, dyktujący warunki i rozwijający się w sposób ciągły poprzez powtórzenia, ale jako dążenie do nadania kształtu temu, co może delikatnie rozwinąć się w różnorodny i komunikatywny przekaz, konkretnie jako dążenie do nadania kształtu nowości i autonomii. Niektóre prace w projekcie Irregular Talents, przeważnie grafiki, wydają się iść dokładnie w przeciwnym kierunku. Mowa tu o rysunkach Giotta i Obwaller, które świadczą o skłonności do seryjności. Każdy obraz Giotta przedstawia powracający motyw świętego, np. w postaci uradowanego, finansisty, wirtuoza, rytownika, dowódcy. Przyglądając się temu bliżej, można stwierdzić, że mamy tu do czynienia nie tyle z seryjnością jako automatyczną powtarzalnością, co z różnymi typami, jak gdybyśmy mieli do czynienia z „miękką” regułą ujawniającą się w momentach, w których „produkuje” ona swoje kolejne wariacje na bazie modelu. Ile form morficznych ma święty? A dokładnie, ile różnych typów istnieje na bazie postaci świętego? Ile twarzy taka postać może mieć? Na pytania te odpowiadają rysunki Giotta, na których znany niemal wszystkim wizerunek świętego tworzy zjawiska będące wyrazem zarówno różnicy, jak i podobieństwa, dokładnie tworzy nowość oraz regułę. Ile jest postaci zachodów słońca? Ile kształtów może przybrać pejzaż? Ile kształtów, konkretnych i dokładnych, może mieć pragnienie czy myśl? I oto Giotto, jeden z talentów nieregularnych, prezentuje wielokolorowe i obrazowe postaci świętych, których świętość przedstawia na podstawie różnych ikonografii, w tym islamskiej. Nieco inna refleksja przychodzi na myśl w związku z pracami Obwaller, w których nie ma radości koloru jak u Giotta, a tylko konkretny kolor kreski. Oczywiście mamy tu do czynienia z procesem tworzenia bez obiektu odniesienia, z wewnętrznymi rzeczywistości. Dlatego Paolo Uccello malował Battaglia di San Romano jakby inkrustował, zestawiając zielenie i jasne czerwienie z czarnym i szarym tłem. W porównaniu z tym paradygmatem, Anita Wend obiera inną strategię, czyniąc przedstawiane wydarzenie bardziej dynamicznym dzięki pionowym kreskom, splątanym liniom, postaciom wyjętym z perspektywy, oddając w ten sposób wrażenie ruchu. Podobną strukturę ma drugie dzieło autorstwa Anity Wend, Pasja, przedstawiające po prostu ulotny wizerunek miasta, podobny do geometrii przestrzennej znanej z niemieckiego ekspresjonizmu. Ta sama oniryczna geometria jest cechą charakterystyczną wizerunków miast namalowanych na wielkoformatowych płótnach przez Lisę Perini. Na owych obrazach, kolor jest materią chropowatą, z której wyłaniają się kształty i na tle której się wyróżniają. Obiekty na wodzie zostały namalowane poprzez zastosowanie różnicy w jasności barw. Kontury twarzy, siedzącej kobiety oraz kościoła wyłaniają się z monochromatycznego koloru tła – przeważnie We have, so far, supported the position according to which talent is not to be considered as a tyrannical, innate demon who dictates its conditions, developing in a linear and repetitive fashion, but as an urge to shape that, politely, can develop into an articulate, varying way. Namely: innovation and self-rule. Some works, mostly graphics, seem to be moving in a divergent direction: we are thinking of the drawings of Giotto and Kreska i kolor Plastic Art According to the well known position expressed in the Symposium by Plato through Diotima, he who creates by doing, he that we today would call an artist, is a very peculiar being, with the capacity to give shape and life to what, in himself, does not possess. "You Według słynnych słów kapłanki Diotimy wypowiedzianych w Uczcie Platona, ten który tworzy dzieło pracą własnych rąk, ten którego dziś nazywają artystą, jest bardzo wyjątkową osobą zdolną do nadawania rzeczom kształtów i życia, chociaż tych samych kształtów i życia wcześniej w nim nie było. Diotima mówi do Sokratesa: „Tak to. Wiesz na przykład, że twórczości jest wiele. Bo wszelka przyczyna, która wyprowadza jakąś rzecz z niebytu do bytu, nazywa się twórczością. Toteż i wszelka robota w dziedzinie każdej sztuki jest twórczością, a wykonawca jej jest właściwie twórcą (czyli poetą w języku greckim i łacińskim – przyp. tłum.).”1 Ten właśnie talent do aktywności twórczej, do „przechodzenia” od ciemności niebytu do jasności bytu jest czymś wspólnym dla każdej twórczości artystycznej, każdego gatunku artystycznego i rodzaju wypowiedzi artystycznej. Jednocześnie jednak każdy talent wymaga indywidualnego uszczegółowienia i dalszego ukierunkowania. Teoretycy i artyści z podejściem krytycznym zawsze za- 15 16 stanawiali się, czy siła, która tworzy byt z czegoś, co samo by nie powstało posiada swoistość w sztukach plastycznych trójwymiarowych. Mówiąc inaczej, czy istnieje osobne wyczucie trójwymiarowego kształtu, takie niewytłumaczalne i niepowtarzalne wyczucie, jakie Smilla, bohaterka znanej książki Petera Høega, ma w stosunku do materii lodu? Wszyscy twórcy, zarówno ci od form płaszczyznowych, jak i ci od form przestrzennych, wykonują fizycznie bardzo różną pracę. Pierwsi wyrysowują kształt, czyli kontur danego obiektu, operując okiem, które jest narządem potrzebującym światła i przejrzystości pola widzenia; drudzy natomiast tworzą kształt formując daną materię, wykorzystując przy tym zmysł, który jest ewolucyjnie nawet starszy niż wzrok – czyli dotyk, któremu nie przeszkadza ciemność, a który stopniowo wytwarza dzieło w kierunku coraz to bardziej rozpoznawalnym i czytelnym. Talent artystów plastyków pracujących z formami przestrzennymi jest zatem talentem do tworzenia kształtu, który jeszcze nie istnieje, który „czeka” by się ostatecznie wynurzyć z ciemności równoległych niebytów możliwych do stworzenia z danej materii. Fakt, iż talent tego rodzaju, ta zdolność do uchwycenia kształtu dzięki wyczuciu musi być rozwijana, by nabyć wartości artystycznej, został dowiedziony w pracach kilku artystów prezentowanych na wystawie. Są to Egidio Cuniberti, Luciano Buggio, Andrea Giordani i Gianluca Pirrotta. Rzeczywiście z jednym wyjątkiem Andrei Giordani, u pozostałych autorów wyczucie formy przestrzennej zostało wzbogacone i wyrażone wyczuciem koloru, co dało niesamowite rezultaty w postaci prac omówionych poniżej. Jeśli chodzi o dwóch pierwszych artystów, to różnica między pracami pierwszego a drugiego jest taka sama jak różnica między obiektem a rzeczą. Cuniberti tworzy obiekty będące dosłownym znaczeniem łacińskiego słowa objectum („to, co jest wyrzucone przed”), czyli tworzy coś, co zostaje uzewnętrznione i przyjmuje konkretną postać w przestrzeni, na koniec zaś artysta określa temat frontową częścią obiektu. W takim znaczeniu, wykonane dzieło jest konstrukcją objętościową, która w rzeczy samej nadaje trójwymiarowy kształt niezliczonym krawędziom i siłom oddziałującym w przestrzeni rozumianym jako potencjalna materia. Do stworzenia trójwymiarowego obiektu dochodzi nie tylko dzięki wyczuciu krawędzi (trójwymiarowej linii), ale również dzięki wrażliwości chromatycznej, dotyczącej tutaj nie tyle spójnych obrazów, co motywów dekoracyjnych, czyli po prostu typowej dla rzemiosła artystycznego. I tak jak modele rekwizytów teatralnych czy płytki ceramiczne, tak kolorowe wzory artysty przypominają zdobienia, którymi, w czasach renesansu włoskiego, dekorowane były kasetonowe sufity, kufry czy wytworne meble. W przeciwieństwie do wyżej omówionych trójwymiarowych obiektów, drugi artysta, Luciano Buggio, ma skłonność do powoływania do życia rzeczy oraz do nadawania im kształtów. Jego obiekty przepełnione są wartością sentymentalną, obiekty-opowieści, obiektydoświadczenia, których kształty pozwalają wydobyć tą wartość na powierzchnię, wyróżnić ją, by ją ocalić. "Rzeczy z życia, rzeczy przeżyte i dotyczące nas – pisał austriacki poeta R. M. Rilke w liście z dnia 13 listopada 1925 r. – wyczerpują się i nie można ich zastąpić. Być może jesteśmy ostatnimi, którzy je znali. Na nas spoczywa odpowiedzialność [...] by zachować pamięć o nich”. Buggio zatem rzeczywiście przywołuje do życia, ocala formę złożoną z materii którą wydobywa jak gdyby odpowiadając na jej prośbę – na prośbę materii jako zasobu wszystkich możliwych form. Artysta nie ogranicza się jednak do umieszczenia formy w przestrzeni, ale pomaga jej wyjść z ciemności, jakby był jej matką, pomaga jej powstać, istnieć w fizycznym świecie, jakby był osobą, która wydaje na świat opowieść blisko związaną z tematem, o którym wie coś intymnego – opowieść, która jest rzeczą żywą, taką, która ma naturę: ptaka, psa, mewy. Dzieła przestrzenne Andrei Giordani są inne, miłe w dotyku jakby były tworzone ręką pracującą po omacku, bez kontroli oka. Ich forma jest nieokreślona i nie identyfikowalna aż do momentu ukończenia całego procesu tworzenia, powołania do życia – i jest to istotnie wydanie na świat formy przez twórcę- poetę, o którym wspominała Diotima w Uczcie. Prace przestrzenne Pirrotty są tu omawiane na końcu, nie dlatego, że artysta swój talent realizował najpierw w malarstwie a dopiero potem w rzeźbie, ale z powodu wyjątkowych cech jego metaforycznych prac. Pirrotta tworzy dużych rozmiarów tablice, na które nakłada siatkę linii, układ współrzędnych wyznaczający rzeczywistość, w taki sposób jak to wygląda na mapie czy tarczy starego radaru, jak układ współrzędnych kartezjańskich. Linie w rzeczy samej tworzą kratę, piedestał, na którym stoją rzeczy jakby uratowane przez sieć. Tak jest w przypadku kilku tablic, gdzie dana postać jest umieszczona na piedestale jakby walczyła, by wynurzyć się ze strumieni sił percepcyjnych – na powierzchnię siatki ochronnej. Tak też jest w przypadku wyimaginowanego samochodu, samochodu-widma, któremu, właśnie omówioną wyżej metodą siatki, nadano kształt i fakturę. Tym sposobem jest to nie tyle samochód, co sama prędkość „ubrana” w kształt, „złapana” przez siatkę, zatrzymana jak zaczarowane zwierzę przez magiczną sieć. Tak, najwłaściwszym terminem na określenie prac Pirrotty to słowo magiczna. Jego talent jeśli chodzi o kompozycje trójwymiarowe to konsekwentna, niezachwiana strategia, by przy pomocy swojej magicznej sieci pochwycić obce mityczne zwierzę żyjące na Ziemi. Szczęście, spotykające drugie szczęście nie po-trzebuje niczego więcej – być może to jest największy artystyczny dar. Szczęście jako warunek wstępny, czyli radość ze wszystkich rzeczy świata, z powodu obcych i niezwykłych stworzeń zamieszkujących tu i ówdzie, a więc zasługujących na to, by istnieć. Szczęśliwe i udane polowanie, ponieważ sieci złapały motyle o wielorakich i tęczowych barwach, które czynią świat miejscem szczęśliwym. W tym sensie to właśnie talent jest szczęściem. (Tłumaczenie/Translation Agnieszka Gajewska) has for snow in the famous novel by Peter Høeg? Both creators, painter and plastic artist, perform largely different gestures, since the former outlines a form driven by the eye, which is the organ that grows in the light and loves clarity; the latter, however, brings out shape and form from matter by means of an organ of sense which is more ancient than sight: touch, at ease in darkness, slowly directing the work in an environment not yet distinguished, not yet clear. The talent of the plastic artist is therefore the talent for the form that is not yet made matter, that is waiting to come into being from the dark, simultaneous presence of all forms that matter can give. The fact that this talent, this ability to grasp something by sense must be developed to become an artistic quality is demonstrated by the work of some plastic Irregual Talents in the exhibition: Egidio Cuniberti, Luciano Buggio, Andrea Giordani, Gianluca Pirrotta. Indeed, with the sole exception of Giordani, the sense for plastic form is enriched and articulated by the sense for color, giving rise to unusual results, as we shall see. The difference between the work of the first two artists we mentioned is the same that passes between objects and things. Cuniberti creates objects in the literal sense of the Latin term, objectum: "that which is thrown ahead", something that is externalized, has taken a concrete aspect in space, defining, as its final condition, a subject in front of an object. In this sense, the work carried out is one of volumetric construction, which, indeed, gives body to the plurality of lines, the plurality of forces that pass through space, meant as potential matter. The sense for the plastic line is not limited to the creation of three-dimensional objects, but it is differentiated, divided into a chromatic sensitivity not specifically pictorial, but decorative or, better, typical of minor arts: like models for theatrical props or tiles for furniture, colored drawings are reminiscent inlays which, in the Italian Renaissance, decorated the coffered ceiling, chests and furniture that enriched the rooms. Compared to this production of three-dimensional objects, Buggio is inclined to bringing into being, to making things take shape. Things are objects loaded with a sentimental value, story-object, experienceobjects whose shape helps resurface or to stand out, so as to be saved."Live things, things lived and conscient of us - R. M. Rilke writes in a letter - are running out and can no longer be replaced. We are perhaps the last still to have known such things. On us rests the responsibility [...] of preserving their memory" (11/13/1925). Buggio indeed brings into being, saves the form that is within matter; he brings it out, as if listening to the request that comes from matter as a forest of all possible forms. It is not limited, however, to placing the form in space, but supports its the emergence from the darkness of matter like a new mother, helping it to stand, to exist in the world of being, as it were a figure that brings forth stories, closely related to the subject, of which knows something intimate. Living things, things that have a character: a bird's, a poodle's, a seagull's. In this sense, the plastic oeuvres of Andrea Giordani are different: actually tactile works - unseeing, as it were, where the hand acts blindly, in which form can not be identified or defined before the whole process of emergence, of birth into being. Giving birth to form, indeed, like the creator-poietes mentioned by Diotima in the Symposium. We left the plastic works of Pirrotta for last not for the fact that his artistic talent has taken him from painting to sculpture. The reason for this last reflection that Pirrotta allows us on genres and art forms is given by the particular features of his figurative work. In the large panels he makes, Pirrotta creates a grid of lines that mark reality, as on a map or on the dial of an old radar, built by Cartesian axes. The lines create indeed a grid, a pedestal on which things stand, saved as by a net. This is the case of several panels, in which a figure is placed on a pedestal as if it struggled to emerge from a flow, a stream of perceptual forces. Safety nets. The process is exactly the same as regards this fantasy car, this phantom car that is given texture, shape, in fact, thanks to the grid strategy. More than a car, it is speed taking shape, being caged by grids, stopped like a great sacred animal by a magic net. This is the proper term to talk about Pirrotta's artistic gesture: magic. His is a plastic talent, a consistent, stubborn strategy to snatch the strange, mythical animals that live on this Earth thanks to his magic nets. Happiness that meets happiness, never needing anything else: perhaps the ultimate gift of art. Happiness as a prerequisite: hap- piness for the things of the world, for the strange and unusual creatures that inhabit it and that, therefore, deserve existing. A happy, successful hunt, because the nets grasp the many-colored, rainbow-hued butterflies which make the world a happy place. In this sense, happiness is talent. NOTATKI: 1. Platon, Uczta, 205b-205c, w tłum. Władysława Witwickiego. NOTES: 1. Plato, Symposium, 205b-205c. Translation by Harold N. Fowler. 17 Sztuka między „regułą” i „brakiem reguły” – z perspektywy „zmiany poglądów” The art between “regular” and “irregular” - from the “view change” perspective 18 Rozwój sztuki w Europie staje się przedmiotem wielu dyskusji dotyczących możliwych systemów regulacji, zasad mierzenia jakości lub reguł dyskusji na temat samej sztuki. Historia sztuki, szczególnie ostatniego stulecia, zarówno w Europie jak i na świecie, pokazała jednak, że systemom regulacji odpowiada równie wiele przypadków kwestionowania reguł. Jest to spowodowane głównie faktem, że kulturalny fenomen sztuki jest osadzony w kontekście duchowym, który nie tylko nieustannie kwestionuje własne granice, ale jednocześnie je konsekwentnie poszerza. Wszystkie zinstytucjonalizowane systemy kontroli rozwoju sztuki, począwszy od procesu nauczania akademickiego, przez kierunki uniwersyteckie, kończąc na wystawach sztuki w muzeach, galeriach i innych instytucjach związanych ze sztuką, nie tylko są poddawane ciągłej krytyce, ale również systematycznie infiltrowane przez teorię i praktykę sztuki. Obecnie sztuka stała się wieloaspektowym i nieregularnym obszarem komunikacji. Interesujące są jednak obserwacje wskazujące na nieustanne podejmowanie starań o włączenie i analizowanie wszelkiej, nawet najbardziej krytycznej formy artystycznej ekspresji. Wszystkie formy sztuki XX-wiecznego wczesnego modernizmu, które kwestionowały – często w sposób dosadny – tradycję i instytucje artystyczne, same w końcu stały się przedmiotem krytyki. Obecnie są one prezentowane na specjalnych wystawach i odnoszą sukcesy na międzynarodowym rynku sztuki. Pewnym wyjątkiem od tej reguły jest sztuka tworzona przez osoby, często potocznie określane mianem „niepełnosprawnych”. Grupa ta, będąc ważnym elementem działań społeczno-politycznych, otrzymuje wsparcie za pośrednictwem różnych programów oraz bezpośrednio od społeczeństwa. Programy dotyczące osób niepełnosprawnych rzadko jednak dotyczą specjalnych uzdolnień, w szczególności ich twórczego potencjału. Zamiast tego dominuje nastawienie socjalne, o znamionach „podejścia współczującego”. Wsparcie takie zakłada raczej solidarność z tym osobami, klasyfikowanymi jako mniej zdolni i mający specjalne potrzeby, podczas gdy podejście partnerskie uwzględniające indywidualne potrzeby istnieje tylko w sytuacji bezpośredniego spotkania. Jednak i w tym przypadku przybiera ono formę tylko jednostkowej relacji osobistej, a nie społecznych rozwiązań strukturalnych wspierających integrację społeczną. Od lat 20. XX w. sztuka tworzona przez tych ludzi, określana jako „art brut” lub „outsider art” (sztuka marginesu), ma konotacje negatywne i jako taka bywa odseparowana od sztuki światowej. W zmianie tej sytuacji bardzo pozytywną rolę odegrały publiczne wystąpienia Jeana Dubuffeta (1901-1985). Ostatnio na szczęście nie dąży się już do akcentowania tych ostrych podziałów. Ponadto kilku przedstawicieli sztuki marginesu jest obecnych w głównym nurcie i na rynku wystawienniczym, czego przykładem może być austriackie muzeum Gugging. Mimo wszystko wciąż jeszcze artystom niepełnosprawnym przyznaje się specjalny status społeczny. Proces ten można zauważyć już na etapie edukacji. Mimo, że osoby z zespołem Downa mogą uzyskać stopień uniwersytecki w kilku miejscach na świecie, wciąż jesteśmy dalecy od przyznania im statusu profesjonalnych artystów przez którąkolwiek akademię sztuki. Podobne nastawienie obecne jest w całym świecie wystawienniczym. Niedawne pojedyncze inicjatywy mające na celu integrację za pośrednictwem sztuki, takie jak prestiżowe Biennale w 2013 r. w Wenecji, prowadzą do pewnej zmiany podejścia do tego problemu. Aspekt społecznej mar- The European development of art encounters many orders, becomes a topic for many discussion areas about possible regulation systems, rules of quality or rules regarding discussion about the art itself. However, the history of art, especially the one of the last century, has demonstrated that there are as many questioning cases of the art rules as corresponding regulation systems in European art, but as well in the worldwide art. This is mainly due to the fact that the cultural phenomenon of art is set in a spiritual field which not only constantly questions its own borders but as well consistently expands. All institutionalized regulation systems of the art development starting from an academic teaching process, through the art science at universities, and ending with art exhibitions at museums, galleries and other art-related institutions are not only highly exposed to a constant criticism but also regularly infiltrated by artistic theories and practice. The art has currently develo- ped into a multi-faceted and irregularly shaped communication area. However, it is interesting to observe that in a medium-term perspective the art is as well constantly making an effort to incorporate and process any, even the most critical, form of an artistic expression. All art forms of the 20th century early Modernism that questioned the art traditions and institutions often by the means of a strong language, finally reached same criticized level. However, nowadays they are as well presented in special exhibition events and are very successful on the international art market. However, a certain exception to the rule would be the art forms created by certain people – people that in a common language are often referred to as “disabled”. This group of people, being an important part of sociopolitical activities, is supported by different programs and receives some direct social assistance. However, these programs hardly ever focus on special, in particular creative po- tential of these people. Instead, this is the perspective of a social, often “sympathy-oriented” perspective that dominates. The support seems to be defined by a solidarity attitude towards this particular group of people, who are classified as less capable and who have special needs; whereas a partnership attitude towards a single person exists only in singleencounter situations. However, this would again take a form of only an individual relationship but not a structural social reality with a corresponding integrative form of life. Since the 1920s the art forms created by these people have been known as “art brut” or “outsider art”that differentiate from any other world art due to its negative connotations. However, a big positive role played here public appearances of Jean Dubuffet (1901-1985). Recently however these sharp boundaries are not intensively promoted anymore. Additionally, a few individual representatives of the outsider art are present in the mainstream and exhibitions markets, for example Austrian artists from Gugging. Nevertheless, a “distinguishing status” remains to be seen. It all starts with education. Although people with Down syndrome could obtain a university degree in several places of the world, they are still far away from being admitted as “regular talents” at any academy of art. And this attitude exists in the entire art exhibition world. Recent single “integrative art” initiatives like the last prominent Biennale 2013 in Venice bring a subtle attitude shift in this area. However, an “irregular” aspect of social disability still dominates public perception of the art forms created by disabled people and their existence is placed outside of the regulation systems of the economically oriented society. “For many contemporary visual artists the art brut causes a considerable frustration; to use the words of Jean Genet: its manifestation and development does result in a political fire. These artists are impressed by Peter Assmann ginalizacji, stawiający sztukę osób niepełnosprawnych poza normą, wciąż jednak dominuje w publicznym odbiorze; osoby takie egzystują poza systemami komercyjnie nastawionego społeczeństwa. Dla wielu współczesnych plastyków art brut jest źródłem znacznej frustracji; aby użyć słów Jeana Geneta: prezentowanie i wspieranie tego rodzaju sztuki wznieca polityczny pożar. Intensywność i radykalizm dzieł art brut robi na artystach wrażenie… Widzą oni w nich ucieleśnienie podstawowych wartości twórczości artystycznej. Fascynacja ta dowodzi, że widzą oni siebie jako więźniów systemów ekspresji i zużytych kodów estetycznych, determinowanych przez normy kulturowe. Zdają sobie sprawę z konieczności wyzwolenia się z ograniczeń instytucjonalnych i zbliżenia się do odmienności” (Lucienne Peiry). Stwierdzenie to można również odnieść do zjawiska sztuki i jej przejawów, odmiennych od wspomnianych wcześniej norm społecznych. Te dwa aspekty trudno jednak pogodzić. Obecnie działania podejmowane przez artystów społecznie zaangażowanych wspólnie z osobami niepełnosprawnymi są wciąż postrzegane jako duchowa wyprawa w nieznane. Mimo stworzenia wielu miejsc pracy dla profesjonalnych artystów z niepełnosprawnością, wciąż nie uznaje się tego rodzaju działalności za pracę zawodową. Ponieważ w Austrii nie ma systemu wsparcia strukturalnego dla artystycznie utalentowanych osób z niepełnosprawnością, nieliczne pracownie artystyczne utworzone w ostatnich latach powstały w wyniku starań poszczególnych instytucji. Są wśród nich organizacje samopomocowe (na przykład Lebenshilfe) lub organizacje zajmujące się opieką społeczną (Diakonie, Caritas, Institute Hartheim e.V.). Jednostki te stworzyły niezbędne struktury służące stałą pomocą i promocją osób, o których tu mowa. Okazjonalnie działalność taka jest również wspierana przez lokalne organizacje pozarządowe. Prawdopodobnie najlepszym przykładem jest tu Akademia Letnia dla osób niepełnosprawnych, organizowana regularnie przez ostatnie 13 lat w Bad Ischl w Górnej Austrii. the intensity and radicalism of such works… They see that these are the essential values of artistic creation that are embodied here. This type of fascination only proves that they see themselves as prisoners of expression systems and worn out aesthetic codes that are determined by cultural norms. They understand the need to escape out of the institutional constraints and shift to the otherness.” (Lucienne Peiry) The same statement might be as well valid for the phenomenon of art and its expressions that disagree with the previously mentioned social norm. However, these two areas hardly ever get together. Nowadays, any endeavour of art activists with people with disabilities is still perceived rather as a spirituality inspired trip to some unknown areas. Even though a lot of jobs for professional artists with disabilities have been created, yet it is still not recognized as a professional work. Since in Austria there is still no structural support system for artistically talented people with disabilities, such entities as artist studios have been developed in the recent years exclusively out of individual institutions. For example, there are Self-help organizations (e. g. Lebenshilfe) or Welfare organizations (Diakonie, Caritas, Institute Hartheim e.V.). These entities have implemented structural prerequisites for a constant support and promotion of the above mentioned group of people. Occasionally, such activities are as well complemented by a supportive assistance from Service Clubs. Probably the best example in Upper Austria would be the Summer Academy for people with disabilities that has regularly been organized for the last 13 years in Bad Ischl. The artistic engagement of individual institutions in the aforementioned studios has increasingly become professionalized in the recent years. This does not only apply in terms of working conditions but as well with regard to the artistic communication. There are two main 19 20 W ostatnich latach we wspomnianych pracowniach nastąpiła wyraźna profesjonalizacja działań związanych z twórczością artystyczną. Postęp ten odnosi się nie tylko do warunków pracy, ale również do sposobów komunikacji artystycznej. Można wymienić dwie główne ścieżki kompleksowej profesjonalizacji twórczości artystycznej. Do pierwszej zalicza się systematyczne wystawy każdej z wielu ciągle poszerzających się i rozwijających dziedzin sztuki. Drugą jest włączenie do działań profesjonalnie wykształconych artystów, działalność wydawnicza i dalszy rozwój w zakresie teorii sztuki. Niemniej jednak profesjonalizacja powinna zyskiwać zasięg międzynarodowy. Należy poszerzać sieć instytucji i grono odbiorców. Jednym z deklarowanych celów Austriackiego Stowarzyszenia „Integrative Kulturarbeit” (warsztatów integracyjno-kulturalnych), które również organizuje co dwa lata festiwal „Sichtwechsel” („Zmiana punktu widzenia”), jest promocja i rozwój profesjonalnej działalności kulturalno-artystycznej utalentowanych osób z niepełnosprawnością. Indywidualne inicjatywy związane ze sztuką są jednak wciąż niedoceniane. W związku z tym organizacje muszą przede wszystkim skupić się na uzyskiwaniu pewnego źródła dofinansowania ze strony dużych organizacji, wspierających osoby niepełnosprawne. Stawiane są one w ten sposób cały czas w roli proszącego o wsparcie. Takie podejście często powoduje izolację, ustawia je na specyficznej pozycji w społeczeństwie, w niektórych przypadkach również wyzwalając mechanizmy prowadzące do wykluczenia społecznego. W swojej działalności organizacyjno-kulturalnej „Sichtwechsel” zawsze podkreśla wspólnotowość i współpracę, przeplatanie się różnych inicjatyw, rodzajów współpracy i przekonań artystycznych. Ogólnie rzecz biorąc, termin „Sichtwechsel” oznacza prowadzenie nieprzerwanego dialogu, mającego na celu stałe samopoznawanie oraz wzajemne uczenie się siebie. To właśnie podejście jest najważniejszym celem tej organizacji i dlatego też rozpoczęła ona realizację projektu „Irregular Talents”. Założeniem jego jest zyskanie wspólnego doświadczenia na poziomie międzynarodowym w profesjonalnym podejściu do różnych form sztuki, tworzonej przez osoby obdarzone wyjątkowymi zdolnościami. Powinien on uwzględniać odpowiednią prezentację i uznanie, ale także zorganizowaną działalność publiczną. Mogłoby to w dalszej perspektywie stworzyć szansę karier artystycznych i w ostateczności zlikwidować granice między talentami osób „normalnych” i „niepełnosprawnych”. Do pewnego stopnia granice te zostały już przekroczone przez austriackiego partnera przez zaproszenie do uczestnictwa w projekcie profesjonalnych artystów. Wszyscy trzej artyści: Peter Bischof, Peter Assmann i Helena “ellefee” Möstl różnią się przebiegiem kariery, edukacją i najnowszą działalnością artystyczną. Należą oni również do różnych pokoleń, żyją i działają w różnych kontekstach (również artystycznych) i są przykładem zupełnie różnych karier. Peter Bischof należy do grupy pionierów austriackiej powojennej awangardy, na którą silny wpływ miała sztuka francuskiego informelu i taszyzmu. Kluczowe zagadnienia jego twórczości są związane z fascynacją postacią ludzką w ruchu, pozostającą między refleksją i działaniem. Helena ellefee Möstl w swoich pracach skupia się intensywnie na malarskiej warstwie kompozycji. Tworzy ona nowe kolaże z cytatów graficznych i fotograficznych. Peter Assmann, który jest czynny zarówno jako plastyk, jak i pisarz, w swoich kompozycjach malarskich zawsze łączy bodźce wizualne ze słowem. W ten sposób w jego dziełach obecna jest wzajemna gra między poezją i ironią. Innym aspektem łączącym tych artystów jest fakt, że przez wiele lat mieli oni do czynienia z projektami artystycznymi dotyczącymi osób niepełnosprawnych. Przede wszystkim działali oni w studiach artystycznych, brali udział w konferencjach poświęconych różnym aspektom sztuki oraz w pracach naukowych z teorii sztuki. Należy podkreślić fakt, że mocno angażują się oni również w działalność Letniej Akademii w Bad Ischl. Jednym z ważnych rezultatów fascynacji, łączącej tych trzech artystów, jest unikatowy projekt, który rozpoczęto w ostatnich latach. Jest to seria obrazowych kompozycji ukazujących różne relacje międzyludzkie. Z pewnością ich wspólna praca artystyczna wymagała wysokiego stopnia wzajemnej wrażliwości. Ich wysoki poziom wrażliwości widoczny jest już od wielu lat, szczególnie w ambitnej długoletniej współpracy artystycznej z osobami niepełnosprawnymi. Dalsza grupowa dyskusja na temat ostatecznego wyboru prac i ich krytyczny przegląd były na równie wysokim poziomie, jak same prace. Stąd zestaw kompozycji, które włączono do wystawy, reprezentuje główne pojęcie sztuki: przestrzeń dyskusji na temat talentów „artystów niepełnosprawnych”. Powoduje to nie tylko maksymalne otwarcie się i zwiększenie wrażliwości na różne typy kreacji, ale również wzbudza szacunek dla intencji artystycznych. Można to traktować jako szczególny przypadek procesu uczenia się. Jest to próba świadomego pozyskania wiedzy na temat sposobu komunikowania się ze światem artystów niepełnosprawnych, w całej ich bezpośredniości, która nie jest widoczna na co dzień, oraz niezwykłej wrażliwości na inne przejawy życia. Jednak inną ważną kwestią jest ich ciągłe dążenie do pracy twórczej, która jest bez przerwy przedmiotem krytyki. Są to kryteria wyboru, które zastosowano przy wyborze austriackich „talentów niepełnosprawnych”. Czworo wymienionych niżej artystów można sklasyfikować podobnie, jak opisaną wcześniej grupę. Różnią ich nie tylko ścieżki kariery, ale również różne podejścia artystyczne, priorytety pojęciowe i techniki artystyczne. constituents of the development fundaments for a comprehensive professionalization of the art work. The first one would be regular exhibitions in all of the constantly expanding and developing fields of art. The second one, however, would be a close involvement of “regular talents” that include: professionally trained artists, publication activities and further involvement in terms of art theory. Nevertheless, the professionalization itself needs to be internationally expanded: it should involve even bigger network and it should be presented in front of a wider public. One of the declared objectives of the Austrian Association “Integrative Kulturarbeit” (Integrative Cultural Work), which also organizes a biannual festival “Sichtwechsel” (“View Change”), is to promote and develop a network of professional cultural-artistic work of talented people with disabilities. Yet individual art initiatives remain disregarded. Con- sequently, these entities above all else need to focus on gaining a secure status with the major sponsor organizations that support people with disabilities. Thus, they remain exposed in the role of a permanent claimant. Such an approach often creates isolation, puts in a kind of “peculiar position” within the society, thereby in some aspects as well triggers a social exclusion. In its cultural organizational work the “Sichtwechsel” always emphasizes togetherness and cooperation, the interlocking of different initiatives and various approaches to cooperation and artistic convictions. In general, the term “Sichtwechsel” stands for the attempt of a permanent exchange, for a consistent learning about oneself and learning about each other. This particular attitude is also a strategic mission and the reason why “Sichtwechsel” has launched the project “irregular talents”. The idea is to gain experience together on the international level in the area of profes- sional dealing with various forms of the art created by exceptional people. This should also concern an adequate presentation and appreciation but as well a well-organized public work. This could in a long term create a possibility of artistic careers and eventually destroy the boundaries between “irregular talents” and “regular talents”. To some extend these boundaries have already been overstepped by the “regular talents” invited to participate in the project by the Austrian side. All three artists: Peter Bischof, Peter Assmann and Helena “ellefee” Möstl differ in terms of their careers, artistic education and recent art activities. They as well belong to different generations, as they live and act in different (art) contexts and represent a completely different “artistic careers”. Peter Bischof belongs to the group of “art pioneers” of the Austrian Postwar Avant-garde that has strongly been influenced by the French Art Informel and Tachisme. His artistic key-subject is related to the fascination of people in motion, between reflection and activity. Helena ellefee Möstl focuses intensively on pictorial layers composition. She creates new collages from graphic and photographic quotations. Peter Assmann, who works both as an artist and writer, in his pictorial compositions always combines visual stimuli with words. In that way, his works are settled in the interplay between poetry and irony. Another aspect that links these artists is the fact that for many years they have been dealing with the art projects of people with disabilities. In particular, they have been present in artistic studios, different artist symposiums, scientific works related to art theory. What should be highlighted is the fact that their activity is as well noticeable in the Summer Academy in Bad Ischl. One of the significant outcomes of this particular fasci- nation that links these artists is a unique project that started last year. This is the series of pictorial compositions that show human relationship situations. Definitely, this joint artistic work has required a high degree of mutual sensitivity. However, this deep sensitivity has already been displayed since many years, especially in the challenging longterm artistic collaboration with people with disabilities. A further group discussion on the final selection of joint compositions and their critical revision was as sophisticated as the joint artistic work itself. Therefore, the picture sets that have been integrated into the exhibition project represent a principal concept of the art: the discussion field about “irregular talents”. It not only triggers a maximum openness and sensitivity of the response to a different type of artistic creation but as well inspires respect to artistic intentions. One cannot fail to take note of a particularly stimulated learning process. This is a form of a conscious attempt to gain knowledge on communication manner of artists with disabilities, their directness that is not demonstrated in the every-day reality, and an unusual sensitivity towards other forms of life. Yet another important matter would be their consistent pursuit of their own creative work that is constantly exposed to a critic. In the parallel, such a perspective of selection approach might be also observed in Austrian “irregular talents”. The following four artists fit into the same differentiating pattern that was applied to a previously described group. They not only differ in terms of their career path but they also use different artistic approaches, conceptual priorities and artistic techniques. Anita Baier has developed a very conceptual artistic approach: between a word and a picture, based on the combination of writing and drawing. Elisabeth Watzeck, however, is a genuine painter. She Prace Anity Baier przedstawiają podejście konceptualne: są zawieszone między słowem i obrazem, oparte na połączeniu pisma i rysunku. Elizabeth Watzek jest z kolei prawdziwą malarką. Tworzy ona kompozycje przedstawiające postacie ludzkie, a jej prace zaskakują zupełnie niezależnym, indywidualnym językiem malarskim. 21 22 Andrea Obwaller jest natomiast raczej ilustratorem. Za pomocą charakterystycznych, indywidualnych systemów linii udaje jej się stworzyć nowe, szeroko pomyślane sytuacje przestrzenne. Hubert Zemsauer jest artystą fotografikiem par excellence – spektrum jego artystycznych zainteresowań mieści się w szerokiej gamie od fotografii autorskiej do skomplikowanych połączeń obrazów. Wszyscy ci czterej artyści mają duże doświadczenie wystawiennicze. Co więcej, wielokrotnie dowiedli swoich zdolności w różnych środowiskach krytyki. Kolejną cechą, która ich łączy jest ambicja artystyczna i wyraźna chęć do pracy. W końcu także, co najważniejsze, wspólna fascynacja oczywistym talentem, który obdarza niezwykłą zdolnością tworzenia, a którego źródła są ukryte. Informacje o tym właśnie doświadczeniu często można znaleźć w relacjach osób, które miały szansę pracować z osobami niepełnosprawnymi. Klasyfikacja talentów zawsze prowokuje do dyskusji na temat granic i ich przekraczania. Staje się to szczególnie wyraźne, gdy talent przejawia się w twórczości. Z tych przyczyn projekt „Irregular Talents” jest nie tylko aktualny, ale również istotny politycznie. Procesowi rozwoju kulturalnego Europy towarzyszy dyskusja na temat wyrównywania szans. Przede wszystkim oznacza to intensywne starania, aby uznać różnorodność i wielorakość za integralne części kultury. Po drugie, zwraca on uwagę na ważną rolę „zdrowego sceptycyzmu” w nastawieniu do wszystkich form propagowania kultury dominującej (określanej niemieckim terminem Leitkultur – przyp. tłum.). To drugie podejście jest szczególnie znaczące po bolesnych doświadczeniach systemów totalitarnych w XX w. Otwarta akceptacja dla wszelkiego rodzaju przejawów twórczości osób niepełnosprawnych okazuje się być papierkiem lakmusowym dalszego rozwoju europejskiej kultury. Ponieważ w sztuce europejskiej są obecne zarówno duch sprzeciwu („sztuka jest rodzajem buntu” – Pablo Picasso), jak również ciągłe poszukiwanie wolności („ponieważ sztuka jest córką wolności” – Friedrich Schiller), międzynarodowa dyskusja na temat utalentowanych osób niepełnosprawnych („irregular talents”), stała się ważnym projektem, silnie wpływającym na rozwój kultury. Tak czy inaczej, konsekwencje tego projektu są dalekosiężne, co z pewnością będzie miało wpływ na trwałą zmianę punktu widzenia na twórczość tzw. osób niepełnosprawnych. (Tłumaczenie / Translation Piotr Kożurno) creates painting compositions of people and her works surprise with a completely independent individually designed language. Andrea Obwaller is rather an illustrator. In her distinctive individual line systems she manages to create some new wide spatial situations. Hubert Zemsauer is a photo artist par excellence – his artistic spectrum ranges from the aspects of author photography to a complex image merging. All four artists already have a significant exhibition experience. Moreover, they have proven their skills several times in front of numerous critical forums. Another common background for them would be an artistic ambition and a demonstrated willingness to work. In the end, the most crucial is a shared fascination with an obvious talent that has a special creative ability, and whose sources are in the dark. This specific experience is often mentioned in the testimonies of those who have had a chance to work with people with disabilities. The talent classification always provokes a discussion on boundaries and boundary crossings. This would be especially heightened when a talent is focused on creativity. This is the core reason why this European project of “irregular talents” is not only up to date but also politically sensitive. The cultural development process in Europe is accompanied by discussions on opportunities equalization. First of all, this includes an intense effort to determine the culture with its commitment to both diversity and variety as its integral parts. And secondly, it concentrates on a fundamental “healthy” skepticism towards all propagations of the Leading Culture (Leit Kultur). The latter is especially meaningful after a painful experience of totalitarian systems in the 20th century. The obvious acceptance of creativity statements of “irregular talents” of all kinds proves to be a litmus test for any further development of European culture. Due to the constant contradiction feature of European art (“Art is like some kind of riot”, Pablo Picasso) as well as for its continual freedom pursuit (“Because art is a daughter of freedom”, Friedrich Schiller) the international discussion about “Irregular talents” has become a central project that deeply investigates a development of culture. In any case, this is the project that reaches far beyond its own borders and would certainly continue in the sense of a permanent cultural “Sichtwechsel” (“view change”). Polscy artyści w projekcie Irregular Talents Polish artists in the Irregular Talents project Alicja Saar-Koz owska W projekcie Irregular Talents Polskę reprezentują Międzynarodowe Centrum Zarządzania Informacją (ICIMSS) oraz Wyższa Szkoła Gospodarki w Bydgoszczy (WSG) zaproszone w 2012 roku przez koordynatora projektu Cooperativa Sociale Nazareno z Carpi we Włoszech. W środowisku toruńskim w dyskusjach dotyczących dzieł osób niepełnosprawnych pojawiła się opinia, że ich twórczość jest dopełnieniem sztuki współczesnej (Anna Szary, Andrzej Wojciechowski). Założenia projektu dały szansę na ukazanie na arenie międzynarodowej twórczości artystycznej osób nie posiadających ugruntowanej renomy, na dotarcie do artystów, zadanie im i sobie pytań o świat ich wyobraźni, zastanowienie się nad przekazem pozaobrazowym ich dzieł. Spotkania te były jednocześnie próbą odnalezienia swoistego komen- tarza współczesnego świata, jego systemu wartości, wierzeń, idei oraz wzorów osobowych, a także lekcji dla nas samych, których los nie postawił wobec analogicznych problemów. Spośród różnych organizacji zajmujących się opieką nad osobami dotkniętymi niepełnosprawnością zdecydowaliśmy się zaprezentować na wystawie głównie dorobek artystyczny Pracowni Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych (PRTON) w Toruniu, funkcjonującej obecnie jako Środowiskowy Dom Samopomocy, prowadzony przez Katolickie Stowarzyszenie Osób Niepełnosprawnych im. Wandy Szuman w Toruniu (http://www.prton-sds.cba.pl/). Dokonaliśmy wyboru siedmiu artystów. Są to wieloletni uczestnicy zajęć prowadzonych w Pracowni – Jarosław Latowski, Renata Jagielska, Anita Wend, Michał Nowak, Agata Miszewska, Jacek Miszewski i Leszek Bicki. Do grona wybranych do prezentacji twórców włączona została także początkująca artystka z profesjonalnym wykształceniem – malarka i mezzosopranistka, Ewa Świokła, absolwentka Wydziału Sztuk Pięknych Uniwersytetu Mikołaja Kopernika w Toruniu, dotknięta fizycznymi problemami zdrowotnymi już w dzieciństwie. Celem naszym jest zatem ukazanie i utrwalenie twórczych dokonań osób, których dzieła powstają w ciszy pracowni i w niej pozostałyby gdyby nie starania ich opiekunów. Prace te, stanowiące wyraz kreatywności autorów, efekt próby wypowiedzenia swego wnętrza oraz sposobu widzenia świata były już wielokrotnie prezentowane na wystawach, jednak po raz pierwszy będą miały okazję pojawić się na ekspozycji międzynarodowej w zestawieniu z twórczością artystów profesjonalnych. Wystawa In the Irregular Talents Project, Poland is represented by the International Centre for Information Management, Systems, and Services (ICIMSS) and the University of Economy in Bydgoszcz, invited in 2012 by the project coordinator Cooperativa Sociale Nazareno of Carpi, Italy. In discussions on the works of people with disabilities in the environs of Toruń, an opinion has emerged that their work is a part of contemporary art (Anna Szary, Andrzej Wojciechowski). The objectives of the project have provided a chance to showcase artistic people who do not have a well-established reputation in the international arena, to approach the artists, to ask them and oneself questions about the world of their imagination, and to reflect on the symbolic messages of their works. These meetings were also an attempt to find specific comments of the contemporary world, its system of values, beliefs, ideas and role models, as well as lessons for ourselves, to whom fate has been kinder. Among the various organisations involved in the care of people affected by disability, we decided to mainly present the achievements of the Centre for the Development of the Handicapped Persons’ Artistic Activity in Toruń at the exhibition, a centre now functioning as the Community Self-help Home, run by the Wanda Szuman Catholic Association of People with Disabilities in Toruń (http://www.prton-sds.cba.pl/). We have chosen the works of seven artists. These are long-term pupils of the Studio – Jarosław Latowski, Renata Jagielska, Anita Wend and Michał Nowak, Agata Miszewska, Jacek Miszewski, Leszek Bicki. In addition to the group of artists selected for presentation, an aspiring artist with professional qualifications has been included – Ewa Świokła, a graduate of the Faculty of Fine Arts at the Nicolas Copernicus University in Toruń, who has been affected by physical health problems since childhood. Our goal is therefore to present and consolidate the achievements of creative people whose works were created in the comfort of a centre and would remain there were it not for the efforts of their careers. These works, which demonstrate the creativity of authors, capturing the effects of their interior view of the world, have already been presented before in exhibitions, but for the first time have the opportunity to appear on the international scene alongside the work of professional artists. This exhibition is also an attempt to support the talented and professional start of a young artist who – which is particularly noteworthy – is endowed with tremendous fortitude, requesting that her works reach the widest possible audience. The project activities will testify to the creative possibilities of the persons covered by this patronage, let us look into the world of experiences, dreams, and desires that are usually hidden and now expressed in art, and 23 24 ta jest jednocześnie próbą wsparcia startu zawodowego uzdolnionej i – co szczególnie warte uznania – obdarzonej ogromnym hartem ducha młodej artystki, zabiegającej o dotarcie jej dzieł do jak najszerszego grona odbiorców. Działania projektu Irregular Talents dają świadectwo twórczych możliwości osób objętych patronatem, pozwalają wejrzeć w świat przeżyć, marzeń i pragnień – skrytych na co dzień, w sztuce wypowiadanych, utrwalonych, prowokują także do stawiania pytań o to, jakie szanse oferuje uczestnikom projektu społeczeństwo. Czy w przyszłości stworzymy okazję do wyrównania życiowych możliwości? Twórczość Jarosława Latowskiego reprezentują na wystawie między innymi cztery prace graficzne w technice linorytu przedstawiające ranne lwy i lwice inspirowane sztuką asyryjskich płaskorzeźb znajdujących się obecnie w British Museum w Londynie, a pochodzące z pałacu Asurbanipala w Niniwie (VII w. p.n.e.), w których walor indywidualnego potraktowania obrazu dominuje zdecydowanie nad naśladownictwem, a twórca przedstawia własną interpretację tematu. Można stwierdzić, że autor osobliwą kreską i selekcją elementów artystycznego obrazowania wzmacnia i uwspółcześnia problem cierpienia zwierząt i zwierzęcych ofiar polowań. Spośród wielu grafik Renaty Jagielskiej na wystawę wybrane zostały między innymi cztery linoryty o tematyce religijnej: Pieta, Procesja, W niebie, Jezus nauczający, prezentujące dwa style autorki – pierwszy, o wyizolowanych głównych postaciach sceny, budowanych zdecydowanymi liniami oraz wewnętrznym rysunkiem na gładkim czarnym tle, sprzyjający budowaniu wyrazistej ekspresji jednego z najbardziej emocjonalnych przedstawień chrześcijaństwa (Pieta); – drugi, bardziej charakterystyczny dla twórczyni, odznaczający się swoistym horror vacui, gdzie każda forma i płaszczyzna rozbita jest na układy rytmicznie powtarzanych, przebiegających w rożnych kierunkach delikatnych liniach stanowiących i tło i wypełnienie postaci w obrazie, pośród których szerszą, mocniejszą czarną linią zarysowują się poszczególne elementy składowe kompozycji. Twórczość Anity Wend reprezentują dwa wielkoformatowe pastele na tkaninie dające świadectwo ambicji i talentu autorki od dzieciństwa świadomej potrzeby kontaktu ze sztuką i na niej skoncentrowanej, przedstawiające jej interpretacje dwu słynnych dzieł sztuki światowej – Pasji Hansa Memlinga oraz Bitwy pod Grunwaldem polskiego malarza Jana Matejki. Dzieła ukazują śmiałe, różnorodne kształtowanie przestrzeni w obrazie, sposób komponowania, prowadzenia kreski oddającej ludzkie kształty o odmiennej ekspresji i pozie. Wielopłaszczyznowo potraktowane kompozycje, o licznych epizodach i szczegółach, zbudowane w konwencji indywidualnego świata o zachwianych pionach wyrażają autorską interpretację tematu oraz kryją ładunek emocji i przemyśleń powstałych podczas analizy podziwianego dzieła sztuki dawnej. Zamknięty świat Michała Nowaka przedsta- wia osiem barwnych pasteli o tematyce religijnej i świeckiej, ukazujących detal architektoniczny, postać, ukrzyżowanie oraz pejzaż. Obrazy te znakomicie uwidaczniają sposób oraz zakres odczuwania świata przez autora, charakter jego wyobraźni oraz artystycznej wrażliwości. Michał Nowak w swoich pracach posługuje się żywą kolorystyką i płaską plamą barwną o zróżnicowanych kształtach. Wprowadza zdecydowane czarne kontury, plamy oraz zarysy form. Gdzieniegdzie różnicuje płaszczyznę danego koloru poprzez jej zacienienie lub zintensyfikowanie oraz akcenty plamek w tle. Tworzy w ten sposób kompozycje abstrakcyjne, gdzie dominuje nie rozpoznany kształt i barwa oraz pojawiają się poddane mniejszej lub większej deformacji elementy świata realnego. Obrazy stanowią jakby efekt zbliżenia lub wyboru planowanej większej kompozycji lub obserwowanego i przetwarzanego wycinka rzeczywistości. Cechuje je znakomita kompozycja oraz wyczucie harmonii barw. Agata Miszewska ma silne wyczucie dekoracyj- nych aspektów stosowanych przez siebie form, co potrafi znakomicie wykorzystać w tworzonych przez siebie pracach. Jej rysunek ma kreskę zróżnicowaną w swej intensywności. Raz jest delikatny, innym razem – stosownie do potrzeb – zyskuje na sile. Wewnątrz tak określonej formy pojawiają się różnorodne plamy barwne oraz elementy graficzne w swobodnych układach tworzących kompozycje miłe dla oka i ciekawe ze względu na paletę barw – zharmonizowanych, formy – zmienne w kształtach i charakterze, nawiązanie do kształtów realnych i ich dowolne uzupełnienie. Tło cieszy oko swobodną plamą barwną – rozrzuconą w pozornym nieładzie, a jednak z wyczuciem ogólnej tonacji barwnej całego obrazu – zakomponowaną. Jacek Miszewski podejmuje tematykę świecką oraz religijną. Stosując różnorodne techniki, odwzorowując elementy świata realnego oraz tworząc kompozycje abstrakcyjne z posmakiem surrealizmu osiąga w swych pracach silny ładunek emocjonalny. Wywołują go tematy, formy, barwa oraz ekspresja prezentowanych postaci. W niektórych pracach wprowadza silny modelunek światłocieniowy. Jego kreska bywa staranna i spokojna lub żywa i pozornie nieprecyzyjna, plama barwna dynamiczna. Leszek Bicki jest osobą bardzo wrażliwą, ze szczególnymi możliwościami percepcyjnymi. Obdarzony jest dużymi zdolnościami manualnymi. Chętnie podejmuje działania w wielu technikach. Są to rysunek, grafika, rzeźba oraz malarstwo i aplikacja na tkaninie. Leszek twórczo rozwiązuje problemy plastyczne dzięki zaangażowaniu i płodnej wyobraźni. Spośród bogatej i różnorodnej twórczości Ewy Świokły na wystawie prezentowane są prace o tematyce kosmicznej. Wielkoformatowy tryptyk zatytułowany Konstelacje, złożony z trzech obrazów olejnych na płótnie, należący do grupy czterech cykli autorki poświęconych zgłębianiu tajemnic obrazu nocnego nieba. W tonacji fioletów, odcieni barw wrzosu oraz różów Ewa Świokła daje świadectwo subtelnego wyczucia koloru oraz ujawnia świat provoke questions about what conditions society provides the heroes of this project. In the future, will we create a world with equal opportunities in life? Jarosław Latowski's works on display are represented by four graphic works of wounded lions and lionesses in linocut technique. They are inspired by the art of the Assyrian bas-reliefs that are now in the British Museum in London, and from the palace of Ashurbanipal in Nineveh (seventh century BC). The author presents his own interpretations of the subject and the advantage of treating each image individually as opposed to imitation is prevalent. One can claim that the author's peculiar line and selection of artistic elements in the images strengthen and modernize the problem of suffering animals, the victims of hunting. Among the many graphics by Renata Jagielska, four linocuts on religious themes were selected for the exhibition: Pieta, Procession, In heaven and Teaching Jesus, presenting two styles of the author. The first, with the main characters isolated, created by decisive lines, and an inner drawing on a smooth black background is the Pieta, creatively building a distinctive expression of one of the most emotional performances of Christianity. The second, more characteristic of the style of the creator, exhibits a kind of horror vacui, where every form and plane is broken and rhythmically repeated in the composition, delicate lines running in different directions in the background and fill out the form in the image, on which a wider, stronger black line plots the individual components of the composition. Anita Wend's works represent two large pastels on fabric giving testimony to the author's ambition and talent, someone who has had a conscious need to have contact with art and focus on it since childhood. These works are two interpretations of world-famous works of art – The Passion by Hans Memling and the Battle of Grunwald by Polish painter Jan Matejko. The works show a bold, diverse spatial development in the image, the method of composition, the use of lines rendering human shapes with different expressions and poses. The compositions treated on many levels for their many episodes and details, built in the convention of an individual world of unsettled pawns, are the author's interpretation of the theme and hidden charge of emotions and thoughts arising from the analysis of the earlier famous works of art. The closed world of Michał Nowak presents eight colour pastels of religious and secular themes, showing architectural detail, form, crucifixion and landscape. These images highlight the excellent manner and scope of the author's perception of the world, the nature of his imagination and artistic sensibility. In his works, Michał Nowak uses vibrant hues and flat blotches of colour with different shapes. He employs defined black con- tours, blotches and outline forms. In some places, a plane is differentiated in shade or intensity by a particular colour or blotches that accentuate the background. This results in the creation of abstract compositions in which unknown shapes and colours dominate and smaller or larger deformations of the elements of the real world appear. The images have a zoom effect or the choice of a planned larger composition or the observed and processed fragments of reality. They are characterized by an excellent sense of composition and harmony of colours. Agata Miszewska has a strong sense of decorative aspects of the art forms she uses, which is perfectly applied in her projects. Her drawings have a stroke of pencil diverse in its intensity. Once it is delicate, other time – as required – it gains strength. On the surface of her drawings, there appear a variety of patches of colour and random arrangements of graphic elements, ma- king up the compositions that are pleasing to the eye and attractive because of the harmonized colour palette, the depicted forms various in shape and character, the fact of referencing to real silhouettes and their imaginative filling in. The background of the drawings is interesting due to the patch of colour which is scattered as if it was in disarray but which is still well integrated with the tones of the entire picture. Jacek Miszewski addresses both religious and secular topics. Using various techniques, mirroring the real world elements, and creating abstract compositions with a hint of surrealism in them, the artist achieves a strong emotional charge in his works. The given charge is evoked by themes, forms, colours, and expressiveness of the presented figures. In some of his works, he employs a strong chiaroscuro modelling. The pencil line of his may be neat and carefully plotted or may be lively and seemingly imprecise, while his patch of colour is dynamic. Leszek Bicki is a very sensitive person, with unique perceptual abilities. He is also endowed with great manual skills. He enjoys working in a number of techniques, including drawing, graphics, sculpture, painting and applique. And he overcomes any problems pertaining to his creative process with the help of total commitment and fertile imagination. From among the rich and diverse works by Ewa Świokła, the exhibition presents one large-format triptych entitled Constellations, consisting of three oil paintings on canvas, which belong to a group of four space cycles. In shades of purples, hues of pink, and the colour of heather, Ewa Świokła bears witness to the subtle sense of colour and reveals her own world of fantasy and dreams, as well as a strong sense of belonging to the Universe – a mysterious, intriguing, fascinating riot of shapes, colours and light, simultaneously awakening in man delight and concern about the depth of the mystery 25 26 własnej fantazji i marzeń, a także silne poczucie przynależności do Universum – tajemniczego, intrygującego, fascynującego feerią kształtów, barw i światła. Budzącego w człowieku zachwyt i jednocześnie niepokój związany z głębią jego wciąż tropionej, ale niepoznanej do końca tajemnicy. W swej twórczości pokazuje ona obrazy nieba, rzec by można, jako reakcję na artystyczną, zmienną, ale wiecznotrwałą kreację Najwyższego – Boga-Malarza, jak o Nim często pisano i w jakiej konwencji przedstawiano Go od wieków. W tych subtelnych różowo-wrzosowych wariacjach na temat kosmosu i powiązanych w nim bytów pobrzmiewa muzyka sfer kosmicznych, dla nas wprost nie słyszalna, rozpoznawalna jedynie w odwzorowaniu muzyki ziemskiej, tak bliskiej uzdolnionej muzycznie autorce śpiewającej mezzosopranem, a w obrazach przekładającej dźwięki na kolory. Pracownia Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych, w której ujawnione zostały plastyczne talenty prezentowanych na wysta- wie twórców, powstała w latach 70-tych XX wieku i w ramach realizacji projektu 35-lecie jej działalności zostało uczczone obszerną wystawą (13.06-13.07.2014) różnorodnych dzieł ponad dziewięćdziesięciu uczestników zajęć na czterech kondygnacjach Biblioteki Uniwersyteckiej w Toruniu, której towarzyszył skromny katalog. Wernisaż organizowany przez Międzynarodowe Centrum Zarządzania Informacją, połączony z wykładami, stał się spotkaniem wszystkich wychowanków Pracowni, które zostało udokumentowane i jest dostępne pod adresem www.s-potykanie.pl/. Wystawa była okazją do zapoznania reprezentantów wszystkich uczestników projektu z twórczością wybranego ośrodka. Wpływ na działalność PRTON od samego początku miały idee polskiej działaczki społecznej, pedagoga i pionierki pedagogiki specjalnej Wandy Szuman (1890-1994), znanej ze swych zainteresowań naukowych obejmujących przede wszystkim rozwój sierot, a także dzieci żyjących w izolacji, niepełnosprawnych fizycznie oraz niewidomych i głuchych. To właśnie ta zasłużona w naszym kraju honorowa obywatelka Torunia była propagatorką metody rehabilitacyjnej osób niepełnosprawnych poprzez aktywność twórczą, do czego nawiązuje w swej działalności PRTON. Zadanie to nie jest jednak rozumiane jako popularna dziś arteterapia (leczenie przez sztukę), ale jako metoda rozwijania twórczego działania osób niepełnosprawnych w różnych dziedzinach życia, także w zakresie dyscyplin artystycznych. Inspirator powstania i działań Pracowni, artysta rzeźbiarz, profesor UMK zajmujący się m.in. pedagogiką specjalną, terapią osób słabych oraz terapią przez twórczość, profesor Andrzej Wojciechowski powiedział: naszym celem nie jest terapia przez sztukę, ale terapia przez twórczość. Z tego też względu zakres działalności toruńskiej Pracowni jest bardzo rozległy, a terapeuci poszukują metod aktywizacji osób uczestniczących w zajęciach w różnorodny sposób. Dzięki temu niejednokrotnie ujawniają oni czasem prawdziwe talenty artystyczne u swych podopiecznych. Ponieważ zdolności wspomnianych osób nie rozwinęłyby się w takim stopniu bez sprzyjających w Pracowni warunków i korzystnej dla twórczego działania atmosfery oraz inspiracji opiekunów, zapewnienia przez nich materiałów i narzędzi, pouczenia o technice pracy oraz fachowej opieki pedagogicznej i artystycznej sprawowanej z założeniem, że pełne poznanie i rozumienie dokonuje się tylko w warunkach miłości, zgodnie z ideą współczesnego francuskiego filozofa Jacques`a Maritain`a, który napisał: dopiero miłość znosi tę niemożliwość poznania drugiego człowieka inaczej niż jako przedmiot. W toruńskiej placówce działa wyjątkowy zespół artystów plastyków obdarzonych ogromnymi zdolnościami dydaktycznymi, uprawiających niezależnie własną działalność twórczą. Pracownię grafiki i innych technik powielanych prowadzi artysta grafik Mirosław Kocoł, pracownię rzeźby, malarni tkanin i malarstwa artysta rzeźbiarz Anna Szary, pracownię witrażu i malarstwa artysta malarz Barbara Jankowska, natomiast pracownię rękodzieła i krawiectwa Agnieszka Pietrzak. Z tego względu na wystawie nie mogło zabraknąć chociaż pojedynczych dzieł tych artystów, którzy przez wiele lat od ukończenia studiów towarzyszyli w rozwoju twórczym osób niepełnosprawnych sami nie dążąc do silnego eksponowania swych osiągnięć artystycznych. Stosownie do specjalizacji terapeutów na wystawie prezentowane są: dwie grafiki barwne Mirosława Kocoła, dwie rzeźby w glinie Anny Szary, rysunek ołówkiem Barbary Jankowskiej oraz aplikacja na tkaninie Agnieszki Pietrzak. Grafika Mirosława Kocoła stanowi przykład zainteresowań, możliwości twórczych oraz warsztatowych autora. Wykonana w technice własnej jest efektem poszukiwań w zakresie grafiki barwnej, tym bardziej spektakularnym, że osiągnięty został w niej efekt czystego koloru oraz nałożeń barw, form klarownie określonych oraz rozproszonych, powierzchni o niejednolitym natężeniu koloru. Owalna, rozmyta, jakby rozprzestrzeniająca się forma sugeruje, że mamy do czynienia z abstrakcją organiczną, jednakże wnikliwsze przyjrzenie się pracy ujawnia głębię i skomplikowany przestrzennie charakter różnorodnych kierunków i płaszczyzn, które nakazują patrzeć na dzieło jak na fragment jakiejś większej, skrytej przed nami rzeczywistości którą poznajemy jakby przez zaparowaną szybę z wolna oczyszczającą się. Tym samym widz ma nadzieję, że obraz się wyklaruje za chwilę do końca a jego zakres poszerzy, zaś sugerowane formy obrazowe uczytelnią się. Mamy zatem subtelnie ukazany proces kształtowania obrazu in status nascendi. Prace Anny Szary zatytułowane Maria Magdalena dziś oraz Przeszłość ukazują refleksyjny charakter artystki oraz jej twórczości, w której w mistrzowski sposób potrafi oddać wewnętrzne zadumanie skruszonej postaci nowotestamentowej oraz kontemplacyjny charakter personifikacji czasu minionego. Postacie z przeszłości ludziom współczesnym prezentują wzorzec osobowości odmienny od obecnie niemal powszechnie proponowanego, nakazujący głębię życia wewnętrznego i that he is seeking yet still eludes him. Her works show processed images of the sky, so to speak, as a reaction to the artistic, variable, but everlasting creation of the Almighty – God-painter, as has often been written about Him and the convention in which He has been presented for centuries. In these subtle pink-heather variations on the theme of the cosmos and its related entities, there echoes music of the spatial spheres that is simply not audible to us, recognizable only by mapping the Earth's music, which is so close to the musically-gifted author, a mezzo-soprano, who transcribes the sounds in her works as colours. The Centre for the Development of the Handicapped Persons’ Artistic Activity, where the artistic talents from the exhibition were revealed, was founded in the 1970s. Within the framework of the project, the 35th anniversary of its operations was celebrated with an extensive exhibition (13 June – 13 July 2014) of various works of more than ninety pupils on four floors of the University Library in Toruń, together with a modest catalogue. The vernissage organized by the International Centre of Information Management, Systems, and Services combined with lectures became a meeting of all pupils of the Centre, which has been documented and is available at www.s-potykanie.pl. The exhibition was an opportunity for representatives to get acquainted with works of the centre's participants chosen for the project. From the very beginning, the ideas of Polish social activist, educator, and pioneer Wanda Szuman (18901994) have made an impact on the activities of the Centre for the Development of the Handicapped Persons’ Artistic Activity. She was known for her scientific interest, concerning mainly the development of orphans and children living in isolation, the physically disabled, the blind and the deaf. This honorary freeman of Toruń propagated a rehabilitation method for people with disabilities through creative activity, a model imitated by the Centre for the Development of the Handicapped Persons’ Artistic Activity. These activities, however, are not understood as today's popular art therapy, but as a method of developing the creative actions of people with disabilities in various areas of life, including the artistic disciplines. Professor Andrzej Wojciechowski, the inspirer behind the creation and activities of the workshop, sculptor, professor at NCU dealing, among other things, with special pedagogy, therapy, and treatment of the disabled through creative work, said: our goal is not therapy through art, but therapy through creativity. Therefore, the scope of activities at the Centre in Toruń is very broad, and therapists are looking for creative outlets to activate the participants in a variety of ways. As a result, the true artistic talents of some their charges are revealed. The abilities of these people would not evolve to such an extent without favourable con- ditions, an atmosphere for creativity in the centre, and inspirational caregivers. They provide materials, tools, instructions on the art work, professional mentoring and artistic exercises, with the assumption that complete cognition and understanding is only made in terms of love, in the spirit of the contemporary French philosopher Jacques Maritain, who wrote: only love allows us the ability to know another person as something other than an object. The facility in Toruń has an exceptional group of artists endowed with enormous teaching abilities, practising their own creative activities independently. The studio for graphics and other duplicating techniques is led by graphic artist Mirosław Kocoł; the studio for sculpture, textiles and paintings by sculptor Anna Szary; the studio for stained glass and painting by painter Barbara Jankowska; and the studio for crafts and tailoring by Agnieszka Pietrzak. For this reason, the exhibition could not be without the individual works of those artists who, since graduating from art studies, have devoted many years of their lives working out for their pupils while they themselves remain in the shadows. The therapists show works they specialise in: Mirosław Kocoł’s colour graphics, two sculptures in clay by Anna Szary, Barbara Jankowska’s pencil drawing and Agnieszka Pietrzak's paintings on fabric. The graphic work by Mirosław Kocoł is an example of his interests, creative capabilities and workshop skills. The work, created in his own technique, is the result of research in the field of colour graphics, all the more spectacular as an effect of pure colour and overlapping of paints has been achieved, with the forms clearly defined and distributed and areas of uneven colour intensity. Oval, blurry, as if its spreading form suggests that we are dealing with organic abstraction, but a deeper look at the work reveals the depth and complexity of the spatially diverse nature of directions and planes which oblige one to look at the work as a fragment of a larger, hidden reality that one gets to know through a steamy lens that is slowly clearing up. Thus, the viewer hopes that the image will clear up in a moment and expand its scope, thus clarifying the suggested forms of the image. We are therefore shown a subtle process of image formation in status nascendi. The works of Anna Szary entitled Mary Magdalene Today and The Past show the reflexive character of the artist and her work, in which she has masterfully presented the internal musings of the crushed character from the New Testament and the contemplative nature of the personification of elapsed time. Characters from the past demonstrate to modern humans a personality pattern different from the one currently proposed, demanding the depth of inner life and self-reflection. The specific expression of silence in the works of Anna Szary 27 28 autorefleksję. Swoistą ekspresję ciszy w swoich pracach Anna Szary wzmocniła wykorzystując środki charakterystyczne dla rzeźby w glinie: fakturalną powierzchnię, tworzącą efekty światłocieniowe na powierzchni figur oraz efekt surowości opracowania, posmak non finito oraz tak istotne w obu przypadkach ślady destrukcji w postaci spękań wynikających z charakteru materiału. Wykonana ołówkiem podobizna młodej kobiety z gołąbkiem jest świadectwem artystycznej wrażliwości Barbary Jankowskiej, jej subtelnego zmysłu obserwacji jako portrecistki, zdolności wprowadzenia do obrazu z zasady dążącego do odwzorowania rzeczywistości elementów symbolicznych, które dodatkowo wzmacniają psychologiczną charakterystykę modela. Czułe na wszelkie drgnienia formy oko i ręka autorki stworzyły wizerunek pełen głębi, w subtelnej formie rysunkowej, o delikatnym lecz konsekwentnym światłocieniu oraz śmiało wprowadzonych niedotkniętych narzędziem partiach twarzy, Barbara Jankowska wyraziła nie tylko fizyczne piękno portretowanej córki, ale i jej pełne nadziei na poznanie świata wewnętrzne pragnienia. Z twarzy, szczególnie z wyrazu oczu, ale i ustawienia głowy oraz kontaktu z widzem można wyczytać marzenie o wolności, swobodzie, wyniesieniu się ponad bieg spraw codziennych, co dodatkowo sugeruje obecność ptaka. O tym, że proces uwalniania się i realizacji marzeń już się rozpoczął świadczą włosy bohaterki przybierające postać ptasich piór. Obserwujemy zatem metamorfozę młodej dziewczyny, a obraz dzięki swej warstwie symbolicznej oraz umiejętnościom warsztatowym ukazuje coś więcej niż moment. Stanowi tak pożądaną w portrecie syntezę różnych cech modela oraz trzech faz czasu: teraźniejszości, a także przeszłości oraz przyszłości. Aplikacja na tkaninie Agnieszki Pietrzak w sposób obrazowy ukazuje cechę trudną do zobrazowania w tej technice – Soft – Miękki lub delikatny, która kojarzy się nam odruchowo z czymś delikatnym w zakresie formy, ekspresji i dynamiki, barwy oraz cha- rakteru przedmiotu. Agnieszka Pietrzak przedstawia motyla, można by rzec symbol subtelności, ulotnego piękna i nieuchwytności, a zatem czegoś, co zwykło się określać mianem Soft. Ta wrażliwa, krótkotrwała i biologicznie zmienna forma życia miała w sztuce często konotacje wanitatywne, szczególnie w zestawieniu z kwiatami o równie szybko przemijającym pięknie, tak jak wyobraziła to autorka. Był też motyl symbolem Psyche – duszy, jej przemiany, odzyskanego zbawienia. Te wszystkie przypomniane konotacje możemy z pewnością odnaleźć w pracy Soft. Zdumiewa jednak, że tą swoistą, wieloaspektową delikatność udało się wyrazić na czarnym tle, przy zdecydowanie określonych kształtach i formach oraz skali głównego motywu ledwo mieszczącego się w kadrze. Jednakże ustawiona z różnorodnych tkanin o delikatnej tęczy barw przysłowiowa delikatność i piękno skrzydeł motyla wizualizują soft i potwierdzają stosowność tytułowego tekstu z aplikacyjnym obrazem. Zgodnie z założeniami projektu Irregular Talents na wystawie prezentujemy też twórczość wcześniej wybranych artystów profesjonalnych: dwu młodych absolwentek uczelni artystycznych: Marty Rosenthal-Sikory oraz Alicji Saar, a także artysty starszego pokolenia Mieczysława Saara, pragnąc przyczynić się do propagowania ich dokonań malarskich oraz dostrzegając wspólne akcenty w dziełach wszystkich reprezentowanych na ekspozycji artystów. Praca Marty Rosenthal-Sikory, należąca do serii Cities, pokazuje relacje przestrzenne linii o swobodnym przebiegu, skomplikowanych, kolistych i łukowych z formami prostokątnymi, płaskimi, poddanymi mechanizmowi ujednolicenia, odwzorowując charakter naszej egzystencji we współczesnych miastach, opisujących zderzenie kształtów natury oraz tworów ludzkich. Wielobarwne kompozycje Alicji Saar, z posmakiem pop-artu oraz dadaizmu, stanowią swoisty konglomerat naszej współczesności, ujawniający w żartobliwej, ale nie pozbawionej głębokiej refleksji perspektywie, jej problemy oraz wiodące tematy mass-medialnych dyskusji, stanowiąc jednocześnie wysmakowane kompozycje najróżnorodniejszych kształtów oraz słodkich barw. Dwa wielkoformatowe obrazy dziewięćdziesięcioletniego Mieczysława Saara wprowadzają do ekspozycji akcenty ponadczasowych refleksji filozoficznych dotyczących egzystencji ludzkiej w kosmosie, jej powszechności w ogromnym i przytłaczającym skalą, a zachwycającym pięknem obserwowanych zjawisk Universum. Artysta zdaje się mówić poprzez swoje dzieła, że w tej nieskończonej przestrzeni dryfuje ku niewiadomym celom wiele równoprawnych odmian życia, a w kategorii ziemskiego i pozaziemskiego istnienia każda istota pragnie kontaktu, intelektualnego porozumienia, spotkania ponad rzeką różnic i zapomnienia. Alicja Saar-Kozłowska The International Centre for Information Management, Systems, and Services, ICIMSS are strengthened by using the means characteristic of clay sculpture: a textured surface forming the effects of chiaroscuro on the surface of the figures as well as an effect of crudeness of the work, an after-taste of non finito in addition to traces of destruction that are present in both cases in the form of cracks resulting from the nature of the material. The image of a young woman with a dove made in pencil is a testament to the artistic sensitivity of Barbara Jankowska, her subtle sense of observation as a portrait artist, the ability to map a reality of symbolic elements that further strengthen the psychological characteristics of the model. The eye and the hand of the artist, sensitive to every twitch of the forms, have created an image full of depth, in a subtle form of drawing. With a delicate but consistent chiaroscuro in parts of the face, Barbara Jankowska has expressed not only the physical beauty of the person (the artist’s daughter), but her hopeful inner desire to discover the world. From her face, especially the expression of the eyes, but also the setting of the head and contact with the viewer, one can read a dream of freedom, rising above the everyday course of events, which is further suggested by the presence of a bird. The fact that the girl's hair is made of feathers shows that the girl's process of liberating herself and realizing her dream has already begun. We can observe the metamorphosis of a young girl and the picture, because of its symbolic layering and workmanship, reveals something more than what is merely present in the moment. The work thus represents the desirable synthesis of the various features of the portrait model and the three phases of time: the present, as well as the past and the future. Appliqué textile by Agnieszka Pietrzak presents a forceful multicoloured-wingmate butterfly moving close to the yellow flower in a cutaway view. In this way, the ar- tist conveys a concept of Soft – delicate or tender (difficult to illustrate and difficult to apply in this technique), which we associate vaguely with something delicate in form, expression, and dynamics, in the tint or nature of an object. In presenting a butterfly, she offers a symbol of subtlety, passing form and elusiveness, something that can be evaluated as Soft. This sensitive, transient and mutable form of life has been applied in art as a symbol of vanity, particularly in conjunction with flowers, representing shortness of life and beauty as depicted by the author. The butterfly also symbolizes Psyche – the soul, shortness of life, death and resurrection. All these connotations we can find in the presented art. It is amazing that so peculiar, multifaceted fragility was possible to articulate on a black background, with firmly set-out shape and form as well as the main motive size hardly fitting in the frames. However settled with the assorted textiles of variable rainbow colors, the prover- bial delicateness and beauty of butterfly wings visualize the Soft and confirm the relevance of the title used for this art. In line with the objectives of the Irregular Talents project, the exhibition presents the works of pre-selected professional artists: two young graduates of art schools: Marta Rosenthal-Sikora and Alicja Saar, as well as the older generation artist Mieczysław Saar, wishing to contribute to the promotion of their achievements and recognizing common accents in the works of all the represented artists. The works of Marta Rosenthal-Sikora, belonging to the Cities series, show the spatial relationships of lines that run free, are complex, circular, and arcing with forms that are rectangular, flat, subject to the mechanism of unification, mirroring the nature of our existence in modern cities while describing the collision of natural shapes and human creations. Alicja Saar's multi-coloured compositions are a kind of conglomerate of our times, revealing a playful but also deep reflection of perspective, her problems and leading topics of discussion in the mass-media, while providing a sophisticated composition of a wide array of shapes and soft colours. The two large-format paintings by the nonagenarian Mieczysław Saar bring to the exposition accents of timeless philosophical reflection on human existence in the universe, its universality on a vast and overwhelming scale, and the stunning beauty of the observed phenomena of the Universe. Through his works, the artist seems to say that many equal varieties of life are drifting towards an unknown goal in this infinite space, and in the category of terrestrial and extra-terrestrial existence, every human being craves contact, intellectual understanding, and a desire to bridge the gap of differences and forgetfulness. Alicja Saar-Kozłowska The International Centre for Information Management, Systems, and Services, ICIMSS (Tłumaczenie / Translation Elżbieta Mątwicka) 29 Prace Works CESAREPaltrinieri Bez tytułu / Untitled 2008, ołówek i kreda na papierze / pencil and chalks on paper 25x25 cm Atelier Manolibera, Carpi (Mo) Biblioteka za zamkiem / Library behind the castle 32 2008, kreda na papierze / chalks on paper 68x48 cm Atelier Manolibera, Carpi (Mo) Bez tytułu / Untitled 2009, kreda na papierze / chalks on paper 25x25 cm Atelier Manolibera, Carpi (Mo) Bez tytułu / Untitled 2009, ołówek i kreda na papierze / pencil and chalks on paper 25x25 cm Atelier Manolibera, Carpi (Mo) Bez tytułu / Untitled 2009, ołówek i kreda na papierze / pencil and chalks on paper 25x25 cm Atelier Manolibera, Carpi (Mo) 33 MICHAŁNowak Bez tytułu / Untitled 34 2006, pastel / pastel 48x35 cm Pracownia Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych – Centre, Toruń Motyw architektoniczny / Architectural detail 2006, pastel / pastel 36x29 cm Pracownia Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych – Centre, Toruń Głowa Ukrzyżowanego / The Crucified’s head 2006, pastel / pastel 49x29 cm Pracownia Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych – Centre, Toruń 35 AGATAMiszewska Św. Brat Albert / Saint Brother Albert 36 2013, malarstwo na szkle / painting on glass 45x49 cm Pracownia Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych – Centre, Toruń Konik morski / Seahorse n.d., malarstwo na szkle/painting on glass 29x50 cm Pracownia Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych – Centre, Toruń Flisaczek / Lighterman n.d., Puncowanie / punching 20x32 cm Pracownia Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych – Centre, Toruń Skrzypek / Violinist 2010, gwasz / gouache 34x59 cm Pracownia Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych – Centre, Toruń 37 EWASwiok a MIECZYSŁAWSaar Tryptyk z cyklu Harmonia sfer niebieskich - Konstelacja 2 / Triptych: Celestial spheres harmony - Constellation 2 38 2013, olej na płótnie i jucie + aplikacja / oil on canvas and jute, application 150x100 cm (each painting) Ewa Świokła, Poland Powszechność życia w kosmosie / Universality of life in Universe 1978, olej na płótnie / oil on canvas 140x172,5 cm Alicja Saar-Kozłowska, Poland Myślę, więc jestem / Cogito ergo sum 1994, olej na płótnie / oil on canvas 130x148,5 cm Alicja Saar-Kozłowska, Poland 39 ANITABaier Bez tytułu / Untitled 40 n.d., akryl / acrylic 150x120 cm Anita Baier, Peuerbach, St. Pius Bez tytułu / Untitled n.d., akryl / acrylic 40x40 cm Anita Baier, Peuerbach, St. Pius 41 ANITAWend Bitwa pod Grunwaldem / Battle of Grunwald 2011, pastel na tkaninie / pastels on fabric 400x112 cm Pracownia Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych – Centre, Toruń Pasja / Passion 42 2012, pastel na tkaninie / pastels on fabric 400x144 cm Pracownia Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych – Centre, Toruń 43 PETERBischof HELENA ELLEFEEMöstl PETERAssmann Bez tytułu / Untitled 44 2013-2014, technika mieszana na papierze / mixed technique on paper 30x42 cm Kolekcja prywatna / Private Collection Bez tytułu / Untitled 2013-2014, technika mieszana na papierze / mixed technique on paper 30x42 cm Kolekcja prywatna / Private Collection Bez tytułu / Untitled 2013-2014, technika mieszana na papierze / mixed technique on paper 30x42 cm Kolekcja prywatna / Private Collection Bez tytułu / Untitled 2013-2014, technika mieszana na papierze / mixed technique on paper 30x42 cm Kolekcja prywatna / Private Collection Bez tytułu / Untitled 2013-2014, technika mieszana na papierze / mixed technique on paper 30x42 cm Kolekcja prywatna / Private Collection 45 JAROSŁAWLatowski Lwica asyryjska / Assyrian lioness 46 2013, linoryt / linocut 40x20 cm Pracownia Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych – Centre, Toruń Lwica asyryjska / Assyrian lioness 2013, linoryt / linocut 40x20 cm Pracownia Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych – Centre, Toruń 47 JACEKMiszewski Razem / Together n.d., technika mieszana na papierze / mixed technique on paper 68x48 cm Pracownia Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych – Centre, Toruń Letni dzień / Summer day 48 n.d., pastel / pastel 67x48 cm Pracownia Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych – Centre, Toruń Bez tytułu / Untitled 2013, malarstwo na szkle / painting on glass 28x28 cm Pracownia Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych – Centre, Toruń Jezus niosący krzyż / Jesus carrying the cross 2010, pastel / pastel 50x70 cm Pracownia Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych – Centre, Toruń 49 ELISABETHWatzek Kobieta / Woman 50 n.d., pastele olejne / oil pastels 30x42 cm Elisabeth Watzek, Peuerbach, St. Pius Mężczyzna / Man n.d., pastele olejne / oil pastels 30x44 cm Elisabeth Watzek, Peuerbach, St. Pius Bez tytułu / Untitled n.d., akryl na papierze / acrylic on paper 50x70 cm Elisabeth Watzek, Peuerbach, St. Pius Bez tytułu / Untitled n.d., akryl na papierze / acrylic on paper 60x70 cm Elisabeth Watzek, Peuerbach, St. Pius Bez tytułu / Untitled n.d., akryl na papierze / acrylic on paper 80x100 cm Elisabeth Watzek, Peuerbach, St. Pius 51 HUBERTZemsauer Oburzenie / Indignation #1 #2 #3 #4 52 2013, wydruk cyfrowy / foto digital overpaint 60x40 cm Hubert Zemsauer, Linz Oburzenie / Indignation #5 2013, wydruk cyfrowy / foto digital overpaint 60x40 cm Hubert Zemsauer, Linz 53 ANDREAObwaller Bez tytułu / Untitled 54 2010, długopis / ballpoint 29,7x21 cm Collezione Kulturformenhartheim, Harteim Bez tytułu / Untitled 2010, długopis / ballpoint 29,7x21 cm Collezione Kulturformenhartheim, Harteim Bez tytułu / Untitled 2010, długopis / ballpoint 29,7x21 cm Collezione Kulturformenhartheim, Harteim 55 MARTARosenthal-Sikora Bez tytułu / Untitled 56 2011, olej na płótnie / oil on canvas 70x70 cm Marta Rosenthal-Sikora, Poland Bez tytułu / Untitled 2014, akryl na płótnie / acrylic on canvas 130x130 cm Marta Rosenthal-Sikora, Poland Bez tytułu (cykl CITIES) / Untitled (THE CITIES serie) 2013, echnika autorska / own technique 37x26 cm Marta Rosenthal-Sikora, Poland 57 ANDREAGiordani Miłosne połączenie / Loving conjunctions 58 2015, pastel i tusz na papierze / pastels and ink on paper 101x174 cm Artist Collection, Bologna Instytucjonalna matka / The institutional mother 2015, tusz, pastel, kreda na papierze / ink, pastels, crayon on paper 101x150 cm Artist Collection, Bologna Inexorable forms 2013, znaczniki na papierze / markers on paper 125x101 cm Artist Collection, Bologna 59 RENATAJagielska Pieta 2006, linoryt / linocut 32x30 cm Pracownia Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych – Centre, Toruń Procesja / Procession 60 2007, linoryt / linocut 60x30 cm Pracownia Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych – Centre, Toruń Jezus nauczający / Jesus teaching 2006, linoryt / linocut 45,5x30,5 cm Pracownia Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych – Centre, Toruń 61 ANDREACarminati Ryba / Fish 2013, technika mieszana na papierze / mixed technique on paper 70x50 cm Atelier Manolibera, Carpi (Mo) Ptaki / Birds 2014, technika mieszana na papierze / mixed technique on paper 70x50 cm Atelier Manolibera, Carpi (Mo) Kogut / Rooster 62 2012, technika mieszana na papierze / mixed technique on paper 70x50 cm Atelier Manolibera, Carpi (Mo) 63 RICCARDOPersico Kovu 2013, technika mieszana na papierze / mixed techniques and collage on paper 62x41 cm Atelier Manolibera, Carpi (Mo) Bez tytułu / Untitled 64 2013, technika mieszana na papierze / mixed techniques and collage on paper 50x38 cm Atelier Manolibera, Carpi (Mo) Warrik 2013, technika mieszana na papierze / mixed techniques and collage on paper 27x44 cm Atelier Manolibera, Carpi (Mo) Bez tytułu / Untitled 2013, technika mieszana na papierze / mixed techniques and collage on paper 68x50 cm Atelier Manolibera, Carpi (Mo) 65 FRANCOVeneri Instrumenty muzyczne / Musical instruments 66 2015, technika mieszana / mixed techniques 57x20x4 cm, 60x21x5 cm Atelier Manolibera, Carpi (Mo) Bez tytułu / Untitled 2015, technika mieszana na papierze / mixed techniques on paper 56x70 cm Atelier Manolibera, Carpi (Mo) Bez tytułu / Untitled 2015, technika mieszana na papierze / mixed techniques on paper 70x95 cm Atelier Manolibera, Carpi (Mo) 67 LESZEKBicki ALICJASaar Bez tytułu / Untitled n.d., pastel na tkaninie / pastel on fabric 89x143 cm Pracownia Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych – Centre, Toruń Ikona / Icon 68 2008, tempera na desce / tempera on wood 22x22 cm Pracownia Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych – Centre, Toruń W morzach i oceanach / In the seas and oceans n.d., malarstwo na szkle / painting on glass 28x29 cm Pracownia Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych – Centre, Toruń Ucieczka w tropiki / Escape to the tropics 2011, akryl na płótnie / acrylic on canvas 100x140 cm Alicja Saar-Kozłowska, Poland Irresistible glamour 2012, akryl na płótnie / acrylic on canvas 100x140 cm Alicja Saar-Kozłowska, Poland 69 GIANLUCAPirrotta Minicar detal / details 70 Minicar 2015, technika mieszana na szklanym włóknie / mixed technique on fiberglass 140x185x40 cm Atelier Manolibera, Carpi (Mo) 71 ANNASzary Przeszłość / The past 72 2012, ceramika / ceramics 60x50x30 cm Anna Szary collection Maria Magdalena dziś / Contemporary Maria Magdalena 2013, ceramika / ceramics 70x50x40 cm Anna Szary collection 73 MIROSŁAWKoco Bez tytułu / Untitled 74 n.d., technika własna / own technique 70,5x22,5 cm Mirosław Kocoł collection Bez tytułu / Untitled n.d., technika własna / own technique 15,5x20,5 cm Mirosław Kocoł collection 75 BARBARAJankowska Portret / Portrait 76 2014, ołówek / pencil 29,7×42 cm Barbara Jankowska collection AGNIESZKAPietrzak Soft / Soft 2014, aplikacja na tkaninie / apliqué 90x90 cm Agnieszka Pietrzak collection 77 MANUELACandini Trzecia transformacja / Transformation three 78 2015, technika mieszana na papierze / mixed techniques on paper 120x80 cm Kolekcja prywatna / Private Collection Pierwsza transformacja / Transformation one 2014, technika mieszana na papierze / mixed techniques on paper 130 X 86 cm Kolekcja prywatna / Private Collection 79 Biografie artystów Biographies of the artists 80 Peter Bischof - Elle Fee - Peter Assmann Peter Bischof, malarz i artysta grafik urodzony w 1934 r. w Wiedniu, studiował w Akademii Sztuk Pięknych (Akademie der bildenden Künste) u Herberta Boeckla i Alberta Paris Gütersloha. Peter Bischof zaczął malować w połowie lat pięćdziesiątych dwudziestego wieku, w czasie będącym ekscytującym okresem poszukiwań nowych artystycznych środków wyrazu. Nieco później został członkiem Galerie nächst St. Stephan (Monsignore Otto Mauer) w Wiedniu, zaś w roku 1970/1971 został wiceprezydentem Austriackiego Stowarzyszenia Artystów (Gesellschaft bildender Künstler Österreichs) – Secesji Wiedeńskiej. Głównym tematem jego prac w latach 80. i 90. były przedstawienia ludzi w ruchu. Zajmował się także projektowaniem witraży w takich instytucjach jak Dom zu Wiener Neustadt, Stift Heiligenkreuz, Schlosskapelle Mautern, Stift Göttweig i wielu innych. Wykonywał także freski (Stift Melk). Ponadto Peter Bischof przygotował liczne cykle graficzne wykorzystane w publikacjach różnych autorów, w tym w wydaniach bibliofilskich. Jego prace były wystawiane od 1957 r. na niezliczonej ilości wystaw indywidualnych w austriackich i zagranicznych muzeach i galeriach. Helena Maria Christina Möstl znana także jako Elle Fee, urodziła się w 1979 r. w Stockerau k. Wiednia. Podjęcie przez nią kariery artystycznej było przesądzone już w dzieciństwie. Jej wczesne fascynacje malarskie były rozwijane w procesie artystycznego samokształcenia kontynuowanego na studiach artystycznych w Wiedniu, Linz i Salzburgu. Pierwszą wystawę Elle Fee zorganizowała w 1998 r. w rodzinnym Bad Ischl dla uczczenia obrony swej doskonałej pracy dyplomowej. Do tej pory Elle Fee wykonała kilkaset prac artystycznych. Wśród nich są nie tylko obrazy, ale także videa i muzyczne instalacje przygotowywane we współpracy ze znanym austriackim producentem muzycznym Karlem Möstl. Jej obrazy charakteryzuje indywidualny, specyficznie rozwinięty nowy styl pracy. „W moich pracach wprowadzam, jak w kolażu, warstwę po warstwie. Rysunki, archetypy, symbole, są zawsze częściowo ukryte, zamalowywane jak w rzeczywistości i normalnym życiu. Jest w nich zawsze głębszy sens, perspektywy, blaski i cienie”, mówi Helena Möstl. „Często w sztuce zdarza się tak, że kreacja odzwierciedla sytuację społeczną i patrzy na świat krytycznie, nawet obrazoburczo. Ale ja koncentruję się na wspaniałości życia i wszechświecie jako takim oraz najbardziej interesujących stworzeniach – ludziach”. Peter Assmann urodzony w 1963 r. studiował historię sztuki uzyskując stopień doktora. Ukończył także studia historyczne oraz języka niemieckiego o specjalności nauczycielskiej. Pracuje jako historyk sztuki oraz pisarz w wydawnictwie Bibliothek der Provinz and Arovell, a także plastyk, dyrektor muzeum Oberösterreichische Landesmuseen. Jest prezyden- English text - English text - English text - English text - EnPeter Bischof - Elle Fee - Peter Assmann glish text English text English text - English text English Peter Bischof painter and graphic artist, born in-1934 in text - studied at the Academy of Fine Arts (Akademie Vienna, der bildenden Künste) at Herbert Boeckl and Albert Paris Gütersloh. Peter Bischof started painting in the mid-fifties that was the exciting time of searching for new artistic positions.Later, he became a member of the Galerie nächst St. Stephan (Monsignore Otto Mauer) in Vienna and in 1970/71 he held a position of the vice-president of Austrian Artists' Society (Gesellschaft bildender Künstler Österreichs) – Wiener Secession. The main theme of his 1980s and 1990s’ works were various depictions of people in motion not only in pictures but as well on single sheets. Besides, he created as well some glass windows (Dom zu Wiener Neustadt, Stift Heiligenkreuz, Schlosskapelle Mautern, Stift Göttweig and many more) and frescos (Stift Melk). Additionally, Peter Bischof published some significant amount of graphic cycles and portfolios that were related to publications of different authors. The latter ones were specifically designed for book-lovers. Since 1957 artist’s works have been presented at innumerable solo exhibitions in museums and galleries in Austria and abroad. Helena Maria Christina Möstl also known as Elle Fee, born in 1979, Stockerau near Vienna. Her intentions to pursue an artistic career have been clear already in the childhood. Her early fascination for painting was followed by selftaught artistic work and then several art studies in Vienna, Linz and Salzburg.In 1998, having an excellent thesis, Elle Fee organised her first exhibition in Bad Ischl – her home town at that time. Till today, Elle Fee has created several hundred of art works: apart from pictures these were also objects, videos and musical installations in cooperation with a well-known and successful Austrian music producer Karl Möstl. Her pictures characteristically have individual, specifically developed new working steps. “In my art I apply layer by layer like in a collage. Drawings, archetypes, symbols are each time partially hidden, painted over like the truth and the origin of life, there are always deeper truths, perspectives, the light and shadow”, says Helena Möstl. “In the art it often happens that creations reflect the society and the world critically, even derogatorily. But I am concerned about the wonderful life and the cosmos itself and the most exciting creatures: the people.” Peter Assmann born in 1963, studied art history (PhD), graduated also from History and German language studies (teaching profession), works as an art historian, writer (publishing house Bibliothek der Provinz and Arovell) and visual artist, director of Upper Austrian State Museums (Oberösterreichische Landesmuseen), president of the Summer Academy Traunkirchen (Sommerakademie Traunkirchen), founding member of the artist groups “c/o: K - Institut für Kunstinitiativen” and “Sinnenbrand”, artist member of the Vienna Künstlerhaus (Wiener Künstlerhaus) tem Letniej Akademii w Traunkirchen (Sommerakademie Traunkirchen), członkiem założycielem grupy artystycznej K - Institut für Kunstinitiativen” i „Sinnenbrand”, jak też członkiem stowarzyszeń Wiener Künstlerhaus i IG Bildende Kunst. Uczestniczył w licznych wystawach indywidualnych i zbiorowych. Anita Baier Urodzona w 1975 r. Anita Baier mieszka obecnie w St. Pius, Steegen – Peuerbach, prowadzonym przez Caritas ośrodku społecznym dla osób niepełnosprawnych, w którym także tworzy swoje dzieła. Od 2000 r. regularnie bierze udział w pracach warsztatów artystycznych, gdzie maluje i rysuje z dużym zaangażowaniem. Jest ciekawa świata, otwarta na nowe techniki i koncepcje prezentowane przez artystów goszczących na dorocznych warsztatach artystycznych. Należy do tej grupy artystów w St. Pius, którzy nigdy nie zawodzą. Jej swobodne stosowanie kształtów i kolorów często fascynuje kolegów po fachu. Prace Anity są różnorodne, English text - English and IG Bildende Kunst.text - English text - English text - English text English text -www.irregulartalents.eu English text - English text - English Exhibition: see website text - Anita Baier Born in 1975, Anita Baier is currently living in a sharing community and is working in a Caritas studio for people with disabilities in St. Pius, Steegen – Peuerbach. Since the year 2000 she visits the studio often and regularly, where she paints and draws with great commitment. Curious by nature, she is open for the new techniques or concepts presented by guest artists during the yearly art workshops. She is among those artists in St. Pius who never fail to surprise: her unrestricted use of shapes and colours often fascinate even her professional colleagues. Anita Baier’s works are different, unexpected. She explores new “solutions” and unconventional combinations. Her openminded approach to both themes and techniques eventually leads to the creation of unique works of art. Of all zaskakujące. Wprowadza ona nowe „rozwiązania” i niekonwencjonalne kombinacje. Jej otwarte podejście zarówno do tematów, jak i technik skutkuje tworzeniem unikatowych dzieł sztuki. Tego Anita nie jest świadoma, a przynajmniej nie objaśnia swoich prac, natomiast bez reszty poświęca się procesowi twórczemu. Ukończone prace sprawiają jej ogromną przyjemność. Od czasu do czasu zaczyna rozmawiać, albo sama z sobą, albo z innymi osobami. Zawsze nawiązuje kontakt z otoczeniem, w przeciwieństwie do pozostałych artystów, którzy wpadają w trans. Na przestrzeni lat utrwaliła pewne rytuały towarzyszące jej pracy artystycznej do których należą: ustawianie uszkodzonych rodzinnych fotografii, leżący na stole w zasięgu ręki telefon komórkowy. Ciągle chce dzwonić do kogoś – do przyjaciół, kolegów, nauczycieli – aby podzielić się myślami, powiedzieć o właśnie stosowanych kolorach. Podkład musi być idealnie gładki. Anita musi też mieć dostatecznie dużo papieru i płótna. Wszystkie jej materiały, różnorodne farby akrylowe, pędzle, kreda i ołówki muszą być na jej stanowisku pracy przed rozpoczęciem rysowania lub malowania. Nieobce jej jest zniszczenie pierwszych szkiców lub przekreślenie całego rysunku. Pozostałe obrazy przegląda ponownie i dokonuje korekt wcześniej wykonanej pracy. Innym rytuałem jest zwyczaj eksponowania swoich obrazów na ścianach tak aby mogła je widzieć - przy użyciu wielu drobnych kawałków taśmy klejącej. Pod koniec pracowitego dnia Anita jest otoczona, prawie zakryta swoimi obrazami. Anita Baier jest też tancerką obdarzoną poczuciem rytmu i ruchu. Stosownie do tego także jej pędzle zdają się tańczyć kiedy kieruje je płynnym ruchem na czystą kartkę papieru. Często w trakcie malowania jej całe ciało jest w ruchu. Anita potrafi oddać się w pełni liniom i kolorom, widocznym aspektom jej twórczości. Wystawy: zob. www.irregulartalents.eu that, Anita Baier is unaware – at least she does not explain her pictures, but is completely absorbed in the creative process. She takes great pleasure in her finished work. From time to time she would start talking, either to herself or with other people. She is always in touch with her surroundings, unlike many other artists who fall into a state of trance. Over the years, she has adopted certain rituals for the preparation of her painting area: family photographs are set up; her bag is stored away, somewhere in her sight: her family photographs are set broken, cell phone lies next to her on the table. All the time, she wants to call somebody – friends, colleagues, supervisors – to tell them about an idea she just had or about the colour she is using at the moment. The underlying surface must be completely smooth. There must be enough paper and canvas available to her. All her materials must be there, at her workplace: a variety of acrylic paints, brushes, chalks, and pencils. Only then does she begin to draw and paint. It is not unusual for her to discard the first drafts and draw an unmistakable line over the entire picture. Other pictures, however, she takes up again and revises her earlier work. Another one of her rituals is her habit of sticking her pictures, with many short pieces of sticky tape, onto the walls where she can see them. At the end of a busy day, Anita Baier is surrounded, almost covered, in her pictures. Anita Baier is a dancer, and as such she has a sense for rhythm and movement. Similarly, also her brush seems to be dancing as she guides with flowing gestures over the blank paper. Often her entire body is in motion when she is painting. Anita is able to surrender herself to the lines and to the colours – an aspect visible in her artwork. Exhibition: see website www.irregulartalents.eu Leszek Bicki Leszek Bicki urodził się 2 listopada 1987 r. Toruniu. Ukończył Gimnazjum w Zespole Szkół nr 6 w Toruniu. Leszek Bicki Leszek was born on 2 November 1987 in Toruń. He finished 81 W zajęciach Pracowni Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych (PRTON) uczestniczył jeszcze jako uczeń. W polu zainteresowań Leszka szczególne miejsce zajmują działania plastyczne. Leszek jest osobą bardzo wrażliwą, ze szczególnymi możliwościami percepcyjnymi. Obdarzony jest dużymi zdolnościami manualnymi. Chętnie podejmuje działania w wielu technikach wśród których są: rysunek, grafika, rzeźba oraz malarstwo i aplikacja na tkaninie. Z zaangażowaniem twórczo rozwiązuje problemy plastyczne. Uczestniczył w wielu wystawach w kraju i za granicą. Manuela Candini Manuela Candini urodziła się w Forli w 1956 r. Mieszka i pracuje w Castel San Pietro Terme, w Bolonii, w prowadzonym przez siebie zakładzie artystycznowydawniczym "Alchemiapress". Manuela uczy technik graficznych i eksperymentalnych technik intaglio na Akademii Sztuk Pięknych w Bolonii, na Wydziale Sztuk Wizualnych i Wydziale Sztuki Użytkowej. Przez wiele lat zajmowała się organizacją English - English EnglishComplex text - English - Enthe Hightext School at the text local- School No. 6. text He attenglish text English text English text English text English ded classes held by the Toruń Centre for the Development text - Handicapped Persons’ Artistic Activity (PRTON) when of the he was still a student. From among the interests of his, plastic arts take a special place. Leszek is a very sensitive person, with unique perceptual abilities. He is also endowed with great manual skills. He enjoys working in a number of techniques, including drawing, graphics, sculpture, painting and applique. And he overcomes any problems pertaining to his creative process with the help of total commitment and fertile imagination. He has participated in many exhibitions at home and abroad. Manuela Candini Manuela Candini was born in Forlì in 1956. She lives and works in Castel San Pietro Terme, Bologna, in her own printing and art workshop "Alchemiapress". She teaches Engraving Techniques and Experimental Inta82 wystaw i eventów we Włoszech i za granicą. Woli nazywać się rzemieślnikiem sztuki, gdyż uwielbia tworzyć i nadawać kształt własnym pomysłom, zręcznie manipulując materiałem w procesie twórczym. W swoich pracach wykorzystuje różnorodne materiały jak drewno, gips, piasek, metalowe opiłki, płytki łupkowe itp. Jednak do jej ulubionych materiałów należy papier, tłoczony i drukowany, często z zastosowaniem niekonwencjonalnych technik intaglio. Wykorzystuje go do tworzenia książek artystycznych i tapet, a także jako osłonę dla swoich ready-mades. Manuela w szczególny sposób rozumie materiał, jakim jest papier, prowadzi jego włókna i daje się zawładnąć ich przebiegiem, wykorzystuje skrawki i ścinki, które zwykle wyrzucamy, przekształcając je w cenne tekstury, w teksty, których możemy dotknąć i czytać za pomocą rąk i oczu. Jej prace artystyczne wystawiane są od 1981 r. we włoskich i międzynarodowych galeriach. W 2009 r. została zaproszona przez Instytut Sztuk Pięknych Uniwersytetu w Barcelonie, aby jako profesor sztuk graficznych poprowadziła warsztaty i zajęcia w zakresie eksperymentalnego grawerowania oraz książki artystycznej. Do lipca 2015 będzie włączona do zespołu prowadzącego kursy letnie "Els Juliols 2015 - The Poetics of Papel" (poetyka papieru) organizowane przez Uniwersytet w Barcelonie. www.eb.edu/gravat/gravat/candini.htm Manuela jest członkiem grupy Poetica Codex (Poetyka Kodeksu) w Barcelonie, założonej w 2011 r., która zajmuje się promocją poezji i książki artystycznej. http://poesiaillibres-art.blogspot.com.es/ Od stycznia 2014 do lutego 2015, na zaproszenie Museo Tàpies i Fundacji Brossa z Barcelony brała udział w warsztatach poświęconych książce artystycznej. Została również zaproszona przez Fundację Juan Miró of Palma de Mallorca do wzięcia udziału jako wykładowca w organizowanych warsztatach graficznych. Została także zakwalifikowana do udziału w 25 międzynarodowej wystawie sztuki współczesnej MINIARTEXTIL, w maju 2015 w Como. Andrea Carminati Andrea Carminati urodził się w 1964 r. w miejscowości Mapello, na terenie prowincji Bergamo, w regionie Lombardia, w północnych Włoszech. W wieku 16 lat miał wypadek samochodowy, wskutek którego został osobą niepełnosprawną. W 2000 r., razem z rodzicami i siostrą, przeprowadził się do Carpi, w prowincji Modena, w regionie Emilia-Romania. Mimo ograniczeń ruchowych będących wynikiem wypadku, Andrea nie porzucił rysunku i w 2004 r. zaczął uczęszczać na zajęcia w pracowni Atelier Manolibera, prowadzonej przez Cooperativa Sociale Nazareno, skupiającej grupę artystów plastyków. Andrea tworzy prace bogate kolorystycznie, których tematem są krajobrazy, natura, a także budynki, które widział podczas swoich licznych podróży. Zapytany o to, dlaczego rysuje, odpowiada: „Ponieważ mam pewne wrażenia i lubię je rysować, zresztą rysuję rzeczy, które widziałem w trakcie podróży, więc pozostają one tam, gdzie je widziałem, ale odtąd są również ze mną". Andrea Carminati brał udział w dwóch wystawach. Ich kuratorem była Bianca Tosatti, historyk sztuki. Pierwsza wystawa pod tytułem Stupefatti di spazio (Zadziwieni przestrzenią) miała miejsce w 2008 r. w Carpi, w budynku „Ex Cappellificio Lugli e Rossi”; druga wystawa, Perturbamenti del potere (Niepokojąca siła), odbyła się w 2009 r. również w Carpi, w obiekcie „Castello dei Pio”. Prace artysty znajdują się w prywatnych kolekcjach, a od 2010 r. są nawet w zbiorach muzeum sztuki MADmusee w Liege, we wschodniej Belgii. glio Techniques at the Academy of Fine Arts in Bologna, in the Department of Visual Arts and Department of Applied Arts. For many years she has organized exhibitions and events, in Italy and abroad. She prefers to call herself a craftswoman of art because she loves to create and shape her own ideas with the happiness of making, deftly manipulating materials. In her works, she proceeds by accumulating and overlapping, using very different media and materials: wood, plaster, sand, iron filings, slate, etc. However, she prefers paper, embossed and printed with often unconventional intaglio techniques, to create Artist's Books Artist and full-wall pieces, and also as a "coating" for her objets trouvés. She comprehends its secret intelligence, and she guides and lets herself be guided by the fibers of porous paper, by scraps and trimmings we usually throw away, turning them into valuable textures, in texts to be looked at and touched, to be read with our hands and our eyes. As an artist, her works are exhibited since 1981 in Italian and international galleries. Since 2009, as a Professor of Graphic Arts, she was invited by the Facultad de Bellas Artes of the University of Barcelona to hold workshops and classes on experimental engraving and the Artist's Books. By July 2015 she will be part of the staff of teachers who will hold the summer course "Els Juliols 2015 - The Poetics of Papel" organized by UDE University of Barcelona. www.eb.edu/gravat/gravat/candini.htm She is a member of the group Poetica Codex, Barcelona, founded in 2011, which promotes the dissemination of poetry and Artist's Books. http://poesiaillibres-art.blogspot.com.es/ She was invited by the Museo Tàpies and the Foundation Brossa Barcelona for a workshop on the Visual Artist's Book English text2014 - English text - English in January and February 2015.text - English text - English text English text English text text English She has been invited to participate as- aEnglish lecturer at -the "Taltextd'Obra ler Grafica" at the Fundació Juan Miró of Palma de Mallorca, in August 2015. She was selected for the 25th International Exhibition of Contemporary Art MINIARTEXTIL, in May 2015, Como. When asked, "Why do you draw?", Carminati replies, "Because I have ideas and I like to draw them, then I draw the things I've seen in my travels, so they remain there where I saw them, but they're also here". Carminati participated in two exhibitions curated by art historian Bianca Tosatti: first Stupefatti di spazio (Astonished by Space), in 2008 at the former Lugli and Rossi haberdashery in Carpi, then Perturbamenti del potere (Disturbing Power) held in 2009 at the Castello dei Pio ( Carpi) His works are in private collections and, since 2010, have been included in the collection of the MADMUSÉE in Liege. Andrea Carminati Andrea Carminati was born in 1964 in Mapello, a village in the province of Bergamo. At the age of sixteen, after a car accident, he suffered an injury that left him disabled and, in 2000, he moved with his parents and sister in Carpi. Despite the physical problems that the accident caused, Andrea did not give up drawing and, in 2004, began attending Atelier Manolibera, managed by Cooperativa Sociale Nazareno: included in the group of painters, he created works very rich in color whose themes range from landscapes to natural subjects, to the buildings he sees during his travels. Andrea Giordani Andrea Giordani urodził się 1970 r. w Bolonii, stolicy regionu Emilia-Romania, w północnych Włoszech, gdzie mieszka do dziś. Do 16 roku życia uczęszczał do szkoły, następnie pracował fizycznie. Jego kariera artystyczna rozwijała się poza oficjalnymi instytucjami. Zaczął rysować jeszcze w dzieciństwie, tworząc postacie groteskowe, następnie jako nastolatek rysował postacie fantastyczne. Próbował różnych dziedzin i technik plastycznych, m.in. malował obrazy Andrea Giordani Andrea Giordani was born in 1970 in Bologna, where he still lives. He attended school until the age of sixteen and then worked as a laborer. His artistic career matured outside official contexts; he began to draw by himself, with grotesque figures as a child olejne, które jednak ostatecznie porzucił na rzecz rysunku. W 2005 r., po kilku trudniejszych latach w karierze, zaczął rysować, poszukując nieprzerwanie swego indywidualnego i wyraźnego stylu. Przez kilka lat z powodzeniem wystawiał prace na różnych wystawach w Bolonii. W 2012 r. jego prace włączono do wystawy Disturbing Art (Sztuka niepokojąca) zorganizowanej w Tedofra Art Gallery, gdzie wystąpił wraz z innymi undergroundowymi artystami regionu, uczestniczył również w wystawie Libera-mente (Wolny umysł) urządzonej w przestrzeni „Sala di città” w pobliskiej miejscowości San Lazzaro di Savena. W roku 2011 odbyła się jego wystawa indywidualna pod tytułem Spigoli vivi (Żywe krawędzie), w miejscu pod nazwą „Mondo Infoshop” (Światowy Infoshop), także w Bolonii. W 2013 r. artysta wziął udział w wystawie Memoriaoblio (Pamięć-niepamięć) zorganizowanej przez kuratora Lucę Farulliego w „Casa Saraceni”, w tym samym mieście. W 2013 r. przyłączył się również do projektu Il cinno and later, during adolescence, with cartoon characters. He also experienced various techniques such as oil painting, which he then abandoned in favor of drawing. In 2005, after some difficult years, he began to draw consistently, looking for a personal and recognizable style. For several years, he successfully participated in various exhibitions organized in Bologna. In 2012, his works were featured in Disturbing Art at Tedofra Art Gallery, where he exhibited with other artists from the underground scene in the Bologna area, and Libera-mente ("Freely", but also "Free Mind") at the exhibition space "Sala di città" in San Lazzaro di Savena (Bologna). In 2011 he had the solo exhibition Spigoli Vivi ("Sharp Edges", but also "Living Edges") at Mondo Infoshop in Bologna. In 2013 he took part in Memoriaoblio (Memoryoblivion) by Luca Farulli at Casa Saraceni (Bologna). In the same year, he participated in the Cinno Selvaggio (Wild Kiddo) project, organized by Rondine day centre of Bologna as a meeting place for illustrators 83 selvaggio (Szalony dzieciak), realizowanego przez centrum opieki dziennej „La Rondine” w Bolonii. Jest to miejsce spotkań artystów ilustratorów i autorów nieinsytucjonalnych. W ramach projektu, dzięki współpracy z Francescą Ghermandi, artysta ilustrował pierwszy numer (numer 0) przeglądu „Guida ai segreti di Bologna” („Przewodnik po tajemnicach Bolonii”), a w 2014 r., dzięki współpracy z Andreą Bruno, współtworzył publikację Take a picture. Obie artystyczne realizacje zawierają bogaty zbiór ilustracji i tekstów autorstwa m.in. Andrei Giordaniego. W 2014 r. artysta brał udział w wystawie Metamorfosi d’eroe (Przemiany bohatera) zorganizowanej przez Lucę Farulliego w muzeum sztuki „Pinacoteca Nazionale di Bologna” (Pinakoteka Narodowa w Bolonii). W 2009 r. Giordani współpracował z poetą i pisarzem Davidem Rondonim, tworząc ilustracje do jego poruszających wierszy zebranych pod tytułem Ballo lentamente con le tue ombre (Tańczę w wolnym tempie ze swymi cieniami). Renata Jagielska Od ponad ćwierćwiecza Renata Jagielska tworzy grafiki, obrazy i rysunki podczas zajęć w toruńskiej Pracowni Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych. Swój talent plastyczny rozwija również w Warsztatach Terapii Zajęciowej „Bratanki” w Toruniu. Urodziła się w Wąbrzeźnie 4 stycznia 1974 roku. Wychowywała się w Domu Dziecka w Grudziądzu, a w wieku pięciu lat trafiła do rodziny zastępczej i powróciła do rodzinnego Wąbrzeźna, gdzie rozpoczęła naukę. Uczyła się także w Chełmnie, gdzie mieszkała w internacie. W połowie lat 80. zamieszkała wraz z rodziną w Toruniu i uczęszczała do szkoły nr 19, następnie do szkoły nr 25. W 1989 roku po raz pierwszy pojawiła się na zajęciach plastycznych w Pracowni. Od tego czasu systematycznie rozwija swój talent sięgając po różne techniki plastyczne. Pierwszym mentorem plastycznym Renaty Jagielskiej był Marek Zacharski. W jego pracowni namalowała Motyla, który w czerwcu 1991 roku został wyróżniony dyplomem na 28 Międzynarodowej Wystawie w Londynie organizowanej przez Royal Society for Mentally Handicapped Children and Adults MENCAP. We wrześniu 1991 roku Urszula i Marek Zacharscy zostali jej rodzicami zastępczymi. Młoda artystka zamieszkała wraz z nimi w Otłoczynie pod Toruniem. Kiedy w 1993 roku w Otłoczynie powstał warsztat terapii zajęciowej „Karczemka”, Renata uczestniczyła od samego początku w prowadzonych tam zajęciach terapeutycznych. Pierwsza wystawa indywidualna Renaty Jagielskiej pokazana została w Galerii Autorskiej Mariana Stępaka „Nad Wisłą” w styczniu 1993 roku. Dwa lata później – w lutym 1995 roku – w galerii Ośrodka Czytelnictwa Osób Chorych i Niepełnosprawnych pokazała stworzony za namową Marka Zacharskiego Portret Biskupa Andrzeja Suskiego oraz cykl szkiców dokumentujących proces twórczy. Renata przez kilka lat mieszkała w Domu Pomocy Społecznej w Pigży, obecnie jest mieszkanką Domu Pomocy Społecznej Fundacji im. Brata Alberta w Toruniu. Od roku 1997 ponownie uczęszcza na popołudniowe zajęcia prowadzone w Pracowni Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych. Jej opiekunem artystycznym jest obecnie Mirosław Kocoł. Pod jego kierunkiem stworzyła cykle grafik, które prezentowane były na wystawach indywidualnych, głównie w Toruniu i na wielu ekspozycjach zbiorowych w całej Polsce. Artystka, podobnie jak większość twórców niepełnosprawnych, swoje prace tworzy w oparciu o zdjęcia obiektów, ludzi lub reprodukcje znanych dzieł sztuki. Jednak prace Renaty Jagielskiej nie są odtwórczym powtórzeniem podanych jej wzorów. English text - artists: Englishatext - English text - English textGher- Enand outsider collaboration with Francesca glish text English text English text English text English mandi gave birth to issue 0 of the magazine "Guida ai setext -di Bologna" (A Guide to the Secrets of Bologna) (2013) greti and the collaboration with Andrea Bruno led to the volume "Take a picture" (2014); both productions contain an abundance of pictorial and written material by, among others, Andrea Giordani. In 2014 he participated in Metamorfosi d’eroe (Metamorphoses of the Hero) by Luca Farullli at the Pinacoteca Nazionale di Bologna. Giordani collaborated with writer and poet Davide Rondoni creating illustrations for his poems for tango collected in Ballo lentamente con le tue ombre (Slowly I Dance with Your Shadows) (2009). talents also during occupational therapy classes „Bratanki” in Toruń. She was born on 4 January 1974 in Wąbrzeźno, Poland. She grew up in Grudziądz Children’s Home and, at the age of 5, she was placed in a foster family and came back to her hometown, Wąbrzeźno, where she started her education. She also attended a Chełmno boarding school. In the mid-1980s, she and her family moved to Toruń and she attended a primary school number 19 and then a primary school number 25. In 1989, she took part in the Centre artistic classes for the first time. Since then she has continued to develop her talent on a regular basis applying various artistic techniques. Her first artistic mentor was Marek Zacharski. In his studio, she painted Motyl, for which she received a diploma at the 28 International Exhibition of Mentally Handicapped Children and Adults in London organised by the Royal Society for Mentally Handicapped Children and Adults MENCAP in June 1991. In September 1991, Urszula and Marek Zacharski became her foster parents. The young artist moved together with them to Otłoczyn near Toruń. In 1993, the occupational therapy workshop „Karczemka” was created in Otłoczyn and Renata has participated in its occupational therapy classes since the very beginning. Renata Jagielska’s first solo show was to be seen in Marian Stępak’s Original Gallery „Nad Wisłą” in January 1993. Two years later, in February 1995, in the Gallery of the Reading Center for the Sick and the Disabled, she exhibited Portrait of the Bishop Andrzej Suski created at Marek Zacharski’s prompting and a series of sketches documenting creative process. Renata lived in the nursing home in Pigża, and at present she lives in the Brother Albert’s Nursing Home. In 1997, she returned to her activities in the Centre for the Development of the Handicapped Persons’ Artistic Activity. Her artistic tutor is now Mirosław Kocoł. Under his supervision she has created a series of graphics exhibited on various solo shows mainly in Toruń and numerous group exhibitions in Poland. Like many handicapped Englishshe textcreates - English - English text -of English text - Enartists hertext works on the basis photographs of glish text English text English text English text - English objects or people and reproductions of well-known pieces textart. - Works of art by Renata Jagielska are not, however, of mere copies of the patterns provided to her. Renata Jagielska For over a quarter of a century Renata Jagielska has been creating graphics, paintings, and drawings during classes in the Toruń Centre for the Development of the Handicapped Persons’ Artistic Activity. She has been developing her 84 Barbara Jankowska Barbara Jankowska jest absolwentką Wyższej Szkoły Pedagogicznej w Częstochowie, magistrem wychowania plastycznego; uzyskała dyplom z malarstwa. Następnie ukończyła podyplomowe studia z oligofrenopedagogiki na Uniwersytecie Mikołaja Kopernika w Toruniu. Kilka lat była wolontariuszką w Pracowni Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych (PRTON), gdzie obecnie pracuje. Barbara Jankowska Barbara Jankowska is a graduate of the Higher School of Teaching, Częstochowa, and obtained Master of Arts in artistic education and a diploma in painting. She then completed post-diploma studies in oligophrenopedagogy at the Nicholas Copernicus University, Toruń. She has been a volunteer of the Center for the Development of the Handicapped Persons’ Artistic Activity for many years now. She has been working in the Community Self-Help Centre of the The Center for the Development of the Handicapped Persons’ Artistic Activity for several years. Mirosław Kocoł Mirosław Kocoł jest absolwentem Wydziału Sztuk Pięknych Uniwersytetu Mikołaja Kopernika w Toruniu, magistrem sztuki, dyplom uzyskał z grafiki. Jest jednym ze współzałożycieli Pracowni Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych. Od 1978 r. pracuje z osobami niepełnosprawnymi, najpierw jako wolontariusz, następnie jako terapeuta w Pracowni. Prowadzi zajęcia w pracowni grafiki i malarstwa. Jest inicjatorem i organizatorem wielu wystaw prac podopiecznych ośrodka. Jarosław Latowski Jarosław Latowski urodził się 30 lipca 1970 r. w Toruniu. W szkole miał trudności w nauce czytania i pisania, natomiast dobra pamięć wzrokowa ułatwiała mu zapamiętywanie obrazów oraz orientację w przestrzeni. Naukę zakończył w wieku 18 lat, następnie zaczął uczęszczać na zajęcia do Pracowni Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych w Toruniu, z którą związany jest do dnia dzisiejszego. Dzięki Mirosław Kocoł Mirosław Kocoł is a graduate of the Faculty of Fine Arts, Nicholas Copernicus University, Toruń. Master of Arts. He received the diploma in graphics. He was one of the cofounders of the The Center for the Development of the Handicapped Persons’ Artistic Activity. He has been working with persons with disabilities since 1978 First as a volunteer then as a therapist in graphics and painting. He organizes numerous exhibitions of the Centre’s students. Jarosław Latowski Jarosław Latowski was born on 30 July 1970 in Toruń, Poland. At school, he had difficulties with reading and writing but his extraordinary visual memory enabled him to remember pictures and develop spatial imagination. He finished school at the age of 18 and then started participating in the classes offered by the Centre for the Development of the Handicapped Persons’ Artistic Activity in Toruń. He zajęciom terapeutycznym w Pracowni szybko ujawniły się jego zdolności plastyczne. Opieka pedagogicznoartystyczna była dla niego pomocą w zakresie technik i pozyskiwania materiałów oraz zapewniała mu wsparcie, zachętę i uznanie. Na zajęciach w Pracowni wykonuje prace w różnorodnych technikach, takich jak rysunek, malarstwo, rzeźba w glinie, aplikacja na tkaninie oraz malarstwo na szkle. Jednakże jego ulubioną techniką jest grafika, szczególnie linoryt. Brał udział w licznych wystawach zbiorowych i konkursach plastycznych, w których często był nagradzany. Jarosław jest osobą bardzo pogodną, chętnie nawiązuje relacje z innymi i lubi rozmawiać. Jest on też pasjonatem wyścigów żużlowych i ma dużą wiedzę o tej dyscyplinie sportowej - zna zawodników i jest częstym bywalcem stadionu żużlowego Motoarena w Toruniu. Jeśli kiedykolwiek nie uczestniczył w zajęciach w Pracowni, to znaczy że uzyskał z nich zwolnienie z powodu ważnych zawodów żużlowych, na których chciał być obecny. has been involved in the works of the Centre up till now. His artistic talents have flourished due to his involvement in the activities of the Centre. Teaching and artistic care has helped him in techniques and in obtaining necessary materials. He has also gained support, encouragement, and appreciation there. Though during activities in the Centre he uses a variety of techniques such as drawing, painting, clay sculpture, appliquéd fabrics, and glass painting, his favourite technique is graphics, and linocut in particular. He has exhibited his works on numerous group exhibitions and artistic competitions and has received a number of awards there. Jarosław is a cheerful person willingly establishing contacts with people and eagerly talking to them. He is also passionate about speedway races and his knowledge of the sport is impressive. He frequently visits Motoarena, Toruń speedway stadium. If he happened to be absent from the Centre classes it must have been because of an important speedway race which he did not want to miss. 85 Agata Miszewska Urodziła się 22 września 1987 r. w Toruniu. Uczęszczała do Zespołu Szkół nr 16 w Toruniu. Od 20 lat związana jest z Pracownią Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych (PRTON), a od 2008 r. jest uczestnikiem zajęć w ŚDS PRTON. Agata obdarzona jest niezwykłą wrażliwością, co przekłada się na twórcze podejście do tematu. Jest bardzo ambitna. Nieustannie rozwija swoje umiejętności i dąży do perfekcji. Wykazuje silny związek emocjonalny ze swoimi pracami, za które czuje się odpowiedzialna. Pracuje w różnych technikach plastycznych. Uprawia rysunek, grafikę, rzeźbę, malarstwo i aplikacje na tkaninie. Agata posiada szerokie zainteresowania, nie tylko plastyczne. Ważne miejsce w jej życiu zajmuje muzyka. Uczestniczyła w wielu wystawach w kraju i za granicą. Jest laureatką licznych konkursów. Jacek Miszewski Jacek urodził się 30 czerwca 1980 r. w Toruniu. Uczęszczał do Szkoły Podstawowej Nr 1 w Toruniu. English text - English text - English text - English text - EnAgata Miszewska glish text - English text - English textShe - English Agata was- English born ontext 22 September 1987 in Toruń. attentext the - local School Complex No. 16. She has been provided ded care by the Centre for the Development of the Handicapped Persons' Artistic Activity (PRTON) for 20 years now. Since 2008, she has attended classes held by the Home of Mutual Aid „PRTON”. Agata is blessed with remarkable sensitivity, which translates into her creative approach to the subject. She is very ambitious and strives after perfection, therefore she keeps developing her skills indefatigably. Moreover, she is strongly emotionally attached to her works and feels extremely responsible for their final shape. She works in various artistic techniques, including drawing, graphics, sculpture, painting and applique. Agata has interests not only in plastic arts but also in music, the latter to be of great importance in her life too. She has partaken in many exhibitions at home and abroad and has won numerous competitions. 86 Mieszka z siostrą i rodzicami w Toruniu. Związany jest z Pracownią Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych (PRTON) od około 20 lat. Od 2008 r. jest uczestnikiem zajęć w ŚDS PRTON. Jacek to osoba o szerokich zainteresowaniach. Pracuje w domu portretując rodzinę, znajomych, a także znane osoby z życia publicznego jak piosenkarze, politycy. Oprócz aktywności plastycznej interesują go historie systemów politycznych i ich dzisiejsze zależności. Jacek uwielbia dyskusje i spory, niczym sofiści. Posiada ogromny potencjał, jest kreatywny i spostrzegawczy. Dysponuje dużą wiedzą z historii sztuki i dzieli się nią ze swoimi kolegami. Techniki, które szczególnie lubi to malarstwo, rysunek, grafika. Brał udział w wielu wystawach zbiorowych w kraju i za granicą. We wrześniu 2014 r. jego dorobek był prezentowany na wystawie autorskiej pt. „W moim świecie" w Ośrodku Czytelnictwa Chorych i Niepełnosprawnych WBP-KK przy ul. Szczytnej 13 w Toruniu. Michał Nowak Michał Nowak urodził się 16.01.1988 r. w Toruniu. Jest jedynakiem. Ukończył szkołę nr 26, a obecnie uczestniczy w Warsztatach Terapii Zajęciowej „Arkadia” w Toruniu. Michał jest osobą zamkniętą w sobie, skrupulatną, wręcz pedantyczną. Nie nawiązuje relacji z innymi, żyje w swoim świecie. Na zajęcia terapeutyczne do Pracowni Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych Michał zaczął uczęszczać we wczesnym wieku szkolnym. Pod specjalistyczną opieką pedagogiczno-artystyczną szybko ujawniły się jego zdolności plastyczne. W katalogu wystawy zbiorowej Pracowni sprzed kilku lat Michał został scharakteryzowany w następujący sposób: „Michał Nowak wprawdzie nie nawiązuje kontaktu słownego z otoczeniem, jednak ma rozeznanie w otaczającej rzeczywistości. Z Pracownią związany od kilkunastu lat – od początku wybrał zajęcia plastyczne i nie jest zainteresowany inną formą terapii. Gdy pracuje sprawia wrażenie nieobecnego i skupionego na malowaniu w sposób wyłączny. Maluje jedynie pastelami. Pracuje wolno, precyzyjnie dopracowując każdy element obrazu. Miał wystawę indywidualną, jego prace brały udział w wystawach zbiorowych”. Michał Nowak w swoich pracach posługuje się żywą kolorystyką i płaską plamą barwną o zróżnicowanych kształtach. Wprowadza zdecydowane czarne kontury, plamy oraz zarysy form. Gdzieniegdzie różnicuje płaszczyznę danego koloru poprzez jej zacienienie lub zintensyfikowanie oraz akcenty plamek w tle. Tworzy w ten sposób kompozycje abstrakcyjne, gdzie dominuje nierozpoznany kształt i barwa oraz pojawiają się poddane mniejszej lub większej deformacji elementy świata realnego (np. twarz). Obrazy stanowią efekt zbliżenia lub wyboru – planowanej większej kompozycji lub obserwowanego i przetwarzanego wycinka rzeczywistości. Cechuje je znakomita kompozycja oraz wyczucie harmonii barw. Na obrazach zróżnicowanej powierzchni o posmaku czerwieni cynobrowej, oranżu z akcentami szarości towarzyszy pas wysmakowanej szarości, następnie ugru, poszarpany czarny kontur oraz silnie złamane żółcienie, stanowiąc wyrazistą i miłą dla oka kompozycję. Jacek Miszewski Jacek was born on 30 June 1980 in the city of Toruń, where he lives to this day together with his parents and sister. He attended the local Primary School No. 1. After that, for nearly 20 years he has been provided care by the Centre for the Development of the Handicapped Persons' Artistic Activity (PRTON). Since 2008, he has attended classes held by the Home of Mutual Aid „PRTON”. Jacek is a person of wide interests. He works at home, portraying his family and friends, but also people in the public eye, like singers or politicians. In addition to his artistic activity, he is also keen on the history of political systems and their present-day determinants. Jacek loves discussions and disputes as if he was an ancient sophist. He has huge potential, is creative and perceptive, has a great knowledge of the history of art and shares it with his colleagues. His favourite techniques are painting, drawing and graphics. He has participated in many group exhibitions at home and abroad. In September 2014, he had his oeuvre presented on the solo exhibition titled In My World at the Centre of Reading for the Sick and Disabled (a unit of the Provincial and Municipal Copernicus Library in Toruń) in 13 Szczytna St in Toruń. English text -Michał EnglishNowak text - English - English text -conEnner „Though does nottext enter into verbal glish text English text English text English text English tacts with others he still maintains understanding of the text - around him. He has been involved in the activities reality of the Centre for over ten years – at the beginning, he chose artistic classes and has not been interested in any other form of therapy. When working he appears to be absent, distant, and focusing on his work exclusively. He works only in pastels. He is slow in his work precisely finishing each elements of the painting. He had a solo show and also group exhibitions”. In his works Michał Nowak uses vivid colours and flat, coloured patches of diversified shapes. He introduces distinct black contours, patches, and outlines of shapes. Occasionally, he differentiates the surface of a given colour through shading, intensifying, and accents of spots in the background. In this manner he creates abstract compositions where unrecognized shapes and colours dominate with the deformed to various degrees elements of the world (e.g. a face). The paintings are results of close-ups or choice – an intended larger composition or observed and transformed fragment of reality. They are characterised by superb composition and the sense of harmony of colours. In his paintings diversified surfaces with tones of vermilion red and orange with grey accents are accompanied by belts of refined greyness, then ochre, blurred black contours and yellows toned down which together form a distinct and visually appealing composition. Michał Nowak Michał Nowak was born on 16 January 1988 in Toruń, Poland. He is an only child. He graduated from a primary school number 26 and, at present, he participates in the occupational therapy workshops ”Arkadia” in Toruń. Michał is a self-contained, introverted, scrupulous, even pedantic person. He does not enter into relations with others, lives in a world of his own. Michał joined the classes in the Centre for the Development of the Handicapped Persons’ Artistic Activity in his early primary school years. His artistic skills were quickly discovered under the specialist teaching and artistic care. In the catalogue of a group exhibition several years ago Michał was characterised in the following man- Andrea Obwaller Urodzona 16 czerwca 1964 r. w Grieskirchen (Górna Austria) jest rezydentem Hartheim Institute od 1993 r. Andrea Oberwaller, mieszkająca od jesieni 1998 r. w bloku wielorodzinnym „Aussicht” („Perspektywa”) lubi chodzić na długie wycieczki, połączone ze zbieraniem kwiatów polnych i obserwacją brzęczących wirujących owadów. Jej życie wypełnione jest muzyką i malowaniem. Jej talent graficzny rozwijany jest od 1995 r. w studiu „Neuhauserstadel”, należącym do Hartheim Institute. Z niezrównaną cierpliwością i pasją tworzy fantastyczne, mocne i malownicze światy, w których unoszą się widmowe postaci, często otoczone florystycznymi motywami. Do ulubionych materiałów zalicza grafit i kolorowe kredki, a także pióra i długopisy. W pełni zaabsorbowana pracą, tworzy w głębokiej ciszy, wprowadzając każdy ważny detal jeden po drugim. Niektóre motywy złożone z fal, Andrea Obwaller Born 16th June 1964 in Grieskirchen (Upper Austria). Resident of the Hartheim Institute since 1993. Andrea Oberwaller, who has been living with the residential family “Aussicht” (“prospect”) since autumn 1998, likes to go on long walks outdoors, watching the hustle and bustle of busy insects, and picking flowers. Her passion for music and painting determine her days, and her outstanding talent for graphic art has been fostered in the “Neuhauserstadel” – kropek i struktur linearnych ulegają wyodrębnieniu i wyizolowaniu. Czasami odwraca kartkę, przesuwa pustą kartkę przed sobą – wolno, ale nieustająco; niepowstrzymanie. Splątane i skompresowane linie kreują wyjątkową głębię prac Andrei Oberwaller. Andrea zawsze jest w twórczym nastroju. Kiedy maluje widać niesamowitą harmonię a każda próba redukcji jej sił jest daremna. Wystawy: zob. www.irregulartalents.eu Cesare Paltrinieri Cesare Paltrinieri urodził się w 1964 r. w miejscowości Concordia, a dorastał w San Possidonio, małej gminie położonej na terenie Niziny Padańskiej, w prowincji Modena, w regionie Emilia-Romania. Uczęszczał regularnie do szkoły do czasu ukończenia ósmej klasy, ale już w dzieciństwie i okresie nastoletnim wykazywał brak kontaktu ze światem zewnętrznym; gdy nie szedł do szkoły, dzień spędzał w domu z rodzicami przed telewizorem. Po kilku pobytach w zakładach psychiatrycznych, począwszy od 1989 r. the studio of the Hartheim Institute – since 1995. With unequaled patience and passion she designs fantastic, powerful, and vivid worlds, where ghostly figures float through the scenes, often accompanied by floral themes. Her preferred materials are graphite and coloured pencils, as well as pens and felt pens. Completely absorbed and radiating a deep silence, Andrea takes one step after the other; every detail is important. With waves, dots, and linear structures, some of the motives set themselves apart through their insularity and seclusion. Sometimes, she spins the paper, just to continue at another point. Rhythmically, like one drop following the other, she floods the blank page before her – slowly, but steadily; inexorably and free from inhibitions. Interwoven and compressed lines create an exceptional depth in Andrea Oberwaller’s works. Andrea is always in a creative mood. When she is painting, an infinite harmony is intensely perceptible, and any attempt to reduce its power is in vain. Exhibition: see website www.irregulartalents.eu 87 88 przez 3 lata brał udział w zajęciach prowadzonych przez Warsztaty Społeczne i Zawodowe, placówkę znajdującą się niedaleko jego miejsca zamieszkania, a następnie zaangażował się w pracę dla spółdzielni Cooperativa Sociale Nazareno w Carpi. Od 1991 r., czyli od początku istnienia pracowni Atelier Manolibera, uczęszczał na zajęcia tej instytucji. Tam rozwijał swoją pasję do rysunku i malarstwa. Tworzenie sztuki to jego odpowiedź na smutek spowodowany brakiem przyjaciela. Poprzez malowanie portretów, jego ulubionego tematu, nawiązuje związek, wchodzi w kontakt z drugim człowiekiem. Na pytanie, dlaczego rysuje, odpowiada: „Ponieważ podobają mi się twarze ludzi, których widuję na ulicy i w telewizji – wielu z nich wygląda tak samo". Cesare wystawia swoje prace na wystawach organizowanych w ramach „Festival Internazionale delle Abilità differenti”. Od 2006 r. brał udział w kilku wystawach, a jego prace były doceniane, zwłaszcza przez historyka sztuki Biankę Tosatti. Mowa o wystawach: Ai margini dello sguardo. L’arte irregolare nella collezione Menozzi (Na krawędzi oka. Sztuka nieregularna w kolekcji Menozzi), w klasztorze Świętego Dominika w Reggio Emilia w 2007 r.; Ritrarre l’invisibile (Przedstawiając to, co niewidoczne), w przestrzeni wystawienniczej „Fondazione Cassa di Risparmio” w Carpi; następnie Stupefatti di spazio (Zadziwieni przestrzenią), w budynku „Ex Cappellificio Lugli e Rossi” w Carpi w 2008 r.; i wreszcie Perturbamenti del potere (Niepokojąca siła), w budynku „Castello dei Pio” również w Carpi w 2009 r. W 2011 r. artysta prezentował swoje prace na wystawie Intelligenze rovesciate (Inteligencja odwrócona) w twierdzy Priamar w Savonie. W październiku 2011 r. Cesare Paltrinieri był prezentowany w Londynie, na wystawach Exhibition #4 i Exhibition #4.1 organizowanych przez Museum of Everything. W 2013 r. brał udział w wystawie Memoriaoblio (Pamięć-niepamięć) w domu „Casa Saraceni” w Bolonii, a rok później w wystawie Metamorfosi d’eroe (Przemiany bohatera) w muzeum sztuki „Pinacoteca Nazionale di Bologna”. Jego prace są obecne w kilku publicznych i prywatnych kolekcjach, w tym w kolekcjach takich instytucji jak MADmusèe w Liege (Belgia), Museum of Everything w Londynie (Wielka Brytania), Biblioteca Panizzi w Reggio Emilia (Włochy). EnglishPaltrinieri text - English text - English text - English text - EnCesare glish text - Englishwas textborn - English textin- English textand - English Cesare Paltrinieri in 1964 Concordia grew textin-San Possidonio, a small village in the Po Valley in the up province of Modena. He regularly attended school until the eighth grade, but his childhood and adolescence show a lack of relations with the outside world: when not in school, he spent his days at home with his parents, often watching TV. After several admissions to psychiatric facilities, he participated for three years in the activities of a Social and Occupational Workshop in a village not far from his home since 1989 and began getting involved with Cooperativa Sociale Nazareno of Carpi. He took part in the activities of Atelier Manolibera since 1991, year of its foundation, which he fostered his passion for drawing and painting. Creating art is his response to the suffering caused by his lack of friends and through portrait, his favorite subject, he established a relationship, a contact with other people. To the question, "Why do you draw?", he replied, "Because I like the faces of people I see on the street and on TV, many people are lookalikes of others". He is featured in the exhibitions organized within the "Festival Internazionale delle Abilità differenti". Since 2006 he has taken part to several exhibitions and his work has been appreciated, especially, by art historian Bianca Tosatti in exhibitions such as: Ai margini dello sguardo. L’arte irregolare nella collezione Menozzi (At the Edge of the Eye - Irregular Art the Menozzi Collection), at the Cloister of San Domenico in Reggio Emilia, in 2007; Ritrarre l’invisibile (Portraying the Invisible), at the exhibition area of Fondazione Cassa di Risparmio di Carpi; then followed the exhibitions Stupefatti di Spazio (Astonished by Space), in 2008, at the former Lugli and Rossi haberdashery, and Perturbamenti del Potere (Disturbing Power), in 2009, at the Pio Castle, both in Carpi. In 2011 he participated in the exhibit Intelligenze rovesciate (Upside-Down Intelligence), at the Priamar Fortress in Savona. In October 2011 he was featured in exhibitions held at the Museum of Everything in London, titled Exhibition #4 and Exhibition #4.1. In 2013, he participated in the exhibition Memoriaoblio (Memoryoblivion) at Casa Saraceni, Bologna, and the following year in Metamorfosi d’eroe (Metamorphoses of the Hero) at the National Gallery of Bologna. His work is present in several public and private collections, among which: MAD Musèe, Liege; Museum of Everything, London; Panizzi Library, Reggio Emilia. Riccardo Persico Riccardo Persico urodził się w 1986 r. w Neapolu. Ukończył osiem klas szkoły. W wieku 19 lat przeniósł się z rodziną do Modeny. Od 2007 r. mieszka w mieszkaniu utrzymywanym przez Cooperativa Sociale Nazareno w Carpi i uczestniczy w zajęciach pracowni Atelier Manolibera. Jego prace są wyrazem silnego zamiłowania do rysunku. Używając czarnego markera i wykonując energiczne kreski, artysta przedstawia współczesnych bohaterów fantastycznych, nadając im całkowicie nowy oryginalny wyraz. Charakter, który najczęściej portretuje to IG-88 droid-zabójca, drugoplanowa postać z filmu Gwiezdne Wojny, ulubiony bohater Riccarda. Riccardo Persico Riccardo Persico was born in Naples in 1986. He attended school until the eighth grade and, at nineteen, he moved to Modena with his family. Since 2007, he resides in an apartment managed by Cooperativa Sociale Nazareno, Carpi, and participates in the activities of Atelier Manolibera. Prace artysty były prezentowane na wielu wystawach przygotowywanych przez Biankę Tosatti, w tym na Perturbamenti del potere (Niepokojąca siła) w 2009 r. oraz Figure della protezione (Figury ochronne) w 2010 r. Oba wydarzenia kulturalne miały miejsce w „Castello dei Pio” w Carpi. W 2011 r. Riccardo uczestniczył w wystawie Intelligenze rovesciate (Inteligencja odwrócona) zorganizowanej w twierdzy Priamar w Savonie. W tym samym roku niektóre z jego prac zostały wydrukowane metodą sitodruku i umieszczone na elementach modnych mebli Valcucine, a następnie pokazane na międzynarodowych targach sztuki współczesnej Artissima w Turynie. W październiku 2012 r. artysta wystąpił na wystawie Segni ribelli (Zbuntowane znaki) w centrum kulturalnym „Circolo Culturale Alberione” w Modenie, a następnie na wystawie Per la mente con il cuore (Dla umysłu z sercem) w muzeum kultury „MUDEC. Area ex Ansaldo” w Mediolanie. Uczestniczył również w wystawie Memoriaoblio (Pamięć-niepamięć) przygotowanej przez Lucę Farulliego w „Casa Saraceni” w Bolonii w roku 2013. Rok później, był prezentowany na wystawie wideo Metamorfosi d’eroe (Przemiany bohatera) w muzeum sztuki „Pinacoteca Nazionale di Bologna”. Od 2010 r. jego prace znajdują się w zbiorach muzeum sztuki MADmusée w Liege, w Belgii. English - English text - Englishfor text - English - EnHis worktext show a strong penchant drawing: hetext portrays glish text English text English text English text English in black marker, with fast strokes, contemporary cartotextheroes, on reinterpreting them in a completely original fashion. The figure he portrays most often is IG-88, a minor Star Wars character, the artist's favorite hero. He participated in various exhibitions curated by Bianca Tosatti, including Perturbamenti del potere (Disturbing Power) in 2009 and Figure della Protezione (Figures of Protection) in 2010, both organized at the Castello dei Pio in Carpi. In 2011 he participated in the exhibit Intelligenze rovesciate (Upside-Down Intelligence), at the Priamar Fortress in Savona. In the same year, some of his works were silkscreened inside designer furniture by Valcucine and showed at Artissima, in Turin. In October 2012 he participated in the exhibition Segni ribelli (Rebellious Signs) at Circolo Alberone in Modena and later in Milan with the exhibition Per la mente con il cuore (For the Mind, with the Heart) at Area ex Ansaldo. He participated in the exhibition Memoriaoblio (Memoryoblivion), curated by Luca Farulli, at Casa Saraceni (Bologna, 2013). The following year, he is featured with a video exhibit in Metamorfosi d’eroe (Metamorphoses of the Hero) at the National Gallery of Bologna. Since 2010, his works are featured in the collection of the MAD Musée of Liege. Agnieszka Pietrzak Agnieszka Pietrzak jest absolwentką Technikum Odzieżowego w Toruniu. Przez kilka lat jako wolontariuszka zajmowała się osobami niepełnosprawnymi, a od 2009 roku zawodowo pracuje z podopiecznymi Środowiskowego Domu Samopomocy Pracownia Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych (ŚDS PRTON). Prowadzi terapię w pracowni krawieckiej. Gianluca Pirrotta Urodzony w 1980 r. w Palermo, na Sycylii, Gianluca bardzo wcześnie przeprowadził się, wraz z rodzicami i siostrą do północnego regionu Emilia-Romania. Agnieszka Pietrzak Agnieszka Pietrzak is a graduate of the secondary technical school of clothing, Toruń. She has been a volunteer for the handicapped for many years. She has been working professionally with persons with disabilities since 2009 in the Community Self-Help Centre of the the Center for the Development of the Handicapped Persons’ Artistic Activity. She is a therapist in tailoring. Uczęszczał do szkoły podstawowej, ale nigdy nie nauczył się czytać. Swoje imię, nazwisko i inne słowa pisze jedynie kopiując je. Jest towarzyski i wylewny, wie jak przyciągnąć uwagę. Jego idolami są bramkarz Gianluca Pagliuca oraz aktor Sylvester Stallone, którzy inspirują go do bycia „twardzielem” w grupie przyjaciół. W roku 1999 zaczął uczęszczać do Centro Emmanuel w ramach Cooperativa Sociale Nazareno, biorąc udział w różnych zajęciach, m.in. w kursie garncarstwa i stolarstwa, gdzie wykazywał szczególne zainteresowanie figuratywizmem. Kilka lat później, zaczął uczęszczać do pracowni Atelier Manolibera. Uwielbia przedstawiać postacie, które nazywa „przyjaciółmi”, również budynki, tematy abstrakcyjne, przy czym wszystkie te tematy umieszcza na charakterystycznej kracie/siatce, czasem kolorowej, ale zawsze obecnej w jego pracach. Po raz pierwszy jego dzieła wystawiono w 2008 r. w Carpi, na wystawie Stupefatti di spazio (Zadziwieni przestrzenią) przygotowanej przez Biankę Tosatti. Gianluca Pirrotta Born in Palermo in 1980, Pirrotta soon moved with his parents and sister in Emilia Romagna. He attended primary school without ever learning how to read; he writes his name and other words by copying them. Sociable and extroverted, he knows how to attract attention to himself: his idols are goalkeeper Gianluca Pagliuca and actor Sylvester Stallone, which inspire the "tough guy" attitude he shows in his group of friends. In 1999, he started attending Centro Emmanuel of Cooperativa Sociale Nazareno, taking part in several activities like pottery and carpentry, and showing a particular interest in figurative art. After a few years, he began to attend Atelier Manolibera. He loves to depict characters he calls "friends", buildings, and abstract subjects, all of which are prepared and placed in a grid, sometimes colored but always constant in his work. His works were exhibited for the first time in Carpi, in 2008, 89 90 W 2009 i 2010 r. kolejno wystawiał prace na ekspozycjach Perturbamenti del potere (Niepokojąca siła) oraz Figure della protezione (Figury ochronne). Obie imprezy odbyły się w „Castello dei Pio” w Carpi. W 2010 r. był nominowany do piątej edycji europejskiej nagrody w dziedzinie malarstwa i grafiki EUWARD, przyznawanej artystom z niepełnosprawnością umysłową przez niemiecką Fundację „Augustinum”. Wiosną 2011 r. brał udział w wystawie Intelligenze rovesciate (Inteligencja odwrócona) w twierdzy Priamar w Savonie. W okresie od czerwca do września 2011 r. swoje prace prezentował podczas Radiometrie w galerii Rizomi Art Brut w Turynie. Jeszcze w tym samym roku uczestniczył też w wystawach Exhibition #4 i Exhibition #4.1 przygotowanych przez Museum of Everything w Londynie. W 2013 r. jego dzieła były częścią ekspozycji Memoriaoblio (Pamięć-niepamięć) zorganizowanej przez kuratora Lucę Farulliego w „Casa Saraceni” w Bolonii. W marcu 2014 r. wziął udział w wystawie Fuori Campo (Poza polem), przygotowanej przez Giorgia Bedoniego i Francesca Porzio, a otwartej w Galleria Isarte w Mediolanie przy współpracy z galerią Rizomi Art Brut. W 2014 r. wystawiał prace na Metamorfosi d’eroe (Przemiany bohatera), ekspozycji autorstwa Luki Farullliego, otwartej w muzeum sztuki „Pinacoteca Nazionale di Bologna”. Od 2010 r. jego prace znajdują się w kolekcji muzeum sztuki MADmusée w Liege, w Belgii. at Stupefatti Spaziotext (Astonished by Space), by English text - di English - English text - Englishcurated text - EnBianca Tosatti. In 2009 2010,text respectively, he participaglish text - English text and - English - English text - English ted textin- the exhibitions Perturbamenti del Potere (Disturbing Power) and Figure della Protezione (Figures of Protection), both at the Castello dei Pio, Carpi. In 2011 he was nominated for the fifth edition of the Euward award- In the spring of that year, he participated in the exhibition Intelligenze rovesciate (Upside-Down Intelligence) at the Priamar Fortress, Savona He also exhibited his works in the show Radiometrie, at the Rizomi Art Brut gallery in Turin, from June to September 2011. He participated in Exhibition #4 ed Exhibition #4.1 at the Museum of Everithing in London. In 2013, his works are featured in the exhibition Memoriaoblio (Memoryoblivion), curated by Luca Farulli, at Casa Saraceni (Bologna, 2013). In March 2014, he participated in Fuori Campo (Out of Field), curated by Giorgio Bedoni and Francesco Porzio, held at Galleria Isarte of Milan in collaboration with Rizomi_Art brut. In 2014 he participated in Metamorfosi d’eroe (Metamorphoses of the Hero) by Luca Farullli at the Pinacoteca Nazionale di Bologna. Since 2010, his works are featured in the collection of the MAD Musée of Liege. Marta Rosenthal - Sikora Urodzona w 1978 r. w Bydgoszczy, jest absolwentką Liceum Plastycznego im. Leona Wyczółkowskiego w Bydgoszczy (dyplom 1998 r.) W 2004 r. ukończyła Akademię Sztuk Pięknych w Poznaniu uzyskując dyplom z wyróżnieniem z zakresu malarstwa sztalugowego w pracowni prof. Norberta Skupniewicza. W 2011 r. otworzyła przewód doktorski na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu. Pracuje w Wyższej Szkole Gospodarki w Bydgoszczy (WSG) jako nauczyciel akademicki, gdzie prowadzi działalność dydaktyczną oraz naukowo-badawczą. Podejmuje Marta Rosenthal-Sikora Marta Rosenthal-Sikora was born in 1978 in Bydgoszcz, Poland. She is a graduate of the Leon Wyczółkowski State School of Art in Bydgoszcz (diploma in 1998). In 2004, Marta Rosenthal-Sikora graduated from the Academy of Fine Arts in Poznań and was awarded the diploma with distinction in easel painting under Professor Norbert Skupniewicz. In 2011, she was admitted into doctoral studies at the University of Arts in Poznań. has been working at the University of Economics in Bydgoszcz as an academic teacher. She has been engaged in teaching as well as research. Marta RosenthalSikora raises numerous issues related to fine arts such as tematy związane ze sztukami pięknymi (zagadnienia związane z przestrzenią, formą i tożsamością; wpływ czynników kulturotwórczych na sposób kreowania i postrzegania dzieła sztuki; interdyscyplinarność sztuk pięknych i ich znaczenie w edukacji artystycznej; wykorzystanie technik plastycznych w zakresie projektowania przestrzeni, formy użytkowej; znaczenie sztuk pięknych w projektowaniu architektonicznym). W swoim dorobku naukowym ma szereg artykułów z zakresu sztuki. Ponadto pełni funkcję koordynatora projektów z zakresu kultury, sztuki i dziedzictwa narodowego, w tym projektów autorskich. Jest kuratorem Galerii Debiut działającej w ramach Akademickiej Przestrzeni Kulturalnej Wyższej Szkoły Gospodarki. Od 2010 r. pełni funkcję Pełnomocnika Kanclerza ds. polityki kulturalnej WSG w Bydgoszczy. W twórczości artystycznej realizuje się w zakresie malarstwa sztalugowego i rysunku, podejmując zagadnienia związane z tożsamością miejsca i obrazu. Swoje prace prezentowała na wielu wystawach indywidualnych i zbiorowych. Alicja Saar Urodziła się 28 października 1985 roku w Łodzi. W latach 2004-2007 studiowała projektowanie graficzne na Wydziale Sztuk Pięknych Uniwersytetu Mikołaja Kopernika w Toruniu, a w latach 2007-2012 projektowanie ubioru w Akademii Sztuk Pięknych im. Władysława Strzemińskiego w Łodzi, gdzie uzyskała tytuł magistra sztuki w zakresie projektowania mody oraz projektowania kostiumów teatralnych. Zajmuje się kreacją w obszarze mody. Od projektowania ubrań i nadruków po stylizację. Od projektów komercyjnych po artystyczne. Ma doświadczenie w pracy przy tworzeniu kolekcji, sesji zdjęciowych, teledysków, pokazów mody i programów telewizyjnych. Oprócz mody drugą jej pasją jest grafika oraz ilustracja. Z powodzeniem tworzy też jako malarka, a za swoje barwne, fantastyczne prace o posmaku pop-artu i dadaizmu otrzymała w 2012 roku w XXIX Konkursie im. Władysława Strzemińskiego - Sztuki Piękne Nagrodę Galerii ATLAS SZTUKI, Nagrodę Łódzkiego domu Kultury oraz wyróżnienie. W latach 2012-2014 pracowała jako główny projektant w marce modowej Herzlich Willkommen. Brała udział w pokazach mody: Berlin Fashion Week – 2014, Fashion Philosophy Fashion Week Poland – 2013 (dwa sezony), Wrocław Fashion Meeting - Stadion Narodowy Wrocław 2014, Poland. Wystawiała swoje prace na wielu wystawach zbiorowych malarstwa, grafiki i ilustracji oraz dwóch indywidualnych. problems of space, form and identity, impact of culture forming aspects on creation and perception of works of art, interdisciplinary approach of fine arts and their role in artistic education, application of art techniques in designing spaces and functional art forms as well as the role of fine arts in architectural design. She has also written numerous articles on art. Moreover, Marta Rosenthal-Sikora acts as a coordinator of projects concerning culture, arts, and national heritage, including independent original projects. She works as a curator of Galeria Debiut (Debut Gallery) operating in the Academic Cultural Space of the University of Economy. Since 2010, Marta Rosenthal-Sikora has been working as the Representative of the Chancellor for cultural policy at the University of Economy in Bydgoszcz. In her art Marta Rosenthal-Sikora fulfills herself in easel painting and drawing, undertaking issues relating to identity of place and painting. She has presented her works on numerous solo and group exhibitions. Alicja EnglishSaar text - English text - English text - English text - EnAlicja Saar- English was born 28 October in Łódź, glish text texton- English text -1985 English text - Poland. English In the years 2004-2007, she studied graphic design at the text Faculty of Fine Arts, Nicholas Copernicus University, Toruń, Poland. In the years 2007-2012 she studied fashion design at the Władysław Strzemiński Academy of Fine Arts and Applied Arts, Łódź, where she was granted a Master of Arts in fashion designing and theatre costume design. She has been engaged in fashion creation starting from fashion designs and fabrics printing and ending with stylisations, both in commercial and artistic projects. She has acquired experience in creating collections, photo sessions, video clips, fashion shows, and television programmes. She is also interested in graphics and illustrations. She has also been successful in painting. For her colourful, fantastic works of art verging on pop-art and Dadaism she received an award in the 29th Władysław Strzemiński Contest of Fine Arts, the Award of the Art Gallery Atlas Sztuki, the award of the Łódź Culture Centre, and a distinction in 2012. In the years 2012-2014, she worked as the chief designer in the fashion brand Herzlich Willkommen. She has participated in numerous fashion shows, including Berlin Fashion Week (2014), Fashion Philosophy Fashion Week Poland (2013 and 2014), and Wrocław Fashion Meeting (2014). She has presented her works in numerous collective exhibitions of paintings, graphics, and illustrations, and in two solo shows. Mieczysław Saar Mieczysław Saar urodził się 24 sierpnia 1925 roku w Łodzi w Polsce. W latach 1949-1954 studiował w Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie. W 1955 r. uzyskał tytuł magistra sztuki i został członkiem Polskiego Związku Artystów Plastyków. Później powrócił do Łodzi - gdzie mieszka do dnia dzisiejszego - i aktywnie uczestniczył w życiu artystycznym miasta. Jego malarstwo było prezentowane na 23 wystawach indywidualnych i 29 zbiorowych. Ponadto możemy podziwiać jego monumentalne malarstwo o tematyce sakralnej w ponad pięćdziesięciu kościołach w Polsce. Mieczysław Saar Mieczysław Saar was born on August 24th, 1925 in Łódź in Poland. In the years 1949-1954 he studied at the Academy of Fine Arts in Cracow. He received a Master`s degree in Art in 1955, and in the same year he became a member of the Union of Polish Artists and Designers. Later he came back to Łódź, where he continues to live today. He has actively participated in the artistic life of Łódź society. His painting has been presented at 23 individual and 29 group exhibi- Twórczość malarska Mieczysława Saara jest niezwykle różnorodna. Dominuje sztalugowe malarstwo olejne oraz temperowe malarstwo ścienne. Artysta wykonywał także małoformatowe fantazje tuszem, projekty polichromii o tematyce sakralnej, projekty wyposażenia wnętrz, różnorodnych sprzętów oraz dekoracje okazjonalne. Maluje portrety, wielopostaciowe kompozycje o tematyce historycznej, batalistycznej, literackiej, sakralnej i związanej z kultem religijnym, a także pejzaże i martwe natury. Ważną rolę w jego artystycznej kreacji odgrywają obrazy o charakterze symbolicznym, fantastycznym, często surrealistycznym. Dnia 11 stycznia 1994 roku Papież Jan Paweł II odznaczył artystę medalem Benemerenti za jego twórczość w zakresie malarstwa sakralnego. W 1999 r. Telewizja Polska zrealizowała w Łodzi film poświęcony autorowi zatytułowany Mieczysław Saar. W 2004 r. Alicja Saar-Kozłowska wydała w Toruniu książkę zatytułowaną Mieczysław Saar. Malarstwo. tions. We can admire his sacred paintings in more than 50 churches in Poland. Mieczysław Saar`s creative painting output is unusually varied. Oil easel painting and distemper wall painting dominate. Small-form fantasy ink works, numerous polychrome projects dealing with sacred themes, projects of interior furnishings, various equipment, and occasional decorations have been created, too. The artist paints portraits, multi-personage compositions of historical, battle, literature, sacred, and religious subject matter, landscapes, and still lifes. A series of paintings dealing with symbolic, fantastic, and often surrealistic themes plays an important role in his artistic creation. On January 11th, 1994 Pope John Paul II awarded the author a Benemerenti medal for this creation in the field of sacred art. Polish TV realized (Łódź 1999) film entitled Mieczysław Saar. The book Mieczysław Saar. Malarstwo (Toruń 2004) was prepared by Alicja Saar-Kozłowska. 91 92 Ewa Danuta Świokła Urodzona w 1989 r. w Szczecinku. Najmłodsza z dziewięciorga dzieci Zofii i Kajetana Świokły. Wychowywała się i dorastała w Wielisławicach. Do szkoły podstawowej i gimnazjum uczęszczała w pobliskiej wsi Gwda Wielka. Z uwagi na problemy zdrowotne w dzieciństwie i w wieku młodzieńczym, rozwijała swój talent przebywając w szpitalu. Za namową terapeutki zajęciowej ze szpitala, zaczęła uczęszczać na zajęcia plastyczne (2003), początkowo prowadzone przez malarkę Jolantę Korsak-Kopterską w Szczecineckim Ośrodku Kultury. Pojawiały się pierwsze marzenia o studiach plastycznych. Ze względów zdrowotnych, nie mogła podjąć nauki w wymarzonym liceum plastycznym w Szczecinie. Rodzice doradzali szkołę w pobliżu domu. Ewa uczyła się w Liceum Ogólnokształcącym w Zespole Szkół im. Komisji Edukacji Narodowej w Szczecinku (2005-2007). W każdej wolnej chwili rysowała nie rozstając się ze szkicownikiem. Podczas ostatniego roku liceum (2007/2008) uczyła się rysunku i malarstwa pod kierunkiem artysty grafika Agnieszki Świerczewskiej. W latach 2008-2013 Ewa studiowała malarstwo sztalugowe ze specjalnością malarstwo w architekturze w pracowni prof. Lecha Wolskiego, na Wydziale Sztuk Pięknych Uniwersytetu Mikołaja Kopernika w Toruniu. W okresie studiów, w latach 2010-2014, podjęła też naukę w Szkole Muzycznej II stopnia na wydziale wokalnym w klasie mgr. Wojciecha Dyngosza. Obie szkoły ukończyła z wyróżnieniami. W 2013 r. zrealizowała trzy wystawy indywidualne pt. „Harmonia Sfer Niebieskich” w Toruniu, Lidzbarku Welskim i Żyrardowie. Od 2009 roku tworzy swojego bloga z poezją. Pracuje nad własną stroną internetową z osobistą twórczością. Pracowała jako scenograf w Teatrze Lalek „Zaczarowany Świat” w Toruniu, gdzie stworzyła scenografię do dwóch spektakli (2013, 2014). Odbyła staż w Fundacji „Feniks” jako artysta grafik (2014-2015). Współpracuje ze Stowarzyszeniem Inicjatyw Kulturalnych „tARTtak” jako wolontariusz, instruktor scenografii, grafik (2014-2015). Od lutego 2015 pracuje w prywatnej firmie jako fotograf, administrator stron www, projektant biżuterii. Po pracy tworzy obrazy kosmiczne, a w wolnych chwilach śpiewa operowo (mezzosopran) i koncertuje z zespołem Impro Classic od lipca 2014 roku. Jest w trakcie nagrywania solowej płyty z ariami religijnymi i operowymi (od października 2014). Ewa Danuta English text -Świokła English text - English text - English text - EnEwa Danuta Świokła was born in text 1989- in Szczecinek, glish text - English text - English English text - Poland. English She is the youngest of the nine children of Zofia and Kajetan text Świokła. She grew up in Wielisławice and attended a primary school and a junior high school in the nearby village of Gwda Wielka. Due to multiple health problems in childhood and youth, she developed her talents mainly during her hospital stays. She started attending artistic classes in 2003 after her occupational therapist’s prompting. At the beginning, she attended classes conducted by Jolanta Korsak-Kopterska, painter, in the Szczecinek Culture Centre. That was when the dreams of artistic studies became apparent to her. As a result of her health problems, she was unable to attend a secondary school of artistic education in Szczecin she so much dreamt of. Her parents wanted her to attend a school near her home. In the years 2005 – 2007, Ewa studied in the Secondary School of General Education in the National Education Commission Complex of Schools in Szczecinek. She used every moment to draw and never parted with her sketchpad. In her final school year, i.e. 2007/2008, she changed her teacher of drawing and painting and joined classes conducted by Agnieszka Świerczewska, graphic artist. In the years 2008 – 20013, she studied easel painting specialising in painting in architecture in the studio of professor Lech Wolski at the Faculty of Fine Arts, Nicholas Copernicus University, Toruń, Poland. During her art studies she also started studies in the state school of music (2nd level) at the vocal performance classes in the group managed by Wojciech Dyngosz, MA (2010-2014). She graduated from both schools with distinction. In 2013, she had three individual shows „Harmony of Blue Spheres” in Toruń, Lidzbark Welski, and Żyrardów. She worked as a stage designer in the Puppet Theatre „Zaczarowany Świat”, Toruń, and created stage scenery for two plays (2013 and 2014). She completed her internship in the Foundation „Feniks” as a graphic artist in the years 20142015. She cooperated with the Association of Culture Initia- tives „tARTtak” as a volunteer, instructor in stage scenery, and graphic artist (2014-2015). Since February 2015, she has worked in a privately owned company as a photographer, webpage administrator, and jewellery designer. In her free time she creates cosmic paintings, sings operationally (mezzo-soprano), and gives concerts with the band Impro Classic since July 2014. Since October 2014, she has been working on her CD with religious and opera arias. Since 2009, she has been creating a poetry blog and working on a webpage presenting her creativity. Anna Szary Anna Szary jest absolwentką Wydziału Sztuk Pięknych Uniwersytetu Mikołaja Kopernika w Toruniu, magister sztuki, dyplom uzyskała z rzeźby. Zdobyła także dodatkowe kwalifikacje w zakresie oligofrenopedagogiki. Jest jedną z osób, które przyczyniły się do powstania Pracowni Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych. Od 1979 roku pracowała z osobami niepełnosprawnymi jako wolontariuszka, a następnie terapeuta w Pracowni. Prowadzi zajęcia w pracowni malarstwa i rzeźby, jak również malarstwa na tkaninie. Anna Szary Anna Szary is a graduate of the Faculty of Fine Arts, Nicholas Copernicus University, Toruń. Master of Arts. She received the diploma in sculpture. She has also gained qualifications in oligophrenopedagogy. Anna was one of the co-founders of The Center for the Development of the Handicapped Per- Franco Veneri Franco Veneri urodził się w 1959 r. w miejscowości Gonzaga, w prowincji Mantua, w regionie Lombardia. Uczęszczał do centrum opieki dziennej, prowadzonego przez spółdzielnię Cooperativa Sociale Nazareno w Carpi, gdzie na początku uczestniczył w zajęciach teatralnych jako aktor. Powoli jego zainteresowanie kierowało się w stronę figuratywizmu. W swoim wolnym czasie sporadycznie zaglądał, do pracowni Atelier Manolibera. Franco ciągle rysuje autonomicznie, ale udział w zajęciach pracowni, tak jak w przypadku innych artystów, pomógł mu lepiej zorganizować swoją pracę oraz udoskonalić język ekspresji. Zwłaszcza on nie uległ przypadkowości, ma bardzo charakterystyczne cechy, często uparcie powtarzane zarówno w tematyce, jak i stylistyce. Gdy Franco już odnalazł swój indywidualny styl, został przyjęty do grona artystów pracowni Atelier Manolibera. Zapytany, dlaczego rysuje, odpowiada: „Ponieważ to piękno, a ja lubię piękno”. W październiku 2011 r. jego prace były prezentowane na wystawach Exhibition #4 i Exhibition #4.1 przygotowanych przez Museum of Everything w Londynie. sons’ Artistic She -has beentext working withtext persons English text - Activity. English text English - English - Enwith since 1979 first astext a volunteer a theglish disabilities text - English text - English - Englishthen text -asEnglish rapist text - in painting, sculpture, and fabrics painting. array of artists of atelier Manolibera. When asked, "Why do you draw?", Franco replies, "Because it is beauty, and I like beauty". In October 2011 he was featured in exhibitions held at the Museum of Everything in London, titled Exhibition #4 and Exhibition #4.1. Franco Veneri Franco Veneri was born in 1959 in Gonzaga, a town in the province of Mantua. He attended the day hospital center run by Cooperativa Sociale Nazareno of Carpi where he primarily participated to theatrical activities as an actor. He approached figurative arts by sporadically attending the Manolibera workshop, generally in his free time. Veneri always draws autonomously, and his participation to a workshop, along with other artists, helped him organize his work better and hone his expressive language. Especially the latter, never left to randomness, has very specific features that are often repeated insistently, both thematically and stylistically. Having achieved a personal style, Veneri has been included in the Elisabeth Watzek Elisabeth Watzek urodzona w 1974 r. od wczesnych lat mieszkała w instytucjach opieki społecznej. Obecnie mieszka w kompleksie dla osób niepełnosprawnych prowadzonym przez Caritas. Od 1998 r. - z krótką przerwą - zajmuje się malowaniem i rysowaniem w studio w St. Pius. Elizabeth udziela się też w chórze i uczestniczy aktywnie w grupie żonglerskiej oraz bierze udział w różnych aktywnościach sportowych. W 2001 r. po raz pierwszy brała udział w dorocznych warsztatach artystycznych, prowadzonych przez profesjonalnych artystów realizujących autorski program. Te doroczne działania stały się impulsem do rozwinięcia zdolności artystycznych we własnym stylu. Elisabeth Watzek jest spokojną osobą, pokojowo nastawioną. Porusza się bezpiecznie w znanym sobie otoczeniu i jest zadowolona ze swojej samodzielności. Utrzymuje stałe kontakty Elisabeth Watzek Born: 1974, Elisabeth Watzek has been living in institutions since her early age. She is currently living in a sharing community and is working in a Caritas studio for people with disabilities. Since 1998, she has been painting and drawing – with short interruptions – in the studio of St. Pius. She is also an active member of the juggling group and the choir, and regularly participates in various sports offers available at St. Pius. In 2001, she attended the yearly artists’ workshop for the first time, where she worked with professional artists, following their individual concepts. These yearly im- jedynie z ludźmi, których zna od dłuższego czasu. W sposób naturalny włącza ona swoje doświadczenia do artystycznych wypowiedzi. W swojej sztuce wprowadza motywy przedmiotów, które wywarły na niej jakieś wrażenie. Wprowadza niezliczone ilości detali, które dają informację o jej otoczeniu i wskazują na to, co zaprząta jej myśli. Prezentowany przez nią punkt widzenia jest niezwykły i dokładny. Piętrowe łóżko z oknem w tle wzbogacone jest o górskie widoki. Światło i cień utrzymuje się na domu i oknie. Sądząc po bogactwie detali występujących w jej obrazach, jej wyobraźnia i pamięć muszą być niezwykłe. Dla Elisabeth Watzek wszystko zdaje się mieć znaczenie. Nie mówi wprawdzie o tym, ale w czasie jej procesu twórczego wydaje się być bardzo zrelaksowana, nieomal szczęśliwa. Elizabeth ma nie tylko dar wyobraźni i pamięci, ale z powodzeniem wyraża swoje przemyślenia. A mianowicie potrafi stosować trójwymiarowość i perspektywę, wprowadzać światło i cień. Te umiejętności nabyła w czasie swojej długiej kariery artystycznej. Elizabeth Watzek bezwarunkowo pulses help Elisabeth’s to make progress in her artistic development, without ever abandoning her own style. Elisabeth Watzek is a calm person, at peace with herself. She moves safely in her familiar surroundings; she is content with being by herself and keeps regular contact only to people she has known for a long time. It is only natural, therefore, that she often incorporates her experiences in her artistic motives. These motives are a record of the things which have left an impression on her. She includes a myriad of details, thus communicating with her environment and granting us a view of the images in her mind. The perspectives she reveals to us are unusual and accurate. A bunk bed, with a window in the background, revealing a mountain vista. Light and shadows cling to the houses and the windows. Judging from the richness of detail in her pictures, her imagination and memory must be remarkable. For Elisabeth Watzek, everything seems to be of importance. She doesn’t 93 stosuje wszystkie dostępne materiały i możliwości techniczne. I tak, w jednym obrazie mamy do czynienia z ołówkiem, farbami olejnymi i akrylowym, a także kredkami. Jak wspomniano wyżej jest ona osobą pokojowo nastawioną i w tym duchu tworzy swoje dzieła. Prezentuje nam w swych pracach to, co sama widzi. Wystawy: zob. www.irregulartalents.eu Anita Wend Anita Wend urodziła się 3 maja 1982 roku. Do 2010 r. mieszkała w Toruniu razem z rodzicami i dwojgiem rodzeństwa. Obecnie mieszka w Tucznie k. Inowrocławia. Ukończyła szkołę podstawową i specjalną szkołę zawodową o profilu gastronomicznym. Mimo zdobycia zawodu nie pracowała, gdyż w sytuacji niepełnosprawności trudno było uzyskać zatrudnienie, a Anita, mentalnie i emocjonalnie, nie była też gotowa do podjęcia pracy. Została wychowana w typowej, kochającej rodzinie, nie była jednak przygotowywana do talk about during her- English creativetext process she appears to English textit;-but English text - English text - Enbe very relaxed, almost glish text - English text -happy. English text - English text - English Not text only - does she has a gift of imagination and memory; she also succeeds in implementation. Being able to draw threedimensionally and perspectively, using light and shadow, is a skill Elisabeth has acquired in the course of her longtime artistic career. With implicitness, Elisabeth Watzek uses all materials and technical possibilities available to her and arranges them next to each other. Thus, in one picture, one will see pencil, oil crayons, acrylic colours, as well as coloured pencils. As mentioned, she is a peaceful person, and she goes about her work in the same manner. She sees something and makes it visible to us through her eyes. Exhibition: see website www.irregulartalents.eu Anita Wend Anita Wend was born on 3 May 1982. She lived in Toruń 94 określania i zaspokajania własnych potrzeb, czy też do podejmowania dorosłych ról. Po ukończeniu nauki w 2000 r., Anita przebywała w domu, jednak wkrótce nawiązała kontakt z Pracownią Rozwijania Twórczości Osób Niepełnosprawnych, placówką z wieloletnim doświadczeniem pracy terapeutycznej. Uczestniczyła we wszystkich proponowanych zajęciach, lecz początkowo była raczej wycofana i skupiona na sobie. Stopniowo jednak, po okresie adaptacji i rozpoznaniu otoczenia, okazało się, że w Pracowni Anita odnalazła właściwe dla siebie miejsce. Ujawniała swoje, ciągle nowe umiejętności i zainteresowania: historią, literaturą fantastyczną, poezją, sportem. Pisała teksty: opowiadania, wiersze, piosenki. Okazało się, że ma duże możliwości intelektualne, jest wrażliwa i społecznie dojrzała. Chętnie uczestniczyła we wszystkich proponowanych zajęciach terapeutycznych. Jednakże szczególnie wysoko była oceniana jej aktywność plastyczna, zwłaszcza jej kreatywność w działaniach plastycznych. Poza uzdolnieniami plastycznymi innym, charakterystycznym rysem jej osobowości jest wrażliwość, wyczulenie na relacje i empatia. Wprawdzie najchętniej wybierała kontakty z terapeutami lub z kolegami funkcjonującymi na relatywnie wysokim poziomie pod względem poznawczym, to jednak zauważała potrzeby osób słabszych od siebie, wymagających wspierania. Twórczość Anity była eksponowana na kilkunastu wystawach zbiorowych, krajowych i zagranicznych; w 2014 r. miała również wystawę indywidualną. with her parents and her two siblings till 2010. Now she lives in Tuczno near Inowrocław, Poland. She finished a primary school and, in 2000, she graduated from a special needs school of basic vocational education with curriculum in catering. Though she had a vocational title, she was unable to undertake work due to her disability. It was difficult to get a job as Anita, both mentally and emotionally, was not ready to undertake a job. Brought up in a typical, loving family she was not ready to specify and satisfy her own needs and to undertake roles of an adult person. In 2000, after finishing school, Anita stayed at home and soon she got in touch with Center for the Development of the Handicapped Persons’ Artistic Activity, centre which has many years of experience in therapy. Though she was withdrawn and focused on herself, she participated in all activities. Gradually, after the adaptation phase and recognizing the environment, she managed to find her place in the Centre, revealed her new skills and interests in history, fantasy literature, poetry, and sports. She wrote stories, poems, and lyrics. It turned out that she is intellectually skilled, sensitive, and socially mature. She was willing to undertake all activities offered by the Centre. Her artistic creativity is of particular value. Her sensitivity, focusing on relations, and empathy were her other characteristic features apart from artistic creativity. Though she most willingly contacted with therapists and her colleagues whose level of intellect and cognition was relatively high she still was sensitive to the needs of older persons and those needing support. Her works have been shown on over ten group exhibitions both in Poland and abroad. In 2014 she also had a solo show. Hubert Zemsauer Urodzony 18 lutego 1962 r. w Linz, w Górnej Austrii, jest synem gospodyni domowej i pracownika austriackiego przemysłu stalowego VÖEST. Kontakt ze sztuką i malarstwem miał dzięki babci, a następnie nauczycielowi sztuki, który dostrzegł jego talent i zachęcił go do zaprezentowania swojej kreatywności. Początkowo rysował karykatury wykorzystując różne materiały. Później zajął się malowaniem wielkoformatowych obrazów akwarelowych na ścianach własnej sypialni. W trakcie praktyki Hubert Zemsauer Born 18th February 1962 in Linz, Upper Austria, son of a housewife and an employee of the VÖEST (Austrian steel industry). Hubert Zemsauer’s first contact with art and zawodowej w VOEST w Linz dano mu możliwość wykorzystania różnych materiałów metalowych dla stworzenia rzeźb, które powstały w ramach projektu z dziedziny metaloplastyki, realizowanego przez Uniwersytet Artystyczny w Linz. W 2000 r. po zawarciu małżeństwa i narodzinach trójki dzieci, jego zdrowie zaczęło się pogarszać. Kilka okresów depresji doprowadziło do częściowej utraty pamięci i mowy, które Hubert kontroluje przy wsparciu medycznym. Dwuletni kurs rysunku pomógł mu nie tylko przebrnąć przez krytyczny okres, ale zaowocował także jego pierwszym kontaktem z instytucją „Art and Culture” Pro Mente z Górnej Austrii. Tu wrócił do malowania i stopniowo zaczął interesować się fotografią. Te działania artystyczne pomogły mu znaleźć swoje miejsce w sztuce i własne środki wyrazu. Wystawy: zob. www.irregulartalents.eu painting was- English throughtext his -grandmother latertext through English text English text -and English - Enhis teacher, who his- English talent and glishart text - English textrecognized - English text textencoura- English ged text him - to express himself creatively. In the beginning, he would design caricatures and make drawings on various materials; later, he started painting large-sized images with water colours on the walls of his bedroom. During his apprenticeship at the VOEST Linz, he was offered an opportunity to work on various metal sculptures within the scope of a project with the metal class of the University of Arts in Linz. But in 2000, after his marriage and the birth of his three children, his health began to deteriorate. His severe depressions led to a partial loss of memory and verbal skills, which Hubert now controls with the help of medical treatment. A 2-year life drawing course did not only help him to overcome this critical phase, but also marked his first contact with the “Art and Culture” institution of Pro Mente Upper Austria. Here he applied himself once more to painting and increasingly also to photography. This arti- stic engagement has helped him decisively to find his own means and measures to express himself. Exhibition: see website www.irregulartalents.eu 95