folder 2016

Komentarze

Transkrypt

folder 2016
V I I I
F E S T I W A L
T R A D Y C J I
I A W A N G A R D Y
M U Z Y C Z N E J
1
SZANOWNI PAŃSTWO,
„inna mowa”, to mowa zmieniona, przetworzona, uroczysta, dziwna,
szczególna i wyjątkowa. Może być ozdobnie świąteczna i slangowo
dosadna, może być mową miłości i nienawiści, dyskursem wiary
i zwątpienia, przekleństwem i prośbą, pamięcią i antycypacją,
wehikułem przekroczenia jakości i stanu. To mowa zrodzona
z dziwnego użycia głosu, prowadząca do recytacji, śpiewu,
Sprechgesang, opery, teatru muzycznego, aż do performatywnych
mocy języka – do jego sprawczej roli w życiu społecznym.
„Inna mowa” odsyła do praźródeł, do narodzin muzyki z ducha
języka, śpiewu z ducha mowy, a w efekcie do narodzin teatru
– po nietzscheańsku – z ducha muzyki. Odsyła do muzycznego
doświadczenia teatru, do teatralnego doświadczenia muzyki.
Przywołuje na nowo wyświechtaną metaforę theatrum mundi, ale
także kieruje ku muzyce wywiedzionej z elementarnych sytuacji
społecznych i opisującej te sytuacje – z ludzkiej dialogiczności na
scenie i za kulisami teatru życia codziennego.
Wsłuchiwanie się w różne warianty innej mowy, oznacza dla nas
powrót do opery, do muzyki wyrosłej z uśpiewnienia, kantylacji, ze
słowa, w której świat przedstawiony wyłania się z elementarnych form
językowych, jak w słynnym wierszu Artura Rimbaud’a „Samogłoski”.
Powrót do opery jest powrotem do prasemantyki – do pierwotnej
jedności dźwięku i znaczenia, do logogenicznego rozumienia muzyki.
A z drugiej strony to również hołd złożony muzyce rozumianej, jako
uniesienie, jako przedłużenie ruchu, jako dźwiękowy gest, eksplozja
uczuć i patosu.
Rozumienie muzyki jako ekspresywnej mowy wiedzie wprost do myśli
Jana Jakuba Rousseau i Herberta Spencera, ale również do wczesnej
opery włoskiej i jej stile rappresentativo, czy wczesnobarokowego
stile recitativo. Przywołuje wizje współdziałania muzyki i dramatu
Ryszarda Wagnera, recytatywy instrumentalne Arnolda Schoenberga,
2
LADIES AND GENTLEMEN,
prowadzi także poza scenę i poza muzykę – do idei Clifforda Geertza
i rozumienia kultury, polityki, państwa jako opery. Wszak opera
jest sztuką konwencji, które nieprzypadkowo tak łatwo stają się
metaforami sytuacji społecznych, czy ustrojów politycznych.
Zanurzenie teatru operowego w społecznym i politycznym kontekście
jest nie tylko uczestnictwem w rozpoznawaniu świata, ale również
gorącym udziałem w ekstazie komunikacji i sposobem przytomnej
obecności w życiu społecznym. Współczesne odrodzenie opery – nowa
opera, teatr dźwięku, awangardowy teatr muzyczny – wynika nie tylko
z poszukiwania nowych form i konwencji artystycznych, czy aktywnego
zmieniania audio-sfery, ale jest również próbą ucieleśnienia nowych
możliwości dla ludzkiego życia.
Podczas tegorocznej edycji Festiwalu Tradycji i Awangardy Muzycznej
KODY zestawimy śpiew przedmiotów ze śpiewem ludzkim, barokowe
konwencje z praktykami wokalnymi naszych czasów. Profetyczne
antycypacje spotkają się ze współczesnymi reinterpretacjami
nieśmiertelnych toposów miłości i cierpienia, postmodernistyczną
zabawą dawnymi konwencjami i quasi-operowym wymiarem
współczesnej kultury popularnej.
Spróbujemy choć trochę zasłuchać się i zbliżyć do tajemnicy świata,
wciąż na nowo tworzonego przez ludzi i ludzkie wspólnoty także
z dźwiękowych drobiazgów – z szeptów, pomruków, śmiechów, krzyków
i śpiewów.
Jerzy Kornowicz
Jan Bernad
Mirosław Haponiuk
“different speech” is the language that has been changed
and processed, that is ceremonial, strange, particular, and unique. It
may be ornamentally festive and straightforwardly slangy, it may also
be the hate or love speech, a discourse of faith or despair, a curse
or a prayer, memory or anticipation, and a vehicle for transgressing
a given state and quality. This speech, born out of the strange use
of voice, turned into declamation, singing, Sprechgesang, opera,
music theatre, and even gave performative powers to the language,
and its causativity in social life.
“Different speech” refers to the origins, to the birth of music out
of the spirit of language, to the birth of singing out of the spirit
of speech, and finally to the birth of theatre – in Nietzsche’s terms
– out of the spirit of music. It revokes the worn-out metaphor
of theatrum mundi but also directs towards music originating from
and describing elemental social situations – from human dialogue
on the stage of life and behind the scenes.
To listen attentively to these different types of speech means
to return to the opera, to music whose roots can be traced back
to chanting, cantillation, words, and whose narrative world emerges
from the basic linguistic forms, just like in Arthur Rimbaud’s poem
“Vowels.” The return to the opera is the return to the pre-semantics,
to the primordial unity of sound and meaning, and to the logogenic
understanding of music. Yet, it is also a tribute paid to the music
perceived as elation, as the extension of movement, as an acoustic
gesture, and explosion of feelings and loftiness.
The understanding of music as expressive speech refers directly
to Jean-Jacques Rousseau and Herbert Spencer, as well as to the early
Italian opera and its stile rappresentativo or the early-baroque stile
recitativo. It recalls Richard Wagner’s interaction of music and drama,
Arnold Schoenberg’s instrumental recitatives, and leads beyond stage
and music to Clifford Geertz’s understanding of culture, politics
and state as opera. The opera is the art of conventions that with ease
and not by any coincidence become metaphors for social interactions
and political systems.
The immersion of opera theatre in social and political contexts does
not only mean cognition of the world but also a strong presence
in the ecstatic communication and conscious participation in social
life. The contemporary operatic renaissance – the new-opera, sound
theatre, avant-garde music theatre – stems not only from the search
for new forms and artistic conventions or active transformations
of the soundscape, but it is also an attempt to realize new possibilities
in human life.
This year’s edition of CODES – the Festival of Traditional and Avantgarde Music will combine objects’ and people’s singing as well as
baroque conventions and contemporary vocal practices. Prophetic
anticipations will meet contemporary reinterpretations of eternal
topoi of love and suffering, postmodern play – the old conventions
and quasi-opera dimension of contemporary pop culture.
We will try and listen attentively to get closer to the mystery
of the world that is being constantly created anew by people
and communities from acoustic trifles – whispers, murmurs, laughter,
screams and singing.
Jerzy Kornowicz
Jan Bernad
Mirosław Haponiuk
3
11
12
MAJA 2016
ŚRODA
19:00
13
MAJA 2016
CZWARTEK
STR. 10
19:00
14
MAJA 2016
PIĄTEK
STR. 26
12:00, 16:00, 18:00
MAJA 2016
SOBOTA
STR. 38
Kościół oo. Dominikanów, ul. Złota 9
Foyer Sali Operowej, Centrum Spotkania Kultur w Lublinie, pl. Teatralny 1
Foyer Sali Operowej, Centrum Spotkania Kultur w Lublinie, pl. Teatralny 1
„NA ROZDROŻU” – KONCERT / PROGRAM PRZYGOTOWANY
NA FESTOWAL KODY
„ŻYWIOŁY” – PERFORMANCE DŹWIĘKOWY / PREMIERA
/ ZAMÓWIENIE FESTIWALU KODY
HANS VAN KOOLWIJK „BAMBUSO SONORO”
– INSTALACJA DŹWIĘKOWA
Olga Pasiecznik – sopran
Ensemble Tourbillon w składzie:
Petr Wagner (Czechy) – viola da gamba, kierownictwo artystyczne
Justyna Rekść-Raubo – viola da gamba
Marcin Świątkiewicz – klawesyn
Hans van Koolwijk (Holandia) – obiekty dźwiękowe, wykonanie Hans van Koolwijk, Jan Bernad – scenariusz muzyczny Zespół Muzyki Tradycyjnej Ośrodka Międzykulturowych
Inicjatyw Twórczych „Rozdroża” pod kier. Moniki Mamińskiej
i Jana Bernada – śpiew
19:00
20:30
STR. 16
20:30
STR. 30
Sala Widowiskowa, Centrum Kultury w Lublinie, ul. Peowiaków 12
Sala Widowiskowa, Centrum Kultury w Lublinie, ul. Peowiaków 12
JAGODA SZMYTKA „RÊVE RAVE” – OPERA-NOWA / PREMIERA / ZAMÓWIENE FESTIWALU KODY
PIOTR KUREK „IVY SNOWSTALKERS OF ANCIENT APRON”
– OPERA-NOWA / PREMIERA / ZAMÓWIENIE FESTIWALU KODY
Jagoda Szmytka – koncept, kompozycja
Wojtek Mazolewski Quintet – wykonanie, improwizacje
Halina Przebinda, Kuba Mikurda – dramaturgia
MoPiToe (Bogna Kowalczyk, Małgorzata Andrys) – oprawa wizualna
Magdalena Franczuk – trailer
Oratorium, Centrum Kultury w Lublinie, ul. Peowiaków 12
Piotr Kurek – muzyka, dramaturgia
Michał Libera – libretto, dramaturgia
Łukasz Sosiński – scenografia
Laura Ociepa – wizualizacje
Natalia Przybysz, Anastazja Bernad – głosy
Hilary Jeffery – puzon
Kamil Szuszkiewicz – trąbka
Jerzy Rogiewicz, Hubert Zemler – instrumenty perkusyjne
SPOTKANIE Z ARTYSTAMI
22:00
22:00
22:00
STR. 56
Klub Festiwalowy (piwnice Centrum Kultury w Lublinie), ul. Peowiaków 12
ROMAN GRYGORIV, ILIA RAZUMEIKO (UKRAINA) „IYOV” (HIOB) – OPERA-REQUIEM NA FORTEPIAN PREPAROWANY,
WIOLONCZELĘ, PERKUSJĘ I GŁOSY / PREMIERA POLSKA
Roman Grygoriv – muzyka, dyrygent
Ilia Razumeiko – muzyka, fortepian Vlad Troitskyi – reżyseria
Maryana Golovko, Anna Marych – soprany
Oleksandra Mailliet – mezzosopran
Andrey Koshman, Ruslan Kirsh – barytony
Yevgeniy Rakhmanin – bas
Janna Marchynskaya – wiolonczela
Andrey Nadolskiy – perkusja
Jerzy Rogalski - głos
20:30
Oratorium, Centrum Kultury w Lublinie, ul. Peowiaków 12
STR. 40
Sala Kameralna, Centrum Spotkania Kultur w Lublinie, pl. Teatralny 1
12:00, 16:00, 18:00
Foyer Sali Operowej, Centrum Spotkania Kultur w Lublinie
pl. Teatralny 1
HANS VAN KOOLWIJK „BAMBUSO SONORO”
– INSTALACJA DŹWIĘKOWA
19:00
„OCTOPUS” – KONCERT
/ PROGRAM PRZYGOTOWANY NA FESTIWAL KODY
THEATRE OF VOICES (DANIA)
Else Torp – sopran
Signe Asmussen – mezzosopran
Jakob Bloch Jespersen – bas
Christian Westergaard – instrumenty klawiszowe
Daniel Plewe – projekcja dźwięku
20:30
STR. 44
Sala Operowa, Centrum Spotkania Kultur w Lublinie, pl. Teatralny 1
„PAST AND PRESENT” – KONCERT
COCOROSIE (USA)
DAVID LANG (USA) „LOVE FAIL”
– OPERA-NOWA / PREMIERA POLSKA
22:00
Mała Sala, Centrum Kultury w Lublinie
ul. Peowiaków 12
Zawołany Skład Weselny
22:00
Klub Festiwalowy (piwnice Centrum Kultury w Lublinie)
ul. Peowiaków 12
Mała Sala, Centrum Kultury w Lublinie, ul. Peowiaków 12
„CZAS TAŃCA”
SPOTKANIE Z ARTYSTAMI
Tęgie Chłopy
22:00
Gęsty Kożuch Kurzu
Kapela Bornego z Podzamcza
Klub Festiwalowy (piwnice Centrum Kultury w Lublinie), ul. Peowiaków 12
STR. 57
22:00
STR. 52
Sala Operowa, Centrum Spotkania Kultur w Lublinie
pl. Teatralny 1
„CZAS TAŃCA”
„CZAS TAŃCA”
STR. 48
Sala Kameralna, Centrum Spotkania Kultur w Lublinie
pl. Teatralny 1
Quince Contemporary Vocal Ensemble (USA) – wykonanie
David Lang – reżyseria
Lydia Davis – teksty / opowiadania
Jim Findlay – scenografia, oprawa wizualna
Jennifer Tipton – światła
Beth Morrison Projects – produkcja
SPOTKANIE Z ARTYSTAMI
STR. 38
SPOTKANIE Z ARTYSTAMI
22:00
STR. 58
STR. 58
Klub Festiwalowy (piwnice Centrum Kultury w Lublinie),
ul. Peowiaków 12
„CZAS TAŃCA”
Organizator zastrzega sobie prawo do zmian w programie.
4
Tęgie Chłopy
5
11
12
MAY 2016
WEDNESDAY
19:00
P. 10
Dominican Church, 9 Złota Street
19:00
P. 27
P. 16
Sala Widowiskowa, Centre for Culture in Lublin, 12 Peowiaków Street
19:00
P. 30
Sala Widowiskowa, Centre for Culture in Lublin, 12 Peowiaków Street
JAGODA SZMYTKA “RÊVE RAVE” – OPERA NOUVEAU / PREMIERE
/ COMMISSIONED BY THE FESTIVAL
PIOTR KUREK “IVY SNOWSTALKERS OF ANCIENT APRON”
– OPERA NOUVEAU / PREMIERE / COMMISSIONED BY THE FESTIVAL
Jagoda Szmytka – concept, composition
Wojtek Mazolewski Quintet – improvisations, performance
Halina Przebinda, Kuba Mikurda – drama
MoPiToe (Bogna Kowalczyk, Małgorzata Andrys) – video
and set design
Magdalena Franczuk – trailer
P. 38
HANS VAN KOOLWIJK “BAMBUSO SONORO” – SOUND INSTALLATION
Hans van Koolwijk (The Netherlands) – objects, music Hans van Koolwijk, Jan Bernad – music scenario
Traditional Music Ensemble of The Centre for Intercultural Creative
Initiatives “Crossroads” directed by Monika Mamińska
and Jan Bernad – vocals
20:30
12:00, 16:00, 18:00
MAY 2016
SATURDAY
Opera Hall, Centre for the Meeting of Cultures in Lublin, 1 Teatralny Sq
“THE ELEMENTS” – SOUND PERFORMANCE / PREMIERE
/ COMMISSIONED BY THE FESTIVAL
Olga Pasiecznik – soprano
Ensemble Tourbillon with:
Petr Wagner (Czech Republic) – viola da gamba, art direction
Justyna Rekść-Raubo – viola da gamba
Marcin Świątkiewicz – harpsichord
14
MAY 2016
FRIDAY
Opera Hall, Centre for the Meeting of Cultures in Lublin,
1 Teatralny Square
“AT THE CROSSROAD” – CONCERT / PROGRAMME COMMISSIONED
BY THE FESTIVAL
20:30
13
MAY 2016
THURSDAY
P. 40
12:00, 16:00, 18:00
Opera Hall foyer, Centre for the Meeting of Cultures in Lublin,
1 Teatralny Square
HANS VAN KOOLWIJK “BAMBUSO SONORO” – SOUND INSTALLATION
19:00
Chamber Room, Centre for the Meeting of Cultures in Lublin,
1 Teatralny Square
ROMAN GRYGORIV, ILIA RAZUMEIKO (UKRAINE) “IYOV” (JOB)
– OPERA-REQUIEM FOR PREPARED PIANO, CELLO, DRUMS AND VOICES
/ POLISH PREMIERE
Roman Grygoriv – music, conductor
llia Razumeiko – music, grand piano Vlad Troitskyi – director
Maryana Golovko, Anna Marych – sopranos
Oleksandra Mailliet – mezzosoprano
Andrey Koshman, Ruslan Kirsh – baritones
Yevgeniy Rakhmanin – bass
Janna Marchynskaya – cello
Andrey Nadolskiy – percussion
Jerzy Rogalski - voice
“OCTOPUS” – CONCERT / PROGRAMME COMMISSIONED
BY THE FESTIVAL
THEATRE OF VOICES (DENMARK)
Else Torp – soprano
Signe Asmussen – mezzosoprano
Jakob Bloch Jespersen – bass
Christian Westergaard – piano
Daniel Plewe – sound design
Oratorium, Centre for Culture in Lublin, 12 Peowiaków Street
22:00
DAVID LANG (USA) “LOVE FAIL” – OPERA NOUVEAU / POLISH PREMIERE
22:00
MEET THE ARTISTS – OPEN DISCUSSIONS WITH THE FESTIVAL’S ARTISTS
Oratorium, Centre for Culture in Lublin, 12 Peowiaków Street
Quince Contemporary Vocal Ensemble (USA) – vocals
David Lang – director
Lydia Davis – stories
Jim Findlay – set and video design
Jennifer Tipton – lights
Beth Morrison Projects – production
Mała Sala, Centre for Culture in Lublin, 12 Peowiaków Street
22:00
“DANCE NIGHTS”
“DANCE NIGHTS”
Mała Sala, Centre for Culture in Lublin, 12 Peowiaków Street
Tęgie Chłopy
Zawołany Skład Weselny
MEET THE ARTISTS – OPEN DISCUSSIONS WITH THE FESTIVAL’S ARTISTS
22:00
Festival Club (basement of the Centre for Culture in Lublin),
12 Peowiaków Street
“DANCE NIGHTS”
Gęsty Kożuch Kurzu
Kapela Bornego z Podzamcza
P. 56
20:30
MEET THE ARTISTS – OPEN DISCUSSIONS WITH THE FESTIVAL’S ARTISTS
22:00
Festival Club (basement of the Centre for Culture in Lublin),
12 Peowiaków Street
P. 57
20:30
P. 52
Opera Hall, Centre for the Meeting of Cultures in Lublin,
1 Teatralny Square
P. 44
Opera Hall, Centre for the Meeting of Cultures in Lublin, 1 Teatralny Sq
“PAST AND PRESENT” – CONCERT
COCOROSIE (USA)
22:00
P. 49
Chamber Room, Centre for the Meeting of Cultures in Lublin,
1 Teatralny Square
Piotr Kurek – music, drama
Michał Libera – libretto, drama
Łukasz Sosiński – stage design
Laura Ociepa – video design
Natalia Przybysz, Anastazja Bernad – vocals
Hilary Jeffery – trombone
Kamil Szuszkiewicz – trumpet
Jerzy Rogiewicz, Hubert Zemler – percussion instruments
22:00
P. 38
MEET THE ARTISTS – OPEN DISCUSSIONS WITH THE FESTIVAL’S ARTISTS
22:00
P. 58
Festival Club (basement of the Centre for Culture in Lublin),
12 Peowiaków Street
P. 58
Festival Club (basement of the Centre for Culture in Lublin),
12 Peowiaków Street
„DANCE NIGHTS”
The organizer reserves the right to change the programme.
6
Tęgie Chłopy
7
PROGRAM GŁÓWNY
MAIN PROGRAMME
8
9
„NA ROZDROŻU”
KONCERT / PROGRAM PRZYGOTOWANY NA FESTIWAL KODY
“AT THE CROSSROAD”
CONCERT / PROGRAMME COMMISSIONED BY THE FESTIVAL
Olga Pasiecznik (sopran) i Ensemble Tourbillon w składzie:
Petr Wagner (Czechy) – viola da gamba, kierownictwo artystyczne
Justyna Rekść-Raubo – viola da gamba
Marcin Świątkiewicz – klawesyn
Olga Pasichnyk (soprano) and Ensemble Tourbillon:
Petr Wagner – viola da gamba, music direction
Justyna Rekść-Raubo – viola da gamba
Marcin Świątkiewicz – harpsichord
Podczas koncertu zostanie zaprezentowana wokalno-instrumentalna
muzyka włoskich mistrzów: Antonio Caldary, Attilio Ariostiego, Pietro
Baldassariego oraz perły francuskiej literatury muzycznej doby baroku:
Marina Maraisa i Antoine’a Forqueray’a oraz współczesna improwizacja
klawesynowa Marcina Świątkiewicza.
The programme will include vocal and instrumental music
of the Italian masters – Antonio Caldara, Giovanni Bononcini, Attilio
Ariosti, pearls of French baroque music by Marin Marais and Antoinie
Forqueray and contemporary harpsichord improvisation by Marcin
Świątkiewicz.
Program:
Antoine Forqueray, „Allemande La Laborde” (1747)
Marin Marais, „Plainte” (1711)
Antonio Caldara, „In lagrime stemprato”
(Aria z oratorium „Madalena a piedi di Christo”) (1700)
Marin Marais, „La Polonaise” (1701)
Antoine Forqueray, „La Couperin” (1747)
Antonio Caldara, „Pompe inutili” (Aria z oratorium „Madalena a piedi
di Christo”) (1700)
Attilio Ariosti, „Tal vicina a Giglio” (Aria z opery „La Placida”) (1709)
Marcin Świątkiewicz, „Improwizacje”
Marin Marais, „Le Labyrinthe” (1717)
Antoine Forqueray, „La Regente” (1747)
Pietro Baldassari, “Il Goder un bel sembiante” (Aria z opery „Il giudizio
di Paride”) (1707)
Antonio Caldara, “Chi serva la beltà d’amor lascivo fa”
(Aria z oratorium „Madalena a piedi di Christo”) (1700)
Programme:
“Allemande La Laborde” by Antoine Forqueray (1747)
“Plainte” by Marin Marais (1711)
“In lagrime stemprato” by Antonio Caldara (from “Madalena a piedi
di Christo”) (1700)
“La Polonaise” by Marin Marais (1701)
“La Couperin” by Antoine Forqueray (1747)
“Pompe inutile” by Antonio Caldara (from “Madalena a piedi
di Christo”) (1700)
“Tal vicina a Giglio by Attilio Ariosti” (from “La Placida”) (1709)
“Improvisations” by Marcin Świątkiewicz
“Le Labyrinthe” by Marin Marais (1717)
“La Regente” by Antoine Forqueray (1747)
“Il Goder un bel sembiante” by Pietro Baldassari (from “Il giudizio
di Paride”) (1707)
“Chi serva la beltà d’amor lascivo fa” by Antonio Caldara (from
“Madalena a piedi di Christo”) (1700)
OLGA PASIECZNIK (PASICHNYK)
OLGA PASICHNYK
Urodziła się na Ukrainie. Studiowała fortepian i pedagogikę
muzyczną w rodzinnym Równem. Studia wokalne odbyła w Kijowskim
Konserwatorium. W czasie studiów podyplomowych w Warszawskiej
Akademii Muzycznej im. F. Chopina w 1992 roku zadebiutowała na
scenie Warszawskiej Opery Kameralnej, a cztery lata później na scenie
Théâtre des Champs-Élysées w Paryżu jako Pamina. Od tego czasu
zaczęła się jej prawdziwa kariera międzynarodowa. Ma na swoim
koncie ponad 40 partii m. in. w operach Monteverdiego, Glucka, Händla,
Mozarta, Webera, Bizeta, Rossiniego, Verdiego, Pucciniego, Bizeta,
Debussy’ego, Czajkowskiego oraz kompozytorów współczesnych. Role
te przyniosły jej wielkie uznanie krytyki i publiczności. Występuje także
w repertuarze kameralnym oraz w recitalach z siostrą pianistką Natalią
Pasiecznik, licznych koncertach oratoryjnych i symfonicznych we
wszystkich niemal krajach Europy, Stanach Zjednoczonych, Kanadzie,
Japonii i Australii. Odnosiła sukcesy, śpiewając w słynnych salach
koncertowych i na wielu prestiżowych scenach operowych.
Pasichnyk was born in Ukraine. She studied piano and musical
pedagogy in her hometown of Rivne and voice in the Kiev
Conservatory. During her postgraduate studies at the Fryderyk
Chopin Academy of Music in Warsaw in 1992 she gave her debut
performance at the Warsaw Chamber Opera and four years later
in Théâtre des Champs-Élysées in Paris in the role of Pamina. It was
then that her real international career took off. She has taken part
in over forty operas by, among others, Monteverdi, Gluck, Handel,
Mozart, Weber, Bizet, Rossini, Verdi, Puccini, Biset, Debussy, Tchaikovsky
and an array of contemporary composers. These roles were both
critically acclaimed and appreciated by public. She is also performing
chamber repertoire and recitals with her sister Natalya Pasichnyk –
a pianist, numerous oratories and symphonic concertos in almost all
of the European countries, USA, Canada, Japan and Australia. She has
been successful singing in famous concert halls and prestigious opera
houses.
10
She has repeatedly collaborated with symphonic orchestras in Poland
and all over the world conducted by such masters as Harry Bicket, Ivor
Bolton, Frans Brüggen, Paul Mc Creesh, René Jacobs, Roy Goodman,
Heinz Holliger, Philippe Herreweghe, Kazimierz Kord, Jerzy Maksymiuk,
Jean-Claude Malgoire, Marc Minkowski, Kazushi Ono, Andrew Parrott,
Krzysztof Penderecki, Trevor Pinnock, Andreas Spering, Christoph
Spering, Antoni Wit. Pasichnyk is a laureate of the s’Hertogenbosch
International Vocal Competitions (the Netherlands, 1994 – 2nd prize),
the Mirjam Helin International Singing Competition in Helsinki (1999 –
2nd prize) and the Queen Elisabeth Music Competition in Brussels (2000
– 3rd prize, Special Oratorio Prize and the Audience Award).
Olga Pasiecznik, fot. B. Wielgosz
Wielokrotnie współpracowała z orkiestrami symfonicznymi w Polsce
i na całym świecie pod batutą takich mistrzów, jak m.in. Harry
Bicket, Ivor Bolton, Frans Brüggen, Paul Mc Creesh, René Jacobs,
Roy Goodman, Heinz Holliger, Philippe Herreweghe, Kazimierz Kord,
Jerzy Maksymiuk, Jean-Claude Malgoire, Marc Minkowski, Kazushi
Ono, Andrew Parrott, Krzysztof Penderecki, Trevor Pinnock, Andreas
Spering, Christoph Spering, Antoni Wit. Artystka jest laureatką
międzynarodowych konkursów wokalnych w ’sHertogenbosch –
Holandia (1994 – II nagroda), im. Mirjam Helin w Helsinkach (1999 – II
nagroda) oraz im. Królowej Elżbiety w Brukseli (2000 - III nagroda,
nagroda specjalna w dziedzinie muzyki oratoryjnej oraz nagroda
publiczności).
Została wyróżniona także w Polsce: Paszportem tygodnika „Polityka”
(1997), nagrodami polskiego przemysłu fonograficznego Fryderyk za
najlepsze nagrania solowe w 1997 i 2004 roku („Pieśni kurpiowskie”
Szymanowskiego i „Chantefleurs et Chantefables” Lutosławskiego),
nagrodą Orfeusz festiwalu „Warszawska Jesień” (1999), Złotym Krzyżem
Zasługi (2001) oraz Nagrodą im. A. Hiolskiego (2004) za najlepszą
kobiecą rolę operową (Melizanda w operze Debussy’ego – „Peleas
i Melizanda”, Teatr Wielki – Opera Narodowa). W 2005 i 2010 roku
została nominowana przez międzynarodowy magazyn operowy
„Opernwelt” do tytułu „Najlepsza śpiewaczka sezonu artystycznego”
za rolę Almireny (Händel – „Rinaldo”) i Roxany (Szymanowski
– „Król Roger”). W 2006 roku artystka otrzymała także nagrodę
monachijskiego festiwalu Opernfestspiele, w 2007 – nagrodę im.
She is also a winner of various awards in Poland – the Polityka’s
Passport (Paszport Polityki) – the annual award presented
by the Polityka weekly magazine (1997), the Fryderyk Music
Award in 1997 and 2004 for the best soloist album presented
by the Phonographic Academy, (Szymanowski’s “Songs
from the Kurpie Region” and “Chantefleurs et Chantefables”
by Lutosławski), the Orfeusz Prize at Warsaw Autumn festival (1999),
the Golden Cross of the Order of Merit of the Republic of Poland
(2001) and the Andrzej Hiolski Prize (2004) for the best female opera
act (as Melisande in Debussy’s “Pelleas et Melisande”, the Grand
Theatre – Polish National Opera in Warsaw). In 2005 and 2010 she was
nominated for the “the best female singer of the artistic season”
by the international opera magazine “Opernwelt” for the role
of Almirena (in Handel’s “Rinaldo”) and Roxana (in Szymanowski’s “King
Roger”). In 2006 the artist received a prize at the Opernfestspiele
festival in Munich, in 2007 – Cyprian Kamil Norwid Award, in 2011
– the annual award of the Polish Minister of Culture and National
Heritage, and in 2012 she was merited with the Officer’s Cross
of the Order of Merit of the Republic of Poland. She has recorded over
fifty albums and DVDs released by Dabringhaus und Grimm, Harmonia
Mundi, Naxos and Opus 111.
PETR WAGNER
Born in Prague, he studied cello in his hometown Music Conservatory
with Josef Chuchro. This was followed by musicology at the Charles’
University in Prague and at the Royal Holloway University of London.
It was there where he learned the secrets of mastery of viola da
gamba under Richard Boothby. He continued studying the instrument
with Jaap ter Linden at the Akademie für alte Musik in Dresden. After
finishing his education in Dresden, he was invited to study under
Wieland Kuijken at the Royal Conservatory in the Hague, where
he received the Uitvoerend Musicus soloist diploma. As a soloist,
chamber musician, and basso continuo player, Petr Wagner performed
at a number of festivals in Europe and other parts of the world –
in Israel, Japan, and Mexico.
In 1998 he founded the Ensemble Tourbillon with internationally
11
Cypriana Kamila Norwida, w roku 2011 – doroczną Nagrodę Ministra
Kultury i Dziedzictwa Narodowego a w 2012 została odznaczona
Krzyżem Oficerskim Orderu Zasługi Rzeczypospolitej Polskiej. W swoim
dorobku fonograficznym ma ponad 50 CD i DVD, które nagrała m.in. dla
wytwórni Dabringhaus und Grimm, Harmonia Mundi, Naxos i Opus 111.
PETR WAGNER
Urodzony w Pradze, studiował wiolonczelę w tamtejszym
konserwatorium pod kierunkiem Josefa Chuchro. Następnie studiował
muzykologię na Uniwersytecie Karola w Pradze oraz na Royal
Holloway University of London. Tam też, pod kierunkiem Richarda
Boothby’ego, zgłębiał tajniki gry na violi da gamba. Studia w zakresie
tego instrumentu kontynuował pod kierunkiem Jaapa ter Lindena
w Akademie für alte Musik Dresden. Po ukończeniu studiów w Dreźnie
otrzymał zaproszenie na studia u Wielanda Kuijkena w Królewskim
Konserwatorium w Hadze, gdzie uzyskał dyplom solistyczny
Uitvoerend Musicus. Jako solista oraz kameralista i muzyk wykonujący
basso continuo, Petr Wagner występował na licznych festiwalach
europejskich oraz w innych częściach świata – w Izraelu, Japonii,
Meksyku.
Petr Wagner, fot. ze zbiorów artysty
12
acclaimed musicians. The core of the ensemble’s activities
is the music of the 17th and 18th centuries – works by Couperin,
Bach, Marais, Rebel, Purcell, Finger, Fischer and Handel. The artist
regularly records and participates in the radio broadcasts for BBC,
Polish Radio, Czech Radio and Czech Television. His solo albums
with “Pieces de Viole by Charles Dollé” (Dorian Recordings 2003,
re-edition by ArsProduktion in 2012, ARS 38518) and with chamber
music of Gottfried Finger (Arta 2006) have won enthusiastic acclaim
of critics and listeners all over the world. In 2011, Petr Wagner’s world
premiere of the “Pieces de Viole by Roland Marais” was released
by the ACCENT label (ACC 24299). The album was immediately well
received (among others awarded with the Choc du mois/CLASSICA,
Diapason). In 2013 a new album with all Gottfried Finger’s viola da
gamba pieces was released. It was recorded with the participation
of Petr Wagner and his Ensemble Tourbillon (ACCENT, ACC 24267).
Apart from his career as a concert and studio viola da gamba player,
Petr Wagner is a viola da gamba tutor at Brno University; he teaches
at the Summer Academy of Ancient Music in Lidzbark Warmiński
and also conducts viola da gamba master classes in Prague,
Düsseldorf and Moscow.
W 1998 roku założył Ensemble Tourbillon, składający się z muzyków
cieszących się międzynarodowym uznaniem. Jądro aktywności zespołu
stanowi muzyka XVII i XVIII wieku – dzieła Couperina, Bacha, Maraisa,
Rebela, Purcella, Fingera, Fischera i Händla. Artysta regularnie nagrywa
i uczestniczy w transmisjach dla BBC, Polskiego Radia, Radia Czeskiego
oraz Telewizji Czeskiej. Jego płyty solowe „Pieces de Viole Charlesa
Dollé” (Dorian Recordings 2003, reedycja ArsProduktion 2012, ARS
38518) oraz z muzyką kameralną Gottfrieda Fingera (Arta 2006)
spotkały się z entuzjastycznym przyjęciem krytyki i słuchaczy na
całym świecie. W 2011 roku ukazało się zrealizowane przez Petra
Wagnera, pierwsze w historii nagranie „Pieces de Viole Rolanda
Marais”, które wydała wytwórnia ACCENT (ACC 24299). Płyta ta została
natychmiast bardzo ciepło przyjęta (m.in. nagrody Choc du mois/
CLASSICA, Diapason). W 2013 roku ukazała się nowa płyta z muzyką
Gottfrieda Fingera, zawierająca wszystkie utwory kompozytora na violę
da gamba. Krążek został zrealizowany z udziałem Petra Wagnera i jego
Ensemble Tourbillon (ACCENT, ACC 24267).
Poza aktywnością koncertową i studyjną, Petr Wagner udziela się
też jako nauczyciel gry na violi da gamba, prowadząc zajęcia na
Uniwersytecie w Brnie, podczas Letniej Akademii Muzyki Dawnej
w Lidzbarku Warmińskim; prowadzi także kursy mistrzowskie w Pradze,
Düsseldorfie i Moskwie.
Justyna Rekść-Raubo, fot. Marian Magiera
JUSTYNA REKŚĆ-RAUBO
JUSTYNA REKŚĆ-RAUBO
Urodziła się w 1971 roku w Warszawie. Jest laureatką II nagrody
i wyróżnienia na II Warszawskim Konkursie Wiolonczelowym w 1989
roku. Ukończyła warszawską Akademię Muzyczną im. F. Chopina
w klasie prof. Andrzeja Zielińskiego. Stypendystka Fundacji im.
S. Batorego (udział w warsztatach orkiestrowych i dyrygenckich
Letniej Akademii w Annaghmakerrig w Irlandii w 1997 r.). Doskonaliła
swoje umiejętności biorąc udział w licznych kursach i zajęciach
mistrzowskich u wybitnych artystów i pedagogów takich jak: Kazimierz
Michalik, Władysław Kłosiewicz, Miloš Sadlo, Marie Leonhardt,
Tobias Kühne, Jaap ter Linden oraz Marc Caudle. Aktualnie studiuje
w klasie violi da gamba prof. Rainera Zipperlinga i as. Mateusza
Kowalskiego w Akademii Muzycznej w Krakowie. Od 1995 roku
występuje systematycznie z zespołem „Musicae Antiquae Collegium
Varsoviense” działającym pod kierunkiem Władysława Kłosiewicza
w Warszawskiej Operze Kameralnej, specjalizując się w wykonawstwie
basso continuo. Z MACV brała udział w festiwalach poświęconych
barokowej twórczości kameralnej i operowej (m.in. festiwal Claudio
Monteverdiego, Georga Friedricha Haendla, muzyki staropolskiej).
Współpracuje także z zespołami prowadzonymi m.in. przez Agatę
Sapiechę, Liliannę Stawarz, Tomasza Adamusa, Aureliusza Golińskiego,
Aleksandra Tomczyka, Marka Toporowskiego oraz Dariusa Stabinskasa
(„Brevis Consort” z Wilna).
She was born in 1971 in Warsaw. She was awarded the 2nd Prize
and a honourable mention at the 2nd Warsaw Cello Competition
in 1989, she graduated from the Warsaw Fryderyk Chopin Academy
of Music, where she studied in the class of Professor Andrzej
Zieliński. She received scholarships of the Stefan Batory Foundation
(participation in orchestra and conducting workshops of the Summer
Academy in Annaghmakerrig in Ireland in 1997). She has been
mastering her skills by participating in numerous courses and master
classes conducted by remarkable artists and pedagogues such
as: Kazimierz Michalik, Władysław Kłosiewicz, Miloš Sadlo, Marie
Leonhardt, Tobias Kühne, Jaap ter Linden, and Marc Caudle. Currently
she is studying viola da gamba in the class of Professor Rainer
Zipperling and his assistant Mateusz Kowalski. Since 1995 she has been
regularly performing with the Musicae Antiquae Collegium Varsoviense
ensemble under the direction of Władysław Kłosiewicz at the Warsaw
Chamber Opera, specialising in basso continuo. Together with MACV
she participated in festivals dedicated to baroque chamber and opera
music (for instance: the Claudio Monteverdi Festival, The Handel
Festival, and old Polish music). She also collaborates with ensembles
directed by Agata Sapiecha, Lilianna Stawarz, Tomasz Adamus,
Aureliusz Goliński, Aleksander Tomczyk, Marek Toporowski and Darius
Stabinskas (Brevis Consort ensemble from Vilnus).
Jej muzyczne zainteresowania sięgają także muzyki nowej.
However, she is also a fan of new music. Since 1993 Justyna Rekść13
Od 1993 roku Justyna Rekść-Raubo jest członkiem zespołu NONSTROM
zajmującego się wykonawstwem muzyki współczesnej, założonego
przez Pawła Mykietyna. Brała udział w prawykonaniach wielu
utworów napisanych specjalnie dla zespołu oraz występowała na
międzynarodowych festiwalach, m.in. na „Warszawskiej Jesieni”, „XIX
Biennale Muzyki Współczesnej” w Zagrzebiu, „Musica Polonica Nova”
we Wrocławiu, „Hofkonzerte im Podewil” w Berlinie, „KONTRASTY”
we Lwowie. Jako członek zespołu była nominowana do nagrody
Paszport „POLITYKI” oraz została laureatką IV Międzynarodowego
Konkursu Młodej Kultury w Düsseldorfie. W wyniku zainteresowania
zagadnieniem percepcji muzyki dawnej i współczesnej Justyna RekśćRaubo zainicjowała byt „Kapeli Jazdowskiej” związanej z Zamkiem
Ujazdowskim w Warszawie. Z zespołem tym przygotowała program
poświęcony Adamowi Jarzębskiemu (Królewskiemu Budowniczemu
Ujazdowskiemu) brzmieniowo krzyżujący dawne instrumentarium ze
współczesnym, a także prawykonywała utwory Zygmunta Koniecznego
(na konsort viol da gamba). Dokonała nagrań archiwalnych dla PR
i TV oraz płytowych. Wraz z Markiem Mosiem Justyna Rekść-Raubo
jest inicjatorem i dyrektorem festiwalu „LETNIA FILHARMONIA aukso”,
odbywającego się co roku na Suwalszczyźnie oraz w Pieninach.
Założycielka i fundatorka „FUNDACJI f.o.r.t.e.” oraz (wraz z Krzysztofem
Kilianem) „FUNDACJI MUZYKI aukso”.
Raubo has been a member of the NONSTROM ensemble established
by Paweł Mykietyn that performs contemporary music. She took
part in many pre-premiere performances of pieces commissioned
for the ensemble and performed at international festivals such
as the Warsaw Autumn, 19th Biennale of Contemporary Music
in Zagreb, Musica Polonica Nova in Wrocław, Hofkonzerte im Podewil
festival in Berlin, and the CONTRASTS festival in Lviv. As a member
of the ensemble she was shortlisted for the “Polityka’s Passport”
award, and was the laureate of the 4th International Competition
of Young Culture in Düsseldorf. He interests in the perception
of old and contemporary music led Justyna Rekść-Raubo
to the establishment of the Kapela Jazdowska ensemble collaborating
with the Ujazdowski Castle in Warsaw, with whom she prepared
a programme dedicated to Adam Jarzębski (the Royal Engineer
of Ujazdów) interweaving the sounds of historical instruments with
the new ones, and also she performed the pre-premieres of Zygmunt
Konieczny’s pieces (for viola da gambas consort). She made archive
recordings for the Polish Radio and Television and recorded albums.
Together with Marek Moś, Justyna Rekść-Raubo is an initiator
and a director of the AUKSO Philharmonic Summer taking place every
year in the region of Suwałki and in the Pieniny Mountains. Founder
and funder of the f.o.r.t.e. Foundation and together with Krzysztof
Kilian, of the AUKSO Music Foundation.
finalistą I Międzynarodowego Konkursu Klawesynowego im.
Wolkońskiego w Moskwie (2010) i Międzynarodowego Konkursu
im. Telemanna w Magdeburgu (2007). Marcin Świątkiewicz jest
zaangażowanym pedagogiem. Szczególną uwagę poświęca nauczaniu
gry solowej oraz kursom improwizacji w oparciu o metodę partimento.
Plany na rok 2016 obejmują m.in. premierę nagranej w 2015 roku
solowej płyty pod tytułem „Cromatica”, poprzedzone trasą koncertową
nagranie koncertów klawesynowych Haydna z orkiestrą Arte dei
Suonatori dla BIS oraz rejestrację w pojedynczym składzie Koncertów
Klawesynowych J.S. Bacha. Do najważniejszych przedsięwzięć
koncertowych należy poświęcone J.G. Müthelowi tournee w krajach
bałtyckich z Arte dei Suonatori, wykonanie „Koncertu na klawesyn
i smyczki” H.M. Góreckiego z {oh!) Orkiestrą Historyczną, związane
z rokiem szekspirowskim poprowadzenie wykonania „Fairy Queen”
Purcella z Capellą Cracoviensis oraz udział w koncertach cyklu
extreme tejże orkiestry.
Marcin Świątkiewicz was awarded with “Polityka’s Passport” award
and scholarships within the Minister of Culture and National
Heritage’s scholarship programmes (“Młoda Polska”/ “Young
Poland”), the Marshal of the Śląskie Voivodeship’s scholarship
and Huygens of the Dutch Government. He is also a finalist of the 1st
International Volkosky Harpsichord Competition in Moscow (2010)
and the Telemann International Competition in Magdeburg (2007).
Marcin Świątkiewicz is also a dedicated pedagogue. His particular
interest lies in teaching soloists and courses of improvisation with
the use of the partimento metod. His plans for 2016 cover, among
others, a premiere of the “Cromatica” solo album he recorded in 2015,
recording of the Haydn’s harpsichord concertos with the Arte dei
Suonatori orchestra for BIS preceded by the tour and recording
of the solo performance of J.S. Bach’s “Harpsihchord Concertos.” His
most important concert undertakings include touring with the Arte
dei Suonatori in the Baltic countries dedicated to J.G. Müthel,
performing H.M. Górecki’s “Concerto for a Harpsichord and Strings”
with {oh!} Orkiestra Historyczna, conducting the performance
of Purcell’s “Fairy Queen” with Capella Cracoviensis connected with
the Year of Shakespeare, and the participation in the extreme series
of concerts by Capella Cracoviensis.
MARCIN ŚWIĄTKIEWICZ
MARCIN ŚWIĄTKIEWICZ
Jest jednym z najbardziej rozpoznawalnych polskich klawesynistów.
Jego zainteresowania koncentrują się wokół historycznych
instrumentów klawiszowych, improwizacji w dawnej i współczesnej
stylistyce, a także kompozycji. Gra na różnych typach klawesynów
i klawikordów, a także na historycznych fortepianach i organach. Jako
solista, kameralista i dyrygent koncertuje w Europie, obu Amerykach
i Azji regularnie współpracując z Rachel Podger i prowadzonym przez
nią zespołem Brecon Baroque, Capellą Cracoviensis, Arte dei Suonatori,
{OH!} Orkiestrą Historyczną, Bassociation i Scroll Ensemble.
Studiował klawesyn oraz kompozycję w Królewskim Konserwatorium
w Hadze i w Akademii Muzycznej w Katowicach, gdzie obecnie jest
wykładowcą, a w czerwcu 2014 roku obronił pracę doktorską. Marcin
Świątkiewicz nagrywa dla m.in. BIS, Channel Classics, Accent, Alpha,
Decca, Linn Records, DUX oraz dla stacji radiowych i telewizyjnych
w całej Europie. W roku 2015 ukazał się entuzjastycznie przyjęty przez
krytykę, nagrodzony m.in. Diapason d’Or, podwójny album z koncertami
klawesynowymi J.G. Müthela zarejestrowany z orkiestrą Arte dei
Suonatori dla wytwórni BIS. Pierwsze solowe nagranie „Musikalisches
Vielerley” z niemiecką barokową muzyką klawiszową zostało wydane
przez Polskie Radio Katowice w 2008 roku.
Marcin Świątkiewicz jest laureatem Paszportów „Polityki” i programów
stypendialnych Ministra Kultury („Młoda Polska”), Marszałka
Województwa Śląskiego i Rządu Holenderskiego (Huygens) oraz
14
Świątkiewicz is one of the most recognised Polish harpsichord
players. His interests focus on the historical keyboard
instruments, improvisation in historical and contemporary
manners and composition. He plays various types of harpsichords
and clavichord, but also historic pianos and organs. As a soloist,
a chamber musician and a conductor, he has performed in Europe,
Asia and both Americas and regularly collaborates with Rachel
Podger and the Brecon Baroque ensemble, Capella Cracoviensis, Arte
dei Suonatori, {OH!} Orkiestra Historyczna, Bassociation and Scroll
Ensemble.
He studied harpsichord and composition at the Royal Conservatory
in the Hague and at the Music Academy in Katowice, where he
is currently a lecturer and in 2014 he defended his PhD thesis. Marcin
Świątkiewicz records for BIS, Channel Classics, Accent, Alpha, Decca,
Linn Records, DUX and for radio and television stations all over Europe.
The double album with the harpsichord concertos of J.G. Müthel,
recorded together with the Arte dei Suonatori orchestra and released
in 2015 by BIS was enthusiastically received by the critics and awarded
with the Diapason d’Or award, among others. The first solo recording
of “Musikalisches Vielerley” with the German baroque music
for keyboard instruments was released by the Polish Radio Katowice
in 2008.
Marcin Świątkiewicz, fot. Greg Klukowski
15
JAGODA SZMYTKA „RÊVE RAVE”
MIĘDZYGATUNKOWY PERFORMANCE W TRZECH NARRACJACH
/ PREMIERA / ZAMÓWIENIE FESTIWALU KODY
JAGODA SZMYTKA “RÊVE RAVE”
CROSS-GENRE PERFORMANCE IN THREE ACTS / PREMIERE /
COMMISSIONED BY THE FESTIVAL
Jagoda Szmytka – koncept, kompozycja
Wojtek Mazolewski Quintet w składzie: Wojtek Mazolewski, Joanna
Duda, Qba Janicki, Marek Pospieszalski, Oskar Török – wykonanie,
improwizacje
Halina Przebinda – dramaturgia
Kuba Mikurda – dramaturgia
MoPiToe w składzie: Bogna Kowalczyk, Małgorzata Andrys – oprawa
wizualna
Monika Żyła – reportaż
Wojtek Mazolewski – kontrabas, głos
Marek Pospieszalski – saksofon tenorowy, klarnet altowy
Oskar Török – trąbka, flugelhorn
Joanna Duda – wurlitzer, elektronika
Qba Janicki – drums, perkusja, elektronika
Jagoda Szmytka – głos
Marek Krupa – realizacja wizji
Mateusz Mazur – realizacja dźwięku
Piotr Szamryk – oświetlenie
Jagoda Szmytka – concept, composition
Wojtek Mazolewski Quintet with: Wojtek Mazolewski, Joanna Duda,
Qba Janicki, Marek Pospieszalski, Oskar Török – performed by &
improvisations
Halina Przebinda – drama
Kuba Mikurda – drama
MoPiToe (Bogna Kowalczyk, Małgorzata Andrys) – visual design
Monika Żyła – festival’s coverage
Wojtek Mazolewski – bass, voice
Marek Pospieszalski – tenor saxophone, alto clarinet
Oskar Török – trumpet, flugelhorn
Joanna Duda – wurlitzer, electronics
Qba Janicki – drums, percussion, electronics
Jagoda Szmytka – voice
Marek Krupa – video engineering
Mateusz Mazur – sound engineering
Piotr Szamryk – lighting design
Zwiastun:
Magdalena Franczuk – reżyseria
Emil Kalus – zdjęcia
Wojciech Rodak – kierownictwo produkcji
Barbara Ferlak – scenografia
Anna Łączny – charakteryzacja i stylizacje
Jagoda Szmytka – kostiumy
Jagoda Szmytka, Wojtek Mazolewski, Anna Dzieduszycka – obsada
Katarzyna Pergoł – asystentka reżysera
Denis Galenkov, Paweł Jóżwicki – asystenci operatora kamery
Tomasz Michałowski – as. kierownika produkcji
Marta Pleskot, Kalina Wilk – as. scenografki
Adam Zapart – korekta koloru
Katarzyna Pergoł, Michał Siarek – fotosy
Specjalne podziękowania dla PWSFTviT w Łodzi
Tancerze:
Kinga Budek, Wiktoria Ciosek, Klaudia Horyńska, Karol Moniuszko,
Patrycja Paździerska, Małgorzata Tomankiewicz, Katarzyna Wysocka
Trailer:
Magdalena Franczuk – direction
Emil Kalus – camera
Wojciech Rodak – production director
Barbara Ferlak – set design
Anna Łączny – makeup and styling
Jagoda Szmytka – costumes
Jagoda Szmytka, Wojtek Mazolewski, Anna Dzieduszycka – cast
Katarzyna Pergoł – director’s assistant
Denis Galenkov, Paweł Jóżwicki – cameraman’s assistant
Tomasz Michałowski – production director’s assistant
Marta Pleskot, Kalina Wilk – set designer’s assistant
Adam Zapart – color correction
Katarzyna Pergoł, Michał Siarek – photo’s
Special thanks to The Film School in Łódź
Dancers:
Kinga Budek, Wiktoria Ciosek, Klaudia Horyńska, Karol Moniuszko,
Patrycja Paździerska, Małgorzata Tomankiewicz, Katarzyna Wysocka
RÊVE RAVE – CROSS-GENRE PERFORMANCE IN THREE ACTS
RÊVE RAVE – MIĘDZYGATUNKOWY PERFORMANCE W TRZECH
NARRACJACH
„RÊVE RAVE” jest kolejną odsłoną „LOST” – wielo-formatowej
kompozycji Jagody Szmytki, opowiadającej za pomocą trans-medialnej
narracji losy millenialnych bohaterów. Dotychczasowe realizacje
„LOST” obejmują spektakle muzyczne wykonywane na żywo, instalacje,
16
“RÊVE RAVE” is the next realisation of “LOST” – Jagoda Szmytka’s
multi-format composition telling the stories of millennial characters
with the use of transmedia narration. The productions to date include
live music performances, installations, computer games and internet
activities, among others: a cross-genre performance “LOST
PLAY” (“Warsaw Autumn”), “LOST PLAY PARALLEL” – a cross-genre
„RÊVE RAVE” Screenshot from Trailer by Magdalena Franczuk
gry komputerowe oraz działania internetowe m.in. „LOST PLAY”
– międzygatunkowy performance („Warszawska Jesień”), „LOST PLAY
PARALLEL” – performance z transmisją na żywo (ZKM), „ENTER LOST
LEVEL” – instalację złożoną z gier komputerowych, kącików selfie, stacji
DIY (U Dortmund), „PLAY PARK LOST ID” – park rozrywki (ZKM), „LOST
in TRANSIT” – serial internetowy.
„Jeśli chcesz odkryć tajemnice wszechświata, myśl w kategoriach
energii, częstotliwości i wibracji” – Nikola Tesla
„Jestem kłamstwem, które zawsze mówi prawdę” – Jean Cocteau
„Nie, nie mam już imienia. Jestem ciemnością” – Melancholia
„RÊVE RAVE” to multimedialny spektakl muzyczny w trzech częściach
– trzy seanse i trzy sny nowych bohaterów „LOST”. Każda z części
rozpoczyna się pasażem narracyjnym (seansem), który wprowadza
w sekwencję taneczną (rave).
W części pierwszej zatytułowanej „DIGITAL TOUCH” Medium Nicole
snuje opowieści o Nikoli Tesli – genialnym odkrywcy, który przewidział
internet. Następnie Muzycy zabierają publiczność w podróż w głąb
Mózgu podczas snu – proporcje fal dźwiękowych generowanych
przez Muzyków odpowiadają proporcjom fal aktywności elektrycznej
Mózgu. W części drugiej – „REAL FAKE” – Poetka i Muzyk biorą udział
w sennej, surrealistycznej narracji przypominającej projekcję filmową
Jean’a Cocteau. Bohaterowie pojawiają się na scenie w różnych
stanach skupienia, zwierzają się sobie z rzeczywistych i urojonych
projekcji w rytm transowej, elektronicznej muzyki. Część trzecia
„MELANCHOLIA” to seans hipnotyczny – czy wyleczy on ostatecznie
performance with live broadcast (ZKM), “ENTER LOST LEVEL”
– an installation consisting in computer games, selfie corners and DIY
station (U Dortmund), “PLAY PARK LOST ID” – an amusement park
(ZKM), and “LOST in TRANSIT” – an internet show.
“If you want to find the secrets of the universe, think in terms
of energy, frequency and vibration” Nikola Tesla
“I am a lie who always says the truth” Jean Cocteau
“No, I don’t have my name any more. I’m just darkness” Melancholia
“RÊVE RAVE” is a multimedia music performance in three acts
– three sessions and three dreams of the “LOST” new characters. Each
part opens with a narration (session) that introduces the viewers
to the dance sequence (rave).
In the first part – “DIGITAL TOUCH” – Medium Nicole tells a story
of Nikola Tesla, an ingenious explorer who foresaw the internet. Then,
the Musicians invite the audience to travel inside the sleeping Brain
– the sound waves produced by the musicians reflect the electrical
activity of human brain. The second part –“REAL FAKE” depicts a Poet
and a Musician who participate in a dreamlike surreal narration
resembling a screening of Jean Cocteau’s movie. The characters
appear on stage in different physical states / state of matter
and share their real and imagined projections to the trans, electro
music. The third part – “MELANCHOLY” is a hypnotic session, but will it
cure the characters of “LOST” from the millennial state of being lost?
Three dreams, three raves. Energetic, trans and corporeal music with
neon lighting.
17
bohaterów „LOST” z millenialnego zagubienia? Trzy sny – trzy rave’y.
Energetyczna, transowa i cielesna muzyka w neonowej oprawie.
Publiczność festiwalowa oprócz spektaklu może odwiedzić kącik
selfie zainstalowany w Klubie Festiwalowym, gdzie przy dźwiękach
rave’u każdy może wcielić się w jednego z Bohaterów „RÊVE RAVE” lub
przejechać się rave’ową windą z Party Boyem. Natomiast w przerwach
między koncertami w trakcie całego Festiwalu można spotkać się
z Monique DeVoid – reporterką spisującą i publikującą na stronie
Festiwalu na życzenie sny.
Część 1 – „DIGITAL TOUCH”
1. Narracja I
2. Sen I – Faza NREM I – „Kodowanie Snu w Mózgu”
3. Sen I – Faza NREM II – „Wrzeciona Snu”
4. Sen I – Faza NREM III – „Slow Motion”
5. Sen I Faza REM – „Digitalny Śmietnik w Mózgu”
Część 2 – „REAL FAKE”
6. Narracja II
7. Sen II – Faza NREM I – „RESET”
8. Sen II – Faza NREM II – „REBUILD”
9. Sen II – Faza NREM III – „REWIND”
10. Sen II – Faza REM – „REVER”
Część 3 – „MELANCHOLIA”
11. Narracja III
12. Sen III – Faza NREM I – „Happy Pills”
13. Sen III – Faza NREM II – „Rainbow”
14. Sen III – Faza NREM III – „Flow”
15. Sen III – Faza REM – „Raising Up”
JAGODA SZMYTKA
Studiowała historię sztuki, filozofię, teorię muzyki i kompozycję we
Wrocławiu, Grazu, Frankfurcie nad Menem i w Karlsruhe. Jej muzyka
uzyskała międzynarodowe uznanie dzięki licznym wykonaniom
w ramach takich festiwali i instytucji jak Warszawska Jesień, Wien
Modern, Lucerne Festival, Huddersfield Contemporary Music Festival,
Ultraschall w Berlinie, Eclat w Stuttgarcie, Ferienkurse Darmstadt,
Tonhalle Düsseldorf, Deutschlandfunk w Kolonii, Royaumont w Paryżu,
Teatr Wileki Opera Narodowa w Warszawie. Kompozytorka otrzymała
wiele nagród, stypendiów, rezydencji, w tym Staubach Honorarium
i Stipendienpreis przyznane przez Ferienkurse Darmstadt (Niemcy),
stypendium DAAD, Kunststiftung Baden-Württemberg, rezydencję
w Herrenhaus Edenkoben oraz w La Muse en Circuit (Paryż). Jagoda
Szmytka pracuje często jako artystka w rezydencji w ZKM Karlsruhe.
W 2015 roku ukazała się jej portretowa płyta „Bloody Cherries”
nakładem wytwórni WERGO (seria EZM).
18
The audience will have an opportunity to visit the selfie-corner
at the Festival Club and transform into one of the characters
of “RÊVE RAVE” to the sounds of rave music, or take an elevation
ride with the Party Boy. Also, during the whole Festival, the audience
will have a chance to meet Monique DeVoid, a reporter recovering
and publishing dreams on the Festival’s website.
Part 1 – “DIGITAL TOUCH”
1. Narration I
2. Dream I – NREM I – “Encoding of the Dream in the Brain”
3. Dream I – NREM II – “Sleep Spindles”
4. Dream I – NREM III – “Slow Motion”
5. Dream I – REM “Digital Trash in the Brain”
Part 2 –“REAL FAKE”
6. Narration II
7. Dream II – NREM I – “RESET”
8. Dream II – NREM II – “REBUILD”
9. Dream II – NREM III – “REWIND”
10. Dream II – REM – “REVER”
Part 3 – “MELANCHOLY”
1. Narration III
2. Dream III – NREM I – “Happy Pills”
3. Dream III – NREM II – “Rainbow”
4. Dream III – NREM III – “Flow”
5. Dream III – REM – “Raising Up”
JAGODA SZMYTKA
Jagoda Szmytka studied art history, philosophy, music theory
and composition in Wroclaw, Graz, Frankfurt/Main and Karlsruhe. Her
music has earned her recognition as a composer through numerous
features at festivals and institutions such as Warsaw Autumn, Wien
Modern, Lucerne Festival, Huddersfield Contemporary Music Festival,
Ultraschall Berlin, Eclat Stuttgart, Ferienkurse Darmstadt, Tonhalle
Düsseldorf, Deutschlandfunk Cologne, Royaumont Paris, Polish
National Opera Warsaw, and many others. The composer has received
numerous awards, scholarships and residencies including Staubach
Honorarium and the Stipend Prize of Darmstadt International
Summer Course for New Music (Germany), scholarships from
the DAAD and the Arts Foundation Baden-Württemberg, residencies
at Herrenhaus Edenkoben and La Muse en Circuit Paris. Jagoda
Szmytka frequently works as an artist in residence at ZKM Centre
for Art and Media Karlsruhe. Her portrait album “Bloody Cherries” was
released in 2015 on WERGO/EZM.
Jagoda Szmytka composes for people, about people, and with people.
Her ”social composing” examines interpersonal and social processes
such as communication and identity creation, often by reference
Jagoda Szmytka, fot. Andoz Krishnadas
19
WOJTEK MAZOLEWSKI
WOJTEK MAZOLEWSKI
Wojtek Mazolewski to trójmiejski basista i kompozytor. Założyciel i lider
Pink Freud i Wojtek Mazolewski Quintet. Jego muzyczne działania
dały początek boomowi polskiej muzyki jazzowej na początku XXI
wieku, a niekonwencjonalna, jak na warunki sceny rodzimego jazzu
aktywność wpłynęła na nową lokalizację tego gatunku muzycznego
w świadomości przede wszystkim młodego słuchacza.
Wojtek Mazolewski is a bass player and composer from Gdansk;
a founder and leader of Pink Freud and Wojtek Mazolewski Quintet. His
musical achievements led to the early 21st century boom in Polish jazz,
while his unconventional activities on Poland’s jazz scene helped this
music genre enter the consciousness of young listeners in particular.
Mazolewski to muzyczny partner m.in. Pete’a Warehama, Dennisa
Gonzalesa, Tima Berne, Wojtka Waglewskiego, Lecha Janerki,
Fisza, Emade oraz wielu innych. Autor muzyki filmowej i teatralnej.
Prowadzi autorską audycję w Polskim Radio oraz w Chilli Zet. Laureat
prestiżowych nagród muzycznych, prezentuje nowe oblicze polskiego
jazzu w Europie, Ameryce Południowej i Japonii.
Prowadząc swój sztandarowy zespół Pink Freud, wydał w 2007
roku w Universal Music Polska album zatytułowany „Punk Freud”,
rozpoczynając tym samym przełom w recepcji jazzu w Polsce, którego
echa brzmią do dziś. W 2009 r. zmienił skład osobowy Pink Freud oraz
Wojtek Mazolewski Quintet i otworzył nowy rozdział swojej muzycznej
biografii. „Monster of Jazz”(2010), „Smells Like Tape Spirit” (2011),
“Wojtek w Czechosłowacji” (2011), „Horse and Power”(2012) to albumy,
które odniosły nie tylko sukces wydawniczy, ale przede wszystkim
zaowocowały trasami koncertowymi na całym świecie. Najnowsza
płyta Wojtek Mazolewski Quintet „Polka” (2014) łączy tradycję
z nowoczesnością – muzycznie (m.in. covery Major Lazer, Rage Against
The Machine i Nirvany) i ideowo – wydaniu towarzyszy specjalna
oprawa graficzna – na okładce znalazło się zdjęcie Małgorzaty
Braunek zrobione przez mistrza fotografii Tadeusza Rolke. Płyta „Polka”
osiągnęła status „Złotej Płyty”.
Wojtek Mazolewski, fot. Marta Wojtal
JOANNA DUDA
Jagoda Szmytka komponuje dla ludzi, o ludziach oraz z ludźmi. Poprzez
„społecznościowe komponowanie” Szmytka bada interpersonalne
i społeczne procesy takie jak komunikacja, budowanie tożsamości,
często w relacji do fenomenów wpływających na współczesne życie
lub odwołujących się do społecznego wymiaru życia muzycznego
(teatry muzyczne: LIMBO LANDER, LOST, LOVE LABEL).
Jagoda Szmytka komponuje „dla uszu, oczu i myśli” – jej
„intertekstualna muzyka” wykorzystuje takie formaty jak mixed media,
cross-genre, czy trans-media. Kompozycje Szmytki są mieszanką
tekstów, obrazów i dźwięków, które budują gęste struktury odnoszące
się do kulturt wysokiej i pop kultury, filozofii oraz rzeczywistości.
Jagoda Szmytka jest założycielką i liderką dwóch projektów: PLAY –
platformy do inicjatyw społeczno-kulturalnych oraz ENTER – kolektywu
specjalizującego się w wykonywaniu Muzyki Referencyjnej.
20
to phenomena which influence modern life or the social dimension
of making music (music theatre projects: LIMBO LANDER, LOST, LOVE
LABEL).
Jagoda Szmytka writes music ”for the eye, ear and thought”; her
“intertextual music” incorporates formats such as mixed media,
cross-genre, and trans-media. Szmytka’s compositions are a mixture
of texts, images and sounds that create dense structures referring
to both high and pop culture, philosophy, as well as reality.
Jagoda Szmytka is a founder and leader of two projects: PLAY Platform for social and cultural initiatives and ENTER collective
specialized in performing Referential Music.
Pianistka, kompozytorka, artystka wizualna, założycielka projektów:
AuAuA, J=J, Hotgod, Bambuko. Na co dzień gra i komponuje dla Wojtek
Mazolewski Quintet. Stypendystka Kulturalnego Miasta Gdańska
(2010, 2012, 2015). Nominowana do nagrody TVP Kultura Gwarancje
Kultury 2011 w kategorii „Debiut Roku” oraz Grand Prix Jazz Melomani
w kategorii Nadzieja Melomanów. Joanna Duda na początku lutego
2015 roku stworzyła instalację multimedialną/performance TRACK(S)
na zamówienie Trafostacji – Centrum Sztuki Współczesnej w Szczecinie
(cykl wystawienniczy Trafo Plug-In Project Room). Instalacja miała
swój pokaz na Festiwalu Present Performance w Gdańsku pod koniec
czerwca 2015 r. Koncertuje solo w odsłonie akustycznej (solo piano)
jak i elektronicznej w Paryżu (cykl koncertów w stacji naukowej PAN
w Paryżu), Pradze (Międzynarodowy Festiwal Pianistów Jazzowych,
Salon Polski organizowany przez Instytut Polski w Pradze), Tokio (Hot
Buttered Club), Bukareszcie (koncert otwierający festiwal muzycznoteatralny News From Polska organizowany przez Institutul Polonez
Mazolewski has collaborated with Pete Wareham, Dennis Gonzales, Tim
Berne, Wojtek Waglewski, Lech Janerka, Fisz, Emade, and many others.
He has composed music for film and theatre. He hosts his own radio
shows on Polish Radio and Chilli Zet. The winner of prestigious music
awards, Mazolewski is an ambassador of a new face of Polish jazz
in Europe, South America and Japan.
In 2007 with his flagship project Pink Freud, he released
by Universal Music Polska an album titled ”Punk Freud” that marked
a breakthrough in the reception of jazz in Poland, which continues
today. Following the 2009 lineup changes in Pink Freud and Wojtek
Mazolewski Quintet, he started a new chapter in his musical biography.
The albums he recorded, namely ”Monster of Jazz” (2010), ”Smells
Like Tape Spirit” (2011), “Wojtek w Czechosłowacji” (2011), and ”Horse
and Power” (2012), not only garnered rave reviews but also spawned
world tours. Wojtek Mazolewski Quintet’s latest album, ”Polka” (2014),
combines the traditional with the modern, both in terms of music
(the album features covers of Major Lazer, Rage Against The Machine
and Nirvana) and idea – the album cover artwork includes a photo
of actress Małgorzata Braunek taken by renowned photographer
Tadeusz Rolke. ”Polka” became a gold-selling record.
JOANNA DUDA
Pianist, composer, creator of the projects: J=J, Hotgod, AuAuA,
Bambuko & many more. Member of the Wojtek Mazolewski Quintet.
Holder of Gdansk city’s cultural scholarship in 2010, 2012, 2015. She
was nominated for the Polish Television “The Guarantee of Culture”
Award in the category “Debut of the Year” and “Plus Grand Prix Jazz
Melomani” Award in the category “Music Lovers’ Hope” in the same
year. In February 2015 Joanna has created a multimedia installation
“TRACK(S)” commissioned by TRAFO – Contemporary Art Centre
in Szczecin (Trafo Plug-In Project Room). “TRACK(S)” was also shown
in its outdoor version on Present Performance Festival in Gdańsk.
Joanna Duda is often invited to play solo concerts on piano or/
and electronics. She has performed in, among others, Paris (series
of concerts at the PAS in Paris), Prague (International Jaaz Festival,
Polish Saloon organized by the Polish Institute in Prague), Tokio (Hot
Buttered Club), Bucharest (opening of the News From Polska festival
organized by Institutul Polonez). In 2013 Joanna started working
with Amareya Theatre. Together with the group she performed
at international theatre/dance festivals in Poland all around the world
21
w Bukareszcie). W 2013 rozpoczęła współpracę z Teatrem Amareya,
z którym występuje na festiwalach na całym świecie (m.in. Japonia,
Niemcy, Francja, Rosja, Turcja, Izrael, Grenlandia).
(Japan, Germany, France, Russia, Turkey, Israel, Greenland).
QBA JANICKI
Since he was little, he has been associated with the artistic
environment of Mózg club in Bydgoszcz. He graduated from the Music
Academy in Cracow in the percussion class of Łukasz Żyta. As
a stage musician he played hundreds of concerts and performed
with artists such as: Jerzy Mazzoll, Sławek Janicki, Kris Wanders,
Roscoe Mitchell, Steve Buchanan, Jacek Sienkiewicz, Bartłomiej
Chmara, Risa Takita, Stefan Węgłowski, Tomasz Sroczyński and many
symphony orchestras and chamber ensembles. At the moment, he
plays in Wojtek Mazolewski Quintet, Mazzoll/Janicki/Janicki, Bambuko,
Hania Piosik/Qba Janicki, Kondensator Przepływu. Apart from being
a musician he is also a producer, who creates music for theatrical
plays and radio plays for theaters Stary, Powszechny and Polski. He
produced music for a documentary depicting the character of Daniel
Wallace for the Australian public broadcaster ABC. He made his
mark on the hip hop stage with the production of the album Hore
by legendary rapper Vienio. In addition, together with his father, he coruns Mózg club in Bydgoszcz and Warsaw. Being a co-founder of Mózg
Foundation and a member Mózg Artistic Association he co-organizes
dozens of artistic events every year as well as flagship projects Mózg
Festival and Letnie Pranie Mózgu.
Od najmłodszych lat jest związany ze środowiskiem artystycznym
funkcjonującym w bydgoskim klubie Mózg. Jest absolwentem
Akademii Muzycznej w Krakowie w klasie perkusji Łukasza Żyty.
W swojej karierze scenicznej zagrał setki koncertów, na których
występował m.in. z takimi artystami jak: Jerzy Mazzoll, Sławek Janicki,
Kris Wanders, Roscoe Mitchell, Steve Buchanan, Jacek Sienkiewicz,
Bartłomiej Chmara, Risa Takita, Stefan Węgłowski, Tomasz Sroczyński
czy wiele orkiestr symfonicznych i zespołów kameralnych. Aktualnie
funkcjonuje w zespołach Wojtek Mazolewski Quintet, Mazzoll/Janicki/
Janicki, Bambuko, Hania Piosik/Qba Janicki, Kondensator Przepływu.
Oprócz bycia muzykiem jest także producentem, tworzącym muzykę
do spektakli oraz słuchowisk w teatrach Starym, Powszechnym
i Polskim. Produkował także muzykę do filmu dokumentalnego
przedstawiającego sylwetkę Daniela Wallace’a dla australijskiego
nadawcy ABC. Zaznaczył swoją obecność na scenie hip hopowej
produkując płytę Hore, legendarnego rapera Vienia. Dodatkowo na co
dzień współprowadzi, wraz ze swoim ojcem, klub Mózg w Bydgoszczy
i w Warszawie, a będąc założycielem Mózg Foundation oraz członkiem
Stowarzyszenia Artystycznego Mózg współorganizuje dziesiątki
wydarzeń artystycznych każdego roku oraz flagowe projekty Mózg
Festival i Letnie Pranie Mózgu.
MAREK POSPIESZALSKI
Saksofonista, klarnecista. Ukończył Akademię Muzyczną w Krakowie.
Od najmłodszych lat zafascynowany awangardą jazzową, muzyką
improwizowaną oraz nowymi brzmieniami, otwarty na wszelkie
muzyczne gatunki. Na swoim koncie ma udział w kilkudziesięciu
festiwalach m. in. Moers Jazz Festival, Delhi Jazz Festival, Utsav Jazz
Festival, EXPO Shanghai 2010, European Jazz Festival in Athens, Ars
Musica Festival Brussels, Jazzforum Budapest, Warsaw Summer Jazz
Days, Tauron Nowa Muzyka, Open’er Festival, OFF Festival, Enter Music
Festival. Koncertował w wielu salach koncertowych, a także brał
udział w dziesiątkach koncertów radiowych i telewizyjnych. Udziela
się głównie na polu muzyki improwizowanej. Razem z Tomaszem
Sroczyńskim wydał swój autorski album BARENESS. Aktualnie jest
członkiem kwintetu Wojtka Mazolewskiego. Nagrywał i koncertował
z Dennisem Gonzálezem i jego Yealls At Eels, Marco Eneidim, Piotrem
Damasiewiczem i Power of the horns, Empe 3 Mateo Pospieszalski
Project, YeShe, Graal, Yanina Free Wave. Współpracował z Krzysztofem
Knittlem, Maciejem Obarą, Pawłem Kaczmarczykiem, Nikolą
Kołodziejczykiem, Jerzym Mazzollem, Rafałem Mazurem, ale również
z artystami sceny elektronicznej, popowej, czy rockowej takimi jak
Igor BOXX(Skalpel), Fisz/Emade, Zakopower, Armia. Z Qbą Janickim,
22
QBA JANICKI
Wojtek Mazolewski Quintet, fot. Michał Andrysiak
MAREK POSPIESZALSKI
Saxophonist and clarinettist who graduated from the Academy
of Music in Kraków. Since the early childhood he has been fascinated
by avant-garde jazz, improvised music, and new sounds, and open
to all music genres. He has participated in numerous festivals,
including: Moers Jazz Festival, Delhi Jazz Festival, Utsav Jazz Festival,
EXPO Shanghai 2010, European Jazz Festival in Athens, Ars Musica
Festival Brussels, Jazzforum Budapest, Warsaw Summer Jazz Days,
Tauron Nowa Muzyka, Open’er Festival, OFF Festival, Enter Music
Festival. He performed in many concert halls and during various
radio and TV concerts. His main area of interest is improvised music
and recorded his album BARENESS together with Tomasz Sroczyński.
He is a member of Wojtek Mazolewski Quintet. He has also performed
and recorded with Dennis González and his Yealls At Eels, Marco
Eneidi, Piotr Damasiewicz i Power of the horns, Empe 3 Mateo
Pospieszalski Project, YeShe, Graal, Yanina Free Wave. He has also
cooperated with Krzysztof Knittel, Maciej Obara, Paweł Kaczmarczyk,
Nikola Kołodziejczyk, Jerzy Mazzoll, Rafał Mazur, as well as pop,
electronic and rock artists, including Igor BOXX(Skalpel), Fisz/Emade,
Zakopower, Armia. He is a member of Tirvious Wagon band together
with Qba Janicki, Bartłomiej Chmara and Tomasz Sroczyński. He is also
a member of a family band Santa Barbara with his brother Łukasz
and cousins – Szczepan and Nikodem.
Bartłomiejem Chmarą i Tomaszem Sroczyńskim współtworzy zespół
Tirvious Wagon. Razem z bratem Łukaszem oraz kuzynami Szczepanem
i Nikodemem tworzą synthpopowy zespół Santa Barbara.
OSKAR TÖRÖK
Absolwent Akademii Muzycznej w Katowicach, specjalność - trąbka,
ukończona pod kierunkiem dr. hab. Piotra Wojtasika. Współzałożyciel/
członek projektów: Oskar Maurice, Vertigo, Bucinatores Orchestra,
Concept Art Orchestra, Points Septet, Points Rataj Quintet, Wojtek
Mazolewski Quintet, Iva Bittová a Čikori, Leszek Mozdzer, Iva Bittová,
Dresch Mihály, Oskar Török – Mosty Gesharim 2012, Vladimír Václavek,
Sato-San To. Współpraca w projektach muzycznych zaowocowała
wieloma albumami, między innymi: Vertigo, Live U Staré Paní,
Vertigo Quintet & Dorota Barová, Metamorphosis, TAJ, Skinny, Salep
Obludárium, Smells Like Tape Spirits, Wojtek w Czechosłowacji,
Polka, Zvon, Imprints, Zorya, Auris, Barvy Radugy, Chord Nation, Barok
Progresywny, Dance Of Hunchback.
HALINA PRZEBINDA
Menadżer kultury, reżyser, producent programów i widowisk
artystycznych oraz festiwali, juror European Festivals Association.
OSKAR TÖRÖK
He has graduated from the Karol Szymanowski Academy of Music
in Katowice, under the direction of professor dr hab. Piotr Wojtasik,
jazz trumpet. He has been a co-founder and member of various
projects, including: Oskar Maurice, Vertigo, Bucinatores Orchestra,
Concept Art Orchestra, Points Septet, Points Rataj Quintet, Wojtek
Mazolewski Quintet, Iva Bittová a Čikori, Leszek Mozdzer, Iva Bittová,
Dresch Mihály, Oskar Török – Mosty Gesharim 2012, Vladimír Václavek,
Sato-San To. He has recorded many albums, among others: Vertigo,
Live U Staré Paní, Vertigo Quintet & Dorota Barová, Metamorphosis,
TAJ, Skinny, Salep Obludárium, Smells Like Tape Spirits, Wojtek
w Czechosłowacji, Polka, Zvon, Imprints, Zorya, Auris, Barvy Radugy,
Chord Nation, Barok Progresywny, Dance Of Hunchback.
HALINA PRZEBINDA
Halina Przebinda is a culture manager, director and producer
of artistic programmes, shows and festival; member of the European
Festivals Association. She graduated from the Philosophy and History
Department at Jagiellonian University in Krakow. Przebinda began
her career as a Programme Director of the Rotunda Student Culture
Centre at Jagiellonian University and as Director of the Student Song
23
Absolwentka Wydziału Filozoficzno-Historycznego UJ. Debiutowała
jako Dyrektor Programowy Centrum Kultury Studenckiej UJ Rotunda
i Dyrektor Studenckiego Festiwalu Piosenki. W 1995 roku założyła
firmę TOProduction, specjalizującą się w produkcji spektakularnych
przedsięwzięć, programów telewizyjnych i filmów dokumentalnych.
W swoich pracach wykorzystuje nowoczesne techniki, łącząc koncerty
z grafiką i animacją. Jako pierwsza w Polsce rejestrowała programy
muzyczne i koncerty w technice 3D. Dyrektor Biura Programowego TVP
S.A. w latach 2008 – 2009. Jej realizacje są emitowane na antenach
TVP1, TVP2, TVP Rozrywka, TVP Info, TVP Kultura, TVP Polonia, TV Polsat.
Programy jej autorstwa były wielokrotnie nominowane i nagradzane
na festiwalach i przeglądach krajowych i międzynarodowych.
Odznaczona Krzyżem Kawalerskim Orderu Odrodzenia Polski za wybitne
zasługi w pracy twórczej i działalności artystycznej, za osiągnięcia
w promowaniu polskiej kultury.
KUBA MIKURDA
Krytyk, tłumacz, redaktor, teoretyk filmu. Wykłada w Szkole Filmowej
w Łodzi. Autor monografii „Nie-całość. Zizek, Dolar, Zupancic”.
Zredagował m.in. książki poświęcone twórczości Terry’ego Gilliama,
Braci Quay (z Adrianą Prodeus), Waleriana Borowczyka (z Michałem
Oleszczykiem i Kamilą Kuc) i surrealizmowi w kinie polskim
(z Kamilą Wielebską). Pięciokrotnie nominowany do nagrody PISF
w kategoriach książka o filmie oraz audycja radiowa/program
telewizyjny. Współzałożyciel think-tanku „Restart”. Dwukrotny prezes
Stowarzyszenia Film 1,2. Współpracował między innymi z Canal+,
Katedrą Kultury Współczesnej (IK UJ), MFF T-Mobile Nowe Horyzonty
i Krytyką Polityczną. Przełożył „Realne spojrzenie. Teoria kina po
Lacanie” Todda McGowana i fragmenty „Lacrimae rerum. Kieślowski,
Hitchcock, Tarkowski, Lynch” Slavoja Žižka.
Festival. In 1995 she founded TOProduction, a company specialized
in producing spectacular projects, TV programmes and documentary
films. Her works embrace modern technology, combining concerts
with graphics and animation. Halina Przebinda pioneered 3D
recording of music programmes and concerts in Poland. In the years
2008 – 2009 she held the position of Director of Programme Office
on Polish Television. Broadcast on TVP1, TVP2, TVP Rozrywka, TVP
Info, TVP Kultura, TVP Polonia, TV Polsat, her productions received
numerous nominations and awards at domestic and foreign festivals
and reviews. She has been awarded the Knight’s Cross of the Order
of Polonia Restituta for her outstanding achievements in the creation
and promotion of Polish culture.
KUBA MIKURDA
Kuba Mikurda is a film critic and theoretician, translator and book
editor. He teaches at the Film School in Lodz. He authored
a monograph titled ”Nie-całość. Zizek, Dolar, Zupancic.” He edited
and co-edited books about Terry Gilliam, Brothers Quay (with Adriana
Prodeus), Walerian Borowczyk (with Michał Oleszczyk and Kamila
Kuc) and surrealism in Polish cinema (with Kamila Wielebska). He
is five-time Polish Film Institute award nominee for best author
of a book about films and radio/TV show. Mikurda is a co-founder
of the ”Restart” think-tank. He was twice appointed President
of the Film 1,2 Association. He has collaborated with Canal+,
Jagiellonian University’s Department of Modern Culture, MFF T-Mobile
Nowe Horyzonty Film Festival and Krytyka Polityczna. He translated
into Polish Todd McGowan’s ”The Real Gaze: Film Theory After Lacan”
and selections from Slavoj Žižek’s ”Lacrimae rerum. Kieślowski,
Hitchcock, Tarkowski, Lynch.”
„Dolina Kreatywna, czyli czego szuka młoda sztuka” organizowanego
przez TVP Kultura (2014 r.), finalistka międzynarodowego konkursu
Slideluck Warsaw (2014) oraz trzykrotnie wyróżniona na International
Photography Awards (2 x 2014, 2012). Jest również laureatką
konkursów dziennikarskich i dramaturgicznych. Jej fotografie i filmy
były pokazywane na licznych wystawach w Polsce i za granicą.
W 2015 r. jej prace można było oglądać na Festiwalu TIFF we
Wrocławiu, Międzynarodowym Festiwalu Fotografii Interphoto
w Białymstoku i Opolskim Festiwalu Fotografii OFFoto. Magdalena
Franczuk kolekcjonuje starocie i bibliofilskie egzemplarze książek.
To właśnie ślady przeszłości inspirują ją najbardziej. Jej styl
fotograficzny syntetyzuje rozległe inspiracje malarstwem, filmem,
teatrem i literaturą. Obecnie pracuje nad projektem „The Book
of Wonder” („Księga Cudowności”), który zostanie zaprezentowany na
jej wystawie indywidualnej w CSW Zamku Ujazdowskim oraz w postaci
wydawnictwa książkowego.
or what young art is looking for” organized by TVP Kultura (2014)
and the international Slideluck Warsaw (2014); she is also a three-time
winner of honourable mentions from the International Photography
Awards Competition (2 x 2014, 2012). In addition to this, she also won
numerous journalism and playwriting contests. Her photographs
and films were shown at domestic and international exhibitions.
In 2015 her works were displayed at the TIFF Festival in Wrocław,
International Photography Festival ”Interphoto” in Białystok,
and OFFoto Photography Festival in Opole. Magdalena Franczuk
collects antiques and luxury book editions. The past is what inspires
her most. Her photographic style is a synthesis of vast spectrum
of painting, film, theatre and literature inspirations. Currently she
is working on a project titled ”The Book of Wonder,” which will
be displayed at her solo show at the Ujazdowski Castle Centre
for Contemporary Art and published as a book.
MOPITOE (MOLIBDEN PINKY TOE)
MOPITOE (MOLIBDEN PINKY TOE)
Powstały w 2015 roku kolektyw artystyczny skupiający artystów
o niebanalnej percepcji. Założony w Łodzi przez Bognę Kowalczyk
(reżyserka, animatorka) i Małgorzatę Andrys (scenografka, graficzka)
kolektyw szybko powiększył się o innych artystów poznanych
w Łódzkiej Szkoły Filmowej - Konrada Śniadego (reżyser, montażysta)
oraz Monikę Łuczak (fotografka). Kolektyw zajmuje się szeroko
pojętą sztuką wizualną od produkcji klipów muzycznych, scenografii
wirtualnej, przez wizualizacje, po wystawy galeryjne. Z każdym
kolejnym działaniem MoPiToe walczy o miejsce dla sztuki w kulturze
masowej łącząc artystyczne formy wyrazu z estetyką popkultury.
MoPiToe (Molibden Pinky Toe) is a collective of artists with original
perception. Founded in 2015 in Lodz by Bogna Kowalczyk (director,
animator) and Małgorzata Andrys (stage designer, graphic artist),
the collective quickly expanded to include two artists graduated
from the Film School in Lodz, Konrad Śniady (director, film editor)
and Monika Łuczak (photographer). The collective deals with visual
art, from music clip production and virtual stage design to visual
art and gallery exhibitions. MoPiToe struggles with its every action
to place art in mass culture by combining forms of artistic expressions
with pop-culture aesthetics.
MAGDALENA FRANCZUK
MAGDALENA FRANCZUK
Studentka V roku fotografii PWSFTviT w Łodzi, reżyserka krótkich
form filmowych, z pasją sięga również po pióro. Stypendystka Ministra
Kultury i Dziedzictwa Narodowego z 2015 r. Laureatka konkursu
24
Magdalena Franczuk is a fifth year student of photography at the Film
School in Lodz, director of short films and writer. In 2015 she received
a scholarship from the Minister of Culture and National Heritage.
Franczuk won numerous competitions including ”Creative valley,
Kuba Mikurda, fot. Magdalena Franczuk
Magdalena Franczuk, fot. ze zbiorów artystki
25
„ŻYWIOŁY” PERFORMENS DŹWIĘKOWY / PREMIERA
/ ZAMÓWIENIE FESTIWALU KODY
“THE ELEMENTS” SOUND PERFORMANCE / PREMIERE
/ COMMISSIONED BY THE FESTIVAL
Hans van Koolwijk (Holandia) – obiekty dźwiękowe, wykonanie
Hans van Koolwijk, Jan Bernad – scenariusz muzyczny
Zespół Muzyki Tradycyjnej Ośrodka Międzykulturowych Inicjatyw
Twórczych „Rozdroża” pod kier. Moniki Mamińskiej
i Jana Bernada – śpiew
Hans van Koolwijk (The Netherlands) – sound objects, performed
by Hans van Koolwijk, Jan Bernad – music scenario
Traditional Music Ensemble of The Centre for Intercultural Creative
Initiatives “Crossroads” directed by Monika Mamińska
and Jan Bernad – vocals
U podstaw kompozycji „Żywioły” leżą pytania o początki muzyki,
artykulacji dźwięku, świadomości mowy, śpiewu i kopiowania
otaczającej człowieka fonosfery. Projekt jest efektem pracy
laboratoryjnej prowadzonej w latach 2014-2015 pod kierunkiem
Jana Bernada nad fenomenem zjawisk akustycznych powstających
podczas wykonywania tradycyjnych pieśni tradycyjnymi technikami.
Zastosowane procedury i metody wyodrębniły te zjawiska w na tyle
dużym stopniu, że pozwoliło to na postawienie tezy, że: alikwoty,
„uderzenia diafoniczne” (beat diaphony) były w przeszłości integralną
częścią śpiewu archaicznego. Traktowano je jako naturalną część
dźwięku, przypisując im jednocześnie pochodzenie ze sfer świata
niewidzialnego. Dziś wiele tych zjawisk można odnaleźć w efektach
muzyki eksperymentalnej XX i XXI w. osiąganych przy pomocy urządzeń
elektronicznych, czy preparowaniu instrumentów. Potwierdza to tezę,
że „historia muzyki zatoczyła koło i wróciła do punktu wyjścia”.
Wróciła, ale już bez funkcji łączenia widzialnego świata z sakralnym
wymiarem świata niewidzialnego.
What stands at the core of the composition entitled “The Elements”
are questions about the origin of music, the articulation of sound,
the awareness of speech, singing and imitation of the surrounding
phonosphere. The project is the outcome of an experimental study
conducted under Jan Bernad in 2014-2015 on acoustic phenomena
which occur during the performance of traditional songs by traditional
techniques. The applied procedures and methods helped distinguish
these phenomena to a great extent, leading to a thesis that
harmonics and beat diaphony used to make part of archaic singing.
They were considered inherent in sound and thought to come
from the invisible world. Many of these phenomena can today be
found in the effects produced using electronic devices or prepared
instruments in twentieth and twenty-first century experimental
music. This confirms the thesis that “the history of music has come
full circle and returned to the starting point.” Even though it has come
back to the starting point, it no longer connects the visible world with
the sacred dimension of the invisible.
Kompozycja „Żywioły” to spotkanie dwóch światów muzyki: śpiewu
i muzyki instrumentalnej w kontekście pytań o źródła muzyki i kultury
człowieka. Z nadzieją i ciekawością podejmujemy to wyzwanie.
“The Elements” is a meeting of two musical worlds – the world
of singing and the world of instrumental music; a meeting which
raises questions about the origins of music and human culture.
Curious about the outcome of this meeting, we take this challenge.
-Jan Bernad
-Jan Bernad
HANS VAN KOOLWIJK (HOLANDIA)
HANS VAN KOOLWIJK (THE NETHERLANDS)
Holenderski artysta dźwiękowy i konstruktor eksperymentalnych
instrumentów. Od 1986 roku pracuje i porusza się w przestrzeni między
sztukami wizualnymi a muzyką. Koncertował w takich miejscach
jak Stedelijk Museum w Amsterdamie, Muzeum Sztuki Współczesnej
Le Casino w Luksemburgu, wystawiał swoje prace w salach
koncertowych – Rudolfinum w Pradze i Recital Hall w amsterdamskim
Concertgebouw. Van Koolwijk występuje na całym świecie
i współpracuje z różnymi artystami przy różnorodnych projektach.
W 1998 roku współprodukował operę pod kierownictwem Agnes
Ponizil dla Drezdeńskiego Centrum Muzyki Współczesnej, w 2001 roku
występował z Willemem Tanke na organach podczas Biennale Muzyki
w Rotterdamie, w 2000 roku ze Schreck Ensemble w Kunsthaus Essen,
a w roku 2002 z Noise Makers Fifes – eksperymentalnym zespołem
z Brukseli – w centrum kultury De Vooruit w Gandawie.
26
ZMT OMIT “Rozdroża”, fot. Renata Kamola
Hans van Koolwijk is a Dutch sound artist and builder of experimental
musical instruments. Since 1986 he has been working in the space
between visual art and music. He has given concerts in museums
such as the Amsterdam Stedelijk Museum and Le Casino, the Museum
of Contemporary Art in Luxembourg, and has also had exhibitions
in concert halls such as the Rudolfinum in Prague and the Recital
Hall of the Amsterdam Concertgebouw. Van Koolwijk has given
many performances around the world and has also worked together
with various performers, including an opera production by Agnes
Ponizil for the Dresden Centre for Contemporary Music 1998, with
Willem Tanke on organ for the 2001 Rotterdam Music Biennial, with
the Schreck Ensemble in the Kunsthaus in Essen in 2000, and with
the Noise Makers Fifes, a Brussels-based experimental group in Gent
in 2002.
27
Hans van Koolwijk, fot. ze zbiorów artysty
Jego najważniejsze dzieło – „Bambuso Sonoro” – narodziło się
z pomysłu na ukazanie solisty grającego równocześnie na wielu
fletach. Bambuso to rzeźba dźwiękowa wykorzystywana czasem w roli
instrumentu muzycznego, dzięki czemu doznania wizualne są ściśle
związane z dźwiękowymi. Od 30 lat van Koolwijk tworzy coraz to nowe
urządzenia dźwiękowe – niektóre proste, inne bardzo skomplikowane.
Jedną z niezwykłych rzeźb dźwiękowych stworzonych przez van
Koolwijka jest „Klankkaatser” – wysoki przedmiot w kształcie elipsy,
wewnątrz którego umieszczono urządzenie dźwiękowe składające
się z fletów. Poprzez zróżnicowanie ciśnienia wiatru, dźwięki fletów
różnią się między sobą głośnością, tonami, barwą i tempem.
Światło w „Klankkaatserze” zmienia kolory i intensywność i jest
zsynchronizowane z kompozycją dzieła muzycznego. Dźwięk i obraz
pokrywają się i dzięki temu odbiorca może odnieść wrażenie, że widzi
dźwięk.
Jan Bernad, fot. Ernest Klęgorek
“Bambuso Sonoro”, his central work, originates from the idea
of a single performer operating multiple flutes simultaneously.
The Bambuso is an unpolished sound sculpture that is sometimes
used as a musical instrument, whereby the visual is closely related
to the aural. For the last 30 years, van Koolwijk has been creating
and constantly adding to his extensive palette of sound machines,
some very simple and others very complex. One of the outstanding
sound sculptures created by van Koolwijk is the “Klankkaatser” –
a high elliptically shaped object in which there is a sound machine
of flutes. Through variations in wind pressure, the sounds of the flutes
differ in volume, tone, timbre and tempo. The light in de Klankkaatser
changes in colour and intensity and is synched with the musical
composition. Sound and image overlap, as if you were watching sound
itself.
JAN BERNAD
JAN BERNAD
Artysta muzyk, kompozytor, badacz kultury tradycyjnej. W Iatach
1974-76 pracował przy realizacji projektów parateatralnych w Teatrze
28
Laboratorium J. Grotowskiego. W roku 1977 znalazł się w pierwszym
składzie Teatru Gardzienice, gdzie przez 7 lat pracował jako muzyk
i aktor. W roku 1991 zainicjował powołanie w Lublinie Fundacji „Muzyka
Kresów”, w ramach której współorganizował festiwale muzyki
tradycyjnej, koncerty, konferencje naukowe, warsztaty muzyczne
i badania terenowe (od roku 1998 Międzynarodową Letnią Szkołę
Muzyki Tradycyjnej, a od 1999 Festiwal „Najstarsze Pieśni Europy”). W ramach Fundacji w roku 1999 powołał, wraz z Moniką Mamińską, Zespół
Międzynarodowej Szkoły Muzyki Tradycyjnej rekonstruujący i wykonujący
polskie świeckie i religijne pieśni tradycyjne. W 2006 r. Zespół wystąpił
podczas 49. edycji Festiwalu Muzyki Współczesnej „Warszawska
Jesień”, co dało początek serii projektów łączących muzykę tradycyjną
z muzyką współczesną m.in. w utworach K. Knittla, T. Wieleckiego, T. Stańki,
J. Kornowicza, J. Szmytki i A. Kościówa. Autor spektakli muzycznych
„Pieśni polskie” (2005) i „Trzy dźwięki” (2008). Współpracował m.in.
z Teatrem Narodowym w Warszawie, Teatrem Starym w Krakowie
i Teatrem Nowym w Łodzi pisząc muzykę do spektakli teatralnych.
Inicjator powołania w 2008 roku w Lublinie Ośrodka Międzykulturowych
Inicjatyw Twórczych „Rozdroża”, w którym pełni funkcję dyrektora
artystyczno-programowego. Pomysłodawca i współtwórca Festiwalu
Tradycji i Awangardy Muzycznej KODY w Lublinie. W 2011 roku
odznaczony brązowym Medalem Gloria Artis – Zasłużony Kulturze
za osiągnięcia na rzecz upowszechniania muzyki tradycyjnej oraz
budowanie związków pomiędzy muzyką tradycyjną, a współczesną.
worked with the Gardzienice theatre as a musician and actor.
In 1991 he initiated the establishment of Muzyka Kresów Foundation
(Borderland Music Foundation) that has organized traditional
music festivals, concerts, seminars, workshops and field studies,
including International Summer School of Traditional Music (since
1998), and The Oldest Songs of Europe Festival (since 1999). In 1999,
together with Monika Mamińska, he established The International
School of Traditional Music Ensemble that reconstructs and performs
Polish religious and secular traditional songs. In 2006 the Ensemble
performed at the 49th Warsaw Autumn Festival and it initiated a series
of projects combining traditional and contemporary music in works
of such composers as K. Knittel, T. Wielecki, T. Stańko, J. Kornowicz,
J. Szmytka, and A. Kościów. Jan Bernad authored “Pieśni Polskie” (Polish
Songs) and “Trzy dźwięki” (Three Sounds) music performances. He
has cooperated with the National Theatre in Warsaw, The Helena
Modrzejwska National Stary Theatre in Cracow, and Kazimierz Dejmek
New Theatre in Łódź and wrote music to theatre performances.
He is the initiator of the “Rozdroża” (Crossroads) Centre for Crosscultural Creative Initiatives founded in 2008 in Lublin, where he
is the Artistic and Programme Director. He is also the initiator and cocreator of the CODES – Festival of Traditional and Avant-garde Music.
In 2011 he was awarded the Medal for Merit to Culture – Gloria Artis
for his achievements in the field of promotion of traditional music
and bringing together traditional and contemporary music.
ZESPÓŁ MUZYKI TRADYCYJNEJ OŚRODKA MIĘDZYKULTUROWYCH
INICJATYW TWÓRCZYCH „ROZDROŻA” POD KIER. MONIKI MAMIŃSKIEJ
I JANA BERNADA
TRADITIONAL MUSIC ENSEMBLE OF THE CENTRE FOR INTERCULTURAL
CREATIVE INITIATIVES “CROSSROADS” DIRECTED BY MONIKA
MAMIŃSKA AND JAN BERNAD
Zespół Muzyki Tradycyjnej Ośrodka Międzykulturowych Inicjatyw
Twórczych „Rozdroża” powstał z grup warsztatowych prowadzonych
przez Monikę Mamińską od 2008 r. Członkowie zespołu opanowali
tradycje śpiewacze Kurpiów, Lubelszczyzny i Podlasia, śpiewają też
pieśni z różnych regionów Ukrainy. Zespół brał udział w projektach
łączących pieśni tradycyjne z innymi gatunkami muzyki, m.in.
z muzyką improwizowaną w projekcie „Arytmiczne wariacje na
osiem pieśni wiosennych” z Jerzym Mazzollem, w kompozycjach Lidii
Zielińskiej „Zagubione ogniwo” i Krzysztofa Cybulskiego „Sześć wariacji
na temat litewskiej pieśni tradycyjnej” z Mikołajem Pałoszem oraz
w happeningu muzycznym „Korowód wiosenny” Jana Bernada.
The Traditional Music Ensemble of The Centre for Intercultural
Creative Initiatives “Crossroads” was established on the basis
of traditional singing workshop groups conducted by Monika
Mamińska since 2008. The members of the ensemble are conversant
with the folk repertoire of the Podlasie, Kurpie and Lublin regions as
well as with songs from diverse parts of Ukraine. So far, the Ensemble
has taken in interdisciplinary projects fusing traditional songs
with other genres of music, among others performing improvised
music alongside clarinettist Jerzy Mazzoll (“Arrhythmic Variations
on Eight Songs of Spring”), performing alongside Mikołaj Pałosz “Six
Variations on a Traditional Lithuanian Song” by Krzysztof Cybulski,
and participating in Jan Bernad’s music happening entitled “Spring
Procession.”
Skład: Marianna Bartnik, Anna Długosz, Renata Franczak, Ilona
Gumowska, Magdalena Jakubowska, Hanna Linkowska, Paulina Litwin,
Paulina Malarczy, Weronika Nowacka, Ewa Rydzewska, Aleksandra
Wójcik; prowadzenie: Jan Bernad; współpraca: Monika Mamińska
Members: Marianna Bartnik, Anna Długosz, Renata Franczak, Ilona
Gumowska, Magdalena Jakubowska, Hanna Linkowska, Paulina Litwin,
Paulina Malarczy, Weronika Nowacka, Ewa Rydzewska, Aleksandra
Wójcik; Director: Jan Bernad; Cooperation: Monika Mamińska
Artist, musician, composer, and researcher of traditional music.
In the years 1974-1976 he was involved in para-theatrical projects
at J. Grotowski’s Laboratory Theatre. In the years 1977-1983 he
29
PIOTR KUREK „IVY SNOWSTALKERS OF ANCIENT APRON”
(„BLUSZCZOWE PRZEŚNIEGOŚLADOWCE Z ANTYCZNEGO CHAŁATU”)
OPERA-NOWA / PREMIERA / ZAMÓWIENIE FESTIWALU KODY
PIOTR KUREK “IVY SNOWSTALKERS OF ANCIENT APRON”
OPERA NOUVEAU / PREMIERE
/ COMMISSIONED BY THE FESTIVAL
Piotr Kurek – muzyka, dramaturgia
Michał Libera – libretto, dramaturgia
Łukasz Sosiński – scenografia
Laura Ociepa – wizualizacje
Magdalena Łazarczyk – kostiumy
Natalia Przybysz – głos
Anastazja Bernad – głos
Hilary Jeffery – puzon
Kamil Szuszkiewicz – trąbka
Jerzy Rogiewicz – instrumenty perkusyjne
Hubert Zemler – instrumenty perkusyjne
Piotr Kurek – music, drama
Michał Libera – libretto, drama
Łukasz Sosiński – stage design
Laura Ociepa – video design
Magdalena Łazarczyk – kostiumy
Natalia Przybysz – vocal
Anastazja Bernad – vocal
Hilary Jeffery – trombone
Kamil Szuszkiewicz – trumpet
Jerzy Rogiewicz – drums and percussion
Hubert Zemler – drums and percussion
Pierwsza opera w karierze Piotra Kurka to utopijna fantazja na temat
świata, z którego z dnia na dzień znikają ludzie. Osią narracji jest
skrupulatnie podbudowana naukowo fantazja na ten temat autorstwa
Alana Weismana przedstawiona w książce „World Without Us”. Bardziej
niż sugestywną prognozą czy rzewną refleksją na temat tego „co po
nas”, jest ona błyskotliwą i rzeczową analizą tego, co nasze zniknięcie
umożliwi; jakie procesy uruchomi, jakie formy życia i nie-życia stworzy.
Co stanie się z pozostawionym po nas jedzeniem, jak zachowają się
systemy kanalizacji wyjęte spod naszej kontroli i jaki będzie krajobraz
naszej planety, kiedy Koloseum będzie już nic nie znaczącym gruzem
pożartym przez przyrodę?
Piotr Kurek’s debut opera is a utopian fantasy about the world
where people disappear every day. The plot of this science fantasy
is based on Alan Weisman’s book “The World Without Us.” More
than a suggestive forecast or wistful reflection on what will happen
“after us”, the opera is a brilliant and factual analysis of the things
that will lead to our disappearance; the processes this will start, as
well as the forms of life and non-life it will create. What will happen
to the food left behind? How will the sewage systems devoid of human
control behave? And finally, what will the landscape of our planet be
like when the Coliseum will become nothing but insignificant debris
devoured by nature?
„Bluszczowe prześniegośladowce z antycznego chałatu” to kameralna
opera odwołująca się do redukcjonistycznej estetyki tego gatunku
powstałej w latach 60. w Stanach Zjednoczonych. Nie ma w niej
miejsca na śpiewane dialogi między divami operowymi, ani feerię
efektów scenograficznych. Zakłada ona, że każdy muzyk na scenie
zawsze już jest aktorem, który pracuje z przedmiotami i narracjami
i z tej właśnie obserwacji tworzy ona określony „krajobraz postaci”,
których celem jest opowiedzenie pokaźnej historii w muzycznym
formacie.
“Ivy Snowstalkers of Ancient Apron” is a chamber opera referring
to the reductionist aesthetics of this genre created in the 1960s
in the United States. There is no room here for dialogues sung
by opera divas or a cornucopia of stage design effects. The genre
assumes that every musician on stage becomes an actor working
with objects and narratives, and, based on this assumption, the opera
creates a specific “landscape of characters”, the purpose of which
is to tell an epic story in a music format.
Projekt zamówiony przez Festiwal KODY jest pierwszą tak szeroko
zakrojoną próba wejścia Piotra Kurka w świat muzyki instrumentalnej.
Znany ze swych projektów elektronicznych, a w szczególności muzyki
syntezatorowej, w „Bluszczowych prześniegośladowcach z antycznego
chałatu” zajmie się przełożeniem swych doświadczeń na sekstet
muzyków związanych z muzyką nie-akademicką, w większości
tworzących na warszawskiej scenie niezależnej. Odpowiadając
na główny temat opery, przygotuje on muzykę odnoszącą się do
proceduralności rządzącej światem techniki i natury, których procesy
bez udziału człowieka zyskują swą własną logikę.
Commissioned by the CODES Festival, the project is Piotr Kurek’s first
such a large-scale attempt to enter the world of instrumental music.
Renowned for his electronic music projects, in particular synthesizer
music, in “Ivy Snowstalkers of Ancient Apron” Kurek tries to convey
his experiences through a sextet of musicians associated with nonacademic music who operate mainly on Warsaw’s independent music
scene. Responding to the main theme of the opera, Kurek will prepare
music referring to procedures that govern the world of technology
and nature, the processes of which gain their own logic when devoid
of human interference.
-Piotr Kurek, Michał Libera
-Piotr Kurek, Michał Libera
30
Piotr Kurek, fot. Laura Ociepa
31
PIOTR KUREK
PIOTR KUREK
ŁUKASZ SOSIŃSKI
Muzyk i kompozytor. Współpracował z grupami teatralnymi i tańca
współczesnego: TR Warszawa, Lubelskim Teatrem Tańca i Centre
Chorégraphique National de Rillieux-la-Pape oraz niezależnymi
choreografami i reżyserami, m.in. Anna Ladas, Magdaleną Szpecht,
Ryszardem Kalinowskim i Robertem Drobniuchem. Jest autorem
wielu projektów instrumentalnych Heroiny, Suaves Figures (z Sylvią
Monnier), Piętnastka (z Hubertem Zemlerem), ABRADA (z Francesco
de Gallo). Uczestniczył w festiwalach muzycznych i teatralnych, m.in.
Unsound (Nowy Jork), CTM (Berlin), UH Fest (Budapeszt), OFF Festival
(Katowice). W 2014 i 2015 roku był gościem specjalnym na europejskiej
trasie amerykańskiego gitarzysty i wokalisty Bonnie „Prince” Billy’ego.
Musician and composer. He has collaborated both with theatre
and modern dance companies, e.g., TR Warszawa, Lublin Dance
Theatre, Centre Chorégraphique National de Rillieux-la-Pape, and with
independent choreographers and directors, including Anna Ladas,
Magdalena Szpecht, Ryszard Kalinowski and Robert Drobniuch. Kurek
authored many instrumental projects: Heroiny, Suaves Figures (with
Sylvia Monnier), Piętnastka (with Hubert Zemler), ABRADA (with
Francesco de Gallo). He has performed at music and theatre festivals
including Unsound (New York), CTM (Berlin), UH Fest (Budapest),
OFF Festival (Katowice). In 2014 and 2015 he was a special guest
on the European tour of American guitarist and vocalist Bonnie
“Prince” Billy.
Artysta wizualny. Zajmuje się m.in. instalacją i szeroko rozumianym
obrazem. Wystawiał w licznych miejscach w kraju i Europie.
Współpracuje z Galerią Wschód. Wspólnie z Magdaleną Łazarczyk
prowadzi w Warszawie projekt artystyczno-kuratorski Realny Obszar
Działań. W latach 2012-14 członek grupy muzycznej Airth, z którą
wspólnie z Piotrem Szwajgrem wykonywał muzykę do czytania
dramatu „Pod” Szczepana Orłowskiego w Teatrze Nowym w Warszawie.
Doktorant na Interdyscyplinarnych Studiach Doktoranckich na
Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu.
MICHAŁ LIBERA
MICHAŁ LIBERA
Socjolog zajmujący się muzyką od 2003 roku, ostatnio głównie jako
dramaturg, autor esejów dźwiękowych, oper i eksperymentalnych
form radiowych, przy których współpracuje m.in. z Martinem
Küchenem, Ralfem Meinzem, Rinusem van Alebeekiem, Joanną
Halszką Sokołowską, Danielem Muzyczukiem, Komuną// Warszawa
(premiery na festiwalu Ciało/Umysł, w Muzeum Sztuki Nowoczesnej,
na Off-Biennale w Budapeszcie). Libera prowadzi konceptualnopopowe wydawnictwo Populista poświęcone nadinterpretacji
muzyki oraz produkuje serie reinterpretacji muzyki z archiwów
Studia Eksperymentalnego Polskiego Radia (Bôłt Records). Jest
kuratorem rozmaitych koncertów, festiwali i anty-festiwali, programów
muzycznych do wystaw, w tym laureatem wyróżnienia na 13-tym
Biennale Architektury w Wenecji.
Sociologist by education who started doing music in 2003. He
is a playwright, author of sound essays, operas and experimental
radio forms created in collaboration with Martin Küchen, Ralf Meinz,
Rinus van Alebeek, Joanna Halszka Sokołowska, Daniel Muzyczuk,
Komuna//Warszawa (premiered at Body/Mind Festival, Museum
of Modern Art, Off-Biennale Budapest). Libera runs a conceptual
pop label called “Populista” devoted to musical over-interpretation,
and produces a series of reinterpretations of music from the archives
of the Polish Radio Experimental Studio (Bôłt Records). He has curated
a variety of concerts, festivals and anti-festivals, music programmes
for exhibitions; he also won the honourable mention award at the 13th
Architecture Biennale Venice.
ŁUKASZ SOSIŃSKI
Visual artist. He creates installations and visual art. His works were
exhibited in many places in Poland and across Europe. He collaborates
with Galeria Wschód. In Warsaw he co-runs with Magdalena Łazarczyk
an art curated project ”Realny Obszar Działań.” From 2012 to 2014
he was a member of the band Airth, and in collaboration with Piotr
Szwajgier they performed music for the reading of Szczepan Orłowski’s
drama ”Pod”, staged at Nowy Teatr in Warsaw. Currently he is enrolled
in the Interdisciplinary Doctoral Studies at the University of Arts
in Poznan.
LAURA OCIEPA
Michał Libera, fot. Igor Omulecki
32
Visual artist, who uses various media in her work. Currently studying
in Warsaw. Her photographs have been published in Polish
and international magazines. She shows her videos and performances
to her friends. Ociepa’s works were displayed at exhibitions and group
projects, including “Young Fashion Photographers Now” and “Wola
Warm-up.” Her solo show titled “Rutyny i Anomalie” was a project
LAURA OCIEPA
Artystka wizualna tworząca za pomocą różnych mediów. Studiuje
w Warszawie. Fotografie publikuje w polskich i zagranicznych
magazynach. Video i performens pokazuje znajomym. Brała
udział w wystawach i projektach zbiorowych m.in „Young Fashion
Photographers Now”, „Wola Warm-up”. Na wystawie indywidualnej
„Rutyny i Anomalie” prezentowała projekt zainspirowany nowymi
legendami miejskimi.
MAGDALENA ŁAZARCZYK
Absolwentka studiów licencjackich kierunku: Sztuka Rejestracji Obrazu
na wydziale Komunikacji Multimedialnej poznańskiego Uniwersytetu
Artystycznego. W 2015 obroniła dyplom magisterski na wydziale
Sztuki Mediów Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie zrealizowany
w Pracowni Działań Przestrzennych prof. Mirosława Bałki. W swoich
działaniach używa różnych mediów, takich jak: video, fotografia,
instalacja, performens. Finalistka konkursu „Artystyczna Podróż Hestii
(2014) oraz Biennale Sztuki Młodych Rybie Oko 7 (2013). Laureatka
Nagrody Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego za wybitne
osiągnięcia w twórczości artystycznej (2015). Otrzymała nagrodę
Zaiksu za najlepszą pracę dyplomową w dziedzinie sztuki nowych
mediów na wystawie „Coming Out” 2015, oraz honorowe wyróżnienie
na Wystawie Najlepszych Dyplomów ASP w Gdańsku (2015).
NATALIA PRZYBYSZ
Znana szeroko jako wokalistka polskiego zespołu soul i R&B Sistars.
Po zawieszeniu zespołu Sistars działalność Natalii możemy śledzić
głównie pod nazwą Natu (solowy projekt), gdzie poza kompozycjami
i licznymi kolaboracjami producenckimi (Envee, Trębski, Zagórski,
Zabrodzki) stała się liderem zespołu z niepowtarzalną energią, którą
można poczuć podczas występów live. Inspirowana soulem, jazzem
i funkiem nie kryje pasji dla starych, analogowych brzmień z wytwórni
Motown i instrumentów z epoki. Wydała albumy: „Natu & Envee –
Maupka Comes Home”(2008) i „Gram Duszy”(2010). W sierpniu 2011 r.
Natu supportowała Erykę Badu na jej koncercie w Warszawie. Latem
Łukasz Sosiński, fot. ze zbiorów artysty
inspired by new urban legends.
MAGDALENA ŁAZARCZYK
Magdalena Łazarczyk is a young artist living and working in Warsaw,
Poland. In her works Magdalena uses different media such as
photography, video, installation. In 2013, she received her Bachelor’s
degree at the University of Arts in Poznań ( photography 2010- 2013).
In 2015, she completed her Master’s degree at the Department
of Media Art at the Studio of Spacial Activites, led by Mirosław Bałka
at the Academy of Fine Arts in Warsaw. Finalist of The Young Art
Biennial “ Fish Eye” (2013); Hestia Art Journey competition, Award
of the Minister of Coulture and National Heritage for outstanding
artistic achievement (2015); honourable mention at the national
exhibition The Esteemed Graduates of the Polish Academies of Fine
Arts, Gdansk, 2015; Zaiks Award for the best diploma in New Media Arts
at the Best Degree Pieces Academy of Fine Arts in Warsaw, “Coming
Out” (2015).
NATALIA PRZYBYSZ
Natalia Przybysz is best known as a vocalist with the Polish soul
and R&B band, Sistars. Following the band’s break-up, Natalia started
her solo project, Natu, creating music in collaboration with numerous
producers including Envee, Trębski, Zagórski, and Zabrodzki. She has
become the leader of a band with unique energy that is best felt
during live shows. Inspired by soul, jazz and funk, she does not hide
her passion for old, warm motown sounds and vintage instruments.
She released two solo albums: ”Natu & Envee – Maupka Comes
33
Natalia Przybysz, fot. ze zbiorów artystki
Anastazja Bernad, fot. Hanna Linkowska
2012 r. stworzyła projekt z okazji 50-lecia debiutu artystycznego
Janis Joplin, z którym ruszyła w trasę na letnich festiwalach, m.in.:
Przystanek Woodstock (premiera projektu), Męskie Granie, jak
również na jesiennej trasie koncertowej. Według redaktorów Jazzsoul
przedpremierowa trasa koncertowa „Kozmic Blues” była jednym
z najważniejszych wydarzeń w 2012 r. Sukces projektu przyczynił się do
wydania w czerwcu 2013 r. płyty „Kozmic Blues: Tribute to Janis Joplin”.
Kolejna jej autorska płyta pt. „Prąd” wydana nakładem Warner Music
Poland ukazała się w listopadzie 2014 roku. Album pokrył się platyną.
Natalia Przybysz była również dwukrotnie nominowana do nagrody
Fryderyka.
Home” (2008) and ”Gram Duszy” (2010). In August 2011 Natu opened
for Erykah Badu’s concert in Warsaw. In summer 2012 Przybysz
created a project celebrating the 50th anniversary of Janis Joplin’s
artistic debut, which she presented at summer festivals such as
Woodstock (project premiere) and Męskie Granie, as well as on tour
in autumn. The Jazzsoul journalists hailed the project’s premiere tour
”Kozmic Blues” to be one of the most important music events in 2012.
The success of the project led to releasing in June 2013 “Kozmic Blues:
Tribute to Janis Joplin.” Released by Warner Music Poland in November
2014, her next album ”Prąd” received the Platinum Record award.
Natalia Przybysz was nominated twice for the Fryderyk Award.
ANASTAZJA BERNAD
ANASTAZJA BERNAD
Wokalistka, aktorka, absolwentka Warszawskiej Szkoły Filmowej, grała
w Teatrze Provisorium w spektaklach „Bracia Karamazow” i „Lód”
w reż. Janusza Opryńskiego. Od piętnastu lat zajmuje się śpiewem
tradycyjnym wykonując głównie polskie pieśni tradycyjne. Członkini
Zespołu Międzynarodowej Szkoły Muzyki Tradycyjnej, występowała
w kraju i zagranicą, śpiewała w dwóch spektaklach muzycznych
„Pieśni polskie” i „Trzy dźwięki” w reż. Jana Bernada. W 2006 r. wystąpiła
z zespołem podczas 49. edycji Festiwalu Muzyki Współczesnej
Vocalist and actress; Warsaw Film School graduate. She played
in Provisorium Theatre’s productions ”The Brothers Karamazov”
and “The Ice”, both directed by Janusz Opryński. Interested
in traditional singing for fifteen years, she mainly performs Polish
traditional songs. She is a member of the International School
of Traditional Music, with whom she has performed in Poland
and abroad, and sang in two music shows directed by Jan Bernad,
”Polish Songs” and ”Three Sounds.” In 2006 she performed with
34
„Warszawska Jesień” w projekcie łączącym pieśni tradycyjne z muzyką
eksperymentalną. Śpiewała w utworach T. Wieleckiego, K. Knittla,
C. Duchnowskiego, A. Kościówa, J. Kornowicza i J. Kochana. Uczennica
wybitnych nauczycieli śpiewu tradycyjnego m.in. Jewgienija
Jefremowa, Hanny Koropniczenko, Władimira Iwanowa, Swietłany
Własowej, Rytisa Ambrazeviciusa i Jeleny Jovanovic.
HILARY JEFFERY
Puzonista, improwizator i kompozytor muzyki elektroakustycznej,
wychowanek słynnego Barton Workshop z Amsterdamu. Obecnie jeden
z najbardziej rozchwytywanych puzonistów w Europie – występuje
w takich orkiestrach jak legendarny Zeitkratzer, zrzeszającym obecnie
śmietankę berlińskiej sceny improwizatorów Splitter Orchestra,
Inconsolable Ghost, LYSN – psychodeliczno-minimalistycznym
kolektywie grającym muzykę dronową oraz w niezliczonych mniejszych
projektach. Sam o sobie mówi, że jest „puzonistą pustyni” – odkąd
ćwierć wieku temu wyjechał na Saharę próbuje oddać w swojej
muzyce „ciszę przestrzeni, która stała się centralnym i utrzymującym
się czynnikiem wpływającym na jego sztukę”.
Hilary Jeffery, fot. ze zbiorów artysty
the ensemble at the 49th International Festival of Contemporary
Music “Warsaw Autumn”, where they presented a project combining
traditional songs and experimental music. She sang pieces composed
by T. Wielecki, K. Knittel, C. Duchnowski, A. Kościów, J. Kornowicz
and J. Kochan. She learned singing under many renowned teachers
of traditional singing, including Yevgeniya Yefremova, Hanna
Koropniczenko, Vladimir Ivanov, Svetlana Vlasova, Rytis Ambrazevicius
and Jelena Jovanovic.
HILARY JEFFERY
Trombonist, improviser and composer of electroacoustic music,
graduate of the prestigious Barton Workshop in Amsterdam. Currently
he is one of the most popular trombonists in Europe. He collaborates
with the legendary Zeitkratzer, Splitter Orchestra featuring
the renowned artists of Berlin’s improv music scene, Inconsolable
Ghost, the minimal psychedelic ensemble LYSN who play drone music,
and has been involved in a vast number of small projects. He describes
himself as a “desert trombonist”; since his journey to the Sahara
twenty-five years ago, he has been trying to convey the experience
of ”silent space that has become a central and sustaining influence
for his work” with music.
35
KAMIL SZUSZKIEWICZ
KAMIL SZUSZKIEWICZ
Trębacz, kompozytor, improwizator. Aktywna postać na warszawskiej
scenie muzyki niezależnej, znany głównie z własnych projektów (m.in.
Kapacitron), współpracy z Marcinem Maseckim (Profesjonalizm) oraz
szeregu projektów z Hubertem Zelmerem. Autor płyt „Prolegomena”
(2011), „Bugle Call and Response” (2014), „Istina” (2015) oraz komiksu
dźwiękowego „Robot Czarek” (2015). Prowadzi zespół Zebry a Mit.
W roku 2016 stypendysta MKiDN.
Trumpet player, composer and improviser. Active on Warsaw’s
independent music scene he is best known for his individual
projects (e.g. Kapacitron), his collaboration with Marcin Masecki
(Profesjonalizm) and Hubert Zelmer. He recorded three albums:
“Prolegomena” (2011), “Bugle Call and Response” (2014), “Istina”
(2015), and authored a sound cartoon titled ”Robot Czarek” (2015). He
leads a band called Zebry a Mit. In 2016 he received a scholarship from
the Minister of Culture and National Heritage.
JERZY ROGIEWICZ
JERZY ROGIEWICZ
Kompozytor, perkusista i pianista. Ukończył z wyróżnieniem klasę
kompozycji Zbigniewa Bujarskiego na Akademii Muzycznej w Krakowie.
Jako instrumentalista-improwizator występował z wieloma wybitnymi
muzykami, m.in. Toshinori Kondo, Kazuhisa Uchihashi, Hannoda Taku,
David Thomas, Ray Dickaty, Wojtek Traczyk, Paweł Szamburski, Piotr
Zabrodzki, Tomasz Duda. W latach 2005-2012 członek zespołu Levity
– instrumentalnego tria, uważanego za jeden z najważniejszych
zespołów grających nowoczesny jazz w Polsce. W latach 2009-2011
perkusista zespołu Pink Freud. Od 2010 współpracuje z Marcinem
Maseckim (zespoły Profesjonalizm, Warszawska Orkiestra Rozrywkowa,
Polonezy, trio V/TLD z DJ Lenarem). Jest również członkiem rockowego
Jerzy Rogiewicz, fot. ze zbiorów artysty
36
Composer, drummer and pianist. He graduated with honours from
the composition class under Zbigniew Bujarski at the Academy
of Music in Krakow. As an instrumentalist and improviser, he has
performed with many distinguished musicians, including Toshinori
Kondo, Kazuhisa Uchihashi, Hannoda Taku, David Thomas, Ray Dickaty,
Wojtek Traczyk, Paul Szamburski, Peter Zabrodzki, and Tomasz Duda.
In the years 2005-2012 he was a member of Levity, an instrumental
trio considered one of the most important Polish modern jazz bands.
From 2009 to 2011 he was a drummer with Pink Freud. In 2010 he
started collaboration with Marcin Masecki (bands: Profesjonalizm,
zespołu Der Father (płyta Wake Up, Lado ABC, 2014). W 2013 roku
prawykonany został jego utwór „Muzyka Poważna” na 10 instrumentów
improwizujących.
Warszawska Orkiestra Rozrywkowa, Polonezy, V/TLD trio with DJ Lenar).
He is also a member of the rock band Der Father (album “Wake
Up”, Lado ABC, 2014). His piece “Classical Music” for 10 improvising
instruments premiered in 2013.
HUBERT ZEMLER
HUBERT ZEMLER
Perkusista, kompozytor. W latach 1999 – 2004 studiował na Akademii
Muzycznej im. Fryderyka Chopina w Warszawie. W jego repertuarze są
utwory kompozytorów XX i XXI wieku, takich jak Helmut Lechenmann,
(jego „AIR” wykonane zostało na koncercie inauguracyjnym
festiwalu „Warszawska Jesień” 2015), Steve Reich, Tadeusz Wielecki,
Zygmunt Krauze, Tomasz Sikorski, Cornelius Cardew, Zdzisław Piernik,
Arturas Bumsteinas. Równolegle z klasyczną edukacją i współpracą
z orkiestrami symfonicznymi (orkiestra Teatru Wielkiego – Opery
Narodowej, Sinfonia Varsovia) udzielał się w zespołach jazzowych,
zgłębiając tajniki improwizacji, muzyki eksperymentalnej. Współtworzy
warszawskie zespoły sceny niezależnej: Piętnastka (wraz z Piotrem
Kurkiem), Slalom, Shy Albatross, trio jazzowe LAM, duet Pilokatabaza
oraz angażuje się w wiele projektów z pogranicza muzyki współczesnej
i improwizacji. Materiał z solowym repertuarem Huberta Zemlera
został wydany na dwóch płytach: „Moped” (LADO ABC, 2011) oraz
„Gostak & Doshes” (Bołt Records, 2014).
Drummer and composer. In the years 1999 – 2004 he studied
at the Fryderyk Chopin University of Music in Warsaw. His repertoire
includes pieces by 20th and 21st centuries composers including Helmut
Lechenmann’s ”AIR” (performed at the opening concert of “Warsaw
Autumn” Festival 2015), Steve Reich, Tadeusz Wielecki, Zygmunt
Krauze, Tomasz Sikorski, Cornelius Cardew, Zdzisław Piernik, Arturas
Bumsteinas. Besides his classical education and cooperation with
symphony orchestras (Polish National Opera’s Sinfonia Varsovia
orchestra), he played with jazz bands, exploring the secrets
of improvisation and experimental music. He is a co-founder
of Warsaw-based indie bands: Piętnastka (with Piotr Kurek), Slalom,
Shy Albatross, jazz trio LAM and the Pilokatabaza duo; he is also
involved in a number of projects combining contemporary music
and improvisation. Hubert Zemler released two solo albums: ”Moped”
(LADO ABC, 2011) and ”Gostak & Doshes” (Bôłt Records, 2014).
Hubert Zemler, fot. Maciej Włodarczyk
37
HANS VAN KOOLWIJK (HOLANDIA) „BAMBUSO SONORO”
INSTALACJA DŹWIĘKOWA
HANS VAN KOOLWIJK (THE NETHERLANDS) „BAMBUSO SONORO”
SOUND INSTALLATION
Jego najważniejsze dzieło – „Bambuso Sonoro” – narodziło się
z pomysłu na ukazanie solisty grającego równocześnie na wielu
fletach. Bambuso to rzeźba dźwiękowa wykorzystywana czasem w roli
instrumentu muzycznego, dzięki czemu doznania wizualne są ściśle
związane z dźwiękowymi, a dźwięk staje się widoczny. Publiczność
chce doświadczać fizycznej obecności, najlepiej pomiędzy fletami,
aby zobaczyć pracę artysty i wysiłek włożony w produkcję dźwięku.
The central work of Hans van Koolwijk, the “Bambuso Sonoro “,
originates from the idea of a single performer operating a number
of flutes simultaneously. The Bambuso is an unpolished sound
sculpture that is used as a musical instrument, whereby the visual
is closely related to the aural. Sounds can be seen, as it were. One
wants to be physically present, preferably between the flutes, to see
the performer sweat, to experience the effort needed to produce
the sounds.
Van Koolwijk prezentował instalację „Bambuso Sonoro” na całym
świecie, między innymi w barcelońskim Muzeum Sztuki Współczesnej
Macba, w Lyonie (Grame), w Warszawie (ISCM), w Pradze (Rudilfinium),
w Lubljanie (ISCM), w Lizbonie (Musica Viva), w Madrycie (La Noche en
Blanco, La Abadía) oraz w Holandii.
Marinus de Ruiter napisał w „Amsterdam Weekly”, że „Bambuso
Sonoro” to niezwykła i ogromna instalacja, zbiorowisko rur, tub
i zaworów, która składa się z połączonych ze sobą bambusowych
fletów i na pewno nie można opisać jej jako coś spokojnego. Stojący
za pedałami i włącznikami artysta produkuje kakofoniczne gwizdy,
chrząknięcia i drgania. Mimo że jego praca wygląda jak improwizacja,
każdy dźwięk jest dokładnie przemyślany i ma na celu pokazać pełen
potencjał instrumentu.
HANS VAN KOOLWIJK STR. 26
Van Koolwijk has given many performances with the Bambuso,
including locations such as Macba, the Contemporary Art Museum
in Barcelona, for Grame in Lyon, for the ISCM Centre for Contemporary
Music in Warsaw, in the Rudolfinum in Prague, for the ISCM in Ljubljana,
for Musica Viva in Lisboa, for La Noche en Blanco in La Abadía
in Madrid, and in many places in the Netherlands.
Hans van Koolwijk’s outrageous “Bambuso Sonoro,” an agglomeration
of pipes, tubes and valves roughly the size of a kitchen block, contains
dozens of interconnected bamboo flutes, and is all but tranquil.
Standing behind its tables of switches and pedals, the artist elicits
a cacophony of whistles, grunts and flutters from his machine.
Although it looks like the artist is improvising, his playing is carefully
organized and aimed at exploiting the instrument’s full potential.
Marinus de Ruiter (Amsterdam Weekly)
HANS VAN KOOLWIJK P. 27
“Bambuso Sonoro”, fot. ze zbiorów artysty
38
39
ROMAN GRYGORIV, ILIA RAZUMEIKO (UKRAINA) „IYOV” (HIOB)
OPERA-REQUIEM NA FORTEPIAN PREPAROWANY, WIOLONCZELĘ,
PERKUSJĘ I GŁOSY / POLSKA PREMIERA
ROMAN GRYGORIV, ILIA RAZUMEIKO (UKRAINE) “IYOV” (JOB)
OPERA-REQUIEM FOR PREPARED PIANO, CELLO, DRUMS AND VOICES
/ POLISH PREMIERE
Premiera opery „Hiob” miała miejsce 21 września 2015 roku na
głównej scenie festiwalu GogolFest 2015. Nowa wersja opery została
zaprezentowana w Kijowie w marcu 2016 roku.
Roman Grygoriv, Ilia Razumeiko – muzyka
Vlad Troitskyi – reżyseria
Roman Grygoriv, Ilia Razumeiko – music
Vlad Troitskyi – director
Występują:
Maryana Golovko – sopran
Anna Marych – sopran
Oleksandra Mailliet – mezzosopran
Andrey Koshman – baryton
Ruslan Kirsh – baryton
Yevgeniy Rakhmanin – bass
Jerzy Rogalski – głos
Janna Marchynskaya – wiolonczela
Andrey Nadolskiy – instrumenty perkusyjne
llia Razumeiko – fortepian
Roman Grygoriv – dyrygent
Tenpoint – wizualizacje na żywo
Max Kapusta – produkcja dźwięku
Cast:
Maryana Golovko – soprano
Anna Marych – soprano
Oleksandra Mailliet – mezzosoprano
Andrey Koshman – baritone
Ruslan Kirsh – baritone
Yevgeniy Rakhmanin – bass
Jerzy Rogalski – voice
Janna Marchynskaya – cello
Andrey Nadolskiy – percussion
llia Razumeiko – grand piano
Roman Grygoriv – conductor
Tenpoint – live visual design
Max Kapusta – sound producer
Hiob (po hebrajsku Iyov) jest główną postacią biblijnej Księgi Hioba,
która opowiada historię jego życia, dumy, zwątpienia, poszukiwania
sensu życia i śmierci, nadziei i żalu. Centralnym elementem
przedstawienia jest fortepian, który zamienia się w prawdziwą
orkiestrę. Pianista i wokaliści używają różnych instrumentów
perkusyjnych, takich jak werble, marimba, pałki kotłowe, trójkąty, raidy,
a także monet, kluczy, palców i paznokci do gry na strunach i na pudle
fortepianu. Instrument brzmi jak klawesyn, perkusja, a czasem nawet
jak syntezator i elektroniczny generator dźwięku.
Muzyka „Hioba” łączy w sobie minimalizm i awangardę, neoklasycyzm
i muzykę rockową. Polifoniczne fragmenty chóralne i instrumentalne
interludia przeplatają się z fragmentami, które wykorzystują pełny
zakres ludzkiego głosu: śpiew klasyczny, jazzowy, tradycyjny, a nawet
oddech, krzyk, szept i śpiew alikwotowy.
Dramaturgia przedstawienia oparta jest na połączeniu recytatywów
The premiere of the opera “IYOV” was held on September 21, 2015
on the main stage of the biggest festival of contemporary art
in Ukraine – 8th International multidisciplinary festival “GogolFest
2015.” The updated version of the opera was presented in Kiev
in March 2016.
Job (Iyov in Hebrew) is the central character of the Book of Job
in the Bible. This is a story of his life, pride, and disbelief, the search
for the meaning of life and death, as well as the story of hope
and regret. The central element is the piano that turns into a real
orchestra. The pianist and singers use a wide range of percussion
instruments, such as snare drum, marimba and timpani sticks,
triangle, and ride cymbal. They also use coins, keys, fingers and nails
to play the strings and the body of the grand piano. The instrument
sounds like a harpsichord, drums and, occasionally, as a synthesizer or
electronic sounds generator.
Music of “IYOV” combines minimalism and the avant-garde,
neoclassicism and rock. Polyphonic choral episodes and instrumental
interludes alternate with the parts that use a full range of human
voice: from classical, jazz and folk singing to breathing, screaming,
whispering and overtone singing.
The dramaturgy of music performance is based on the contrasting
compilation of recitatives (based on the Book of Job) and parts
of Requiem – a Catholic Mass that refers to traditional Latin texts.
Opera-requiem “IYOV” is a synthesis of ancient Greek drama, baroque
opera, oratorio, Requiem, and the techniques of postmodern
theatre. It is the mystery of the birth of a new sound inside the piano
and the demonstration of endless possibilities of the human voice.
VLAD TROITSKYI
“Hiob”, fot. ze zbiorów artystów
40
Vlad Troitskyi was born in Ulan-Ude, Russia. He graduated from
the Radio Technician faculty of Kiev Polytechnic Institute in 1987,
and completed a post-graduate course at Kiev Polytechnic Institute
in 1990. In 2002 he received his diploma in acting and directing
at the Russian Theatre Art Academy in Moscow. Troitskyi is the founder,
director and art director of DAKH Centre of Contemporary Arts,
where he directed more than 35 performances. In 2004 he founded
the “DakhaBrakha” ethno-chaos band, and in 2007 he launched an
audio-visual-theatre-literature-philosophic art project: “GogolFest” –
the Festival of Contemporary Art. He is also the founder of the Dakh
Daughters Band. Recently Vlad Troitskyi directed the opera “Die Tote
Stadt” (“The Dead City”) by Erich Wolfgang Korngold in Hungary.
In 2004 he staged the improvisation opera “Coriolanus” based
on Shakespeare’s tragedy.
41
(opartych na Księdze Hioba) i fragmentów Requiem – mszy katolickiej
odwołującej się do tradycyjnych tekstów łacińskich.
Opera-requiem „Hiob” jest połączeniem antycznego dramatu, opery
barokowej, oratorium, Requiem i technik używanych w teatrze
postmodernistycznym. Jest to misterium narodzin nowego dźwięku
wewnątrz fortepian i ukazanie nieskończonych możliwości ludzkiego
głosu.
VLAD TROITSKYI
Urodzony w Ułan-Ude w Rosji, absolwent Wydziału Radiotechniki
Politechniki Kijowskiej (1987), studiów podyplomowych w Politechnice
Kijowskiej (1990) oraz studiów w zakresie sztuki aktorskiej i reżyserii
w Moskiewskiej Akademii Teatralnej (2002). Założyciel oraz dyrektor
artystyczny Centrum Sztuki Współczesnej DAKH, gdzie wyreżyserował
ponad 35 spektakli, a także (w 2004 r.) zespołu DachaBracha, którego
muzykę określa jako etno-chaos, oraz zespołu Dakh Daughters Band.
Pomysłodawca zainicjowanego w 2007 r. Festiwalu Sztuki Współczesnej
„GogolFest” łączącego sztuki audiowizualne z teatrem, literaturą
i filozofią. Reżyser wystawionej na Węgrzech opery zatytułowanej „Die
Tote Stadt” („Martwe miasto”) autorstwa Ericha Wolfganga Korngolda
oraz opartej na tragedii Williama Szekspira opery improwizacji pod
tytułem „Koriolan” (2004 r.).
ROMAN GRYGORIV
Vlad Troitskyi, fot. ze zbiorów artysty
ROMAN GRYGORIV
Urodzony w Iwano-Frankiwsku, ukraiński kompozytor, dyrygent,
twórca utworów kameralnych, wokalnych i symfonicznych, autor
muzyki teatralnej. Obecnie student kompozycji w klasie A. Gavryletsa
w Ukraińskiej Narodowej Akademii Muzycznej. Dyrektor fundacji
artystycznej PORTO FRANKO, a także pomysłodawca i dyrektor wielu
międzynarodowych festiwali, takich jak Frank Opera Fest, Porto Franko
na Ukrainie, MOZART 2014 w Chinach, Music from Europe in 2015
w Chinach. W latach 2014-2015 dyrektor festiwalu O-Fest. Od 2011r.
kompozytor i muzyk Ukraińskiej Narodowej Orkiestry Prezydenckiej,
a od 2014 r. członek Związku Kompozytorów Ukrainy. Współtwórca
(z kompozytorem Ilią Razumeiko) operowego requiem zatytułowanego
„IYOV”, napisanego w 2015 r. na zlecenie międzynarodowego festiwalu
sztuki „GogolFest” 2015 (organizowanego pod kierownictwem Vlada
Troitskyiego). Ukrainian composer, conductor and author of chamber, vocal,
symphonic works, and theatre music. Roman Grygoriv was born
in Ivano-Frankivsk, Ukraine. He continues postgraduate studies
at the National Music Academy – master’s degree in composition
– A. Gavrylets’ class. He is also the chairman of the PORTO FRANKO
artistic foundation, the founder and director of international festivals,
such as: the Frank Opera fest, Porto Franko (Ukraine), MOZART
2014 (China), and the Music from Europe in 2015 (China), as well as
the manager of international festivals, including the O-Fest 2014-2015
(Ukraine). Since 2011, Roman has worked as a composer and artist
for the National Presidential Orchestra of Ukraine. In 2014 he joined
the National Union of Composers of Ukraine. In 2015, together with
composer Ilia Razumeiko, he created the opera-requiem “IYOV”
for the international “GogolFest 2015” Festival (director – Vlad
Troitskyi).
ILIA RAZUMEIKO
ILIA RAZUMEIKO
Urodzony w Zaporożu, ukraiński kompozytor, autor utworów
kameralnych, wokalnych oraz symfonicznych. Absolwent Zaporoskiego
Kolegium Muzycznego w klasie teorii muzyki. W latach 2007-2012
słuchacz Konserwatorium Kijowskiego w klasie kompozycji profesora
A. Gavryletsa, a w latach 2012-2013 pracownik Teatru Narodowego
Operetki Kijowskiej. Absolwent Konserwatorium Wiedeńskiego w klasie
Ukrainian composer, author of chamber, vocal, and symphonic
works. He was born in Zaporozhia, Ukraine. In 2007 he graduated
from Zaporozhia Music College (class of music theory).
In the years 2007-2012 he studied at the Kiev Conservatory (Prof.
A. Gavrylets’ composition class), and in the years 2012-2013 he
worked at the National Theatre of Operetta of Ukraine. From 2013
42
Roman Grigoriv, fot. ze zbiorów artysty
kompozycji instrumentalnej pod kierunkiem profesora Martina
Lihtfusa (2013-2015) oraz student kompozycji elektroakustycznej
w klasie profesora Karlheinza Esela (od 2015 r.). Organizator wielu
międzynarodowych festiwali, takich jak jak Frank Opera Fest, Porto
Franko w Iwano-Frankiwsku, O-Fest-2013 w Kijowie, MOZ-ART 2014
w Shenzhen (Chiny), Interior II w Wiedniu, oraz współorganizator
(z kompozytorem Romanem Grygorivem) Music from Europe
in 2015 w Harbin w Chinach. Współautor operowego requiem „IYOV”,
napisanego w 2015 r. na zamówienie VIII Międzynarodowego Festiwalu
Sztuki Współczesnej „GogolFest” 2015.
Ilia Razumeiko, fot. ze zbiorów artysty
through 2015 he studied at the Vienna Conservatory in the class
of instrumental composition (Prof. Martin Lihtfus). Since 2015 he
has been studying electroacoustic composition in the class of prof.
Karlheinz Esel. He organized international festivals, such as the, Frank
Opera fest, Porto Franko (Ivano-Frankivsk, Ukraine), O-Fest-2013 (Kyiv,
Ukraine), MOZ-ART 2014 (Shenzhen, China), Interior II (Vienna, Austria),
and the Music from Europe in 2015 (Harbin, China) with a composer
Roman Grygoriv. In 2015, they had also created “IYOV”, an operarequiem, commissioned for “GogolFest 2015” – the 8th International
multidisciplinary Festival of Contemporary Art.
43
DAVID LANG (USA) „LOVE FAIL”
OPERA-NOWA / POLSKA PREMIERA
DAVID LANG (USA) “LOVE FAIL”
OPERA NOUVEAU / POLISH PREMIERE
David Lang – kompozycja, reżyseria
Quince Contemporary Vocal Ensemble w składzie:
Elizabeth Pearse, Kayleigh Butcher, Amanda DeBoer Bartlett, Carrie
Henneman Shaw – wykonanie
Lydia Davis – opowiadania
David Lang – tekst na podstawie utworów Marie de France, Gottfrieda
von Strassburga, Sir Thomasa Malory’ego, Beroul, Tomasza z Anglii,
Beatriz de Dia i Ryszarda Wagnera
Jody Elff – projekcja dźwięku
Jim Findlay – scenografia, oprawa wizualna
Jennifer Tipton – światła
Suzanne Bocanegra – kostiumy
Composed and directed by David Lang
Performed by Quince Contemporary Vocal Ensemble:
Elizabeth Pearse, Kayleigh Butcher, Amanda DeBoer Bartlett,
Carrie Henneman Shaw
Stories by Lydia Davis
Words by David Lang after Marie de France, Gottfried von Strassburg,
Sir Thomas Malory, Beroul, Thomas of Britain, Beatriz de Dia
and Richard Wagner
Set and video design by Jim Findlay
Lighting design by Jennifer Tipton
Sound design by Jody Elff
Costume design by Suzanne Bocanegra
Jason Kaiser – inspicjent sceny
Josh Higgason – realizacja oprawy wizualnej
Oliver Wason – asystent oświetleniowca
Stage managed by Jason Kaiser
Josh Higgason – Video Engineer
Oliver Wason – Associate Lighting Designer
Beth Morrison Projects – produkcja
Beth Morrison – producent kreatywny
Jecca Barry – główny menadżer
Jesse Heffler – zastępca producenta
James Fry – kierownik produkcji
Melanie Milton – administrator/specjalista ds. rozwoju
Liene Camarena – menadżer zespołu
Produced by Beth Morrison Projects
Beth Morrison – Creative Producer
Jecca Barry – General Manager
Jesse Heffler – Associate Producer
James Fry – Production Manager
Melanie Milton – Admin/Development Associate
Liene Camarena – Company Manager
Na zamówienie: Next Wave Festival 2012 organizowany przez Brooklyn
Academy of Music , The International Festival of Arts & Ideas, The John
F. Kennedy Center Abe Fortas Memorial Fund, The Center for the Art
of Performance, UCLA, Wake Forest University / Secrest Artists Series
oraz Hancher Performances, University of Iowa. Światowa premiera
„love fail” odbyła się w czerwcu 2012 roku podczas The International
Festival of Arts & Ideas przy wsparciu teatru Yale Repertory Theatre.
Osoby, którym należą się szczególne podziękowania to: Steve A. Block,
David i Kiki Gindler, Leslie Lassiter, Raulee Marcus oraz Vina Spieler.
Commissioned by Brooklyn Academy of Music’s 2012 Next Wave
Festival, The International Festival of Arts & Ideas, The John F.
Kennedy Center Abe Fortas Memorial Fund, The Center for the Art
of Performance at UCLA, Wake Forest University / Secrest Artists
Series and Hancher Performances at the University of Iowa. “love fail”
made its world premiere June 2012 at The International Festival of Arts
& Ideas with support from Yale Repertory Theatre. Special thanks:
Steve A. Block, David and Kiki Gindler, Leslie Lassiter, Raulee Marcus,
and Vina Spieler.
SŁOWO OD KOMPOZYTORA
COMPOSER’S NOTE
Co decyduje o nieustającej popularności historii Tristana i Izoldy?
Przez prawie 1000 lat zdołano opowiedzieć ją w rozmaitych wersjach,
dokonując wielu zmian i dodając przedziwne szczegóły. „Najwspanialsza
historia miłosna, jaka kiedykolwiek powstała!” Ale dlaczego? Oczywiście
– mamy tu ekscytację, dramat, miłość, pożądanie, wstyd, śmierć i smoki.
Według mnie prawdziwy powód jest jednak taki, że miłość Tristana
i Izoldy jest dziełem przypadku, skutkiem wypicia miłosnego napoju. Nie
mieli zamiaru go wypić, nie spodziewali się, że zakochają się w sobie. Piją
go i nagle – BUM! – wszystko się zaczyna. To prawie jak laboratoryjny
eksperyment próbujący odpowiedzieć na pytanie, czym może być
Why is it that people still like the story of Tristan and Isolde? It has
been told repeatedly for almost 1000 years, in many different versions,
with all manner of strange details added or changed. “The greatest
love story ever!” But why? Of course, there is excitement, drama,
love, lust, shame, death, dragons. I think the real reason why
is because the love of Tristan and Isolde begins by accident - they
drink a love potion. They didn’t mean to drink it, and they didn’t
mean to fall in love. They drink and - BAM! - it starts. It is almost
a laboratory experiment into what love might be like without any
of the complications of how real love begins or works - without
44
David Lang, fot. Peter Serling
45
miłość jeśli pozbawimy ją wszystkich komplikacji towarzyszących
rodzącemu i rozwijającemu się uczuciu – obezwładniającego
podekscytowania, zawstydzenia, frustracji, poczucia winy lub rywalizacji
tak często będących udziałem zwykłych śmiertelników.
Sądziłem, że dowiem się czegoś na temat miłości mając okazję badać
ją na przykładzie dzieła, w którym mnogość szczegółów zaczerpniętych
z różnych wersji opowieści o Tristanie i Izoldzie zestawiona zostanie
z tekstami, które są bardziej współczesne, bliższe nam, bardziej
rzeczywiste. Poszukiwania rozpocząłem od literatury i sporządziłem
wybór swoich ulubionych udziwnień tej historii; np. w wersji Marie de
France, Tristan wycina swoje imię na drewnianym patyku, by Izolda
mogła je odnaleźć; kiedy Izolda zauważa je, od razu odczytuje
wiadomość, którą chciał jej przekazać ukochany – a jej treść, co
niesłychane, liczy wiele stron. Albo taki przykład: Tristan i Izolda piją
napój sądząc, że to wino, natomiast Gottfried von Strassburg, by dodać
sytuacji niemałego dramatyzmu, opisuje, że piją oni nie wino, ale
wychylają z kielicha ból, który nigdy nie ustanie. (W następnym rozdziale
Gottfried wymienia ówczesnych mu poetów germańskich z XII wieku,
po czym udowadnia czytelnikowi, że jest o niebo lepszy od całej reszty.)
Dokonałem więc kompilacji najdziwniejszych incydentów z różnych
wersji romansu, usunąłem imiona oraz wszelkie inne informacje, które
mogłyby wskazywać na jego historyczne pochodzenie i zestawiłem
je z opowieściami współczesnej autorki – Lydii Davies. Są one
w zaskakujący sposób podobne do tamtej –traktują o miłości, honorze
i szacunku między dwojgiem ludzi, ale wydają się nam bardziej czytelne.
W dużej mierze tekst „love fail” opiera się na tym, co znalazłem
w Internecie – dzięki Ci, google translate! Chciałbym też wyrazić
podziękowania dla Roberta W. Hanninga i Joan Ferrante, A. T. Hatto i Alana
S. Fedricka – do ich wersji tłumaczeń tekstów zaglądałem wielokrotnie.
the excitement, embarrassment, frustration, guilt or competition
present in the courtships of ordinary people. „Młodość,” który zdobył wiele nagród, między innymi Nagrodę
Akademii Filmowej, Złoty Glob, czy nominacje do Critics’ Choice Award.
I thought I might learn something about love if I could explore this
in a piece, putting details abstracted from many different retellings
of Tristan and Isolde next to texts that are more modern, more
recognizable to us, more real. First I scoured the literature and took
my favorite weird incidents from the originals; for example, in Marie
de France’s version Tristan carves his name on a stick for Isolde
to find, she sees it and immediately knows what message Tristan
means to convey, and that message - incredibly - is many many
pages long. Another example: Tristan and Isolde drink the potion,
thinking it is wine, and Gottfried von Strassburg writes, dramatically,
that it isn’t wine they are drinking, but a cup of their never-ending
sorrow. (This, before the chapter in which Gottfried lists all the other
germanic poets working in the 12th century, and then tells you why
he is so much greater than they are.) I compiled the oddest incidents
from these versions of their romance, took out all the names or
technological information that would make the texts seem ancient,
and put them next to stories by the contemporary author Lydia Davis. These stories are oddly similar to the Tristan stories - they are also
about love, honor and respect between two people, but they are much
more recognizable to us. Lang wykłada kompozycję na Yale School of Music , jest także
współzałożycielem i dyrektorem artystycznym legendarnego
nowojorskiego festiwalu muzycznego Bang on a Can.
I based my words on scraps of the text I found on the internet - thank
you google translate! I do want to acknowledge the translations
of Robert W. Hanning & Joan Ferrante, A. T. Hatto, and Alan S. Fedrick,
whose versions of these texts I consulted more than once. - David Lang
DAVID LANG
QUINCE CONTEMPORARY VOCAL ENSEMBLE
Z precyzją i elastycznością współczesnych muzyków kameralnych,
Quince Contemporary Vocal Ensemble specjalizuje się
w eksperymentalnym repertuarze, który zmienia paradygmaty
współczesnej muzyki wokalnej. Okrzyknięty „nową potęgą wokalnej
doskonałości i innowacyjności” przez „The Brooklyn Rail”, Quince
Ensemble stale poszerza granice wykonywania tradycyjnego
wokalnego repertuaru. Artystki z Quince Ensemble, zafascynowane
nową jakością muzyczną, regularnie składają zamówienia na nowe
utwory, dając możliwość szerszego spojrzenia na muzykę żyjących
kompozytorów i wspierają wysiłki podejmowane przez różnego
rodzaju instytucje zajmujące się muzyką i cyklami koncertów oraz
uniwersytety, których celem jest włączenie współczesnego repertuaru
do swoich programów. Quince Ensemble brał ostatnio udział w cyklu
Contagious Sounds Series autorstwa Vicky Chow, a.per.io.dic’s John
Cage Festival w Chicago, w koncercie charytatywnym Philip Glass:
Music with Friends w ramach Issue Project Room na Brooklynie oraz
w Bemis Center for Contemporary Arts w Omaha w Nebrasce.
Lang is Professor of Music Composition at the Yale School of Music,
and is co-founder and co-artistic director of New York’s legendary
music festival “Bang on a Can”.
QUINCE CONTEMPORARY VOCAL ENSEMBLE
With the precision and flexibility of modern chamber musicians,
Quince Contemporary Vocal Ensemble specializes in experimental
repertoire that is changing the paradigm of contemporary vocal
music. Described as “a new force of vocal excellence and innovation”
by The Brooklyn Rail, Quince continually pushes the boundaries
of traditional vocal ensemble literature. As dedicated advocates
of new music, Quince regularly commissions new works, providing
a wider exposure for the music of living composers, and supports
the efforts of concert series and universities who strive to incorporate
contemporary repertoire into their programming. Quince has
recently been seen on Vicky Chow’s Contagious Sounds Series, a.per.
io.dic’s John Cage Festival in Chicago, on the Philip Glass: Music
with Friends benefit concert at the Issue Project Room in Brooklyn,
and at the Bemis Center for Contemporary Arts in Omaha, NE.
Comprised of vocalists Elizabeth Pearse (soprano), Kayleigh Butcher
(mezzo soprano), Amanda DeBoer Bartlett (soprano), and Carrie
Henneman Shaw (soprano), Quince thrives on unique musical
challenges and genre-bending contemporary repertoire.
Quince Ensemble w składzie: Elizabeth Pearse (sopran), Kayleigh
Butcher (mezzosopran), Amanda DeBoer Bartlett (sopran) i Carrie
Henneman Shaw (sopran) doskonale radzi sobie z wyjątkowymi
wyzwaniami muzycznymi i łączącymi gatunki literackie repertuarem
współczesnym.
- David Lang
DAVID LANG
W 2008 roku David Lang zdobył Nagrodę Pulitzera za utwór „the little
match girl passion” („pasja dziewczynki z zapałkami”) napisany na
zamówienie Carnegie Hall dla grupy wokalnej Paula Hilliera – Theatre
of Voices. Utwór ten jest regularnie wykonywany przez najważniejsze
zespoły muzyczne i taneczne, opery i grupy teatralne na całym świecie.
Na liście jego najnowszych kompozycji znajduje się koncert „man
made” („rękami ludzkimi”) napisany dla zespołu So Percussion i grupy
orkiestr, między innymi BBC Symphony i Los Angeles Philharmonic,
utwór „mountain” („góra”) dla Cincinnati Symphony, oraz „death
speaks” („język śmierci”) dla Carnegie Hall i artystów takich jak Shara
Worden, Bryce Dessner, Nico Muhly i Owen Pallett.
David Lang received the Pulitzer Prize in 2008 for his piece “the little
match girl passion”, commissioned by Carnegie Hall for the vocal
ensemble Theater of Voices, directed by Paul Hillier. His work
is regularly performed by major music, dance, opera and theatrical
organizations throughout the world. Recent works include the concerto “man made” for the ensemble
So Percussion and a consortium of orchestras,
including the BBC Symphony and the Los Angeles
Philharmonic; “mountain” for the Cincinnati Symphony; and “death
speaks”, for Shara Worden, Bryce Dessner, Nico Muhly, and Owen
Pallett, at Carnegie Hall. In 2015 Lang composed the music for Paolo Sorrentino’s film “Youth”,
for which he received Academy Award, Golden Globe, and Critics
Choice nominations, among others.
Quince Ensemble, fot. Karjaka Studios
W 2015 roku Lang skomponował muzykę do filmu Paolo Sorrentino
46
47
„OCTOPUS”
KONCERT / PROGRAM PRZYGOTOWANY NA FESTIWAL KODY
THEATRE OF VOICES (DANIA)
“OCTOPUS”
CONCERT / PROGRAMME COMMISSIONED BY THE FESTIVAL
THEATRE OF VOICES (DENMARK)
Else Torp – sopran
Signe Asmussen – mezzosopran
Jakob Bloch Jespersen – bas
Christian Westergaard – instrumenty klawiszowe
Daniel Plewe – projekcja dźwięku
Else Torp – soprano
Signe Asmussen – mezzosoprano
Jakob Bloch Jespersen – bass
Christian Westergaard – piano
Daniel Plewe – sound design
Program koncertu:
Cathy Berberian, „Stripsody” (1966)
Arvo Pärt, „Variations” (1977)
Kaija Saariaho, „Lonh” (1996)
Simon Steen-Andersen, „Mono” (2014)
Erik Peters, „Variations”
Lou Reed/David Lang, „Heroin” (2007)
Nicolai Worsaae, „Et Rappe” (2012)
John Cage ,„Aria” (1958)
Programme of the concert:
“Stripsody” (1966) by Cathy Berberian
“Variations” (1977) by Arvo Pärt
“Lonh” (1996) by Kaija Saariaho
“Mono” (2014) by Simon Steen-Andersen
“Variations” by Erik Peters
“Heroin” (2007) by Lou Reed/David Lang
“Et Rappe” (2012) by Nicolai Worsaae
“Aria” (1958) by John Cage
Grupa Theatre of Voices została założona w Kalifornii przez Paula
Hilliera, ale obecnie rezyduje w Danii. Działalność muzyków skupia
się na interpretacji kompozycji dawnych mistrzów – od Perotina
przez Dowlanda aż po Buxtehudego – oraz na pracy z utworami
dwudziestowiecznych twórców, takich jak Berio, Pärt, Reich, Cage, czy
Stockhausen. Theatre of Voices współpracuje z najbardziej uznanymi
na świecie artystami, takimi jak London Sinfonietta czy Kronos Quartet
oraz regularnie występuje na Festiwalu Edynburskim, w londyńskim
Barbican Centre i nowojorskiej Carnegie Hall. Właśnie w Carnegie Hall
odbyło się premierowe wykonanie „little match girl passion” Davida
Langa – utworu skomponowanego na zamówienie Theatre of Voices.
Utwór nagrodzony został w 2008 roku Pulitzerem, natomiast wydany
z nim album zdobył nagrodę Grammy w roku 20-lecia działalności
grupy (2010). W 2013 roku grupa TOV została nominowana do
nagrody muzycznej Nordic Council Music Prize, a w 2014 roku utwór
„My Heart’s in the Highlands” z albumu Arvo Pärt „Creator Spiritus”
w wykonaniu Theatre of Voices został wykorzystany we włoskim
filmie nagrodzonym Oscarem „Wielkie Piękno”. Grupa prowadzi także
warsztaty i zajmuje się projektami filmowymi; obecnie współpracuje
z duńską dokumentalistką Phie Amboe oraz z nominowanym do Oscara
islandzkim kompozytorem Jóhannem Jóhannssonem.
Theatre of Voices was founded in California by Paul Hillier, but
is now based in Denmark. Current projects include music ranging
from Perotin to Dowland, Carissimi, Buxtehude and Bach, and many
of today’s most eminent composers such as Berio, Pärt, Reich, Cage,
Pelle Gudmundsen-Holmgreen and Stockhausen. Theatre of Voices
works and records with some of the world’s best instrumentalists,
including London Sinfonietta and Kronos Quartet, and has performed
regularly at Edinburgh Festival, Barbican Centre and Carnegie Hall.
In 2008 TOV performed at the opening of Berliner Festspiele with
Stockhausen’s “Stimmung” at the composer’s own request, along with
a performance at BBC Proms. David Lang’s “little match girl passion”,
commissioned for TOV and premiered at Carnegie Hall won the 2008
Pulitzer Prize, and the CD of the work won the group a Grammy
Award in 2010 – the year of the group’s 20th anniversary. In 2013
TOV was nominated for the Nordic Council Music Prize, and in 2014,
“My Heart’s in the Highlands” from Theatre of Voices’ Pärt “Creator
Spiritus” CD was used in Oscar-winning Italian movie “La Grande
Bellezza.” The ensemble also offers workshops and works on film
projects - currently with Danish documentatist Phie Amboe and Oscar
nominated Icelandic composer Jóhann Jóhannsson.
ELSE TORP
ELSE TORP Specjalistka od muzyki barokowej oraz wczesnej muzyki klasycznej,
zwłaszcza Bacha i Haydna; w ostatnich latach zwróciła się także
ku różnorodnym obszarom nowej muzyki. Nagrała płyty solowe
z kompozycjami Dietricha Buxtehude, Georga Philippa Telemanna,
Christopha Ernsta Friedricha Weyse, Ib Nørholms oraz Davida
Langa. Wykonywany przez nią utwór Arvo Pärta „My Heart’s
48
TOV Quartet, fot. Lars Bjarnoe
Specialises in baroque and early classical music, above all of Bach
and Haydn, but in recent years her work has grown to encompass
diverse areas of new music as well. Her solo recordings include
music by Buxtehude, Telemann, Weyse, Ib Nørholm, and David Lang.
Her recording of Pärt’s “My Heart’s in the Highlands” was featured
in the Sorrentino film “La Grande Bellezza” and on a compilation
curated by Nick Cave for the MOJO Magazine.
49
in the Highlands” znalazł się na ścieżce dźwiękowej do filmu „Wielkie
piękno” w reżyserii Paola Sorrentino oraz na kompilacji przygotowanej
przez Nicka Cave’a dla czasopisma MOJO.
SIGNE ASMUSSEN
Śpiewaczka operowa i diva salsy; specjalizuje się w recitalach piosenki
kameralnej czerpiąc swój repertuar z całego świata. Nagrodzona
w 2009 roku prestiżową nagrodą Aksel Schiøtz Prize. Nagrała solowe
płyty z muzyką Benta Sørensena, Gunnera Berga, Axela BorupJørgensena. Jej niedawny występ w operze „Antikrist” skomponowanej
przez Rueda Langgaarda został bardzo dobrze przyjęty przez
publiczność. JAKOB BLOCH JESPERSEN
Bas-baryton. Swoją przygodę z muzyką rozpoczął w Kopenhaskim
Chórze Chłopięcym. Laureat nagrody duńskich krytyków muzycznych
w 2013 r. Specjalizuje się w recitalach i często wykonuje pieśni, np.
„Liederkreis” op. 39 Schumanna czy „Podróż zimową” Schuberta
(niedawno wystawiona we współpracy z Holland House).
CHRISTIAN WESTERGAARD
Studiował w klasie fortepianu w Duńskiej Królewskiej Akademii
Muzycznej razem z Amalie Malling i Niklasem Sivelövem. Założyciel
oraz dyrektor artystyczny Liedkompagniet, który przyczynił się do
powtórnego zainteresowania pieśniami duńskimi oraz twórczością
kompozytorów takich jak Rued Langgaard i Herman D. Koppel.
W latach 1999-2000 laureat głównej nagrody w konkursie Danish
Steinway Competition. Pracował jako akompaniator w Duńskiej
Królewskiej Akademii Muzycznej w Kopenhadze oraz Królewskiej
Akademii Operowej. Zdobywca stypendiów Van Hautena oraz Sonning
Music Foundation.
DANIEL PLEWE
Absolwent nauki o komunikacji, akustyki technicznej i muzykologii
na Berlińskim Uniwersytecie Technicznym. Jego twórczość oscyluje
na pograniczu muzyki i technologii, ze szczególnym uwzględnieniem
akustyki wirtualnej oraz interakcji dźwiękowej. W roku 2007
zbudował na zlecenie największy na świecie system syntezy dźwięku
WFS składający się z 2700 głośników. Współpracował z wieloma
zespołami, kompozytorami oraz muzykami; twórca live electronics
(improwizowanej muzyki elektroakustycznej), przestrzennych
koncepcji dźwiękowych oraz oprawy dźwiękowej do wielu
przedstawień. W 2010 r. zrealizował duże wystawy multimedialne
poświęcone fuzji przestrzeni i mediów. Od 2011 r. członek Ensemble
Mosaik, zespołu specjalizującego się w muzyce współczesnej.
50
SIGNE ASMUSSEN
Opera singer and salsa diva, specialises in intimate song recitals
drawing repertoire together from around the world, for which she
was awarded the prestigious Aksel Schiøtz Prize in 2009. Her solo
recordings feature music by Bent Sørensen, Gunner Berg, Axel BorupJørgensen, and her recent performance in Rued Langgaard’s “Antikrist”
received widespread public acclaim.
JAKOB BLOCH JESPERSEN
Bass-Baritone Jakob Bloch Jespersen acquired his initial musical
education as a member of the Copenhagen Boy’s Choir. In 2013 he
received the Danish Music Critic’s Choice award. Jakob has a particular
interest in recitals and regularly performs major works of the Lied
genre, such as Schumann’s “Liederkreis” op.39 and Schubert’s
“Winterreise” – the latter recently staged in collaboration with Holland
House.
CHRISTIAN WESTERGAARD
Christian Westergaard trained piano at the Royal Danish Academy
of Music with Amalie Malling and Niklas Sivelöv. Founder and artistic
director of Liedkompagniet, which has renewed the focus on Danish
Lied art with composers, including Rued Langgaard and Herman D.
Koppel. In 1999 and 2000 Westergaard won First Prize in the Danish
Steinway Competition. He has also been an accompanist at the Royal
Danish Academy of Music in Copenhagen and the Opera Academy. He
has received the Van Hauen Grant and the grant of the Sonning Music
Foundation.
DANIEL PLEWE
Daniel Plewe studied Science of Communication, Technical Acoustics
and Musicology at the Technical University in Berlin. His main
focus is based on the intersection of music and technology with
special interests in virtual acoustics and sonic interaction. In 2007
he completed a software development commission for the worlds
largest wave field synthesis system with 2700 loudspeakers. He
works together with ensembles, composers and musicians, creates
live-electronics, designs spatial sound concepts and does sound
for various performances. In 2010 he worked on large-scale multimedia exhibitions investigating the fusion of space and media. Since
2011 Daniel is a member of the contemporary music Ensemble Mosaik.
TOV Quartet, fot. Lars Bjarnoe
51
„PAST AND PRESENT” KONCERT
COCOROSIE (USA)
“PAST AND PRESENT” CONCERT
COCOROSIE (USA)
Duet CocoRosie został stworzony przez siostry Biancę i Sierrę Casady
w Paryżu; obecnie siostry tworzą i mieszkają w Nowym Jorku. Siostry,
zarówno utalentowane, jak i ekscentryczne mają wiele fanów wśród
takich artystów jak: Anthony Hegarty (Anhoni), Devendra Banhart czy
Jim Jarmusch. Bianca i Sierra szukają inspiracji w wielu gatunkach
muzycznych, takich jak hip-hop, blues, folk i opera, ale ich utwory są
także komentarzem do sytuacji społecznej i politycznej. W ich muzyce
nie brakuje również nawiązań do osobistej historii sióstr, które po
rozwodzie rodziców zostały rozdzielone. Sierra wyjechała do Paryża,
aby uczyć się śpiewu operowego w tamtejszym konserwatorium,
a Bianca została z matką na nowojorskim Brooklynie. Po dziesięciu
latach siostry spotkały się w Paryżu.
Two sisters – Bianca and Sierra Casady – established CocoRosie
in Paris, but now they live and work in New York. The fans of this
talented and eccentric duo include artists such as Antony Hegarty
(Anohni), Devendra Banhart and Jim Jarmusch. Bianca and Sierra
derive inspiration from different music genres: hip-hop, reggae, folk
music and even opera, as well as from current political and social
events. What is more, their music refers to their personal experiences
– long travels across the United States, separation of the sisters
(Sierra moved in with her father after her mother threw her out while
Bianca stayed with her mother in Brooklyn), Sierra’s moving to Paris
to study operatic singing at the Conservatory, and finally the sisters’
reunion in France.
CocoRosie ma na swoim koncie siedem albumów, w tym dwie
EP-ki. Pierwszy album „La Maison de Mon Rêve,” wydany i nagrany
w mieszkaniu sióstr na Montmartre w 2004 roku zaintrygował
i zachwycił słuchaczy na całym świecie. Przy nagrywaniu albumu „Tales
Of A Grass Widow” wydanego w 2013 roku siostry współpracowały
z islandzkim producentem Valgeirem Sigurðssonem, znanym także ze
współpracy z Björk, múm czy Feist. Ich najnowszy album zatytułowany
„Heartache City” ukazał się w październiku 2015 roku (polska premiera
odbyła się w kwietniu 2016) i jest muzycznym powrotem do korzeni
duetu.
CocoRosie has released seven albums, including two EPs. Their debut
album - “La Maison de Mon Rêve,” recorded in 2004 at the sister’s
apartment in Montmartre, intrigued and enchanted audiences
worldwide. The “Tales of A Grass Widow” released in 2013 was
produced with Valgeir Sigurðsson, an Icelandic producer known for his
cooperation with Björk, múm or Feist. Their latest album, “Heartache
City,” was published in October 2015 (it premiered in Poland in April
2016) and it is considered the duo’s return to their artistic roots.
Siostry tłumaczą: „Podobnie jak przy poprzednich płytach, same
napisałyśmy i nagrałyśmy większość materiału w naszym studio na
farmie na południu Francji. Wystarczyło niewiele sprzętu, trochę
zabawek vintage i starych instrumentów. Wracając do 4-śladowego
stylu pracy, ograniczyłyśmy się do tego, co najważniejsze, do własnego
akustycznego akompaniamentu, a także instrumentów i zabawek
wyjętych z walizek z czasów albumu „La Maison”.
Bianca and Sierra explain: “Like many of our past records, we wrote
and gathered much of the material at our farm studio in the south
of France with minimal equipment, vintage toys and antique
instruments. Going back to a ‘4-track’ style approach, we limited
ourselves to essential, acoustic accompaniment, played by us,
and select percussion, toys from our old suit cases dating back
to the “La Maison” days.”
Cocorosie, fot. Patricio Colombo
52
53
C Z A S TA Ń C A
DANCE NIGHTS
54
55
„CZAS TAŃCA”
“DANCE NIGHTS”
GĘSTY KOŻUCH KURZU
GĘSTY KOŻUCH KURZU
Maria Stępień – skrzypce, basy, baraban
Joanna Gancarczyk – basy, śpiew, baraban, bębenek obręczowy
Kazimierz Nitkiewicz – trąbka
Marcin Lorenc – skrzypce, basy, baraban
Maria Stępień – fiddle, bass, baraban drum
Joanna Gancarczyk – bass, vocals, baraban drum, frame drum
Kazimierz Nitkiewicz – trumpet
Marcin Lorenc – fiddle, bass, baraban drum
Kapela Gęsty Kożuch Kurzu powstała w 2011 roku. Gra tradycyjną
muzykę ludową z okolic Łodzi, wokół której nie brakuje bogatych
w tradycję muzyczną regionów (łęczycki, łowicki, opoczyński, rawski
czy sieradzki). Każdy z nich posiada odrębny styl i charakterystykę,
które muzycy GKK starają się poznać i utrwalić. Inspiracją i źródłem
są dla nich bezpośrednie spotkania z wybitnymi muzykantami lub
archiwalne nagrania.
Gęsty Kożuch Kurzu (“a thick layer of dust”) was formed in 2011.
The band performs traditional rural music from the whereabouts
of Łódź rich in the regional music traditions (of Łęczyca, Łowicz,
Opoczno, Rawa and Sieradz). Each of them has their own separate
style, which the musicians of GKK attempt to learn about
and eternalise. The musicians derive inspiration from personal
encounters with remarkable traditional musicians and archive
recordings.
Wśród mistrzów Gęstego Kożucha Kurzu trzeba wymienić m.in.
Sławomira Czekalskiego (ur. 1944 Wola Popowa, zam. Orątki) –
harmonistę z pogranicza regionów łęczyckiego i łowickiego – wraz
z kapelą Dobrzeliniacy, Tadeusza Kubiaka (ur. 1923 Mchowice i tam
zam.) – skrzypka łęczyckiego wraz z jego kapelą, skrzypka sieradzkiego
Czesława Skrzydłowskiego (ur. 1935 Skrajne, zam. Pabianice), czy
nieżyjącego już skrzypka rawskiego Stanisława Klejnasa (ur. 1905 –
zm. 1988, zam. Raducz). Jedną z zaprzyjaźnionych z Gęstym Kożuchem
Kurzu zespołów jest też Kapela Witaszewiacy, ze wsi Witaszewice
(gmina Piątek).
Do starszego, tradycyjnego składu – skrzypce, basy i bębenek – kapela
Gesty Kożuch Kurzu w ostatnim czasie włączyła trąbkę – instrument,
który w ostatnich kilku dziesięcioleciach coraz częściej pojawia się
w tradycyjnych składach, choćby w muzyce łęczyckiej.
The musical masters of Gęsty Kożuch Kurzu include: Sławomir
Czekalski (born 1944 in Wola Popowa, living in a village of Orątki) – an
accordion player from the borderland between Łęczyca and Łowicz
regions – and the Dobrzelniacy band, Tadeusz Kubiak (born in 1923
in Mchowice and still living there) – a fiddle player of the Łęczyca
and his band, Czesław Skrzydłowski – (born in 1935 in the village
of Skrajne, living in Pabianice) – a fiddle player from the Sieradz
region, or the late fiddle player of the Rawa region – Stanisław Klejnas
(born in 1905 and died in 1988 in Raducz). One of Gęsty Kożuch Kurzu’s
fellow bands is Kapela Witaszewiacy from the village of Witaszewice
(municipality of Piątek).
Recently, Gęsty Kożuch Kurzu – decided to expand their core
instrument section (fiddle, bass and drum), and they have added
Kapela Bornego z Podzamcza, fot. ze zbiorów artystów
KAPELA BORNEGO Z PODZAMCZA
Mateusz Borny – suka biłgorajska
Piotr Deptuła – skrzypce
Anna Lipińska – skrzypce
Robert Miedziocha – basy dłubane
Bartosz Gajdzik – bęben obręczowy
Kapela Bornego z Podzamcza działa od wiosny 2012 r. grając polską
muzykę tradycyjną. Korzystają z takich instrumentów jak skrzypce,
suka, basy dłubane i bęben obręczowy. Materiał czerpią przeważnie od
mistrzów Roztocza Zachodniego: Stanisława Głaza, Bronisława Bidy,
Stanisława Fijałkowskiego, Leona Krzosa, Zbigniewa Butryna oraz ich
długoletnich uczniów. Kapelę interesuje surowe brzmienie muzyki
i bliska interakcja z odbiorcą. Można ich spotkać zarówno na miejskich,
jak i wiejskich potańcówkach, przeważnie po wschodniej stronie Wisły.
ZAWOŁANY SKŁAD WESELNY
Mateusz Niwiński – skrzypce
Jakub Zimończyk – harmonia trzyrzędowa
Agnieszka Niwińska – śpiew, baraban
Mariza Nawrocka – śpiew, basy
Gęsty Kożuch Kurzu, fot. Tomek Ogrodowczyk
56
Repertuar kapeli czerpie przede wszystkim ze skrzypcowej muzyki
zachodniej Radomszczyzny, głównie od kajockiego skrzypka Piotra
Gacy. Najchętniej grają mazurki śpiewaki, ciągłe drogowce, drobne
obery, stare skrzypcowe poleczki ogrywane także przez harmonię
trzyrzędową, a czasem klarnet. Pomimo, że ich naturalny obszar
działalności to kilkanaście wsi kajockich pomiędzy Przytykiem
a Drzewicą, w ich muzycznych marszrutach zdarza się im zapuszczać
a trumpet, an instrument whose popularity among traditional bands,
also those in the Łęczyca region, has significantly increased over
the recent decades.
KAPELA BORNEGO Z PODZAMCZA (THE BORNY ENSEMBLE FROM
PODZAMCZE)
Mateusz Borny – suka (folk vertical fiddle)
Piotr Deptuła – fiddle
Anna Lipińska – fiddle
Robert Miedziocha – basolia
Bartosz Gajdzik – frame drum
The Ensemble was founded in the spring of 2012. Its core repertoire
features Polish traditional music performed on fiddles, frame drum,
basolia (folk instrument similar to the cello) and suka (folk vertical
fiddle from the Biłgoraj region. Their repertoire draws on the music
of folk masters from the Roztocze region: Stanisław Głaz, Bronisław
Bida, Stanisław Fijałkowski, Leon Krzos, Zbigniew Butryn and their
students. The Ensemble is interested in close interaction with
the audience and in the raw sound of music. They can be frequently
heard at urban and rural dances, mostly on the Eastern side
of the Vistula River.
ZAWOŁANY SKŁAD WESELNY (THE CHOICEST WEDDING ENSEMBLE)
Mateusz Niwiński – fiddle
Jakub Zimończyk – three-row accordion
Agnieszka Niwińska – singing, frame drum
Mariza Nawrocka – singing, basolia
57
Kapelę tworzą muzycy zaangażowani w organizację Kieleckiego Taboru
Domu Tańca w Sędku koło Łagowa (2013, 2014). Starając się dotrzeć
do najstarszego repertuaru Kielecczyzny, członkowie kapeli przejechali
wspólnie setki kilometrów w poszukiwaniu muzykantów i śpiewaczek
tego regionu. Wspólnie spędzają czas na nauce miejscowych melodii,
goszcząc zwykle u klarnecisty Stanisława Witkowskiego, a także
u śpiewaczek z Sędka i okolic – Marii Kowalik i Marii Gałki.
Kapela grała do tańca podczas zabaw tanecznych i festiwali
muzyki tradycyjnej w całej Polsce – m.in. Wszystkie Mazurki Świata
(Warszawa), Rozstaje (Kraków), Jarmark Jagielloński (Lublin), Dźwięki
Północy (Gdańsk). W 2014 roku kapela wzięła udział w spektaklu
Jacka Hałasa i Darka Błaszczyka „Orszak weselny/Żałobny rapsod“,
zrealizowanym przez Polskie Radio.
W roku 2016 Tęgie Chłopy za płytę „Dansing” zdobyły druga nagrodę
w konkursie fonograficznym Polskiego Radia - Folkowy Fonogram Roku
2015.
Zawołany Skład Weselny, fot. ze zbiorów artystów
aż do Wisły, skąd grają wybór powiślaków i światowców. Cenią sobie
starą, taneczną nutę sprzyjającą spotkaniom, której towarzyszy śpiew,
wprowadzając publikę nieodwołalnie w radosny stan ruchu wirowego.
TĘGIE CHŁOPY
Maniucha Bikont – tuba, śpiew
Maciej Filipczuk – skrzypce
Ewa Grochowska – skrzypce, śpiew
Mateusz Kowalski – akordeon
Michał Maziarz – skrzypce
Dorota Murzynowska – baraban
Szczepan Pospieszalski – trąbka
Stanisław Witkowski – saksofon altowy, klarnet
Michał Żak – klarnet
Marcin Żytomirski – skrzypce
Kapela Tęgie Chłopy kontynuuje tradycje muzyki tanecznej
Kielecczyzny w jej autentycznej i niestylizowanej formie. Repertuarem
i instrumentarium nawiązuje do najlepszych wzorów – tradycyjnych
kapel ogrywających dawniej wesela i wiejskie zabawy w okolicach
Łagowa i Opatowa, m.in. kapeli braci Witkowskich z Orłowin,
Krakowiaków ze Zbelutki, Antoniego Witkowskiego z Cisowa i wielu
innych. Nazwa zespołu jest muzyczną deklaracją: Chłopy grają przede
wszystkim kieleckie „chłopy” – trójmiarowe, śpiewne melodie typowe
dla wschodniej Kielecczyzny, zwane także „światówkami” lub „śpiwami”.
Tęgie Chłopy chcą grać do tańca tak, żeby „sufit się podnosił” – jak
to się ponoć zdarzało na zabawach ogrywanych przez słynną kapelę
braci Witkowskich. W podnoszeniu sufitu wydatnie pomaga obecność
mocnej sekcji dętej – trąbki, klarnetu i tuby.
58
The band’s repertoire is based primarily on the fiddling traditions
of the western Radom region, mainly on pieces by “kajocki” fiddler
Piotr Gaca and his accordion player son, Stanisław. Together they
play śpiewaki (sing-along) mazurkas, continuous drogowiecs, smalltime obers, old-time poleczkas – all arranged to be performed also
by an accordionist and sometimes by a clarinettist. Although their
natural area of activity is the region of several “kajockie” villages
strewn between Przytyk and Drzewica, in their musical excursions
they occasionally happen to venture down to the Vistula River region,
hence the powiślaks and światowiecs – whose names are derived from
the local geography – in their repertoire. They appreciate vintage
dance tunes accompanied by singing, thus they inevitably succeed
in putting the audience in a joyful state of a swirling spin.
role models – the traditional bands playing at rural weddings
and dance gatherings in the countryside around the towns of Łagów
and Opatów: the band of Witkowscy brothers of Orłowiny, Krakowiacy
of Zbylutka, Antoni Witkowski of Cisów and many others. The name
of the band is a musical manifesto: Chłopy play mainly chłopy – threetime melodious dance tunes typical for the eastern part of the Kielce
region, also known as światówki or śpiwy. Tęgie Chłopy wish to “raise
the roof” when they play – apparently this used to be the case when
the famous band of Witkowski brothers would play during the dance
bashes in the region. The roof-raising factor seems to be significantly
enhanced by the mighty brass section – a trumpet, a clarinet,
and a tuba.
Members of the band are involved in organising the summer
Kielecki Tabor music festival in the village of Sędek near Łagów
(2013, 2014). Searching for the oldest tunes, musicians and singers
of the Kielce region, the members of the band have covered hundreds
of kilometres. They gather to learn the local melodies and are usually
invited to stay at the clarinet player Stanisław Witkowski’s house
and at Maria Kowalik’s and Maria Gałka’s houses, both of whom are
local, Sędek-based singers.
The band performs at dance nights and traditional music festivals all
over Poland – at the All the World’s Mazurkas (Warsaw), Crossroads
(Kraków), Jagiellonian Fair (Lublin), Sounds of the North (Gdańsk).
In 2014 the band took part in the performance of “Orszak weselny/
Żałobny rapsod“ (“Wedding March/Funeral Dirge”), a piece written
by Jacek Hałas and Darek Błaszczyk and produced by Polish Radio.
TĘGIE CHŁOPY (THICKSET PEASANTS)
Maniucha Bikont – tuba, vocals
Maciej Filipczuk – fiddle
Ewa Grochowska – fiddle, vocals
Mateusz Kowalski – accordion
Michał Maziarz – fiddle
Dorota Murzynowska – baraban drum
Szczepan Pospieszalski – trumpet
Stanisław Witkowski – alto saxophone, clarinet
Michał Żak – clarinet
Marcin Żytomirski – fiddle
The Tęgie Chłopy band is continuing the traditions of dance music
of the Kilece region in its authentic and non-stylised form. Its
repertoire and instrument line-up are inspired by the most supreme
Tęgie Chłopy, fot. Jakub Nowotyński
59
Z A M Ó W I E N I A F E S T I WA L U KO DY
WORKS COMMISSIONED
B Y C O D E S F E S T I VA L
60
61
ZAMÓWIENIA FESTIWALU TRADYCJI I AWANGARDY
MUZYCZNEJ „KODY” (2009-2015)
COMMISSIONS OF „CODES” – THE FESTIVAL OF TRADITIONAL
AND AVANT-GARDE MUSIC (2009-2015)
DO IGORA STRAWIŃSKIEGO (ROSJA) – KWADROFONIK (POLAND)
„ŚWIĘTO WIOSNY – KOMENTARZE” (2013)
TO IGOR STRAVINSKY (RUSSIA) – KWADROFONIK (POLAND)
„THE RITE OF SPRING – COMMENTS” (2013)
„LABIRYNT Z KNOSSOS” NA ZESPÓŁ INSTRUMENTALNY I TANCERZY
(2015)
THE LABYRINTH OF KNOSSOS FOR MUSIC ENSEMBLE AND DANCERS
(2015)
Luiz Henrique Yudo (Holandia/Brazylia) – muzyka,
Dorota Porowska – choreografia i reżyseria
Luiz Henrique Yudo (The Netherlands/Brazil) – music
Dorota Porowska – choreography and direction
Wykonanie:
Orkiestra Trybunału Koronnego
pod kier. Przemysława Stanisławskiego i Marka Stefankiewicza
oraz Formacja Taneczna Labiryntu
Performed by The Lublin Crown Court Orchestra led
by Przemysław Stanisławski and Marek Stefankiewicz,
Labyrinth Dance Group – dance
Wykonanie:
Kwadrofonik w składzie:
Emilia Sitarz, Bartosz Wąsik – fortepian
Magdalena Kordylasińska, Miłosz Pękala – instrumenty perkusyjne
Jacek Łumiński – choreografia
Sebastian Zajkowski – realizacja choreografii
Śląski Teatr Tańca, Lubelski Teatr Tańca, Wydział Teatru Tańca PWST
w Krakowie – taniec
Performed by Kwadrofonik:
Emilia Sitarz, Bartosz Wąsik – piano
Magdalena Kordylasińska, Miłosz Pękala – percussions
Jacek Łumiński – choreography
Sebastian Zajkowski – choreography management
Silesian Dance Theatre, Lublin Dance Theatre, Dance Theatre
Department of the PWST in Cracow – dance
JERZY MAZZOLL, TOMASZ SROCZYŃSKI „RITE OF SPRING VARIATION”
(2013)
JERZY MAZZOLL, TOMASZ SROCZYŃSKI „RITE OF SPRING VARIATION”
(2013)
Wykonanie:
Jerzy Mazzoll – klarnet basowy
Tomasz Sroczyński – skrzypce, media elektroniczne
Performed by Jerzy Mazzoll – clarinet
Tomasz Sroczyński – violin, electronics
Performed by Bang On A Can (USA):
Ashley Bathgate – cello
Robert Black – bass
Vicky Chow – grand piano
David Cossin – percussion
Mark Stewart – guitars
Ken Thomson – clarinets
IGNACY ZALEWSKI „INICJAŁ W BŁYSKAWICY” (2013)
IGNACY ZALEWSKI „INITIAL IN A LIGHTNING” (2013)
Wykonanie:
Leszek Lorent, zespół perkusyjny pod kier. Leszka Lorenta
– instrumenty perkusyjne
Performed by Leszek Lorent Percussion Ensemble – percussions
LIDIA ZIELIŃSKA „MISSING LINK” (2014)
Wykonanie:
Cezary Duchnowski – media elektroniczne
UTWORY NAPISANE DO PROGRAMU FIELD RECORDINGS
DLA ZESPOŁU BANG ON A CAN:
KRZYSZTOF WOŁEK „BŁOTO” (2015)
JAROSŁAW SIWIŃSKI „TIMECODE” (2015)
ARTUR ZAGAJEWSKI „WOODCUTS” (2015)
Wykonanie:
Bang On A Can (USA) w składzie:
Ashley Bathgate – wiolonczela
Robert Black –kontrabas
Vicky Chow – fortepian
David Cossin – perkusja
Mark Stewart –gitary
Ken Thomson – klarnety
LIDIA ZIELIŃSKA „ZAGUBIONE OGNIWO” (2014)
Wykonanie:
Lidia Zielińska – muzyka, reżyseria dźwięku, live electronics,
instrumenty elektroniczne
Maciej Czarnecki – instrumenty perkusyjne
Malwina Paszek – lira korbowa i inne instrumenty
Anna Zielińska – altówka amplifikowana
Szymon Józwiak – realizacja dźwięku
Rafał Zapała – realizacja live electronics
Monika Mamińska – śpiew (solo)
Zespół Muzyki Tradycyjnej Ośrodka Międzykulturowych
Inicjatyw Twórczych „Rozdroża” – śpiew
PIERRE JODLOWSKI (FRANCJA) „INTERACTIVE LANDSCAPES” (2013)
Wykonanie:
Kapela Huculi Mikołaja Iliuka z Werchowyny (Ukraina)
– instrumenty tradycyjne,
Pierre Jodlowski – media elektroniczne
62
WORKS COMPOSED FOR THE FIELD RECORDINGS PROGRAMME
FOR BANG ON A CAN:
KRZYSZTOF WOŁEK „BŁOTO / MUD” (2015)
JAROSŁAW SIWIŃSKI „TIMECODE” (2015)
ARTUR ZAGAJEWSKI „WOODCUTS” (2015)
Performed by Lidia Zielińska – music, sound direction, live electronics, electronic
instruments
Maciej Czarnecki – percussion
Malwina Paszek – hurdy-gurdy and other instruments
Anna Zielińska – amplified viola
Szymon Józwiak – sound
Rafał Zapała – live electronics
Monika Mamińska -Domagalska – vocals (solo)
Traditional Music Ensemble of The Centre for Intercultural Creative
Initiatives “Crossroads” – vocals
PIERRE JODLOWSKI (FRANCE) „INTERACTIVE LANDSCAPES” (2013)
Performed by Mikołaj Iliuk’s Hutsul Ensemble (Ukraine)
– traditional instruments
Pierre Jodlowski – electronics
CEZARY DUCHNOWSKI „SADHANA” (2013)
CEZARY DUCHNOWSKI „SADHANA” (2013)
Performed by Cezary Duchnowski – electronics
ALEKSANDER KOŚCIÓW „LITHANIAE” (2013)
ALEKSANDER KOŚCIÓW „LITHANIAE” (2013)
Wykonanie:
Łucja Szablewska – sopran
Zespół Międzynarodowej Szkoły Muzyki Tradycyjnej
pod kier. Jana Bernada – śpiew
Orkiestra Symfoniczna Filharmonii im. H. Wieniawskiego w Lublinie
Szymon Bywalec – dyrygent
Beata Chwedorzewska – reżyseria
JUKEBOX (FRANCJA), MITCH & MITCH „I HIT YOU – BITWA NA HITY”
(2013)
Wykonanie:
zespół Jukebox w składzie:
Fabrizio Rat – instrumenty klawiszowe
Louis Laurain – trąbka
Fidel Fourneyron – puzon
Ronan Courty – kontrabas
Julien Loutelier – perkusja
Performed by Łucja Szablewska – soprano
International School of Traditional Music Ensemble directed
by Jan Bernad – vocals
Lublin Philharmonic Orchestra, Szymon Bywalec – conductor
Beata Chwedorzewska – art direction
JUKEBOX (FRANCE), MITCH & MITCH „I HIT YOU – BATTLE OF HITS”
(2013)
Performed by Jukebox:
Fabrizio Rat – piano
Louis Laurain – trumpet
Fidel Fourneyron – trombone
Ronan Courty – bass
Julien Loutelier – drums
63
oraz zespół Mitch & Mitch w składzie:
Mitch – gitara, instrumenty klawiszowe, harmonijka, głos
Mitch – gitara basowa, głos
Serious Mitch – perkusjonalia, gitara, melodika, instr. klawiszowe, głos,
urok osobisty
Mr. Bitch – perkusja, gitara, perkusjonalia, sampler, parszywy głos
James Boned Mitch – perkusja i perkusjonalia, sampler, mikro-głos
Crackin’ Mitch – wibrafon
Mitch the Kid – trąbka
Mad Mitch – saksofon
Spiral Mitch – puzon
MANUEL M. HERVÁS LINO (HISZPANIA) „CAMPANORIA XV. MUZYKA
NA DZWONY LUBLINA” (2012)
Wykonanie:
manuel m. hervás lino – dyrygent
and Mitch & Mitch:
Mitch – guitars, piano, harmonica, vocals
Mitch – bass, vocals
Serious Mitch - percussion instruments, guitar, piano, vocals, personal
charm
Mr. Bitch - drums, guitar, percussion instruments, sampler, lousy vocals
James Boned Mitch – drums, percussion instruments, sampler,
micro-vocals
Crackin’ Mitch – vibraphone
Mitch the Kid – trumpet
Mad Mitch – saxophone
Spiral Mitch – trombone
MANUEL M. HERVÁS LINO (SPAIN) „CAMPANORIA XV. MUSIC
FOR THE LUBLIN BELLS” (2012)
Performed by manuel m. hervás lino – conductor
MARCIN MASECKI „POLONEZ” (2012)
ANTANAS KUČINSKAS, RYTIS AMBRAZEVICIUS (LITWA)
„PIEŚNI SZELFU KONTYNENTALNEGO. STACJA I” (2011)
ANTANAS KUČINSKAS, RYTIS AMBRAZEVIČIUS (LITHUANIA)
„SINGSHELF STATION I” (2011)
Wykonanie:
Antanas Kučinskas – elektronika
Rytis Ambrazevicius – śpiew, instrumenty tradycyjne
Džiugas Katinas – wizualizacja
Performed by Antanas Kučinskas – electronics
Rytis Ambrazevicius – vocals, traditional instruments
Džiugas Katinas – visual design
JAGODA SZMYTKA „W ŚWIETLE ZIELONEGO SŁOŃCA” (2011)
JAGODA SZMYTKA „IN THE GREEN LIGHT OF THE SUN” (2011)
Wykonanie:
Kwartludium w składzie:
Dagna Sadkowska – skrzypce
Michał Górczyński – klarnet, karnet basowy
Paweł Nowicki – instrumenty perkusyjne
Piotr Nowicki – fortepian
Zespół Międzynarodowej Szkoły Muzyki Tradycyjnej – śpiew
Performed by Kwartludium:
Dagna Sadkowska – violin
Michał Górczyński – clarinet, bass clarinet
Paweł Nowicki – percussions
Piotr Nowicki – piano
The International School of Traditional Music Ensemble (Poland)
- vocals
„W” (2011)
„IN” (2011)
Wykonanie:
Joel Grip (Szwecja/Francja) – kontrabas
Pierre Borel (Francja) – saksofon
kr39 – gitara, elektronika
Monika Mamińska – głos
Kosma Ostrowski – wizualizacje
Performed by Joel Grip (Sweden/France) – bass
Pierre Borel (France) – saxophone
kr39 – guitar, electronics
Kosma Ostrowski – visual design
MARCIN MASECKI „THE POLONAISE” (2012)
Wykonanie:
Marcin Masecki – fortepian
Orkiestra w składzie:
Maurycy Idzikowski, Filip Mazurkiewicz – trąbka
Paweł Postaremczak – saksofon altowy, saksofon tenorowy
Tomasz Duda – saksofon altowy, saksofon barytonowy
Wacław Zimpel, Michał Górczyński – klarnet, klarnet basowy
Michał Tomaszczyk – puzon
Piotr Wrobel – puzon, tuba
Jerzy Rogiewicz – perkusja
MARCIN DYMITER „PROJEKT 100! CREDO – PRZYSZŁOŚĆ MUZYKI”
(2012)
Wykonanie:
Marcin Dymiter aka emiter – elektronika
Tomasz Chołoniewski – perkusja
Jerzy Mazzoll – klarnet basowy
Ignaz Schick – gramofon, elektronika
Jérôme Noetinger – magnetofon szpulowy
DJ Lenar – gramofon
Performed by Marcin Masecki - piano
Orchestra:
Maurycy Idzikowski, Filip Mazurkiewicz – trumpet
Paweł Postaremczak – alto and tenor saxophone
Tomasz Duda – alto and baritone saxophone
Wacław Zimpel, Michal Górczyński – clarinet
bass clarinet, Michal Tomaszczyk – trombone
Piotr Wrobel – trombone, tube
Jerzy Rogiewicz – percussion
MARCIN DYMITER „PROJEKT 100! CREDO – THE FUTURE OF MUSIC”
(2012)
TADEUSZ WIELECKI „SHOUTS” (2011)
64
Wykonanie:
Joanna Duda – fortepian
Ewa Grochowska – skrzypce
Łukasz Borowiecki – elektronika
Katarzyna Kasica – wizualizacje
Performed by Joanna Duda - piano
Ewa Grochowska – violin
Łukasz Borowiecki – electronics
Katarzyna Kasica – visual design
„HER AND THEM (2011)”
Performed by Marcin Dymiter aka emiter – electronics
Tomasz Chołoniewski – drums
Jerzy Mazzoll – bass clarinet
Ignaz Schick – turntable, electronics
Jérôme Noetinger – tape recorder
DJ Lenar – turntable
TADEUSZ WIELECKI „KRZYKI” (2011)
Wykonanie:
Anastazja Bernad, Klaudia Niemkiewicz – śpiew
Wojciech Kaproń – taniec
Orkiestra Muzyki Nowej
„NIESKOŃCZONA/UNFINISHED” (2011)
„NIESKOŃCZONA/UNFINISHED” (2011)
Performed by Anastazja Bernad, Klaudia Niemkiewicz – vocals
Wojciech Kaproń – dance
Orkiestra Muzyki Nowej
„ONA I ONI” (2011)
Wykonanie:
Iva Bittová (Czechy) - głos
Leszek Możdżer - fortepian
Jacek Kochan – perkusja
ARTURAS BUMŠTEINAS (LITWA/POLSKA) „NEW ANTHEM OF SYLT”
(2010)
Wykonanie:
Arturas Bumšteinas – elektronika
Kęstutis Pleita (Litwa) – altówka, gitara elektryczna
Tadas Žukauskas (Litwa) – altówka, gitara basowa
Natalia Kawałek – śpiew, gongi
Performed by Iva Bittová (Czech Republic) – vocals
Leszek Możdżer – piano
Jacek Kochan – drums
ARTURAS BUMŠTEINAS (LITHUANIA/POLAND) „NEW ANTHEM OF SYLT”
(2010)
Peformed by Arturas Bumšteinas – electronics
Kęstutis Pleita (Lithuania) – viola, electric guitar
Tadas Žukauskas (Lithuania) – viola, bass guitar
Natalia Kawałek – vocals, gongs
65
„ODYSEJA” (2010)
„ODYSSEY” (2010)
JAN BERNAD „TRZY DŹWIĘKI” (2009)
JAN BERNAD „THREE SOUNDS” (2009)
Wykonanie:
Antimos Apostolis – gitara, klawisze
Grigoris Ikonomu – gitara
Jorgos Skolias – głos
Performed by Antimos Apostolis – guitar, piano
Grigoris Ikonomu – guitar
Jorgos Skolias – vocals
Wykonanie:
Zespół Międzynarodowej Szkoły Muzyki Tradycyjnej – głosy
Jan Pilch, Marek Olma – perkusjonalia
Performed by The International School of Traditional Music Ensemble – vocals
Jan Pilch, Marek Olma – percussions
„ZBYT OSTRA WYMIANA DŹWIĘKÓW NA LAPTOPY I SKRZYPCE” (2009)
„TOO SHARP EXCHANGE OF SOUNDS ON LAPTOPS AND VIOLINS” (2009)
„PAST AND FUTURE” – SPEKTAKL AUDIO-WIZUALNY (2010)
„PAST AND FUTURE” – AUDIO-VISUAL PERFORMANCE (2010)
Wykonanie:
Aleksander Janas/kolektyw kilku.com – obraz
Dariusz Kociński – dźwięk
Performed and produced by Aleksander Janas/kolektyw kilku.com – video
Dariusz Kociński – sound
Wykonanie:
Trio laptopowe Phonos ek Mechanes – elektronika
Jan Gaca, Ewa Grochowska, Maciej Filipczuk – skrzypce
Performed by Laptop trio Phonos ek Mechanes – electronics
Jan Gaca, Ewa Grochowska, Maciej Filipczuk – violins
PIOTR KUREK „PIEŚNI BAŁKANÓW” (2009)
PIOTR KUREK „SONGS OF THE BALKANS” (2009)
PAWEŁ ROMAŃCZUK, ORSZULAK „WYLICZANKI POLSKIE” (2010)
PAWEŁ ROMAŃCZUK, TOMASZ ORSZULAK „POLISH COUNT-OUT RYMES”
(2010)
Wykonanie:
Piotr Kurek – elektronika
Performed by Piotr Kurek – electronics
AGATA ZUBEL, CEZARY DUCHNOWSKI „SZYMANKI KURPIANOWSKIE”
(2009)
AGATA ZUBEL, CEZARY DUCHNOWSKI „SZYMANKI KURPIANOWSKIE”
(2009)
Wykonanie:
ElettroVoce w składzie:
Agata Zubel – głos
Cezary Duchnowski – elektronika
Marcin Grabisz – fortepian
Anastazja Bernad – głos
Performed by ElettroVoce:
Agata Zubel – vocals
Cezary Duchnowski – electronics
Marcin Grabosz – piano
Anastazja Bernad – vocals
„KOŁYSANKI” (2009)
„LULLABIES” (2009)
Wykonanie:
Tomasz Stańko – trąbka
Zespół Międzynarodowej Szkoły Muzyki Tradycyjnej – śpiew
Performed by Tomasz Stańko – trumpet
The International School of Traditional Music Ensemble – vocals
Wykonanie:
Paweł Romańczuk – kompozycja, małe instrumenty, sampler
Tomasz Orszulak – kompozycja, instrumenty strunowe
Jędrzej Kuziela – instrumenty perkusyjne
Piotrek Łyszkiewicz – klarnety
Chór „La Musica” – śpiew
Performed by Paweł Romańczuk - concept, small instruments, sampler
Tomasz Orszulak – string instruments
Jędrzej Kuziela – percussions
Piotrek Łyszkiewicz – clarinets
“La Musica” Choir
ALLA ZAGAYKEVYCH (UKRAINA) „NORTHWEST” (2010)
ALLA ZAGAYKEVYCH (UKRAINE) „NORTHWEST” (2010)
Wykonanie:
Electroacoustic’s Ensemble (Ukraina) w składzie:
Alla Zagaykevych – media elektroniczne, głos, improwizacje
Ira Klymenko – głos
Sierhij Ochrimczuk – skrzypce, improwizacje
Vadim Jowicz – instrumenty perkusyjne, improwizacje
Performed by Electroacoustic’s Ensemble (Ukraine):
Alla Zagaykevych – electronics, vocals, improvisations
Iryna Klymenko – vocals
Sergii Okhrimchuk – violin, improvisations
Vadim Jovich – percussions, improvisations
HILMAR ÖRN HILMARSSON (ISLANDIA) „PRZEŁAMUJĄC LODY” (2010)
HILMAR ÖRN HILMARSSON (ICELAND) „BREAKING THE ICE” (2010)
Wykonanie:
Steindór Andersen (Islandia) – śpiew
Hilmar Örn Hilmarsson (Islandia) – klawisze, elektronika
Kwartet smyczkowy z Lublina
Performed by Steindór Andersen (Iceland) – vocals
Hilmar Örn Hilmarsson (Iceland) – piano, electronics
String quartet from Lublin
ALEKSANDER KOŚCIÓW „LENTEN LAMENTATIONS” (2010)
ALEKSANDER KOŚCIÓW „GORZKIE ŻALE” (2010)
Wykonanie:
Andrzej Bauer, Warszawska Grupa CELLONET – wiolonczele
Zespół Międzynarodowej Szkoły Muzyki Tradycyjnej – śpiew
Performed by Andrzej Bauer, Warszawska Grupa CELLONET – cellos
The International School of Traditional Music Ensemble – vocals
„MARATON INTUICJONISTÓW” (2009)
„MARATHON OF THE INTUITIONISTS” (2009)
Wykonanie:
Krzysztof Knittel, Jerzy Kornowicz, Ryszard Latecki, Mieczysław
Litwiński, Tadeusz Wielecki, Tadeusz Sudnik i ich goście
66
Performed by Krzysztof Knittel, Jerzy Kornowicz, Ryszard Latecki, Mieczysław
Litwiński, Tadeusz Wielecki, Tadeusz Sudnik and guests
67
ORGANIZATORZY:
ORGANISERS:
Jerzy Kornowicz – Komisarz Festiwalu
Renata Kamola, Grzegorz Paluch – Koordynatorzy Festiwalu
[email protected]
Jerzy Kornowicz – Festival Commissioner
Renata Kamola, Grzegorz Paluch – Festival Coordinator’s
[email protected]
Ośrodek Międzykulturowych Inicjatyw Twórczych „Rozdroża”
ul. Peowiaków 12, 20-007 Lublin
www.rozdroza.com, [email protected]
Tel. +48 81 466 61 67, Fax. +48 81 466 61 64
“Crossroads” Centre for Intercultural Creative Initiatives
Peowiaków 12, 20-007 Lublin
www.rozdroza.com, [email protected]
Tel. +48 81 466 61 67, Fax. +48 81 466 61 64
Mirosław Haponiuk – Dyrektor OMIT Rozdroża
Jan Bernad – Dyrektor artystyczno-programowy OMIT Rozdroża
Mirosław Haponiuk – Director of CROSSROADS CICI
Jan Bernad – Artistic Director of CROSSROADS CICI
Anna Gorgol, Anna Horyńska, Renata Kamola, Eliana Kisielewska,
Karolina Majkowska, Monika Mamińska-Domagalska, Grzegorz Paluch,
Krzysztof Twaróg
Anna Gorgol, Anna Horyńska, Renata Kamola, Eliana Kisielewska,
Karolina Majkowska, Monika Mamińska-Domagalska, Grzegorz Paluch,
Krzysztof Twaróg
Menadżer techniki
Jarosław Rudnicki
Technical Manager
Jarosław Rudnicki
Projekt logo festiwalu
Robert Zając / kilku.com
Design of festival logo
Robert Zając / kilku.com
Projekt i opracowanie, identyfikacji oraz materiałów promocyjnych
Motyf Studio / motyfstudio.com
Design of festival visual identification and promotional materials
Motyf Studio / motyfstudio.com
Rejestracja fotograficzna
Tomasz Kulbowski / kulbowski.com
Photo documentation
Tomasz Kulbowski / kulbowski.com
Rejestracja filmowa
Kaiju / kaiju.pl
Film documentation
Kaiju / kaiju.pl
Współpraca
Justyna Żukowska, Kamila Olech
Cooperation
Justyna Żukowska, Kamila Olech
Tłumaczenia
Magdalena Jung, Renata Kamola, Renata Kujawska, Karolina
Majkowska, Weronika Nowacka, Bartosz Wójcik
Translations
Magdalena Jung, Renata Kamola, Renata Kujawska, Karolina
Majkowska, Weronika Nowacka, Bartosz Wójcik
Redakcja i korekta tekstów
Renata Kamola, Karolina Majkowska, Grzegorz Paluch, Bartosz Wójcik
Editing and proofreading
Renata Kamola, Karolina Majkowska, Grzegorz Paluch, Bartosz Wójcik
Organizatorzy dziękują wszystkim wolontariuszom za pomoc
przy organizacji Festiwalu.
The organizers would like to thank all voluntary assistants
for their work at the Festival.
Festiwal dofinansowano ze środków Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa
Narodowego.
The festival is supported by the Ministry of Culture and National
Heritage.
ISBN 978-83-938325-5-2
ISBN 978-83-938325-5-2
68
W W W. K O D Y - F E S T I W A L . P L
69
Organizator / Organiser
Patronat honorowy / Honorary patronage
Mecenasi / Patrons
Partnerzy / Partners
Patroni medialni / Media patrons
70

Podobne dokumenty