ROZSTAJE od swojego początku w 1999 roku były czymś

Transkrypt

ETNOKRAKÓW
NA ANTENIE DWÓJKI
ETNOKRAKÓW
ON RADIO 2
Poza bezpośrednimi transmisjami
wybranych koncertów (szczegóły
w programie festiwalu na stronie
20), Program Drugi Polskiego Radia
zaprasza też na specjalne audycje
poświęcone temu wydarzeniu:
As well as presenting live
transmissions of selected concerts
(details in the festival programme
on p. 20), Polish Radio 2 has also
prepared special broadcasts
dedicated to the event:
Dwójka w Krakowie: 102,00 MHz
Polish Radio 2 in Kraków: 102,00 MHz
5 lipca
16.00
Summertime z muzyką gwiazd EtnoKrakowa
6 lipca
12.00
Specjalne wydanie Magazynu Źródła
7 lipca
12.00
8 lipca
12.00
8 lipca
18.00
O wszystkim z kulturą - Etno w Krakowie
9 lipca
12.00
10 lipca
12.00
11 lipca
12.00
Przestrzenie Kultury
5 July
4pm
Summertime with music from stars of EtnoKraków
6 July
12 noon
Special edition of the Źródła (Sources) magazine
7 July
12 noon
8 July
12 noon
8 July
6pm
On everything with culture – Ethno in Kraków
9 July
12 noon
10 July
12 noon
11 July
12 noon
Cultural Spaces
Szanowni Państwo,
PL
Z wielkim zadowoleniem witam w naszym mieście Festiwal EtnoKraków – święto Europejskiej
Unii Nadawców goszczące u nas po raz pierwszy. To wyjątkowe wydarzenie, które połączyło
znany nam od lat Festiwal Rozstaje i EURORADIO Folk Festival.
Kraków zawsze przyjaźnie witał gości przynoszących tu swoją kulturę i obyczaje. Położony na
skrzyżowaniu ważnych szlaków handlowych, przez wieki czerpał swą siłę także ze stałego odnawiania związków z innymi narodami. Jednym z najsłynniejszych krakowskich zabytków jest
ołtarz niemieckiego mistrza Wita Stwosza; potęgę królewskiego miasta budował litewski władca Polski Władysław Jagiełło wraz ze swoją węgierską żoną – królową Jadwigą, inna zaś królowa
Bona Sforza tu właśnie przywiozła włoskich mistrzów renesansu. Tu przez wieki funkcjonowało
żydowskie miasto, a następnie dzielnica Krakowa – Kazimierz.
Muzyka zainspirowana bogactwem kultury ludowej ma w stolicy Małopolski nie tylko wspaniałą historię, ale i licznych współczesnych miłośników i wykonawców. Na ulicach i muzycznych
scenach miasta można usłyszeć dźwięki tradycyjnej muzyki klezmerskiej czy góralskiej, a także
niezwykły stop rytmów narodów Europy Środkowej, od Bałkanów po współczesną Ukrainę. Tę
wyjątkowość i pokrewieństwo muzyki na linii wyznaczonej górzystym pasmem Karpat dostrzegli i od lat podkreślają organizatorzy Festiwalu Rozstaje, jednego z najciekawszych polskich
wydarzeń world music. Do rangi symbolu urasta fakt, że większość wydarzeń Festiwalu EtnoKraków odbędzie się właśnie na Kazimierzu – w miejscu tradycyjnie otwartym na różnorodne
muzyczne światy – tuż po zakończeniu Festiwalu Kultury Żydowskiej.
Jest nam szczególnie miło powitać międzynarodowe grono kilkudziesięciu wykonawców zaproszonych do Krakowa z inicjatywy Europejskiej Unii Nadawców. Możliwość współpracy z tą
zasłużoną organizacją to dla nas zaszczyt i wyróżnienie, ale także przykład konsekwentnego
zacieśniania związków. Sztandarowe krakowskie wydarzenia muzyczne – takie jak festiwale
Misteria Paschalia i Sacrum Profanum czy cykl Opera Rara – są od lat obecne na antenach rozgłośni zrzeszonych w EBU: tym przyjemniej jest nam dzisiaj gościć ich przedstawicieli u siebie.
Szczególnie cieszę się na ponowną współpracę z polskim radiem publicznym, w szczególności
z Dwójką i Radiem Kraków. W roku dziewięćdziesiątych urodzin polskiej radiofonii trudno o lepszy prezent dla jej wiernych słuchaczy.
Kraków z radością włącza się w organizację tego wyjątkowego przedsięwzięcia. Jestem przekonany, że magia dźwięków i emocji Festiwalu EtnoKraków wpisze się w wyjątkową aurę naszego
miasta i zostanie z nami na długo.
Jacek Majchrowski
fot. W. Majka / UMK
JACEK MAJCHROWSKI
Prezydent Miasta Krakowa
5
Ladies and Gentlemen,
EN
We are delighted to welcome you to the EtnoKraków Festival – a celebration of the European Broadcasting Union hosted by our city for the first time. This unique event combines the well-established
Crossroads Festival with the EURORADIO Folk Festival.
Kraków has always been welcoming to visitors, their cultures and customs. Located at the crossroads of
major trade routes, for centuries it has also drawn strength from renewing links with other nations. One
of the most famous Cracovian relics is the altar made by the German master craftsman Veit Stoss,
the royal city’s might was built by the Lithuanian king Władysław Jagiełło with his Hungarian consort
queen Jadwiga, while another queen – Bona Sforza – brought with her Italian Renaissance masters.
For centuries, a separate Jewish city of Kazimierz functioned here, now a district of Kraków.
Music inspired by the wealth of folk culture has a great history here, as well as having many contemporary fans and performers. Our streets and music stages resound with traditional klezmer and
highlander music, and the extraordinary rhythms of nations from throughout Central Europe, from the
Balkans to present-day Ukraine. This uniqueness and affinity of music originating from the mountainous Carpathian arc has been noted and emphasised by the organisers of the Crossroads Festival, one
of Poland’s best events focusing on world music. It is notable that most of the events held as part of
the EtnoKraków Festival are hosted in Kazimierz – a district long tied with many musical worlds – just
after the end of the Jewish Culture Festival.
We are delighted to welcome the international group of dozens of performers invited to Kraków on
the initiative of the European Broadcasting Union. We are proud and honoured to be working with
this important organisation, and it serves as testament of our consistently strengthening ties. Kraków’s
flagship music events – such as the Misteria Paschalia and Sacrum Profanum festivals, and the Opera
Rara cycle – have long been broadcast by stations belonging to the EBU, and we are delighted to
be welcoming their representatives. I am especially happy to be working once again with Poland’s
national radio, in particular Radio 2 and Radio Kraków. In the year of the 90th anniversary of Polish
radiophony, it is difficult to imagine a better present for its loyal listeners.
Kraków is thrilled to be involved in the organisation of this unique event. I am convinced that the
magic of sounds and emotions of the EtnoKraków festival will become an indelible part of our city’s
landscape and remain with us for a long time.
Jacek Majchrowski
fot. W. Majka / UMK
JACEK MAJCHROWSKI
Mayor of the City of Kraków
7
Szanowni Państwo,
PL
od dziesięcioleci Polskie Radio wspiera i kreuje przestrzeń muzyczną, w której jednym z dynamicznie rozwijających się i niezwykle wartościowych gatunków jest muzyka folkowa. Dźwięki
zaczerpnięte z tradycji i fascynacja folklorem, połączone z potrzebą indywidualnej ekspresji
i inwencji wykonawców, stały się fascynującym zjawiskiem nie tylko muzycznym, ale również
kulturowym i społecznym wspieranym przez radiową Dwójkę i jej Radiowe Centrum Kultury Ludowej. To właśnie z inicjatywy Programu 2 Polskiego Radia zrodziła się wspaniała idea
zorganizowania pod auspicjami Europejskiej Unii Nadawców (EBU) – instytucji zrzeszającej
nadawców publicznego radia i telewizji Europy – festiwalu, na którym różnorodność stylów, wykonawców i gatunków pozwoli nam wszystkim poczuć zarówno bogactwo europejskiej kultury
muzycznej, jak i tkwiącą w niej energię.
Andrzej Siezieniewski
Słuchanie koncertów na kilku scenach krakowskiego Kazimierza stało się możliwe dzięki życzliwości i wsparciu Prezydenta Jacka Majchrowskiego. Efektem współpracy Polskiego Radia
z Krakowskim Biurem Festiwalowym i Stowarzyszeniem „Rozstaje” jest właśnie ten Festiwal –
poprzez radiofonie zrzeszone w EBU – promujący muzykę etniczną i Polskę w 59 krajach. Przyznają Państwo, że nie sposób o tym myśleć inaczej, niż z dumą. Cieszę się, że w pięknej scenerii
Kazimierza będziemy słuchać muzyki, będącej – z racji swoich kulturowych źródeł – nośnikiem
wartości zarówno narodowych, jak i ogólnoludzkich. Muzyki, która daje niecodzienne poczucie
wspólnoty. Ufam, że rozpoczynający się Festiwal dostarczy wszystkim wykonawcom i słuchaczom wzruszeń i satysfakcji, do których, dzięki nagraniom realizowanym przez Polskie Radio
w roku jego 90-lecia, będzie można wracać nie tylko pamięcią.
ANDRZEJ SIEZIENIEWSKI
Prezes Polskiego Radia
9
EN
For decades, Polish Radio has supported and created a musical space, in which one of the fastest
growing and highly valuable genres is folk music. Sounds derived from the tradition and fascination
with folklore, combined with the need for individual expression and creativity of the performers, have
become a captivating phenomenon not only in terms of music, but also culturally and socially, supported by Radio 2 and its Radio Folk Culture Centre. It was at the initiative of Polish Radio 2 that the
great idea was born to organise a festival under the auspices of the European Broadcasting Union
(EBU) – an institution of public broadcasters of radio and television in Europe – where the variety
of styles, artists and genres would enable us all to experience both the richness of European musical
culture and its inherent energy.
Andrzej Siezieniewski
Hearing concerts on several stages around Kraków’s Kazimierz has become possible thanks to the
kindness and support of Mayor Jacek Majchrowski. The result of the cooperation between Polish Radio,
the Kraków Festival Office, and the “Crossroads” Association is this festival – affiliated to the EBU
through the radio broadcasting organisations – promoting ethnic music and Poland in 59 countries.
You’ll acknowledge that it is impossible to think about this other than with pride. I am delighted that
Kazimierz will provide the beautiful backdrop as we listen to this music, which – due to its cultural
sources – bears both national and universal values. Music which gives an unusual sense of community.
I hope that this Festival will move and satisfy all the performers and the audience, who will be able to
return to it in more than just memory thanks to the recordings carried out by Polish Radio in its 90th
year.
President of Polish Radio
11
Szanowni Państwo,
PL
Jednym z głównych czynników popularności muzyki źródeł, jak czasem określana bywa muzyka
ludowa i inspirowana folklorem, jest chęć powrotu do korzeni, pragnienie zrozumienia i utrwalenia wartości kulturowych, jakie stoją za tradycją miasta, regionu, terytorium. Wyjątkowość
wydarzenia, jakim jest tegoroczny festiwal EtnoKraków, polega nie tylko na tym, że w szeregu
współorganizatorów stają nadawca publiczny – Program 2 Polskiego Radia – wraz z miejską
instytucją kultury i organizacją pozarządową. To także okazja, by Krakowskie Biuro Festiwalowe
oraz Stowarzyszenie Rozstaje: u Zbiegu Kultur i Tradycji mogły wrócić myślą do swojej historii.
Festiwal Rozstaje w swoich początkach został bowiem włączony w cykl imprez organizowanych
i współorganizowanych przez Biuro Kraków 2000 – którego kontynuatorem jest KBF – w związku z otrzymanym przez nasze miasto tytułem Europejskiej Stolicy Kultury roku 2000.
W ciągu kolejnych kilkunastu lat Festiwal Rozstaje samodzielnie już wzbogacał letni kalendarz
kulturalny Krakowa. Jednak zawsze z wzajemną sympatią i szacunkiem patrzyliśmy na programy naszych wydarzeń. W cyklu festiwali, z jakich słynie Kraków, nie może bowiem zabraknąć
imprezy odwołującej się do różnych muzycznych tradycji w sposób, w jaki czynią to Rozstaje.
Nie od dziś przecież wiemy, że to właśnie tak podziwiana wielokulturowość miasta, przyciągająca tu tłumy turystów, była jednym z najważniejszych argumentów, gdy Kraków starał się dwie
dekady temu o tytuł Europejskiej Stolicy Kultury.
Izabela Helbin
Umiejętność czerpania ze źródeł i twórczego przetwarzania tego, co w nich najcenniejsze, to
warunek rozwoju prawdziwej sztuki, nieodcinającej się od swoich korzeni – ale też odważnie patrzącej w przyszłość. Takie wartości od lat wyznaje Festiwal Rozstaje, dzisiaj jeden z najważniejszych europejskich festiwali etno i world music. Podobny mechanizm można odnaleźć w twórczych odczytaniach dawnych partytur ocalałych z zapomnienia dzięki Festiwalowi Misteria
Paschalia; takie artystyczne credo, z niejednokrotnie dosłownym odwołaniem do pierwotnych
źródeł, stoi też za niejednym dziełem prezentowanym podczas Festiwalu Sacrum Profanum.
Muzyka – ta pisana dużą literą – jest jedna.
Jan Słowiński
EtnoKraków to bogaty program Rozstajów oraz koncerty wykonawców przybywających do
Krakowa w ramach EURORADIO Folk Festival, rekomendowanych do udziału w nim przez
radiofonie kilkunastu krajów Europy. Cieszymy się, że dzięki zaangażowaniu Europejskiej Unii
Nadawców krąg przybywających do Krakowa artystów mógł się tak znacząco poszerzyć. Ich
występy na kilku krakowskich scenach urastają do rangi wielkiego wydarzenia nie tylko w skali
Polski. Tym bardziej że dzięki zaangażowaniu świętującego swoją 90. rocznicę Polskiego Radia
w tym roku koncerty z Krakowa usłyszy cała Europa.
Zapraszamy na festiwal!
IZABELA HELBIN
Dyrektor Krakowskiego Biura Festiwalowego
fot. Adam Golec
fot. ZOFIA SŁOWIŃSKA
JAN SŁOWIŃSKI
Dyrektor Festiwalu Rozstaje
13
EN
One of the main reasons behind the popularity of roots music, as folk and music inspired by folklore
is often described, is the drive to return to our roots; the desire to understand and preserve cultural
values at the foundation of traditions of cities, regions and territories. EtnoKraków festival is unique in
many ways, not least in that one of the co-organisers is a public broadcaster – Polish Radio 2 – alongside the city’s cultural institutions and nongovernmental organisation. It’s also an opportunity for the
Krakow Festival Office and the Crossroads of Cultures and Traditions Association to look back at their
history. In its early days, the Crossroads Festival formed a part of the cycle of events organised and
co-organised by the Kraków 2000 Festival Bureau – continued by the Krakow Festival Office – as
a consequence of our city being awarded the title of European Capital of Culture in 2000.
Over the years, the festival has been enhancing Kraków’s summer cultural calendar independently, although we always look at the programmes of our events with mutual sympathy and respect. An event
recalling myriad musical traditions in the way that Crossroads does must surely be a stalwart of the
cycle of festivals Kraków is famed for. After all, we have always known that it is this incredible cultural
diversity, attracting hordes of visitors to our city, which was one of the main arguments when Kraków
was applying for the title of European Capital of Culture two decades ago.
Izabela Helbin
The ability to look for sources and find creative ways of interpreting their values is key in the development of authentic art, which stays close to its roots while boldly looking to the future. The Crossroads
Festival, now one of the most important European ethno and world music festivals, has been true to
these traditions throughout its history. We can find a similar mechanism in the creative interpretations
of early scores rescued from oblivion by the Misteria Paschalia Festival, and this artistic credo – with
a frequent recollection of original sources – can be found in many masterpieces presented during the
Sacrum Profanum Festival. After all Music – with a capital M – is unique.
Jan Słowiński
EtnoKraków features an extensive programme of Crossroads and concerts by performers playing in
Kraków as part of the EURORADIO Folk Festival, asked to participate by radio stations in many
countries in Europe. We are delighted that the involvement of the European Broadcasting Union has
had such a great impact on expanding the number of artists playing in Kraków. Thanks to Polish Radio celebrating its 90th anniversary this year, the performances will reach audiences across Europe,
making them major events on a Polish and European scale.
Welcome to our festival!
IZABELA HELBIN
Director of the Krakow Festival Office
fot. Adam Golec
fot. ZOFIA SŁOWIŃSKA
JAN SŁOWIŃSKI
Director of the Crossroads Festival
15
Szanowni Państwo,
PL
Christian Vogg
W imieniu Europejskiej Unii Nadawców (EBU*), wszystkich artystów i producentów radiowych
chcę wyrazić moje najgorętsze podziękowania przedstawicielom Polskiego Radia, władz Krakowa i Krakowskiego Biura Festiwalowego za to, że zorganizowali i ugościli 36. Festiwal Folkowy
EURORADIA wspólnie z Festiwalem Rozstaje w tym przepięknym mieście.
Kraków, znana w świecie kulturalna stolica Polski, słynie z kreatywności i innowacji, a także jako
scena artystycznych wydarzeń.
Program festiwalu prezentuje liczne muzyczne gatunki oraz brzmienia rozmaitych tradycji,
odzwierciedlając niezwykłą różnorodność Europy i i jej bogate kulturowe dziedzictwo.
* EBU (UER we francuskiej wersji nazwy)
to organizacja o światowym zasięgu skupiająca media publiczne. Liczy 73 członków
zwyczajnych w 53 krajach Europy i innych
kontynentów oraz dodatkowo 35 członków
stowarzyszonych z 20 krajów.
Członkiem zwyczajnym EBU może stać się nadawca operujący w krajach znajdujących
się w obrębie Europejskiego Obszaru Nadawczego w rozumieniu definicji Międzynarodowego Związku Telekomunikacyjnego lub będących członkami Rady Europy.
Członkowie zwyczajni współdecydują o działalności EBU na różne sposoby. Mają prawo
głosu na zgromadzeniu ogólnym oraz w wyborach do władz EBU. Mogą uczestniczyć
w komisjach i zgromadzeniach EBU i nominować kandydatów do takich ciał, jak Komisja
Sportowa, Komisja Informacji, Komisja ds. Polityki Publicznej i Prawa, Komisja Telewizyjna, Komisja Radiowa czy Komisja Techniczna. Aktywni członkowie cieszą się także
z wszelkich korzyści, jakie wynikają z członkostwa: uczestnictwo w Konkursie Piosenki Eurowizji, dostęp do know-how, sieci kontaktów oraz szkoleń w Akademii Eurowizji, a także
– jako członkowie Eurowizji – możliwość uczestnictwa w programach wymiany informacyjnej (Eurovision News Exchange) i zakupów praw do transmisji wydarzeń sportowych.
Przez lata rosło zainteresowanie muzyką folkową. Festiwal Folkowy EURORADIA powstał
w 1980 roku jako przejaw troski o zachowanie, kontynuowanie, eksplorowanie i rozwój muzyki
korzeni we współczesnym świecie. Ponad 2000 śpiewaków i instrumentalistów – artystów wyrosłych w rozlicznych europejskich tradycjach, ale także z innych kontynentów – wzięło udział
w festiwalu od jego początków. Wielu z nich zyskało dzięki niemu sławę daleko poza granicami
krajów swojego pochodzenia.
Pomimo sytuacji ekonomicznej, która uniemożliwiła wielu członkom EBU przysłanie tu swoich przedstawicieli, do Krakowa przyjadą liczni artyści reprezentujący swoje kraje i rozgłośnie:
z Armenii (PR), Austrii (ORF), Białorusi (BTRC), Bułgarii (BNR), Chorwacji (HRT), Czech (CR),
Estonii (ERR), Finlandii (YLE), Niemiec (ARD/BR WDR), Węgier (MR), Korei (KBS), Łotwy
(LR), Norwegii (NRK), Polski (PR), Rosji (RTR), Hiszpanii (RTVE), Szwecji (SR), Szwajcarii
(SRG-SSR/RTR), Turcji (TRT) i Ukrainy (NRCU).
Wszystkie koncerty Folk Festiwalu EURORADIA zostaną nagrane przez Polskie Radio i zaoferowane za pośrednictwem sieci wymiany muzycznej EURORADIA wszystkim członkom EBU.
Około dwudziestu rozgłośni z Europy i spoza jej granic będzie nadawać koncerty z Krakowa.
Niech Festiwal Folkowy EURORADIA cieszy się wielkim sukcesem i przyniesie wszystkim uczestnikom niezapomniane wspomnienia z Polski!
Status członka stowarzyszonego EBU jest oferowany organizacjom lub grupom z krajów
należących do Międzynarodowego Związku Telekomunikacyjnego pozostających poza
Europejskim Obszarem Nadawczym, oferującym usługi radiowe i/lub telewizyjne, odgrywającym znaczącą rolę jako nadawcy na terenie swoich krajów i których członkostwo
jest z istotnych powodów uznane za korzystne dla EBU.
Należy zauważyć, że status członka stowarzyszonego nie zapewnia dostępu do systemu
Eurowizji. Organizacje, które chcą aplikować do tej roli, powinny skontaktować się z Departamentem ds. Polityki Publicznej i Prawa EBU, który udostępni im szczegóły związane z odpowiednią procedurą. Członkowie stowarzyszeni wnoszą coroczną opłatę. Co
pięć lat Zarząd EBU weryfikuje stosowanie się poszczególnych organizacji do warunków
członkostwa.
DR CHRISTIAN VOGG
EURORADIO
Departament Mediów EBU
17
Dear All,
EN
Christian Vogg
On behalf of the EBU (European Broadcasting Union*), all artists and radio producers, I would like
to express my warmest thanks to Polish Radio, the City of Kraków and the Krakow Festival Office for
organising and hosting the 36th EBU/EURORADIO Folk Festival jointly with the Crossroads Festival
in this picturesque city.
Kraków is internationally known as a cultural capital of Poland, famous for its creativity, innovativeness
and arts scene.
The festival programme will cover a variety of musical genres and sounds of all lifestyles representing
Europe’s incredible diversity and its rich cultural heritage.
* The EBU (UER in French) is the world’s leading alliance of public service media with
73 Active Members in 56 countries across Europe and beyond and 35 Associate Members
in 20 countries.
Active membership is for broadcasting organisations whose countries are within the European Broadcasting Area, as defined by the International Telecommunication Union, or are
members of the Council of Europe.
Active Members guide the EBU’s direction in a number of ways. They are entitled to vote
at the EBU’s General Assembly and in EBU elections. They are encouraged to participate
in EBU Committees and Assemblies and nominate candidates for EBU bodies such as
the Sports Committee, News Committee, Legal & Policy Committee, Television Committee,
Radio Committee and Technical Committee. Active Members also enjoy all the benefits of
EBU membership including participation in the Eurovision Song Contest, access to knowhow, networking, training from the Eurovision Academy, and participation as a Eurovision
member if they contribute to the Eurovision News Exchange and Eurovision sports acquisition.
Over the years, there has been growing interest in folk music. The EURORADIO Folk Festival was
founded in 1980 to help preserve, develop, explore and encourage the development of roots music in
today’s world. Over 2,000 vocal and instrumental musicians from a multitude of traditions in Europe,
but also other continents, have performed at the festival since its beginning. This has also enabled
many artists to become known far beyond their national borders.
Despite the economic situation preventing many EBU Members from joining the festival this year,
we will have artists from PR/Armenia, ORF/Austria, BTRC/Belarus, BNR/Bulgaria, HRT/Croatia,
CR/Czech Republic, ERR/Estonia, YLE/Finland, ARD/BR‑WDR/Germany, MR/Hungary, KBS/
Korea, LR/Latvia, NRK/Norway, PR/Poland, RTR/Russia, RTVE/Spain, SR/Sweden, SRG-SSR/
RTR/Switzerland, TRT/Turkey and NRCU/Ukraine performing in Kraków.
All concerts of the EURORADIO Folk Festival will be recorded by Polish Radio and offered via the
EURORADIO music exchange network to all EBU Members. An average of 20 radio stations in
Europe and beyond will broadcast the concerts from Kraków.
May the EURORADIO Folk Festival enjoy every success and bring you unforgettable memories from
Poland.
Associate membership of the EBU is open to broadcasting organisations or groups thereof
from a member country of the International Telecommunication Union (ITU) outside the European Broadcasting Area which provide a radio and/or television service with a major role
in national broadcasting and whose membership is deemed useful for the EBU.
It is important to note that associate membership does not grant access to the Eurovision
system. Organisations wishing to apply for associate membership should contact the EBU
Legal and Public Affairs Department, which will provide details of the procedure. Associate
Members pay an annual subscription. Every five years the EBU Executive Board reviews
Members’ compliance with the conditions.
DR. CHRISTIAN VOGG
EURORADIO
EBU Media Department
19
5.07 / niedziela / Sunday
STARA ZAJEZDNIA
KRAKÓW
Dziedziniec
/ Courtyard
HALA GŁÓWNA
/ Main Hall
12.00-18.00
/ 12.00 – 6.00 pm
Instrumenty Ludowe –
Warsztaty – Targi
– Prezentacje
/ Folk Instruments –
Workshops – Fairs
– Presentations
[WSTĘP WOLNY / ADMISSION FREE]
17.00-18.30
/ 5.00 – 6.30 pm
Warsztaty tańców słowackich
/ Slovak dance workshop,
prowadzi / led by
Muzička (SK)
23.00-24.00
/ 11.00 pm – 12.00 am
Muzička (SK)
00.00-02.00
/ 12.00 – 2.00 am
7.07 / wtorek / Tuesday
MUZEUM
ETNOGRAFICZNE
IM. S. UDZIELI W KRAKOWIE
/ SEWERYN UDZIELA
ETHNOGRAPHIC MUSEUM
IN KRAKÓW
15.30-17.00
/ 3.30 – 5.00 pm
Warsztaty pieśni
wschodniosłowiańskich,
prowadzi Justyna Piernik
(Warszawa Wschodnia)
/ Workshop of Eastern
Slavic songs,
led by Justyna Piernik
(Warszawa Wschodnia)
[BILET Y / Tickets]
Visegrad Circles /
Noc Tańca
z udziałem muzyków
z Polski, Słowacji i Węgier
Visegrad Circles /
Dance Night
CENTRUM KONGRESOWE ICE
KRAKÓW / ICE KRAKÓW
CONGRESS CENTRE
19.00 / 7.00 pm
Koncert inauguracyjny
EtnoKraków / Rozstaje
EtnoKraków / Crossroads
Opening Concert:
Agata Siemaszko Trio (PL / SK);
Buda Folk Band (HU);
Joanna Słowińska /
„Archipelag” (PL),
feat. Muzykanci,
K. Bogusz,
P. Kaczmarczyk,
T. Kukurba,
M. Oleś,
S. Słowiński
& AKT
[BILET Y / Tickets]
with the participation of musicians
from Poland, Slovakia and Hungary
MUZEUM
ETNOGRAFICZNE
/ SEWERYN UDZIELA
ETHNOGRAPHIC MUSEUM
IN KRAKÓW
12.00-13.30
/ 12.00 – 1.30 pm
Ania Broda, warsztaty dla
dzieci i rodziców / Workshop
for children and parents
[BILET Y / Tickets]
15.00-16.30
/ 3.00 – 4.30 pm
Tsogtgerel Tserendavaa
& Johanni Curtet (MN),
warsztaty śpiewu alikwotowego
/ throat singing workshop
[BILET Y / Tickets]
16.30-18.00
/ 4.30 – 6.00 pm
Sesja oberkowa, warsztaty
polskich tańców tradycyjnych
z Kapelą Na Krzywych
Dźwiękach / Oberek Session,
traditional Polish dance
workshop with Kapela Na
Krzywych Dźwiękach
[BILET Y / Tickets]
6.07 / poniedziałek / Monday
info o biletach
/ info about tickets:
strona / page 152
ŻYDOWSKIE
MUZEUM GALICJA
/ GALICIA
JEWISH MUSEUM
CENTRUM KONGRESOWE
ICE KRAKÓW / ICE KRAKÓW
CONGRESS CENTRE
ul. M. Konopnickiej 17
Muzeum Inżynierii Miejskiej
/ Museum of Municipal
Engineering
ul. św. Wawrzyńca 15
18.00-21.00
/ 6.00 – 9.00 pm
Kościół Św. Katarzyny
/ Church of St. Catherine
ul. Augustiańska 7
[BILET Y / Tickets]
> 18.00 / 6.00 pm:
„Cigarety a pesničky”,
projekcja filmu Marka Šulika
i Jany Kovalčikovej oraz spotkanie
z Janką Belišovą [SK]
/ screening of the film by Marek Šulik
and Jana Kovalčiková and meeting
with Janka Belišová
> 19.00 / 7.00 pm:
Martina & František Duda [SK]
Muzeum Etnograficzne
im. S. Udzieli
/ Seweryn Udziela
Ethnographic Museum
in Kraków
Plac Wolnica 1
Żydowskie Muzeum Galicja
/ Galicia Jewish Museum
ul. Dajwór 18
Stara Zajezdnia Kraków
ul. Św. Wawrzyńca 12
Klub Alchemia
/ Alchemia club
ul. Estery 5
21.00-22.00
/ 9.00 – 10.00 pm
ŻYWA PRACOWNIA
/ LIVING LAB
ul. Bartosza 1
Valentin Clastrier [FR]
[BILET Y / Tickets]
22.30-23.30
/ 10.30 – 11.30 pm
rozstaje / crossroads festival
Teatr Rodzinny Hałasów,
„Zegar bije” / “The Clock Chimes” [PL]
EBU
[BILET Y / Tickets]
8.07 / środa / Wednesday
MUZEUM
ETNOGRAFICZNE
/ SEWERYN UDZIELA
ETHNOGRAPHIC MUSEUM
IN KRAKÓW
PLAC NOWY
> KLUB ALCHEMIA
/ NOWY SQUARE
> ALCHEMIA CLUB
STARA ZAJEZDNIA
KRAKÓW
ŻYDOWSKIE
MUZEUM GALICJA
/ GALICIA
JEWISH MUSEUM
MUZEUM
ETNOGRAFICZNE
/ SEWERYN UDZIELA
ETHNOGRAPHIC MUSEUM
IN KRAKÓW
ŻYWA
PRACOWNIA
/ LIVING LAB
ŻYDOWSKIE
MUZEUM GALICJA
/ GALICIA
JEWISH MUSEUM
CONGRESS CENTRE
12.00-13.30
/ 12.00 – 1.30 pm
16.00-16.30
/ 4.00 – 4.30 pm
18.00-19.30
/ 6.00 – 7.30 pm
19.00-21.00
15.00-16.30
/ 3.00 – 4.30 pm
16.30-18.00
/ 4.30 – 6.00 pm
18.30-19.30
/ 6.30 – 7.30 pm
20.00-22.00
/ 8.00 – 10.00 pm
Ania Broda
warsztaty
dla dzieci i rodziców
/ Workshop for children
and parents
[BILET Y / Tickets]
16.30-18.00
/ 4.30 – 6.00 pm
Sesja oberkowa,
warsztaty polskich tańców
tradycyjnych
z Kapelą Na Krzywych
Dźwiękach
/ Oberek Session, traditional
Polish dance workshop
with Kapela Na Krzywych
Dźwiękach
[BILET Y / Tickets]
BUM BUM ORKeSTAR
[laureat Nowej Tradycji
/ winners of New Tradition]
koncert na dachu
/ concert on the roof
Plac Nowy
21.00-22.00
/ 9.00 – 10.00 pm
BUM BUM ORKeSTAR
[laureat Nowej Tradycji
/ winners of New Tradition]
koncert w klubie Alchemia
/ concert at the Alchemia club
[BILET Y / Tickets]
Banda Corapi (IT)
warsztaty tańców
południowowłoskich /
Southern Italian dance
workshop
22.00 / 10.00 pm
Banda Corapi (IT)
koncert
23.00 / 11.00 pm
Noc Tańca / Dance Night
(Banda Corapi, BUM BUM
ORKesTAR i in./and others)
Warszawa Wschodnia,
„Ławeczka”
[BILET Y / Tickets]
>19.00 / 7.00 pm:
„From Podserednieje
with Love” – film T. Knittla
/ screening of film directed
by Tomasz Knittel
>20.00 / 8.00 pm:
Warszawa Wschodnia,
„Ławeczka”
koncert / concert
Kapela Maliszów, warsztaty
muzyczne / music workshop
[BILET Y / Tickets]
17.00-18.30
/ 5.00 – 6.30 pm
Andrzej Bieńkowski: „Muzyka
żydowska w pamięci wiejskich
muzykantów”, film i spotkanie
z autorem / “Jewish music
in the memories of village
musicians”, film screening and
meeting with the author
18.30-19.30 /
6.30 – 7.30 pm
Warsztaty pieśni tradycyjnych
/ traditional song workshop,
prowadzi / led by Maria Siwiec
Drewniane smoki wawelskie,
warsztaty zabawkarskie
dla dzieci i dorosłych
/ Wooden Wawel Dragons,
toy workshop
for children and adults
Pung Ryu Ji Ak,
„Sound of the Wind” [Korea]
[BILET Y / Tickets]
EtnoKraków / EBU:
Koncert inauguracyjny
Opening Concert
Kroke (PL) EBU:PR
Zakir Hussain & Rakesh
Chaurasia Duo (Indie)
[BILET Y / Tickets]
transmisja w Programie 2
BROADCAST BY POLISH RADIO 2
STARA
ZAJEZDNIA KRAKÓW
23.00 / 11.00 pm
Kapela Brodów, „Muzikaim”
24.00 / 12.00 PM
Noc Tańca / Dance Night
(Kapela Maliszów,
Kapela na Krzywych Dźwiękach,
Kapela Brodów i in./ and others)
9.07 / czwartek / THURSDAY
MUZEUM
ETNOGRAFICZNE
/ SEWERYN UDZIELA
ETHNOGRAPHIC MUSEUM
IN KRAKÓW
15.00-16.30
/ 3.00 – 4.30 pm
& Johanni Curtet (MN),
warsztaty śpiewu
alikwotowego
/ throat singing workshop
[BILET Y / Tickets]
ŻYWA
PRACOWNIA
/ LIVING LAB
16.30-18.00
/ 4.30 – 6.00 pm
Zdobienie tkanin
w motywy kwiatowe
z wycinanek krakowskich,
warsztaty artystyczne
dla dzieci i dorosłych
/ Decorating fabrics in floral
designs with Kraków cut-outs,
art workshops for children
and adults
ŻYDOWSKIE
MUZEUM GALICJA
/ GALICIA
JEWISH MUSEUM
17.30-19.00
/ 5.30 – 7.00 pm
„sanjo-shinawi-mazurek”,
warsztaty muzyczne
prowadzone przez Marię
Pomianowską, muzyków
polskich i koreańskich
/ “sanjo-shinawi-mazurka”,
music workshop led by Maria
Pomianowska and Polish
and Korean musicians
10.07 / piątek / FRIday
STARA ZAJEZDNIA
KRAKÓW
MUZEUM INŻYNIERII
MIEJSKIEJ
/ MUSEUM OF MUNICIPAL
ENGINEERING
KOŚCIÓŁ
ŚW. KATARZYNY
/ CHURCH OF
ST. CATHERINE
SCENA
PLAC WOLNICA
/ WOLNICA SQUARE
STAGE
STARA ZAJEZDNIA
KRAKÓW
16.00-16.45
/ 4.00 – 4.45 pm
20.00-20.45
/ 8.00 – 8.45 pm
22.30-24.00
/ 10.30 pm – 12.00 am
Meridian Brothers [CO]
Banda Nella Nebbia
(Polska) EBU:PR
18.30-19.15
/ 6.30 – 7.15 pm
[BILET Y / Tickets]
[BILET Y / Tickets]
[BILET Y / Tickets]
17.00-17.45
/ 5.00 – 5.45 pm
transmisja WDR
broadcast by Polish Radio 2
broadcast by WDR
19.30–20.15
/ 7.30 – 8.15 pm
20.45-21.30
/ 8.45 – 9.30 pm
Maria Kalaniemi&Timo
Alakotila (Finlandia) EBU:YLE
Hańba!
(Polska) EBU:PR
[BILET Y / Tickets]
transmisja WDR
broadcast by WDR
20.30-21.30
/ 8.30 – 9.30 pm
21.30-22.15
/ 9.30 – 10.15 pm
23.00 / 11 pm
Komedija
(Chorwacja) EBU:HRT
[BILET Y / Tickets]
18.00-18.45
/ 6.00 – 6.45 pm
Mário Bihári
(Czechy) EBU:CR
[BILET Y / Tickets]
[BILET Y / Tickets]
MUZEUM INŻYNIERII
MIEJSKIEJ
ENGINEERING
16.00-16.45
/ 4.00 – 4.45 pm
Quartett Robin Mark
(Szwajcaria)
EBU:SRG SSR/RTR
[BILET Y / Tickets]
17.00-17.45
/ 5.00 – 5.45 pm
Lautari
(Polska) EBU:PR
[BILET Y / Tickets]
18.00-18.45
/ 6.00 – 6.45 pm
Sher on a Shier
(Niemcy)
EBU:ARD/BR ARD/WDR
[BILET Y / Tickets]
retransmisja WDR
w dniu 10.07
broadcast by WDR
on 10 July
19.00-20.30
/ 7.00 – 8.30 pm
Jacky Molard Quartet [FR]
[BILET Y / Tickets]
KOŚCIÓŁ
ŚW. KATARZYNY
/ CHURCH OF
ST. CATHERINE
18.30-19.15
/ 6.30 – 7.15 pm
Aram Merangulyan Folk
Instruments Ensemble of
Public Radio of Armenia
(Armenia) EBU:AMPR
[BILET Y / Tickets]
19.30 -20.15
/ 7.30 – 8.15 pm
Ahlberg – Ek – Roswall
(Szwecja) EBU:STR/SR
CONGRESS CENTRE
Laiksne
(Łotwa) EBU:LR
[BILET Y / Tickets]
21.00 – 21.45
9.00 – 9.45 pm
22.00-22.45
10.00 – 10.45 pm
22.00-23.15
/ 10.00 – 11.15 pm
Nomadic Voices [IT/MN]
[BILET Y / Tickets]
Mbongwana Star
(Kongo)
Arkady Shilkloper
(Rosja) EBU:Radio Russia
[BILET Y / Tickets]
20.00-20.45
/ 8.00 – 8.45 pm
[BILET Y / Tickets]
Piotr „Pianohooligan”
Orzechowski [PL],
„15 Studies for the Oberek”
Gobe Band
(Węgry) EBU:MR
EBU:KBS
[BILET Y / Tickets]
[BILET Y / Tickets]
Ensemble Sinawi
(Korea Południowa)
[BILET Y / Tickets]
Muzykanci [PL]
Maria Pomianowska & Pung
Ryu Ji Ak, „Chopin & Arirang
Project” (Poland / Korea)
19.00-19.45
/ 7.00 – 7.45 pm
Maria Nuut
(Estonia) EBU:ERR
20.30-21.30
/ 8.30 – 9.30 pm
20.00-21.00
/ 8.00 – 9.00 pm
Adam Strug & Kwadrofonik
(Polska) EBU:PR
TaRuta
(Ukraina) EBU:NRCU
[BILET Y / Tickets]
11.07 / SOBOTA / Saturday
MUZEUM INŻYNIERII
MIEJSKIEJ
ENGINEERING
CONGRESS CENTRE
SCENA
PLAC WOLNICA
/ WOLNICA SQUARE
STAGE
KLUB ALCHEMIA
/ ALCHEMIA CLUB
CENTRUM KONGRESOWE
ICE KRAKÓW / ICE KRAKÓW
CONGRESS CENTRE
ul. M. Konopnickiej 17
16.00-16.45
/ 4.00 – 4.45 pm
19.00-19.45
/ 7.00 – 7.45 pm
20.00-21.00
/ 8.00 – 9.00 pm
22.00–24.00
/ 10.00 pm – 12.00 am
/ Museum of Municipal
Engineering
UL. ŚW. WAWRZYŃCA 15
[BILET Y / Tickets]
[BILET Y / Tickets]
17.00-18.45
/ 5.00 – 5.45 pm
20.00-20.45
/ 8.00 – 8.45 pm
support DJ EmPe,
„Halo Ziemia”
DJClick, „BalkAndalucia”
(FR & int.)
[BILET Y / Tickets]
info o biletach
/ info about tickets:
strona / page 152
Kościół Św. Katarzyny
/ Church of St. Catherine
ul. Augustiańska 7
im. S. Udzieli
/ Seweryn Udziela
Ethnographic Museum
in Kraków
Plac Wolnica 1
/ Galicia Jewish Museum
ul. Dajwór 18
ul. Św. Wawrzyńca 12
Klub Alchemia
/ Alchemia club
ul. Estery 5
ŻYWA PRACOWNIA
/ LIVING LAB
ul. Bartosza 1
Talaka
(Białoruś) EBU:BTRC
Madame Baheux
(Austria) EBU:ORF
Kepa Junkera
(Hiszpania) EBU:RTVE/RNE
Gro Marie Svidal
(Norwegia) EBU:NRK
[BILET Y / Tickets]
[BILET Y / Tickets]
18.00-18.45
/ 6.00 – 6.45 pm
21.00-21.45
/ 9.00 – 9.45 pm
Belonoga
(Bułgaria) EBU:BNR
[BILET Y / Tickets]
Kapela Maliszów
(Polska) EBU:PR
21.00-22.00
/ 9.00 – 10.00 pm
Kapela ze Wsi Warszawa
(Polska) & Mercedes Peón
(Hiszpania) EBU:PR
Grup Tayf
(Turcja) EBU:TRT
[BILET Y / Tickets]
22.00-23.00
/ 9.00 – 10.00 pm
Manou Gallo Groove
Orchestra
(Ivory Coast)
rozstaje / crossroads festival
EBU
FESTIWAL FOLKOWY
EBU/EURORADIA W KRAKOWIE!
PO DZIESIĘCIU LATACH JEDEN Z NAJWAŻNIEJSZYCH EUROPEJSKICH FESTIWALI FOLKOWYCH
POWRACA DO POLSKI! TEGOROCZNE WIELKIE
ŚWIĘTO MUZYKI FOLK ODBYWA SIĘ W KRAKOWIE. ZAPRASZAMY!
Niezwykłość i szczególna atrakcyjność festiwalu Europejskiej Unii Nadawców
(EBU*) polega na tym, że jest on imprezą „wędrującą”. Co roku odbywa się w innym kraju. Przez trzydzieści sześć lat objechał całą Europę, a gościł nie tylko wykonawców ze Starego Kontynentu. Dla wielu artystów stał się trampoliną do sławy,
dając im „słuchalność” i popularność w odległych krajach, czasami nawet w dalekich
zakątkach globu. Przede wszystkim jednak jest też świętem dla samej publiczności,
która gromadząc się wokół festiwalowych wydarzeń ma niezwykłą szansę obcować
z oryginalną, ambitną i jednocześnie bardzo komunikatywną twórczością. Twórczością stojącą zazwyczaj na bardzo wysokim poziomie artystycznym i właściwie niedostępną w komercyjnych stacjach radiowych czy telewizyjnych.
Przed nami spotkanie z artystami z całej Europy – z niekwestionowanymi muzycznymi autorytetami: od Marii Kalaniemi z Finlandii po Robina Marka ze Szwajcarii, od
Arkady’ego Shilklopera z Rosji po Kepę Junkerę z Hiszpanii. A do tego będą też goście
z Armenii, Turcji, Korei... Czekają nas wielkie wydarzenia.
GENEZA FESTIWALU EFF
Festiwal Folkowy EURORADIA (EFF) odbywa się co roku od początku lat osiemdziesiątych. Został on stworzony po to, by zaoferować europejskiej publiczności szansę na
kontakt z muzyką nieco ambitniejszą i bardziej wartościową, niż komercyjne piosenki
pop dominujące w mediach. Wiąże się także z pomysłem na budowanie nowej Europy poprzez kontakt z tradycyjną muzyką, przez pogłębianie zbiorowej świadomości,
kontakt ze źródłami, doświadczanie fascynującej sztuki twórczego dialogu. Festiwal
jest platformą rozpowszechniania na całym świecie muzyki wiejskiej i miejskiej, odwołującej się do lokalnych tradycji. Odzwierciedla najważniejsze myśli Europejczyków
w całej ich głębi: kim jesteśmy, skąd pochodzimy i dokąd zmierzamy.
25
Jego organizacją zajmuje się Grupa Muzyki Folkowej EURORADIA (EURORADIO
Folk Music Group), której przewodniczy Kuba Borysiak z Polskiego Radia.
MŁODOŚĆ, DIALOG, WIZJONERSTWO
Szczególną cechą festiwalu EBU jest fakt, że znaczącą część jego uczestników – po
obu stronach sceny – stanowią ludzie młodzi. W przypadku publiczności fakt ten za-
OGROMNY DOROBEK
Folk to wielkie bogactwo, to termin obejmujący szeroki nurt: od pieśni protestu Joan
Baez i Pete’a Seegera, do etnomuzykologicznych i terenowych badań ekspertów, takich jak Alan Lomax czy Joaquín Díaz. To szerokie spektrum interpretacji: od rocka
daje kłam twierdzeniom, że ludzie młodzi nie są zainteresowani tego typu twórczością.
Inna sprawa, że muzyka folkowa ma w sobie niezwykły potencjał integrujący. Jest bezpretensjonalna, a zarazem wyrafinowana; taneczna, ale i refleksyjna – i to właśnie sprawia, że
gromadzą się wokół niej słuchacze z różnych krajów, różnych pokoleń, różnych środowisk.
i jazzu do tradycyjnej muzyki ludowej. Ideą festiwalu jest odnajdywanie najgłębszych
Jeśli zaś chodzi o wykonawców: zwykło się uważać, że scena muzyki pop czy rock
wartości w muzyce korzeni, bo to one tworzą teraźniejszość i określą naszą przyszłość.
to scena muzyki młodzieżowej. Tymczasem to na scenie muzyki folkowej, etnicznej,
Działania te mają wielki sens, co potwierdzają nie tylko entuzjastyczne reakcje publiczności, ale i fakt, że rośnie zainteresowanie imprezą w nowych państwach, również
poza Europą. Od 2010 roku przyjeżdżają na nasz festiwal wykonawcy z Korei Południowej.
muzyki świata pojawia się tylu młodych ludzi i prawdziwie świeże, twórcze, nowe spojrzenie na proces artystycznej kreacji, na stosunek do źródeł, na umiejętność mądrego, pełnego szacunku, ale zarazem odważnego odwołania do tradycji i budowania
– w kontakcie z nią – własnego przekazu. Tak, folk to młodość i innowacja! To odwaga
i wyobraźnia! To dialog i wizjonerstwo!
W imieniu Polskiego Radia i EBU pragniemy gorąco podziękować organizatorom
Przez 36 lat istnienia EFF, wędrując z kraju do kraju, dał bezprecedensową okazję do
festiwalu, władzom miasta Krakowa, KBF, ekipom technicznym, administracyjnym
występu ponad 2000 wykonawcom, którzy reprezentowali wiele tradycji z Europy,
i wolontariuszom za ich olbrzymi wkład pracy w realizację 36. Folk Festiwalu EURO-
ale też innych kontynentów. EFF znany jest publiczności nie tylko z bezpośrednich
RADIA. Przybyłym gościom, producentom i artystom życzymy udanych koncertów,
koncertów, ale przede wszystkim z transmisji radiowych prezentowanych na całym
sukcesów artystycznych i miłego, pełnego wrażeń pobytu w Krakowie.
świecie przez radiofonie będące członkami EBU. Wszystkie koncerty festiwalowe są
KRYSTYNA KABAT
EBU/EURORADIO
nagrywane i oferowane przez gospodarza festiwalu, bez kosztów, pozostałym człon-
KUBA BORYSIAK
Polskie Radio, przewodniczący grupy ds. muzyki tradycyjnej i folku Euroradia (EBU)
kom EBU w ramach wymiany koncertowej w sieci EURORADIA. Każdy koncert EFF
jest nadawany średnio przez dwadzieścia stacji radiowych w Europie i poza nią – zdarzały się nawet transmisje do Nowej Zelandii, Australii, Korei Południowej, Kanady
* EBU
i USA! Dzięki wymianie koncertowej w sieci EURORADIA twórczość wielu artystów
www.ebu.ch
dotarła do słuchaczy daleko poza granicami ich kraju. Koncerty festiwalowe objęły
cała Europę wzdłuż i wszerz: od Førde (Norwegia) do Segowii (Hiszpania), oraz od
Cork (Irlandia) do Moskwy (Rosja).
W Polsce EFF był organizowany jak dotąd dwukrotnie: w 1995 roku w Zakopanem
i w 2005 roku w Gdańsku.
26
Europejska Unia Nadawców (EBU) z siedzibą w Genewie realizuje swą misję w dwóch obszarach: EUROVISION i EURORADIO. EBU inicjuje współpracę publicznych nadawców radiowych i telewizyjnych począwszy od wiadomości ze świata, oglądalnych w każdym
dzienniku telewizyjnym, poprzez wydarzenia sportowe (m.in. Mistrzostwa Świata i Europy
w piłce nożnej, Igrzyska Olimpijskie, wyścigi Formuły I, etc.) aż po wydarzenia rozrywkowe i kulturalne, takie jak Konkurs Piosenki Eurowizji, transmisje m.in. z Metropolitan Opera,
La Scali czy Koncertu Noworocznego z Wiednia, a także licznych festiwali muzyki klasycznej,
jazzowej, folk, muzyki świata oraz popu i rocka.
27
EBU/EURORADIO
FOLK FESTIVAL IN KRAKOW!
AFTER TEN YEARS, ONE OF EUROPE’S MOST IMPORTANT FOLK FESTIVALS RETURNS TO POLAND.
THIS YEAR’S MUSICAL CELEBRATION IS BEING
HOSTED IN KRAKOW – DON’T MISS IT!
One of the most exciting features of the Folk Festival of the European Broadcasting
Union (EBU*) is that it is a travelling event held in a different country each year.
It has journeyed all over Europe during its 36 years, welcoming performers from the Old
Continent and beyond. For many artists, it has been a springboard for their careers,
introducing them to wide audiences and bringing them popularity in faraway places,
frequently in distant corners of the globe. More than anything, though, it is a celebration
for the audiences: by attending festival events, they have a rare opportunity to encounter
original, ambitious and evocative music. And while this music is always of the very highest artistic calibre, it is rarely found on commercial radio or TV.
So get ready to meet artists from across Europe who are unquestionably musical stars:
from Maria Kalaniemi from Finland to Robin Mark from Switzerland, from Arkady
Shilkloper from Russia to Kepa Junkera from Spain. And there are also guests from
Armenia, Turkey, Korea... plenty of excitement all round!
ORIGINS OF THE EFF
The EURORADIO Folk Festival (EFF) has been held every year since the early 1980s.
Its aim is to bring European audiences closer to music with greater ambitions than most
of the pop songs dominating the media. It is also rooted in a concept of building a new
Europe through contact with traditional music and by strengthening collective consciousness, exploring sources and roots, and experiencing the fascinating art of creative
dialogue. The Festival is a platform for popularizing rural and urban music that recalls
local traditions. It fully reflects some of Europe’s most vital issues, such as who we are,
where we come from and where we are heading.
It is organized by the EURORADIO Folk Music Group, chaired by Jakub Borysiak of
Polish Radio.
29
A WEALTH OF ACHIEVEMENTS
Folk music is a very wide term, encompassing a great range of styles: from Joan Baez
When it comes to performers, young people used to be mainly attracted to pop and
and Pete Seeger’s protest songs to ethnomusicology and field studies by experts such as
rock. And yet the scenes of folk, ethnic and world music bring together scores of young
Alan Lomax and Joaquín Díaz. And it brings a range of interpretations, from rock and
people with a truly fresh, creative and innovative outlook on the artistic process, a respect
jazz to traditional folk music. The concept behind the Festival is to seek deep meaning in
for original sources and a thoughtful, respective and bold attitude to traditions, using
root music, since they shape the present day and define our future.
them to build their own artistic message. Yes, folk means youth and innovation! Courage
These activities make a great deal of sense, as confirmed by the enthusiastic responses of
and imagination! Dialogue and vision!
the public and the fact that interest in folk music is growing in many countries in Europe
and beyond. Since 2010, the Festival has been welcoming performers from Korea.
On behalf of Polish Radio and the EBU, we would like to extend our warmest thanks to
the Festival organizers, the Krakow city authorities, the Krakow Festival Office, and the
Over the 36 years of the EFF’s history, by travelling from country to country, it has
provided unprecedented opportunities for over 2000 performers representing many
traditions from Europe and other continents. The EFF is well known for its live concerts,
teams of technicians, administrators and volunteers for their incredible efforts in making
the 36th EURORADIO Folk Festival happen. We wish all audiences, performers and
producers successful concerts, and hope all our guests enjoy their stay in Krakow.
but perhaps even more for radio transmissions presented all over the world by EBU
KRYSTYNA KABAT
EBU/EURORADIO
Member stations. All the concerts are recorded and provided at no cost by the host to
KUBA BORYSIAK
Polish Radio, Head of EURORADIO Folk & Traditional Music Group (EBU)
other EBU Members as part of the EURORADIO concert exchange network. On average, each concert is broadcast by 20 radio stations in Europe and beyond – there have
been transmissions as far afield as New Zealand, Australia, South Korea, Canada and
the US! The EURORADIO concert exchanges have brought many artists to listeners
beyond their own country’s borders. Festival concerts have been held all over Europe,
from Førde (Norway) to Segovia (Spain), and from Cork (Ireland) to Moscow (Russia).
Poland has hosted the EFF twice so far: in Zakopane in 1995, and Gdańsk in 2005.
* EBU
YOUTH, DIALOGUE, VISION
www.ebu.ch
One important feature of the EFF is that a significant number of participants – on both
sides of the stage – are young people. This is particularly notable when it comes to the
public, since it challenges the myth that young people are not interested in this type of
art.
And it is only fair to say that folk music is fantastic at bringing people together. It has
no pretentions yet it is refined, and it inspires reflection as much as it does dance – and
all this means that it attracts listeners from all countries, generations and backgrounds.
30
The European Broadcasting Union (EBU), based in Geneva, operates EUROVISION and EURORADIO. It brings together public radio and television broadcasters in areas ranging from the
world news of the day on television and sports events like the World Cup and European football
championships, Olympics or Formula I racing, to entertainment programmes such as the Eurovision Song Contest, and extensive range of music broadcasts (Metropolitan Opera, La Scala,
New Year’s Concert from Vienna), not to mention numerous festivals of classical, jazz, folk, world
music and pop / rock.
31
DOJRZAŁOŚĆ
ROZSTAJÓW
BYĆ MOŻE NALEŻAŁOBY ZACZEKAĆ JESZCZE
ROK I – KORZYSTAJĄC ZE SPRAWDZONEGO
AFORYSTYCZNEGO WZORCA – STWIERDZIĆ, ŻE
OTO FESTIWAL ROZSTAJE*, ZACZYNAJĄC SWĄ
OSIEMNASTĄ EDYCJĘ, OSIĄGA PEŁNOLETNOŚĆ.
PRAWDA JEST JEDNAK TAKA, ŻE ISTOTNA JEST
DOJRZAŁOŚĆ NIE ZADEKRETOWANA, ALE RZECZYWISTA – A TĘ FESTIWAL OSIĄGNĄŁ JUŻ WIELE LAT TEMU. JEST DZISIAJ JEDNYM Z NAJWAŻNIEJSZYCH EUROPEJSKICH WYDARZEŃ ETNO
I WORLD MUSIC; SCENA ROZSTAJÓW TO DOTĄD
PONAD 200 ZESPOŁÓW Z CZTERECH KONTYNENTÓW.
ROZSTAJE od swojego początku w 1999 roku były czymś więcej niż serią
lepiej lub gorzej powiązanych ze sobą koncertów. Dla ich organizatorów ważna była
treść, przesłanie, opowieść – wynikające z zaproszenia takich, a nie innych wykonawców. Ale istotna była też opowieść w szerszym znaczeniu: taka, w którą układały się
kolejne sekwencje festiwalu.
Z jednej strony zatem pasjonującym koncertom wykonawców krajowych i zagranicznych towarzyszyły zawsze działania dodatkowe: warsztaty, spotkania, prezentacje
– takie wydarzenia, które ugruntowywały wrażenia płynące z koncertów, osadzały
je w wyraźnym kontekście kulturowym, ludowym czy antropologicznym. Pozwalały
zamieniać emocjonalny zachwyt na wiedzę i świadomość, ale też na odwrót: teoretyczne, intelektualne konstrukcje pozwalały weryfikować podczas koncertów i zabaw
tanecznych.
Warto w tym momencie wspomnieć, że Rozstaje to konsekwentny, wieloletni autorski
projekt Jana Słowińskiego – dyrektora artystycznego festiwalu.
33
OSWAJANIE ŚWIATA
WIELKI KRĄG
Dotychczasowa historia festiwalu była też swoistym zataczaniem kręgów, powolnym
Wszystkie te elementy będą ważne i powrócą również w trakcie tegorocznego festi-
rozpoznawaniem, oswajaniem przestrzeni i świata wokół. Organizatorzy wielką uwa-
walu. Impreza zatoczy wielki krąg, bo znów – jak przed laty – przybędzie tu bogata
gą darzyli i nadal darzą muzykę polską – zarówno tę bezcenną, naturalną, wiejską,
i bardzo różnorodna reprezentacja polskiej sceny muzycznej. Nie zabraknie sąsiadów,
jak też różne formy jej mądrego interpretowania oraz reinterpretowania. Kolejnym
tych bliższych i dalszych.
ważnym, dalszym krokiem była uwaga poświęcana tradycji najbliższych geograficznie i kulturowo sąsiadów – szczególnie krajów Grupy Wyszehradzkiej, a także Ukrainy,
Rumunii i krajów Półwyspu Bałkańskiego. Następny krok to artyści z pozostałych krajów europejskich, a wreszcie przedstawiciele innych kontynentów – Azji, Afryki, Ameryki Północnej. I to nie tylko gwiazdy (choć takie też), ale przede wszystkim artyści,
No i czeka nas szeroki wachlarz stylistyczny. Nie, nie na zasadzie „dla każdego coś
miłego”. Raczej na zasadzie „posłuchaj tego, co kochasz, ale odkryj również to, czego
jeszcze nie znasz”. A atrakcji programowych i okazji do odkryć naprawdę nie zabraknie.
którzy mają do opowiedzenia jakąś istotną historię.
Systematyzując te poszukiwania i natchnienia, organizatorzy proponowali odsłony
monograficzne festiwalu, m.in. edycje zatytułowane Muzyka Północy (Arctic Circle)
czy Muzyka Południa (Direction: South), a także dwie pod hasłem Podróż na Wschód.
KRĄG WYSZEHRADZKI
Pierwszym z ważnych kręgów, wokół których będzie się toczył tegoroczny festiwal,
jest temat „Visegrad Circles”. Nie ma on w sobie nic z interesownej próżności haseł
politycznych, jest naturalnym w swej oczywistości porozumieniem artystów z Europy
ODKRYWANIE
Środkowej. Spotkają się w nim węgierski Buda Folk Band, słowacka Muzička oraz
Polacy – Agata Siemaszko i Kuba Bobas Wilk ze słowackim artystą Miroslavem Raj-
I jeszcze jedno: dojrzałość Rozstajów, dalekowzroczność ich organizatorów sprawiały,
tem. Podczas ich koncertów zabrzmi m.in. muzyka odwołująca się do najpiękniejszych
że nigdy nie zamykano się tu w wąskich stylistycznie gettach, w schematach gatun-
karpackich tradycji. Członkowie wspomnianych zespołów zbudują muzyczny most
kowej poprawności. Festiwal rósł z głębokiego przekonania, że prawdziwe życie i au-
między lokalnymi tradycjami. Węgierscy goście to również muzycy należący do dru-
tentyczne artystyczne wartości rodzą się z ucieczki przed schematami, ze zderzania
giego pokolenia artystów, którzy eksplorują madziarskie tradycje poprzez działalność
przeciwieństw, a przynajmniej dzięki spotykaniu się odrębnych estetyk. W pewności,
w ruchu węgierskich domów tańca (táncház). Wierność tradycji łączą z wirtuozerią
że tak bardzo życiowym zdarzeniem jest spotkanie na rozstajach.
i wyobraźnią godną XXI stulecia.
Zatem muzycy ludowi lub ci nawiązujący bezpośrednio do surowej wiejskiej stylistyki
spotykali tu (i spotykają nadal) artystów kręgu folkowego, eksperymentujących, ale
też takich, którym bliżej do estetyki rocka, jazzu czy muzyki elektronicznej. Rozstaje są
bowiem festiwalem „ponadgatunkowym”, takim, na którym spotkanie z artystą może
Pod hasłem „Nomadic Voices” posłuchamy natomiast ekscytującego scenicznego spo-
być poszukiwaniem nowych dróg, stawianiem samemu sobie pytań, odkrywaniem.
tkania wybitnych twórców z Sardynii i Mongolii – we wspólnym projekcie. Jakie są
Wielu, naprawdę wielu artystów ze świata pojawiało się tutaj po raz pierwszy w Polsce. Sporo było też projektów specjalnych przygotowanych z myślą o tym festiwalu,
również dlatego – albo właśnie dlatego – że to impreza otwarta na artystycznych
wędrowców, na twórcze eksperymenty.
34
GŁOSY NOMADÓW
głosy nomadów z odległych stron świata? Czy potrafią wzajemnie się słuchać, a nie
zagłuszać? Czy potrafią zachwycić jedynie przez swą egzotykę, czy też ich twórczość
może nas rzeczywiście poruszyć? Szansa będzie o tyle istotna, że mongolscy artyści
poprowadzą w Krakowie również warsztaty śpiewu alikwotowego.
35
Ale przecież własnymi wersjami opowieści o Głosach Nomadów będą też spotkanie
z Janką Belišovą, występ Martiny i Františka Dudów, koncerty Valentina Clastriera,
Jacky Molard Quartet czy Muzykantów, a wreszcie piękny spektakl „Zegar bije” Teatru
Rodzinnego Hałasów.
Będzie też czas na refleksje związane z elementami tradycji żydowskiej w polskiej muzyce tradycyjnej. Opowie o tym film Andrzeja Bieńkowskiego, a muzycznie pogłębi
ten temat podczas swego koncertu Kapela Brodów. Powróci on też zapewne w jakimś
sensie w graniu zespołu Kroke.
BRZMIENIA MIAST
I jeszcze odważny krok w nowoczesność. Rysowanie, a może tylko szkicowanie fascynującej muzycznej przyszłości, której piękno polega na wyrazistym odwołaniu do
źródeł. To część festiwalu, która ma swoje hasło „Sounds of the Towns”. Bo dziś brzmienia miast są prawdziwą plemienną opowieścią o nas samych. Tym wartościowszą, im
bardziej, korzystając z nowych narzędzi, potrafią ocalić dawne, elementarne emocje:
a zatem scena etno-electro. Pokaże nam to Joanna Słowińska ze swoimi znakomitymi
gośćmi w projekcie „Archipelag”. W Krakowie zaprezentują się mistrzowie nowoczesnych brzmień łamanych ze starymi natchnieniami, muzycy rewelacyjnego kolumbijskiego Meridian Brothers, kongijskiego Mbongwana Star czy wreszcie międzynarodowy konglomerat artystów zebrany przez francuskiego artystę o pseudonimie DJ Click…
Z zupełnie innych okolic zabrzmi na festiwalu projekt Piotra „Pianohooligana” Orzechowskiego „15 Studies for the Oberek” czy ekscytujący ekscytujący polsko-koreański
projekt prowadzony przez Marię Pomianowską. Będzie wreszcie energetyczny show
fantastycznej Manou Gallo.
Warto nie przegapić tych paru lipcowych dni na Rozstajach w Krakowie!
TOMASZ JANAS
36
* ROZSTAJE / CROSSROADS Festival Krakow
www.rozstaje.pl
Jeden z najważnieszych projektów realizowanych przez Stowarzyszenie Rozstaje: u Zbiegu Kultur i Tradycji. W ramach festiwalu i w formie odrębnych inicjatyw stowarzyszenie zrealizowało
wiele projektów edukacyjnych (Krakowski Dom Tańca, Małopolski Dom Tańca, Wyszehradzki
Dom Tańca, Szkoła na Rozstajach), targi instrumentów (Instrumenty Ludowe – Warsztaty – Targi – Prezentacje, dotąd trzy edycje). Stowarzyszenie Rozstaje realizuje również liczne projekty
koncertowe, przedsięwzięcia wydawnicze i fonograficzne.
37
MATURING
CROSSROADS
PERHAPS WE SHOULD WAIT ANOTHER YEAR
AND, USING THE TRIED AND TESTED APHORISTIC
PATTERN, SAY THAT THE CROSSROADS FESTIVAL
KRAKOW* – BEGINNING ITS EIGHTEENTH SEASON
– HAS REACHED THE AGE OF MAJORITY. BUT THE
TRUTH IS THAT IT IS NOT ORDAINED MATURITY
THAT IS IMPORTANT, BUT ACTUAL – AND THIS
THE FESTIVAL REACHED MANY YEARS AGO. IT
IS TODAY ONE OF THE MOST IMPORTANT EUROPEAN ETHNO AND WORLD MUSIC EVENTS; THE
CROSSROADS FESTIVAL STAGE THUS FAR HAS
HOSTED MORE THAN 200 GROUPS FROM FOUR
CONTINENTS.
Since its beginning in 1999, CROSSROADS has been much more than just
a series of loosely interrelated concerts. For the organisers, it was the content, the message, and the story that were important – which was why some performers were invited
and not others. But also important was the story in a broader sense: the one in which
successive festival sequences were arranged.
On the one hand, the exciting concerts by domestic and foreign performers were always accompanied by workshops, meetings, presentations – additional events that gave
a foundation to the emotions experienced during the shows and planted them in a distinct cultural, folk, or anthropological context. They allowed the audience to replace
emotional rapture with knowledge and awareness, but also the other way around: the
theoretical, intellectual constructions allowed us to authenticate the concerts and dances.
It’s worth mentioning at this point that Crossroads is the consistent, long-time project of
Jan Słowiński – artistic director of the festival.
39
TAMING THE WORLD
THE GREAT CIRCLE
The previous history of the festival was also about sketching broad circles, a slow recog-
All these elements are important and will return during the course of this year’s festival.
nition, getting used to the space and the world around. The organisers paid and still pay
The event is surrounded by a great circle, because again – as in years past – there’ll be
great attention to Polish music – both the priceless natural, rural and various adroit forms
a very rich and diverse representation of the Polish music scene here. There will certainly
of interpretation and reinterpretation. Another important further step was the focus on
be neighbours, both near and far.
the tradition of Poland’s geographically and culturally closest neighbours – especially the
Visegrad Group countries, as well as Ukraine, Romania and the countries of the Balkan
Peninsula. The next step was artists from other European countries and, finally, representatives of other continents – Asia, Africa, North America. And it’s not just the stars
And a broad stylistic range awaits us. No, not on a “something for everyone” basis, but
rather the principle of “listen to what you love, but also discover what you do not know”.
And there are plenty attractions and opportunities to discover something truly new.
(though them too), but above all artists who have an important story to tell.
Consolidating these explorations and inspirations, the organisers have proposed monographic chapters for the festival, including versions entitled Arctic Circle, Direction:
South, in addition to two under the banner: The Eastern Wind.
THE VISEGRAD CIRCLES
The first of the important circles that this year’s festival encompasses are the “Visegrad
Circles”. These have nothing of the venal political vanity slogans, but are a coming together of artists from Central Europe, natural in its obviousness. We will see Hungary’s
EXPLORATION
Buda Folk Band, Slovak Muzička and the Poles – Agata Siemaszko and Kuba Bobas
Wilk with the Slovak artist Miroslav Rajt. Their concerts will include music drawing on the
And one more thing: the maturity of Crossroads, the farsightedness of its organisers,
most beautiful Carpathian traditions, and the artists will build a musical bridge between
have meant that the festival has never been locked in to narrow stylistic ghettos or pat-
their own local traditions. Our Hungarian guests are also musicians belonging to the
terns of genre correctness. The festival grew out of a deep conviction that true life and
second generation of artists who have explored Magyar traditions through the activities
authentic artistic value are born with escape from schemata, the collision of opposites, at
of the Hungarian dance house movement (táncház). They combine their faithfulness to
least through a meeting of distinct aesthetics. It comes with a certainty that such a lively
tradition with virtuosity and imagination worthy of the 21st century.
event is a meeting at a crossroads.
Thus, folk musicians, or those referring directly to raw rural styles, met here (and still
meet) artists from the folk community, experimenters, but also those who are closer to the
aesthetics of rock, jazz or electronic music. Crossroads is in fact a wide-ranging festival,
Under the slogan “Nomadic Voices”, we’ll be able to witness an onstage meeting be-
where meeting an artist may begin the search for new roads, asking questions, discovery.
tween outstanding artists from Sardinia and Mongolia in a joint project. What are the
Many, many artists from the world appeared here for the first time in Poland. There have
also been numerous special projects prepared especially for this festival, also because –
or precisely because – it is an event open to artistic travellers, to creative experimentation.
40
NOMADIC VOICES
voices of nomads like from distant parts of the world? Can they listen to and not drown
each other? Can they impress only with their exoticism, or can their work actually move
us? The opportunity is the more important because the Mongolian artists will lead workshops in throat singing.
41
Also, with their own versions of stories about Nomadic Voices, there are the meetings
with Janka Belišová, Martina and František Duda, and concerts by Valentin Clastrier, the
Jacky Molard Quartet and Muzykanci, and finally the beautiful performance of “The
Clock Chimes” by the family Hałas Theatre.
There will also be time for reflection on elements of Jewish tradition in Polish traditional
music. This will be covered by Andrzej Bieńkowski’s film, musically explored further during
the concert by Kapela Brodów (Muzikaim), and it will also certainly return in some sense
in Kroke’s performance.
SOUNDS OF THE TOWNS
And there’s the brave step into modernity: drawing or perhaps only sketching a fascinating musical future whose beauty lies in its distinctive appeal to the sources. This part
of the festival has as its slogan “Sounds of the Towns”, because today the sounds and
images of the city are a real tribal story about ourselves. And they are all the more valuable, because by using new tools they can rescue old elemental emotions: so we come to
the ethno-electro scene. This will be presented by Joanna Słowińska with her outstanding
guests in the project "Archipelago" will host masters of modern sounds interlocked with
old inspirations – the musicians of Colombia’s sensational Meridian Brothers, the Congolese Mbongwana Star, and finally the international conglomerate of artists brought
together by the French artist nicknamed DJ Click...
Another dimension to the festival brings – “15 Studies for the Oberek” by Piotr Piotr
"Pianohooligan" Orzechowski, or the exciting Polish-Korean project led by Maria Pomianowska, and finally there’s the fantastic energetic show by Manou Gallo.
www.rozstaje.pl
Don’t miss these few days in July at the Crossroads in Kraków!
TOMASZ JANAS
42
* CROSSROADS Festival Krakow
One of the most important projects implemented by the Crossroads of Cultures and Traditions
Association. As part of the festival and in the form of separate initiatives the association has
conducted a number of educational projects (Kraków House of Dance, Małopolska House of
Dance, the Visegrad House of Dance, the School at the Crossroads) and instrument fairs (Folk
Instruments – Workshops – Fairs – Presentations, so far three editions). The Crossroads Association
also implements numerous concert and publishing projects and record labels.
43
GOŚCIE ZE ŚWIATA
/ GUESTS FROM THE WORLD
AHLBERG, EK & ROSWALL
46
ARAM MERANGULYAN FOLK INSTRUMENTS ENSEMBLE
48
ARKADY SHILKLOPER
50
BANDA CORAPI
52
BELONOGA
54
BUDA FOLK BAND
56
DJ CLICK / BALKANDALUCIA
58
ENSEMBLE SINAWI
60
GOBE BAND
62
GRO MARIE SVIDAL
64
GRUP TAYF
66
JACKY MOLARD QUARTET
68
KEPA JUNKERA
70
KOMEDIJA
72
LAIKSNE
74
MAARJA NUUT
76
MADAME BAHEUX
78
MANOU GALLO GROOVE ORCHESTRA
80
MARIA KALANIEMI
&
TIMO ALAKOTILA
82
MARIO BIHARI
84
FRANTISEK DUDA
86
MBONGWANA STAR
88
MERIDIAN BROTHERS
90
MUZICKA
92
NOMADIC VOICES
94
PUNG RYU JI AK
96
MARTINA
&
QUARTETT ROBIN MARK
98
SHER ON A SHIER
100
TALAKA
102
TARUTA
104
VALENTIN CLASTRIER
106
ZAKIR HUSSAIN
108
AHLBERG, EK & ROSWALL
Emma Ahlberg
SZWECJA
SWEDEN
STR/SR
ebu
KONCERT
19.30
9.07
Kościół św. Katarzyny
Od początku wspólnej
działalności w 2010 roku trio Ahlberg,
Ek & Roswall często i regularnie koncertuje – zarówno w ojczystej Szwecji,
jak i w całej Europie. Trio gra muzykę
ludową z Medelpad i Skanii, zarówno
tradycyjne utwory, jak i nowe, własne
kompozycje.
Ich twórczość charakteryzuje wirtuozeria i dynamika, które wręcz zapraszają
publiczność do słuchania i do tańca.
Brzmienie grupy opiera się na współpracy skrzypiec, gitara harfowa i nyckelharpy, stale eksplorując nowe muzyczne możliwości. Czerpiąc natchnienie i inspirację z wielu gatunków: od
baroku do muzyki pop, artyści potrafili
znaleźć własny, niepowtarzalny styl.
Szybko przyniosło im to duże uznanie
publiczności. Ich muzyka odwołuje się
do szerokiego spektrum emocji – od
smutku do radości. To wszystko powoduje, że podczas ich koncertów trudno
jest pozostać w pozycji siedzącej. Ahlberg, Ek & Roswall byli nominowani
w 2014 i 2015 roku do tytułu najlepszej
grupy podczas Folk and World Music
Gala.
Emma Ahlberg pochodzi z Sundsvall
w centralnej Szwecji i wychowała się
w rodzinie muzyków folkowych. Jest
absolwentką Royal College of Music
w Sztokholmie. Emma jest członkiem
kilku szwedzkich grup, takich jak Limbohofvet, Mission Melpa i Lily Mountain Band. W roku 2010 otrzymała
tytuł Riksspelman (Folkowy Muzyk
Roku).
Daniel Ek urodził się i wychował w Vuollerim, w Laponii. Zaczął grać na gitarze już w wieku ośmiu lat. Oprócz
gitary klasycznej gra także na lutni
renesansowej i gitarze elektrycznej, jak
również na szwedzkich dudach. Daniel
występował też w zespołach Göran
Månsson Band i Ranarim.
Niklas Roswall pochodzi z małej miejscowości Kverrestad w Skanii. Początkowo grał na skrzypcach, ale wkrótce
przerzucił się na nyckelharpę. Jest
jednym z najwybitniejszych muzyków
grających na tym instrumencie. Był
także członkiem grupy Ranarim.
skrzypce, altówka
VIOLIN, viola
Since their foundation in
2010, Ahlberg, Ek & Roswall have been
performing live frequently and regularly,
both in their native Sweden and all over
Europe. The trio perform folk music from
the Medelpad and Scania regions, playing traditional pieces alongside their own
compositions.
Their work is characterised with virtuosity
and dynamism enticing audiences to listen and to dance. The group’s sound is
based around the consonance of violin,
harp guitar and nyckelharpa, and they
constantly explore new musical frontiers.
Seeking inspiration from genres as diverse
as Baroque and pop, the artists have
created their own, unique style, which
quickly earned them admiration from the
public. Their music invokes a wide spectrum of emotions, from sorrow to joy. All
this means that it’s virtually impossible to
sit still during their concerts. Ahlberg, Ek
& Roswall were nominated for the best
group title during the 2014 and 2015
Folk and World Music Galas.
Emma Ahlberg, originally from Sundsvall
in central Sweden, grew up in a family of
folk musicians and graduated from the
Royal College of Music in Stockholm.
Emma is a member of several Swedish
groups, including Limbohofvet, Mission
Melpa and Lili Mountain Band. In 2010,
she was awarded the Riksspelman title
(Folk Musician of the Year).
Daniel Ek was born and brought up in
Vuollerim in Lapland. He took up guitar
when he was just eight years old. As well
as classical guitar, he also plays Renaissance lute, electric guitar, and Swedish
bagpipes. He has performed with ensembles including Göran Månsson Band and
Ranarim.
Niklas Roswall comes from the village
of Kverrestad in Scania. He started off
playing violin, but he soon gave it up in
favour of nyckelharpa. He is now one of
the most acclaimed musicians performing
on this instrument. He has also been the
member of Ranarim.
Daniel Ek
GITARA harfowa
harp guitar
Niklas Roswall
nyckelharpa
CONCERT
7.30 PM
9.07
Church of St. Catherine
producent / producer: Mats Einarsson
46
fot. Olle Melkerhed
47
ARAM MERANGULYAN FOLK INSTRUMENTS ENSEMBLE
OF PUBLIC RADIO OF ARMENIA
Ruben Matevosyan
śpiew
vocals
armenia
AMPR
ebu
Zespół
instrumentów
ludowych Ormiańskiego Radia Publicznego został założony w 1926 roku
w Erywaniu wraz z utworzeniem Narodowego Radia Armenii. Ta wybitna
formacja wykonuje utwory ludowe,
trubadurów i minstreli, ormiańskich
kompozytorów, a także pieśni ludowe
innych narodów. Występy zespołu są
transmitowane w telewizji publicznej
i ormiańskim radio. Członkami grupy
byli w przeszłości m.in. Levon Madoyan i Vache Hovsepyan, którzy są
założycielami oficjalnej szkoły gry na
duduku. Grupa koncertowała z wielkim powodzeniem dosłownie na całym
świecie.
Lider zespołu wokalista Ruben Matevosyan dał tysiące koncertów w każdym zakątku globu. Od 1990 roku
wykłada w Państwowym Konserwatorium Muzycznym w Armenii. Od 1999
roku jest również Prezesem Związku
Muzyków Ormiańskich. Powszechnie
uznawany jest za jednego z najwybitniejszych śpiewaków w swoim kraju.
Wystąpił również w kilku ormiańskich
filmach. Niemal równie doświadczeni,
a z pewnością obdarzeni równie wielkimi talentami i wrażliwością na piękno
muzyki, są pozostali członkowie aktualnego składu zespołu.
Brzmienie grupy opiera się na subtelnej, harmonijnej współpracy fascynująco brzmiącego wokalisty z instrumentalistami. Wśród instrumentów dominuje oczywiście magicznie zmysłowe
brzmienie duduków, na których gra
kilkoro muzyków. W tle pojawiają się
też inne instrumenty dęte oraz strunowe (wśród nich kanun).
Twórczość Aram Merangulyan Folk
Instruments Ensemble odwołuje się do
przepięknej i bardzo bogatej, wielowiekowej ormiańskiej tradycji. Występ
zespołu będzie zapewne należał do
najbardziej emocjonujących podczas
całego festiwalu.
The ensemble was formed
in Yerevan in 1926, coinciding with the
foundation of the Public Radio of Armenia. The formation performs folk
songs from various countries, pieces for
troubadours and minstrels, and works by
Armenian composers. Their performances
are transmitted on public TV and radio.
Former members include Levon Madoyan and Vache Hovsepyan, who were the
founders of the official duduk school. The
group performs to packed audiences all
over the world.
The ensemble’s leader, vocalist Ruben
Matevosyan, has given thousands of concerts in all corners of the globe. He has
been lecturing at the State Conservatory
in Armenia since 1990, and he has been
the president of the Association of Armenian Musicians since 1999. He is widely
regarded as one of the finest singers in his
country, and he has appeared in a few
films. The other musicians in the ensemble
are almost as experienced and certainly
as talented and sensitive to the beauty
of music.
The orchestra’s sound is based on a subtle, harmonious partnership between the
fascinating vocalist and the instrumentalists. The main instrument is of course
the magical duduk, played by several of
the musicians. There are also wind instruments and strings (including the qanun).
The work of the Aram Merangulyan Folk
Instruments Ensemble recalls the beautiful, ancient and rich Armenian traditions.
The performance is bound to be one of
the most emotional concerts during the
festival.
Arsen Grigoryan
duduk, klarnet, ZURNA
duduk, CLARINET, ZURNA
Harutyun Karapetyan
DHOL DRUMS
Arsen Kostanyan
duduk, piszczałka
duduk, pipe
MIKAEL MATEVOSYAN
DUDUK
Armenak Sargsyan
duduk, piszczałka, obój, zurna
duduk, pipe, oboe, zurna
Elizaveta Makaryan
kanun
qanun
KONCERT
18.30
9.07
CONCERT
6.30 PM
9.07
producent / producer: Ani Mosinyan
48
fot. Olle Melkerhed
49
ARKADY SHILKLOPER
rosja
russia
RADIO RUSSIA
ebu
„The Magic Of The Wind”
to tytuł programu, który przedstawi
podczas festiwalu znakomity rosyjski
artysta Arkady Shilkloper.
Shilkloper jest muzykiem znanym
w świecie. Na instrumentach dętych
zaczął grać już w wieku sześciu lat.
Studiował w Szkole Muzyki Wojskowej
w Moskwie i Rosyjskiej Akademii Muzycznej im. Gniesinych. Pracował w Teatrze Bolszoj i Orkiestrze Filharmonii
Moskiewskiej. Był członkiem wielu
zespołów jazzowych i etno jazzowych,
takich jak Three O, słynne Moskwa Art
Trio (Shilkloper, Starostin & Alperin),
Pago Libre, Vienna Art Orchestra czy
Mauve.
W 1998 roku Arkady Shilkloper zaczął grać podczas swoich koncertów
na rogu alpejskim, jednym z najrzadziej wykorzystywanych instrumentów w muzyce improwizowanej. Do
dziś jest jednym z niewielu muzyków
jazzowych grających na rogu alpejskim.
Artysta brał udział w nagraniu około
osiemdziesięciu płyt: autorskich oraz
takich, na których wystąpił jako gość.
Były wśród nich m.in. głośne płyty Mikhaila Alperina, nagrywane dla firmy
ECM. Pierwszy solowy album, „Hornology”, Schilkloper nagrał w 1996 roku.
W 2013 roku jego „Duo For One” nagrane dla Radia Rosyjskiego otrzymało nagrodę główną w Konkursie
im. Svetozára Stračiny na najlepsze
nagrania muzyki folkowej.
Profesor Jeffrey Agrell, specjalista od
gry na rogu z University of Iowa powiedział żartem o Shilkloperze: „Myślę,
że nikt nigdy nie powiedział mu »Granie jazzu na rogu jest bardzo trudne
i prawdopodobnie nienaturalne« albo
być może to zdanie nie przekłada się
na język rosyjski”. To stwierdzenie pokazuje, jak karkołomne – nawet zdaniem specjalistów – zadanie postawił
sobie Shilkloper. A że potrafi wybrnąć
z niego brawurowo, przekonamy się
już niebawem podczas krakowskiego
festiwalu.
"The Magic Of The Wind"
is the programme presented during the
festival by the outstanding Russian artist
Arkady Shilkloper,
Famous the world over, he started playing wind instruments when he was just
six years old. He studied at the Military
Music College in Moscow and the Gnessin State Musical College, and worked at
the Bolshoi Theatre and the Moscow Philharmonic Orchestra. He has also been
a member of numerous jazz and ethno-jazz ensembles, including Three O, the
acclaimed Moscow Art Trio (Shilkloper,
Starostin & Alperin), Pago Libre, Vienna
Art Orchestra, and Mauve.
During his concerts in 1998, Shilkloper
started playing alphorn, one of the least
frequently used instruments in improvised music. He remains one of very few
jazz musicians playing the instrument.
He has participated in the recording of
around eighty albums, both his own projects and appearing as a guest. They include Mikhail Alperin’s acclaimed albums
recorded for ECM. Shilkloper recorded
his first solo album, “Hornology”, in 1996.
In 2013, his “Duo For One”, recorded for
Russian Radio, received the main prize
in the Svetozár Stračina Competition for
best folk recording.
Jeffrey Agrell, associate professor of horn
at the University of Iowa, says about
Shilkloper, “I think maybe nobody ever
told him ‘Jazz playing on horn is very difficult, and probably not natural’ or perhaps the phrase does not translate into
Russian.” This statement stresses how difficult Shilkloper’s task is, even according to
experts in the instrument. We will discover
how successful he is at conquering these
obstacles during the Kraków festival.
Arkady SHILKLOPER
róg alpejski, róg, skrzydłówka, corno da caccia
alphorn, horn, flugelhorn, corno da caccia
KONCERT
21.30
10.07
Scena Plac Wolnica
CONCERT
9.30 PM
10.07
WOLNICA SQUARE STAGE
producent / producer: Liudmila Osipova
50
fot. Tatiana Gorilovskaya
51
BANDA CORAPI
Mico Corapi
gitara, śpiew, taniec
guitar, vocals, dancing
WŁOCHY
ITALY
rozstaje
crossroads festival
WARSZTATY
18.00
6.07
KONCERT
22.00
6.07
Fascynujące
źródła
wspaniałej, dynamicznej, tanecznej
południowowłoskiej tradycji odkrywa
i przybliża Banda Corapi.
Zespół powstał w 2011 roku, mając
ambicję ukazywania piękna i wartości
lokalnej tradycji muzycznej Kalabrii.
Przełomowym momentem w historii
grupy był rok 2014. Spotkanie Domenico „Mico” Corapiego i Gabriele
Trimbolego zaowocowało wówczas
pomysłem na przejście od tradycyjnego, lokalnego kalabryjskiego repertuaru do muzyki otwartej na szereg
innych doznań i natchnień, szukającej
inspiracji od Grecji poprzez Maroko po
Hiszpanię. Artyści przetwarzają i łączą
melodie, harmonie i rytmy krajów kultur basenu Morza Śródziemnego; nie
pozostają także obojętni na muzykę
Europy Wschodniej.
Gabriele Trimboli dorastał w rodzinie
muzyków ludowych, co nie jest rzadkością w Kalabrii. Zgłębiał lokalną
tradycję z perspektywy antropologicznej, prowadząc badania terenowe. Podczas tych wypraw pogłębiał
swoją wiedzę na temat tradycyjnego
repertuaru Kalabrii, ale też poznawał
wokalne techniki wykonawcze i metody
gry na ludowych instrumentach. Uczył
się bezpośrednio od starych mistrzów.
Podobną ścieżką kroczył Mico Corapi.
Muzyka zespołu zrodziła się z tej głębokiej fascynacji tradycją, a zarazem
jest indywidualną, osobistą wypowiedzią jej członków.
Pełna energii i wielkich emocji twórczość Banda Corapi sprawia, że tradycja Kalabrii staje się ważnym punktem
odniesienia dla słuchaczy zafascynowanych muzyką kultur basenu Morza
Śródziemnego.
The fascinating sources of
magnificent, dynamic, southern Italian
dance tradition are brought to you by
Banda Corapi.
The band was formed in 2011, with the
ambition of showing the beauty and
wealth of the local musical tradition of
Calabria. The turning point in the history
of the group was in 2014. The meeting
between Domenico “Mico” Corapi and
Gabriele Trimboli resulted in the shift from
traditional, local Calabrian repertoire to
music open to a number of other experiences and inspirations, seeking ideas from
Greece through Morocco to Spain. The
artists transform and combine melodies,
harmonies and rhythms from Mediterranean cultures; and they are also not
indifferent to the music of Eastern Europe.
Gabriele Trimboli grew up in a family of
folk musicians, which is not uncommon in
Calabria. He explored the local tradition
from an anthropological perspective, carrying out fieldwork. During these trips he
expanded his knowledge of the traditional repertoire of Calabria, but also learned
vocal performance techniques and methods of playing on folk instruments. He
learned directly from the old masters.
Mico Corapi walked a similar path. The
band’s music was born out of this deep
fascination with tradition and at the same
time is the individual, personal expression
of its members.
Full of energy and great emotion, the
work of the Banda Corapi makes the
tradition of Calabria an important point
of reference for listeners fascinated by the
music of Mediterranean cultures.
Giampiero Nitti
akordeon, dudy, flety
accordion, bagpipes,
flutes
Gabriele Trimboli
lira, śpiew
lyre, vocals
Vittoria Agliozzo
instrumenty perkusyjne, śpiew, taniec
percussion, vocals, dancing
WORKSHOP
6.00 pm
6.07
CONCERT
10.00 PM
6.07
52
53
BELONOGA
Belonoga (Gergana Dimitrova)
śpiew, instrumenty elektroniczne
vocals, electronic instruments
BUŁGARIA
BULGARIA
BNR
ebu
Belonoga to artystyczny
pseudonim znakomitej artystki Gergany Dimitrovej, wcześniej znanej jako
jedna z wokalistek niezapomnianych
grup Le Mystère des Voix Bulgares
i Eva Quartet. Jej głos można usłyszeć
m.in. na płycie „The Arch” nagranej
przed kilkoma laty przez Eva Quartet
we współpracy z legendarnym producentem Hectorem Zazou (były to jedne z ostatnich nagrań zrealizowanych
przed śmiercią przez tego znakomitego twórcę). Na płycie tej wystąpiło
gościnnie ponad pięćdziesięcioro wykonawców: od Billa Frisella i Laurie Anderson po Ryūichiego Sakamoto, Djivana Gasparyana i Bollywood String
Orchestra.
To właśnie ten album zainspirował
autorski projekt Dimitrovej. Efekty jej
poszukiwań znalazły swój fascynujący
wyraz na płycie „Through The Eyes Of
The Sun”. Nagrywając ją Dimitrova
starała się od nowa odkryć brzmienie
swego głosu.
Nagrywany w ciągu czterech lat krążek Belonogi jest owocem poszukiwań
m.in. w dorobku kulturowym Aborygenów, Pigmejów, ale też, naturalnie,
w kręgu tradycji bułgarskiej. Kluczową rolę w realizacji projektu odegrał,
oczywiście obok samej Dimitrovej,
bułgarski twórca Aleks Nushev. Zagrał
on na instrumentach elektronicznych,
gitarze, gitarze basowej, był współtwórcą kompozycji i aranżacji. Przede
wszystkim jednak to w jego studio dokonano nagrań, które znalazły się na
tej fascynującej płycie.
Belonoga is the artistic
pseudonym of the outstanding artist
Gergana Dimitrova, previously known as
one of the vocalists of the unforgettable
groups Le Mystère des Voix Bulgares
and Eva Quartet. She can be heard on
albums including “The Arch”, recorded
a few years ago by Eva Quartet in collaboration with the legendary producer
Hector Zazou; it was one of the last recordings this eminent artist made before
his passing. The album features over fifty
guest performers, including Bill Frisell,
Laurie Anderson, Ryūichi Sakamoto,
Djivan Gasparyan, and Bollywood String
Orchestra.
It was this recording that inspired Dimitrova’s latest project. Recorded over the
period of four years, Belonoga’s fascinating “Through The Eyes Of The Sun” is the
culmination of her exploration of the heritage of Aborigine and Pygmy cultures,
and – naturally – Bulgarian traditions.
Dimitrova used the opportunity to find
a new sound to her own voice.
As well as the artist herself, the key role on
the project was played by the Bulgarian
artist Aleks Nushev. He plays electronic
instruments, guitar and bass guitar, and
he was the co-creator of compositions
and arrangements. He also provided the
recording studio for creating this extraordinary album.
Aleks Nushev
instrumenty elektroniczne, gitara, gitara basowa
electronic instruments, guitar, bass guitar
Kostadin Genchev
kaval, duduk, dvoyanka
kaval, duduk, dvoyanka
Violeta Petkova
gadułka
gadulka
Petar Todorov
instrumenty perkusyjne
percussion instruments
KONCERT
18.00
11.07
CONCERT
6.00 PM
11.07
Museum of Municipal
Engineering
producent / producer: Tzveti Shivarova
54
fot. Dilyana Gergova
55
BUDA FOLK BAND
Andor Maruzsenszki
altówka
viola
WĘGRY
HUNGARY
rozstaje
crossroads festival
Jeden z najważniejszych
dziś zespołów na jakże bogatej i różnorodnej węgierskiej scenie folkowej.
Buda Folk Band powstał w 2007 roku.
Rezydujący w prawobrzeżnej części
Budapesztu muzycy należą do drugiego pokolenia artystów eksplorujących
madziarskie tradycje poprzez działalność w ruchu węgierskich domów tańca (táncház). Wierność tradycji łączą
z wirtuozerią i wyobraźnią godną XXI
stulecia. Inspirowała ich muzyka mistrzów, w tym słynnej grupy Muzsikás.
Dziś sami stanowią klasykę węgierskiej
sceny, a ich płyty wydaje prestiżowa
wytwórnia Fonó.
Ta muzyka, świetnie nadająca się do
tańca, wykonywana jest na instrumentach używanych przez tradycyjnych
twórców z Łuku Karpat i wywodzi się
z autentycznych źródeł. Utwory grane
przez zespół mają charakter typowy
dla węgierskiej muzyki ludowej, która
w wydaniu Buda Folk Band ujawnia
swój ponadczasowy charakter.
Członkowie Buda Folk Band podkreślają: mimo że ich muzyka pochodzi
ze wsi i jest zakorzeniona w wiejskim
stylu życia, może być przenoszona do
miasta – i jest znakomicie przyjmowana przez współczesną, wielkomiejską
publiczność czasów postindustrialnych.
Decyduje o tym przede wszystkim
spontaniczność, bezpretensjonalność
i melodyjność propozycji węgierskich
artystów. Wielkie znaczenie ma ich
głęboka muzyczna świadomość i perfekcyjne brzmienie, ale nade wszystko
umiejętność doskonałej zabawy (do
której chętnie włączają się słuchacze)
w rytm tradycyjnych melodii.
One of the most important bands today in the rich and varied
Hungarian folk scene, the Buda Folk
Band was formed in 2007. Residing in
the right-bank Budapest, the musicians
belong to the second generation of artists
who explore Magyar traditions through
the activities of the Hungarian dance
house movement (táncház). They combine their faithfulness to tradition with virtuosity and imagination worthy of the 21st
century. They were inspired by the music
of the masters, including the famous
group Muzsikás. Today, they themselves
are classics on the Hungarian scene, and
their albums are released by the prestigious Fonó label.
The music, well suited for dancing, is
performed on instruments used by traditional artists from the Carpathian Arc
and is derived from authentic sources. The
songs played by the band are typical of
Hungarian folk music, which reveals its
timeless character in the work of the Buda
Folk Band.
The members of the Buda Folk Band
stress that although their music comes
from the countryside and is rooted in the
rural way of life, it can be transferred to
the city – and is perfectly accepted by
modern, metropolitan post-industrial
audiences.
This is primarily due to the spontaneity,
unpretentiousness and melody of their
work. Of great importance to them is
their deep musical awareness and perfect
sound, but – above all – the ability to
have great fun (which listeners will happily
join in with) in the rhythm of traditional
melodies.
Sándor Csoóri
kontra, tambura, koboz, śpiew
contra, tambura, koboz, vocals
Ádám Takács
altówka, skrzypce, śpiew
viola, violin, vocals
Márton Éri
altówka
viola
Tamos Kiralyi
Soma Salamon
kontrabas
bass
akordeon, flet
accordion, flute
Anna Márczi
śpiew
vocals
KONCERT
19.00
5.07
Centrum Kongresowe ICE
Kraków
CONCERT
7.00 PM
5.07
ICE Kraków Congress Centre
56
57
DJ CLICK / CLICK HERE BALKANDALUCIA
FRANCJA
FRANCE
rozstaje
crossroads festival
Czym zaowocuje spotkanie mistrza nowoczesnych, klubowych
produkcji z muzyką bałkańską oraz
andaluzyjską? Fascynującym połączeniem trzech żywiołów.
Pomysłodawcą tego przedsięwzięcia
jest DJ Click, uznany paryski didżej
i producent. Jego koncert będzie jedną
z największych atrakcji festiwalowej
sceny ethno-electro. Artysta w bezpretensjonalny sposób, swymi zniewalająco energetycznymi utworami, podkreśla względność podziału na muzyczne
gatunki. W swej twórczości swobodnie
czerpie z wielu – na pozór bardzo odległych – inspiracji, układając z nich
pasjonujący kolaż, w którym coś dla
siebie znajdą zarówno wielbiciele tradycyjnych brzmień, jak i zwolennicy
współczesnej muzyki tanecznej.
DJ Click zaprezentuje swój nowy projekt BalkAndalucia. Realizację tanecznych partytur generowanych na żywo
przez Clicka wzbogacą dźwięki thereminu, gitary flamenco, akordeonu, fletu pasterskiego i saksofonu. Muzyczne
inspiracje poprowadzą słuchaczy od
zatłoczonych tawern Salonik, przez
ciemne zaułki Belgradu, aż na szerokie
place Barcelony. Koncertowa, międzynarodowa formacja, wzbogacona
o instrumentalistów nazwana została
Click Here. Idąc tropem swych zgodnych z nazwą projektu, bałkańsko-andaluzyjskich inspiracji, lider zaprosił do
współpracy artystów z Rumunii, Mołdawii i Hiszpanii. W tym niezwykłym
kulturowym miksie odnaleźć można
echa tradycji i nowoczesności, wzajemnie przenikające się elementy kultur
różnych stron Europy.
What would be the result of
a meeting between a master of modern,
club production and Balkan and Andalusian music? A fascinating combination of
three elements.
The originator of this project is DJ Click,
a recognised Parisian DJ and producer.
His concert will be one of the biggest
attractions of the festival’s ethno-electro
stage. The artist unpretentiously emphasises the relativity of divisions into musical genres with his hauntingly energetic
songs. In his work he freely draws from
many – seemingly very distant – sources
of inspiration, arranging them in an exciting collage which features something for
everyone – both admirers of traditional
sounds and supporters of contemporary
dance music.
DJ Click will present his new project
BalkAndalucia. The live dance scores
generated by Click are enriched by the
sounds of theremin, flamenco guitar,
accordion, pastoral flute and saxophone.
The musical inspiration will guide the
audience from the crowded taverns of
Thessaloniki, through the dark alleys of
Belgrade, to the wide squares of Barcelona. The international concert group,
enriched with musicians playing live instruments, has been called Click Here.
Following the lead of the project name,
Balkan-Andalusian inspiration, the leader
has invited artists from Romania, Moldova and Spain. This extraordinary cultural
mix brings together echoes of tradition
and modernity, and interpenetrating cultures of different parts of Europe.
Dj Click
programowanie, turntables, theremin, drumla, głos (Francja)
programming, turntables, theremin, Jew’s harp, vocals (France)
Viorel Potinga
akordeon (Mołdawia)
accordion (Moldova)
Nadia Potinga
śpiew (Mołdawia)
vocals (Moldova)
Tudorel Mihai
saksofon, flet, śpiew (Rumunia)
saxophone, flute, vocals (Romania)
Karine Gonzalez
taniec, śpiew (Hiszpania)
dance, VOCALS (Spain)
KONCERT
22.00
11.07
Alchemia
CONCERT
11.07
10 pM
Alchemia
58
59
ENSEMBLE SINAWI
Duk-Soo Kim
bęben janggu
janggu drum
KOREA POŁUDNIOWA
SOUTH KOREA
ebu
„Sinawi” oznacza w koreańskiej muzyce ludowej czy folkowej
improwizację. Pomysł na powstanie
grupy, którą gościć będziemy podczas
krakowskiego festiwalu, zrodził się podczas spotkań i studiów nad prawdziwą
naturą tradycyjnej muzyki koreańskiej.
Na spotkania te składały się między innymi warsztaty oparte o tematykę rytmów, solowej muzyki instrumentalnej,
pieśni szamańskich, istoty pansori (gatunku nazywanego koreańską operą)
oraz wielu innych aspektów tradycyjnej
muzyki. Poszukiwano odpowiedzi na
pytanie o przyszłość koreańskiej muzyki, także tej improwizowanej, znajdującej swe źródło i oparcie w tradycji.
Z takich doświadczeń, łączących wiedzę i pasję, intelekt i emocje, zrodziła
się fascynująca twórczość przybywającego do nas zespołu.
Ensemble Sinawi, który proponuje właśnie muzyczną improwizację na bazie
koreańskiej tradycji, powstał w 2007
roku jako Korea Traditional Music
Study Workshop. Pierwszy koncert,
zatytułowany „Joy in Soul” artyści dali
w Seoul Munhwailbo Hall dwa lata
później. W kolejnych latach występowali nie tylko w krajach azjatyckich,
ale także w Europie i Stanach Zjednoczonych. Debiutancki album „Cadenza
for Soul” zespół wydał w 2010 roku.
Kolejny krążek „Into the Time” ukazał
się w 2012 roku.
Dla polskiej i europejskiej publiczności to szansa na spotkanie nie tylko
z muzyczną egzotyką, ale z zespołem
w pełni świadomie i głęboko zanurzonym we własnej, lokalnej tradycji,
a z drugiej strony przejmująco i z wielkim zaangażowaniem interpretującym
ją po swojemu, w sposób fascynujący
dla współczesnego słuchacza.
In Korean folk music, “Sinawi” means improvisation. The concept of
creating the group to visit the festival in
Kraków came about during meetings and
studies into the true nature of traditional
Korean music. The meetings featured
workshops focusing on rhythms, solo
instrumental music, shaman songs, the
nature of pansori (a genre often called
Korean opera), and many other aspects
of traditional music. The participants
sought answers to questions on the future
of Korean music, including improvisation,
sourced in and supported by traditions.
The experiences, combining knowledge
and passion, intellect and emotions, resulted in the fascinating music created by
the group.
Ensemble Sinawi, bringing musical improvisation based on Korean traditions,
was founded in 2007 as the Korea Traditional Music Study Workshop. Their first
concert, entitled “Joy in Soul”, was held
two years later at the Seoul Munhwailbo Hall. Since then they have performed
across Asia, in Europe and the US. They
released their debut album “Cadenza for
Soul” in 2010, while their subsequent record “Into the Time” came out in 2012.
For Polish and European audiences this
will be an opportunity to encounter exotic
sounds presented by an ensemble deeply
and consciously immersed in their local
traditions and also interpreting them with
great sensitivity in their own way, creating a fascinating effect for contemporary
listeners.
Hyun-Sik Shin
cytra ajaeng
ajaeng zither
Sung-Joon Lee
bambusowy flet daegeum
daegeum bamboo flute
Yang-Hwa Kim
cytra gayageum, śpiew
gayageum zither, vocals
Ji-Hye Park
jing (ging), INSTRUMENTY perkusyjne
jing gong, percussion instruments
Song-Hee Jeong
fortepiano, cymbały yanggeum
fortepiano, yanggeum dulcimer
KONCERT
19.00
9.07
Kraków
CONCERT
7.00 PM
9.07
producent / producer: Jinhee Lee
60
61
GOBE BAND
Ádám Kiss-B.
skrzypce, altówka, śpiew
violin, viola, vocals
WĘGRY
HUNGARY
MR
ebu
Węgierska scena muzyki
folkowej jest kolorowa, ekscytująca
i różnorodna. Niektórzy artyści lgną do
oryginalnych dźwięków czerpiących ze
współczesnych gatunków muzycznych,
inni poszukują najgłębszych inspiracji
wyłącznie w kontekście muzyki tradycyjnej. Dzięki temu jedni i drudzy nieustannie udoskonalają brzmienie węgierskiego folku. Gobe Band pozostaje
gdzieś pośrodku między dwiema skrajnościami. Jego członkowie w sposób
oczywisty inspirują się wielką tradycją
lokalnej muzyki, z drugiej zaś strony
próbują dopisać do niej swój oryginalny, autorski rozdział.
Grupa powstała w 2007 roku. Jej
członkowie wywodzą się spośród ówczesnych studentów muzyki ludowej
na Akademii Muzycznej Ferenca
Liszta w Budapeszcie. Od początku
swej działalności natchnień poszukują
w tradycji Transylwanii, Wojwodiny, ale
też w wielkim świecie muzyki klasycznej, a także jazzu i rocka.
Publiczność, która miała już przyjemność słuchać Węgrów na żywo, dobrze
wie, że z tej różnorodności powstaje
zachwycający i wyrafinowany koktajl.
Muzyka Gobe Band, lekko i przyjaźnie
brzmiąca, porywająca słuchaczy do
wspólnej zabawy, zbudowana jest ze
ściśle powiązanych ze sobą elementów
jazzu, bluesa, country, muzyki klasycznej z wątkami tradycji ludowych szeroko rozumianego Basenu Karpackiego.
Ich piosenki, brzmiące atrakcyjnie na
płytach w efekcie studyjnej obróbki
dźwięku, podczas koncertu nabierają
jeszcze mocy i spontaniczności. Można
odnieść wrażenie, że koncerty grupy są
taką samą przyjemnością dla publiczności, jak i dla artystów.
Ich najnowszy album, „Ez van!”, został
opublikowany w marcu tego roku.
The Hungarian folk music
scene is colourful, exciting, and diverse.
Some artists cling to original sounds
drawn from contemporary musical genres, while others seek their deepest inspiration exclusively in the context of traditional
music. As a result, they both continually
refine the sound of Hungarian folk. The
Gobe Band remains somewhere in the
middle between these two extremes. Its
members are clearly inspired by the great
tradition of local music, but they also
strive to add their own ideas to it.
The group was founded in 2007. Its
members were recruited from among
folk music students at the Ferenc Liszt
Academy of Music in Budapest. From the
beginning they sought inspiration in the
traditions of Transylvania and Vojvodina,
but also in the world of classical music as
well as jazz and rock.
The audiences who have already had
the pleasure of seeing the Hungarians
live know that this diversity gives rise to
a delicious and sophisticated cocktail.
Gobe Band’s light and friendly-sounding
music that captivates and entertains listeners is constructed of closely interrelated
elements of jazz, blues, country, classical
music and the broad folk traditions of the
Carpathian Basin. Their songs which flow
attractively on discs as a result of studio
sound processing, acquire more power
and spontaneity during concerts. You get
the impression that the group’s concerts
are equally pleasurable for the audience
and the artists.
Their latest album, “Ez van!”, was released in March this year.
Máté Vizeli
ALTÓWKA, SKRZYPCE, LUTNIA, GITARA, TAMBURYN, ŚPIEW
viola, violin, lute, guitar, tambourine, vocals
Mátyás Egervári
cymbały, tamburyn, flet irlandzki, flet, śpiew
cymbals, tambourine, Irish flute, flute, vocals
Imre Csasznyi
altówka, bass tambura, śpiew
viola, bass tambura, vocals
Márton Timár
bas, śpiew
bass, vocals
Áron Czupi
KONCERT
20.00
10.07
Scena Plac Wolnica
perkusja, instrumenty perkusyjne, śpiew
drums, PERCUSSION INSTRUMENTS, vocals
CONCERT
8.00 pm
10.07
producent / producer: Anikó Fehér
62
fot. Anna Nemeth
63
GRO MARIE SVIDAL
Gro Marie Svidal
hardingfele – norweskie skrzypce
Hardanger fiddle
NORWEGIA
NORWAY
NRK
ebu
Gro Marie Svidal należy
do grona najwybitniejszych norweskich
muzyków grających na hardingfele
(Hardanger fiddle) – słynnych tradycyjnych norweskich skrzypcach. Jej
styl gry charakteryzuje się wyjątkową
muzyczną energią oraz specyficznie
odrębnym, indywidualnym tonem.
Svidal angażuje w swoje granie wielkie
emocje. Wykonuje przede wszystkim
repertuar odwołujący się do lokalnej
tradycji dwóch zachodnich okręgów
Norwegii – regionów Sogn og Fjordane i Hordaland. Do tych tradycyjnych
tematów artystka dodaje wyraźne elementy osobistej interpretacji.
Gro Marie jest też producentką, kompozytorką i tancerką. To wszechstronna
artystka z ważnymi doświadczeniami
w kręgu muzyki, tańca i teatru. Dzięki
swemu talentowi i niepospolitym umiejętnościom, popartym wielką wrażliwością, zdobyła wiele nagród i stypendiów: pierwsze przed laty, jako młoda,
debiutująca wykonawczyni, ostatnie
całkiem niedawno, już jako dojrzała
wybitna artystka: w 2014 roku została
mistrzem kraju w grze na hardingfele.
Jej muzyka kołysze się od zamyślonych
i delikatnych dźwięków po sugestywne
i potężne brzmienia. Podczas koncertów Svidal w rewelacyjny sposób nawiązuje kontakt z publicznością. Słuchacze reagują z entuzjazmem na jej
wyrafinowaną, ale i spontaniczną muzykę. Artystka współpracuje z wieloma
różnymi wykonawcami. Na horyzoncie
współczesnej muzyki pozostaje przykładem twórcy znanego i powszechnie
szanowanego dzięki swej otwartości,
wiedzy i uczciwości.
Na koncie na udział w nagraniu wielu
płyt – często jest zapraszana do współpracy przez innych wykonawców. Swój
debiutancki solowy album „Hardingfele” nagrała w 2009 roku.
Gro Marie Svidal is among
the greatest Norwegian violinists playing the Hardanger fiddle – the famous
traditional Norwegian fiddle. Her style
features a unique musical energy and
a distinctive voice. Svidal’s playing evokes
great emotions. She mainly focuses on
a repertoire of the local tradition of two
western regions in Norway – Sogn og
Fjordane and Hordaland. To these traditional themes the artist adds distinct
elements of personal interpretation.
Gro Marie is also a producer, composer
and dancer. She is a versatile artist with
long experience in the circles of music,
dance and theatre. Thanks to her talent
and uncommon skills, supported by great
sensitivity, she has won many awards and
scholarships: first years ago, as a young,
debuting performer, and the last recently,
as an outstanding mature artist: in 2014
she was the national champion Hardanger fiddler.
Her music sways from the thoughtful and
gentle to the evocative and powerful.
During concerts she has sensational contact with the audience. The listeners react
enthusiastically to her refined but spontaneous music. The artist has worked with
many different performers. In contemporary music she remains a well-known and
widely respected artist, for her openness,
knowledge, and integrity.
She has participated in the recording of
many albums and is often invited to collaborate with other artists. She recorded
her debut solo album, “Hardingfele”, in
2009.
KONCERT
20.00
11.07
Kraków
CONCERT
8.00 pm
11.07
producent / producer: Leiv Solberg
64
65
GRUP TAYF
Murat Akcay
TURCJA
TURKEY
TRT
ebu
Tayf po turecku znaczy
„widmo”, „spektrum”. Legendarny zespół o tej nazwie powstał w Ankarze
w 1992 roku.
Składający się z sześciu muzyków
zespół po latach kontynuuje muzyczną drogę zapoczątkowaną ponad
dwie dekady temu. Łączą się w niej
w unikalną mieszankę elementy ludowej muzyki tureckiej oraz inspiracje
tradycjami Azji Środkowej. Motywy
muzyczne z tysiącletniej tradycji dziedzictwa kulturowego Wielkiej Anatolii,
które prezentują artyści z Grup Tayf
w swoich dokonaniach, dzięki porywającym i uduchowionym interpretacjom
w oczywisty sposób zyskują walor uniwersalny.
Członkowie zespołu występują również
z wieloma różnymi formacjami wspieranymi przez tureckie radio i telewizję.
Wokalista Tuğba Ger gra także na
instrumencie yaren, najbardziej wyrafinowanej wersji najważniejszego spośród tureckich instrumentów muzyki
ludowej – baglamy (popularnej na Bliskim Wschodzie i w Azji Centralnej lutni
długoszyjkowej). Oprócz yarenu w instrumentarium zespołu znajdują się też
cudownie i wielobarwnie brzmiące, ale
szalenie trudne technicznie instrumenty strunowe: tar, baglama, kabak kemane (czyli kemancze), ale też dęte:
kaval czy sipsi oraz instrumenty perkusyjne.
Koncertowali w wielu krajach świata.
Zaprzestali działalności w roku 2012,
a teraz reaktywują się specjalnie na
festiwal.
Tayf in Turkish means “spectre”, “spectrum”. The legendary band with
the same name was founded in Ankara in
1992.
The group, comprising six musicians, are
continuing their musical path that started more than two decades ago. They
combine a unique blend of Turkish folk
elements and influences from the musical
traditions of Central Asia. The musical
motifs from the thousand-year cultural
heritage of Great Anatolia performed
by Grup Tayf in their recordings, and the
gripping and soulful interpretations, are
clearly of universal value.
The band members also appear with
many different groups supported by
Turkish radio and television. The vocalist
Tuğba Ger also plays the yaren, the most
sophisticated version of the most important Turkish folk music instrument – the
baglama (a long-necked lute popular in
the Middle East and Central Asia). Aside
from the yaren, the group’s instruments
include wonderful and multi-toned but
technically extremely difficult string instruments: tar, baglama and kabak kemane,
and also wind: kaval and sipsi, and percussion instruments.
They have toured many countries around
the world. They broke up in 2012, and
are now reactivating especially for this
festival.
ÖMER Hayri Uzun
Ferhat Erdem
Suat Kus
İhsan Mendes
TUĞBA GER
KONCERT
21.00
11.07
Kraków
CONCERT
9.00 pm
11.07
producent / producer: Ersoy Haktanir
66
67
JACKY MOLARD QUARTET
FRANCJA
FRANCE
rozstaje
crossroads festival
Publiczność nad Wisłą
bardzo lubi ich twórczość, podobnie
zresztą jak wielbiciele world music
w całym świecie. Na krakowski festiwal
przybywają, by zachwycić słuchaczy,
klasycy muzyki bretońskiej.
Na czele zespołu stoi Jacky Molard –
jedna z ikon bretońskiej sceny muzyki
tradycyjnej. Gra na skrzypcach, gitarze, basie, od lat zachwyca publiczność
w całym świecie oraz inspiruje swoich
rodaków do poszukiwania natchnień
we własnej kulturze. Urodził się w 1961
roku. Na scenie debiutował już jako kilkunastolatek.
Publiczność pamięta go z takich zespołów jak Gwerz, Pennou Skoulm czy The
Jacky Molard Acoustic Quartet. Gwerz
to jedna z najważniejszych grup, jakie funkcjonowały w Bretanii. Jacky
Molard swym talentem i muzyczną
charyzmą w decydujący sposób wpływał na oryginalność brzmienia i jakość
artystycznej oferty zespołu.
Artysta grał jednak także w innych
grupach, często wspólnie z Erikiem
Marchandem – na przykład w Taraf de
Caransebes. Jest też cenionym kompozytorem i producentem. Molard stworzył wspólnie z Erikiem Marchandem
i Bertrandem Dupontem renomowaną oficynę Innacor Records, uznaną
za najlepsze bretońskie wydawnictwo
world music w roku 2005.
Jacky Molard ze swoimi zespołami
bywa gościem festiwali o międzynarodowym prestiżu. Chętnie prowadzi
warsztaty, dzieląc się swym doświadczeniem i umiejętnościami. Jest niestrudzonym propagatorem bretońskiej
kultury.
Kwartet Molarda proponuje wyrafinowane aranżacje, bogactwo pulsujących rytmów i zapadające w pamięć
melodie.
Polish audiences are very
fond of their work, as are lovers of world
music all around the globe. These Breton
music stalwarts come to the Kraków festival to enchant listeners.
At the head of the group is Jacky Molard
– one of the icons of traditional Breton
music scene. He plays violin, guitar, and
bass, and has delighted audiences all
over the world and inspired his countrymen to seek inspirations in their own culture for years. Born in 1961, he made his
stage debut as a teenager.
The audience remembers him with such
bands as Gwerz, Pennou Skoulm and The
Jacky Molard Acoustic Quartet. Gwerz is
one of the most important groups that
functioned in Brittany. Jacky Molard with
his talent and musical charisma exerted
a decisive influence on the original sound
and artistic quality of the band.
The artist has also played in other groups,
often together with Erik Marchand – for
example in Taraf de Caransebes. He is
also a respected composer and producer. Together with Erik Marchand and
Bertrand Dupont, Molard created the
renowned label Innacor Records, recognised as the best world music Breton label
in 2005.
Jacky Molard and his groups are guests
at internationally prestigious festivals. He
is happy to conduct workshops, sharing
his experience and skills. He is a tireless
promoter of Breton culture.
The Molard Quartet plays sophisticated arrangements, a wealth of pulsating
rhythms, and memorable melodies.
Jacky Molard
skrzypce, altówka
violin, viola
Hélène Labarrière
kontrabas
DOUBLE bass
Yannick Jory
saksofon
saxophone
Janick Martin
akordeon
accordion
KONCERT
19.00
9.07
CONCERT
9.07
7.00 PM
Museum of Municipal
Engineering
fot. Eric Legret
68
69
KEPA JUNKERA
HISZPANIA
SPAIN
RTVE / RNE
ebu
Wirtuoz
guzikowego
akordeonu diatonicznego trikitixa,
Kepa Junkera przybywa do Krakowa
jako uznana gwiazda nurtu world music. Przewrotnie można jednak powiedzieć, że szczęście mają ci słuchacze,
którzy jeszcze nie znają jego twórczości. Przed nimi bowiem jeszcze to wielkie odkrycie i zachwyt, jakie zazwyczaj
towarzyszą kontaktowi z muzyką tego
artysty. Zapewne nie zabraknie tych
zachwytów w Krakowie.
Kariera Kepy trwa już trzydzieści pięć
lat. Jest on jednym z symboli kultury
baskijskiej. Jego dokonania zrewolucjonizowały sposób używania akordeonu
trikitixa, a także rozumienia i interpretowania tradycyjnej muzyki baskijskiej.
Ze względu na swą otwartość wzbogacił lokalną kulturę wpływami innych
stylów, choć – z drugiej strony – jego
muzyka jest głęboko zakorzeniona
w tradycji.
Kepa stworzył muzykę bez granic,
otwartą na inne kultury, na świat, bez
kompleksów, z szacunkiem, a przede
wszystkim z entuzjazmem i ciekawością wobec każdego, kto kocha to, co
robi. Jego bogata dyskografia to ponad dwadzieścia płyt. Urodził się pół
wieku temu w Bilbao, od dzieciństwa
słuchał popularnych folkowych piosenek. Jest samoukiem. Kepa Junkera to
niespokojny duch, pełen pasji, chęci
odkrywania własnej ścieżki w muzycznym świecie. Jest twórcą błyskotliwych
kompozycji, które oddając hołd przeszłości, wyznaczają zarazem nowe
drogi i wskazują przyszłość baskijskiej
(i hiszpańskiej) muzyki. Jego koncerty
są ozdobą najważniejszych międzynarodowych wydarzeń i festiwali kręgu
world music.
The trikitixa (diatonic accordion) virtuoso Kepa Junkera comes to
Kraków as a recognised world music star.
Perversely, it can be said that listeners
who don’t yet know his work are lucky:
before them is the great discovery and
delight which usually follows listening to
this artist’s music. These delights will be in
evidence in Kraków.
Junkera’s career has lasted thirty five years
so far, and he is one of the symbols of
Basque culture. His achievements have
revolutionised how to use the trikitixa accordion, as well as the understanding and
interpretation of traditional Basque music.
Thanks to his openness he has enriched
the local culture with influences from other
styles, yet his music remains deeply rooted
in tradition.
Junkera has created music without borders, open to other cultures, to the world,
with respect, and above all with enthusiasm and curiosity towards anyone who
loves what he does. His extensive discography numbers over twenty albums. He
was born half a century ago in Bilbao,
and from childhood listened to popular
folk songs. He is self-taught. Kepa Junkera is a restless spirit, full of passion, and
a desire to discover his own path in the
music world. He is the creator of brilliant
compositions that, while paying homage
to the past, at the same time define new
paths and indicate the future of Basque
(and Spanish) music. His concerts are the
pride of the most important world music
international events and festivals.
Kepa Junkera
guzikowy akordeon diatoniczny trikitixa
trikitixa diatonic accordion
ENERITZ AULESTIA
Śpiew, instrumenty perkusyjne
VOCALS, PERCUSSION
IRATI GUTIERREZ
VOCALS, PERCUSSION
GARAZI OTAEGI
VOCALS, PERCUSSION
MARIA LASA
VOCALS, PERCUSSION
KONCERT
19.00
11.07
Kraków
CONCERT
7.00 pm
11.07
producent / producer: josé Miguel LOPEZ
70
fot. Igotz Ziarreta
71
KOMEDIJA
Igor Baksa
śpiew, gitara elektryczna
vocals, electric guitar
CHORWACJA
CROATIA
HRT
ebu
Komedija to chorwacki zespół rockowy założony w 2008
roku. Ma na swym koncie wiele nagród zdobywanych w konkursach i na
festiwalach. Chorwaccy artyści mają
do tej pory w dyskografii dwa albumy.
„The Indian Found It Funny“, wydany
w 2009 roku przez oficynę Dallas Records, przyniósł dynamiczną i energetyczną folkrockową muzykę zbliżoną
w klimacie do dokonań słynnych The
Pogues, z dodatkowymi wpływami
kilku gatunków muzycznych, takich jak
rockabilly, blues, reggae i swing.
Ich drugi album, „I Say Peace“, opublikowany w 2011 roku również przez Dallas Records, przynosi nieco pełniejsze
rockowe brzmienie. Dwanaście piosenek, które wypełniają krążek, przywodzą na myśl dokonania Manu Chao,
Gogol Bordello czy Kultur Shock.
Jazzujący klarnet i alkoholowo-bluesowy wokal w klimacie Toma Waitsa tworzą szczególną, momentami niemal
kabaretową atmosferę.
W ciągu ostatnich trzech lat Komedija
z sukcesami grywała w wielu krajach
Europy, od Słowacji, poprzez kraje
tworzące przed laty Jugosławię, po
Włochy. Artyści dali ponad czterysta
koncertów w klubach, na dużych scenach, a także na festiwalach muzycznych.
Komedija to dzisiaj jeden z najpopularniejszych zespołów w Chorwacji,
proponujący muzykę bardzo energetyczną, dynamiczną i komunikatywną – podobającą się stosunkowo
szerokiemu gronu odbiorców. Ważnym
kontekstem dla twórczości zespołu pozostaje oczywiście lokalna, chorwacka
tradycja.
Komedija is a Croatian
rock group founded in 2008. They have
already won awards at several competitions and festivals, and recorded two
albums. “The Indian Found It Funny”,
released in 2009 by Dallas Records,
brought dynamic and energetic folk rock
reminiscent of the legendary Pogues, with
additional influences from genres such as
rockabilly, blues, reggae and swing.
Their second album, “I Say Peace” released in 2011 by the same label, featured somewhat more rounded rock
sounds. The twelve tracks recall music
by Manu Chao, Gogol Bordello and
Kultur Shock. The jazzy clarinet and alcohol-soaked blues vocal reminiscent of
Tom Waits create a unique atmosphere,
at times veering into the cabaret.
In the last three years, Komedija has been
performing all over Europe, from Slovakia to the former Yugoslavia to Italy. The
artists have appeared at over four hundred concerts in clubs, on large stages
and at music festivals.
Komedija is one of the most popular
groups in Croatia today, presenting exuberant, expressive and dynamic music,
appealing to wide audiences. Naturally,
local, Croatian traditions remain at heart
of the group’s style.
Miloš Rok
klarnet
clarinet
Neven Kolarić
gitara basowa, CYMBAŁY
bass guitar, hammered dulcimer, cimbalom
Marinko Marciuš
perkusja
DRUMS
Darko Golubić
instrument klawiszowe, chórki
keyboards, BACKING VOCALS
KONCERT
17.00
10.07
CONCERT
5.00 PM
10.07
Museum of Municipal
Engineering
producent / producer: Vasilij Sikorski
72
fot. Bojan Miljancic
73
LAIKSNE
Baiba Indrēvica
kokle (łotewski psałterion), akordeon, skrzypce, śpiew
kokles (Latvian national psaltery), accordion, violin, vocals
ŁOTWA
LATVIA
LR
ebu
Folkowy zespół Laiksne
powstał w 1993 roku w Rydze. Na jego
repertuar składają się dynamiczne pieśni rytualne i łotewskie piosenki liryczne, a także tradycyjna muzyka taneczna. Wokalna formuła proponowana
przez grupę jest mocno zakorzeniona
w tradycji, ale Laiksne otwarte jest
także na wpływy muzyki współczesnej.
Proponowane przez zespół pieśni i melodie pochodzą z terenu całej Łotwy,
najwięcej jednak z kręgu Latgalii na
wschodzie kraju, gdzie tradycje folklorystyczne są dobrze zachowane.
Również nazwa grupy pochodzi ze
wschodniej Łotwy, gdzie „laiksne”
oznacza lilię wodną. Grupa wykonuje
kompozycje wokalne i instrumentalne
ludowe oraz post-ludowe.
Utwory instrumentalne pozwalają
w szczególny sposób wyeksponować kilka łotewskich tradycyjnych
instrumentów, takich jak cytra kokle,
dudy, skrzypce, akordeon, mandolina
i zestaw instrumentów perkusyjnych,
a także kilka instrumentów nowoczesnych, takich jak gitara czy gitara basowa. Grupę tworzą młodzi pasjonaci
kultury tradycyjnej, którzy próbują
znaleźć dla tej swojej pasji godne miejsce na współczesnej scenie muzycznej.
Laiksne brało udział w wielu festiwalach na Łotwie, w Czechach, Polsce,
Białorusi, Słowenii, Rosji, Szwecji, Estonii i na Litwie. Zespół nagrał trzy płyty: „Kyukova dzagyuze” w 2001 roku,
„Jāņu nakti zelta rasa” w 2002 roku
i „Es jauna būdama” w 2003 roku. Brał
także udział w nagraniu kilku składanek muzyki folkowej, na przykład kompilacji „Sviests” opublikowanej w roku
2005 i „Sviests 2” wydanej dwa lata
później.
The folk ensemble Laiksne was founded in 1993 in Riga. Their
repertoire includes dynamic ritual songs,
Latvian lyrical melodies and traditional
dance music. The group’s vocal formula
is deeply rooted in tradition, although
Laiksne are also open to influences of
contemporary music. Their songs and
melodies originate from all over Latvia,
with the majority from the Latgale region
in the east, where folk traditions are particularly well preserved.
The group’s name also comes from eastern Latvia, where ‘laiksne’ means ‘waterlily’. The musicians perform folk and postfolk vocal and instrumental compositions.
Their instrumental pieces are evocative
in showcasing several traditional Latvian
instruments, such as the kokle zither, bagpipes, violin, accordion, mandolin and
percussion instruments, as well as some
contemporary instruments including guitar and bass guitar. Band members are
young musicians passionate about traditional culture, striving to carve a niche for
their passion on the contemporary music
scene.
Laiksne participate in many festivals in
Latvia, Czech Republic, Poland, Belarus,
Slovenia, Russia, Sweden, Estonia and
Lithuania. They have recorded three albums: “Kyukova dzaguye” in 2001, “Jāņu
nakti zelta rasa” in 2002 and “Es jauna
búdama” in 2003. They have also participated in the recording of several folk
music compilations, such as “Sviests” from
2005 and “Sviests 2” released two years
later.
Līga Jeleviča
skrzypce, FLET PROSTY, śpiew
fiddle, recorder, vocals
Lauma Garkalne
skrzypce, śpiew
violin, vocals
Vineta Romāne
drumla, instrumenty perkusyjne, śpiew
Jew’s harp, hand percussion, vocals
Aija Biezaite
drumla, śpiew
Jew’s harp, vocals
Kaspars Indrēvics
instrumenty perkusyjne, perkusja
PERCUSSION INSTRUMENTS, drums
KONCERT
20.00
9.07
Kraków
Gatis Gaujenieks
gitara basowa, ģīga
bass guitar, ģīga (trough fiddle)
CONCERT
8.00 PM
9.07
producent / producer: Zane Predele
74
fot. Raitis Purinš
75
MAARJA NUUT
ESTONIA
ERR
ebu
Maarja Nuut, skrzypaczka i wokalistka z północnej Estonii,
jest zafascynowana twórczością starych wiejskich muzykantów – zarówno melodyjnością ich piosenek, jak
i konstrukcją utworów, a także swoistą
transowością. Minimalistyczne dźwięki
loopera Maarji zabierają słuchacza
w wyimaginowaną podróż w stronę
ciągle zmieniających się dźwiękowych
krajobrazów, które łączą tradycyjne
taneczne melodie, piosenki i elementy
muzyki live electronics.
Jej muzyka została opisana jako przynosząca spokój, ale nie jest to spokój
wynikający z leniwych, chilloutowych,
syntetycznych brzmień. Artystka szuka
pełni życia i głębokich znaczeń. Ktoś
powiedział, że jej twórczość jest podobna do kota, który jest pozornie leniwy,
ale jest również w każdej chwili gotowy
do skoku. „Ten stan jest jak impuls, który powoduje, że muzyka we mnie powstaje i rośnie” – mówi Maarja i dodaje:
„Zawsze jest »teraz« i stare utwory są
tak świeże, jak improwizacje, które
dzięki nim powstały przed sekundą”.
W ten właśnie sposób artystka potrafi
opowiadać słuchaczom swoje niemal
intymne, osobiste historie, używając
skrzypiec, swego głosu i nowoczesnej
elektroniki. Do tradycji podchodzi
z szacunkiem i wielkim zainteresowaniem. Zdaje sobie jednak jednocześnie
sprawę, że jeśli jej twórczy wysiłek ma
mieć sens, musi do tych inspiracji i zachwytów dodać coś od siebie.
Wiosną 2013 roku ukazała się debiutancka płyta Maarji zatytułowana
„Soolo”, bardzo ciepło przyjęta na całym świecie; szczególnie pozytywnie
zaprezentował ją prestiżowy brytyjski
magazyn „fRoots”.
Maarja Nuut, the violinist
and vocalist from northern Estonia, is fascinated by the works of early rural musicians – the melodic lines, construction and
trance quality of their songs. The minimalist sounds of Maarja’s looper take listeners
on an imaginative journey to constantly
changing soundscapes, intertwining traditional dance tunes, songs and elements of
live electronics.
Her music has been described as soothing, but this calm does not come from
lazy, chilled-out, synthetic sounds. She
seeks the sense of life and profound
meaning. Someone once said that her
music is like a cat – seemingly lazy, but
ready to pounce at any moment. Maarja herself says, “This state is like an impulse which means that music starts and
grows within me. It is always ‘now’, and
old pieces are as fresh as improvisations
they inspired seconds ago.” This way, the
artist tells the listeners her personal, intimate stories by using her violin, her own
voice and electronic instruments. She approaches tradition with respect and great
interest, while realising that if an artistic
effort is to make sense, these inspirations
and delights must also include something
of one’s self.
Maarja released her debut album “Soolo” in spring 2013; it was enthusiastically
received around the globe, receiving particular praise from the acclaimed British
magazine “fRoots”.
Maarja Nuut
śpiew, skrzypce, live electronics
vocals, violin, live electronics
KONCERT
21.00
9.07
Kraków
CONCERT
9.00 PM
9.07
fot. Renee Altrov
76
77
MADAME BAHEUX
Jelena Popržan
altówka, śpiew
viola, vocals
AUSTRIA
ORF
ebu
Gdy oglądamy ten żeński kwintet z Wiednia, staje się dla nas
jasne, że termin „girl power” zyskuje
wciąż na mocy i zaskakującej, gruntownej wręcz aktualizacji. Jelena Popržan z Serbii, Ljubinka Jokić z Bośni,
Maria Petrova z Bułgarii oraz Lina
Neuner i Dee Linde z Austrii: cztery
głosy, szesnaście strun, trzy smyczki
plus perkusja i bębny. Ich muzyka jest
zabawna i szalona, świeża, kobieca
i zuchwała. Przedstawiają chwytliwe
piosenki ludowe z Bułgarii, Serbii, Bośni i Macedonii we własnych, odświeżających aranżacjach, autorskie kompozycje członkiń zespołu, a także pieśni
Ewana MacColla, Bertolta Brechta
i Georga Kreislera.
Korzenie artystek sięgają Europy Południowo-Wschodniej i oczywiście ma
to wpływ na repertuar zespołu. Dodajmy, że dwie nie-cudzoziemki (Lina
Neuner i Dee Linde) podkreślają, że
przyjechały do Wiednia z austriackiej
wsi. Kwintet sięga jednak daleko poza
granice, które zakreśla pochodzenie
jego członkiń. Wyraz artystyczny ich
twórczości jest różnorodny i odwołuje
się do wielu stylów, na przykład jazzu,
rocka, ambitnej piosenki i innych gatunków. Recenzenci twierdzą, że członkinie Madame Baheux wraz ze swoim
pojawieniem się na scenie przyniosły
coś nowego, coś, co odurza, pobudza,
wywołuje śmiech, coś, co porusza ciało,
umysł i serce.
Madame Baheux wygrały austriacki
konkurs World Music Awards 2014,
a ich debiutancki album dostał się
do czołowej dwudziestki zestawienia
World Music Charts Europe.
When we watch this Viennese female quintet, it’s quite clear that
the term “girl power” keeps going from
strength to strength. Jelena Popržan from
Serbia, Ljubinka Jokić from Bosnia, Maria
Petrova from Bulgaria and Lina Neuner
and Dee Linde from Austria: four voices,
sixteen strings, three bows, percussion and
drums. Their music is entertaining and
wild, feminine and audacious. They present their fresh interpretations of catchy folk
songs from Bulgaria, Serbia, Bosnia and
Macedonia alongside their own compositions and songs by Ewan MacColl, Bertolt Brecht and Georg Kreisler.
Their Southeastern European roots have
a clear influence on the ensemble’s repertoire. It’s worth adding that the two Austrian musicians, Neuner and Linde, came
to Vienna from rural parts of the country.
And the quintet reaches far beyond the
boundaries sketched out by its members’
origins. Their artistic achievements are
diverse and recall many styles, including
jazz, rock and ambitious songs. According to reviewers, when Madame Baheux
burst onto the folk stage, they brought
with them something new and fresh,
something that intoxicates and stimulates, something that brings laughter and
moves the body, mind and heart.
Madame Baheux won Austria’s World
Music Awards in 2014, and their debut
album made it into the top twenty of the
World Music Charts Europe.
Ljubinka Jokić
gitara, śpiew
guitar, vocals
Dee Linde
wiolonczela, śpiew
cello, vocals
Lina Neuner
kontrabas, śpiew
double bass, vocals
Maria Petrova
perkusja, instrumenty perkusyjne
drums, percussion instruments
KONCERT
17.00
11.07
CONCERT
5.00 PM
11.07
Museum of Municipal Engineering
producent / producer: Albert Hosp / Irene Legris
78
fot. Igor Ripak
79
MANOU GALLO GROOVE ORCHESTRA
Manou Gallo
śpiew, bass, gitara, flet
vocals, bass, guitar, flute
WYBRZEŻE KOŚCI SŁONIOWEJ
IVORY COAST
rozstaje
crossroads festival
Wybuchowy, pełen entuzjazmu i radości muzyczny koktajl
łączący najlepsze tradycje kultury
afrykańskiej ze współczesnymi brzmieniami zaprezentuje Manou Gallo
Groove Orchestra.
Manou Gallo pochodzi z Wybrzeża
Kości Słoniowej. Na muzycznej scenie
debiutowała już w wieku dwunastu
lat. Jak życiowe motto brzmi jej wyznanie: „wiara w tradycję nie musi cię
powstrzymywać przez kroczeniem naprzód”. Tak też wygląda jej artystyczna
droga. Czerpiąc z afrykańskich źródeł,
artystka przemawia współczesnym
językiem. Gra na gitarze basowej
i instrumentach perkusyjnych, śpiewa,
tańczy, jest urodzoną liderką. Swoje
piosenki wykonuje w ojczystym języku
dida, ale też po angielsku i francusku.
Przez kilka lat grała w zespole, który
prowadził kongijski artysta Ray Lema.
Współpracowała też z inną znaną
kongijską formacją Les Tambours
de Brazza, którą polska publiczność
może znać choćby z występu podczas
ubiegłorocznego poznańskiego Ethno
Portu.
Ważnym etapem na drodze artystycznego dojrzewania Manou Gallo była
współpraca ze znakomitym, legendarnym zespołem Zap Mama. Manou
pojawiła się w składzie grupy podczas
nagrywania głośnej płyty „A Ma Zone”.
Od ponad dekady Manou Gallo realizuje swoje autorskie artystyczne plany.
Zadebiutowała w 2003 roku płytą
„Dida”. Jej muzyka to nowoczesne,
elektrycznie brzmiące piosenki osadzone w afrykańskiej tradycji, z elementami soulu, funku, bluesa, jazzu czy afro
beatu.
Kilka lat temu zrealizowała swoje wielkie marzenie o występach z sekcją dętą
i tak powstała jej Manou Gallo Groove
Orchestra, którą przedstawi w Krakowie.
An explosive, enthusiastic
and joyful musical cocktail that combines
the best traditions of African culture with
contemporary sounds will be performed
by the Manou Gallo Groove Orchestra.
Manou Gallo comes from the Ivory
Coast. She debuted on the music scene
at the age of twelve. Her personal motto
is: “Faith in tradition does not have to stop
you from stepping forward”. This, too, is
her artistic path. Drawing from African
sources, the artist speaks in contemporary language. She plays bass guitar and
percussion instruments, sings, dances, and
is a born leader. She performs her songs
in her native language Dida, but also in
English and French.
For several years she played in the band
led by the Congolese artist Ray Lema.
She also worked with another well-known
Congolese group – Les Tambours de
Brazza – which local audiences might
know from their performance during last
year’s Ethno Port in Poznań.
An important step towards Manou Gallo’s artistic maturity was her collaboration
with the legendary band Zap Mama.
Manou appeared in the group during the
recording of their famous album “A Ma
Zone”.
For more than a decade, Manou Gallo
has been developing her own original artistic plans. She made her debut in 2003
with the album “Dida”. Her music presents
modern, electric songs rooted in African
tradition, with elements of soul, funk,
blues, jazz and afro beats.
A few years ago, she realised her great
dream of performing with a brass section
and so established the Manou Gallo
Groove Orchestra, which will perform in
Kraków.
Virna Nova
gitara, chórki
guitar, backing vocals
Anja Naucler
wiolonczela, chórki
cello, backing vocals
Lene Norgaard Christensen
śpiew, chórki
vocals, backing vocals
Christophe Mareschal
perkusja
drums
Sébastien Van Hoey
puzon
trombone
Nicolas Drici
trąbka
trumpet
Gaspard Giersé
saksofon
saxophone
KONCERT
22.00
11.07
Scena Plac Wolnica
CONCERT
10.00 PM
11.07
fot. gCavaliere
80
81
MARIA KALANIEMI
& TIMO ALAKOTILA
Maria Kalaniemi
akordeon
accordion
FINLANDIA
FINLAND
YLE
ebu
KONCERT
19.30
10.07
Maria Kalaniemi jest jedną z najwybitniejszych europejskich
instrumentalistek kręgu world music
i jedną z najbardziej uznanych fińskich
artystek. Jej autorskie albumy oraz
wspaniałe efekty współpracy z innymi
twórcami urastają do rangi wydarzeń.
W Krakowie zagra wspólnie ze swym
długoletnim scenicznym partnerem
Timo Alakotilą.
Kalaniemi jest wirtuozką akordeonu guzikowego. Była członkiem
cenionych pionierskich grup Niekku
i Aldargaz, wyznaczających nowe
ścieżki w fińskiej muzyce. Jest absolwentką i wykładowczynią na Wydziale
Muzyki Folkowej Akademii Sibeliusa.
Źródła jej artystycznej oferty tkwią
w muzyce folkowej i klasycznej, ale jej
muzykalność i wrażliwość wykracza
daleko poza gatunkowe schematy.
Artystka dysponuje błyskotliwą techniką i wspaniałym zmysłem improwizacji. Znakomita większość jej nagrań
to autorskie kompozycje. Jej twórczość,
zdyscyplinowana i doskonale przemyślana, jest też pełna liryzmu i delikatności. Ważne są też melodyczne walory jej muzyki. W dyskografii ma m.in.
tak wspaniałe płyty, jak „Iho”, „Ahma”
czy zrealizowaną solo (z niewielkim
wsparciem gitarzysty Olli Varisa) „Below Poetry”.
Światowa publiczność zna nie tylko
jej solowe, autorskie dokonania, ale
także wspaniałe twórcze kooperacje.
Szczególnie podkreślić należy udział
Kalaniemi w składzie międzynarodowej formacji Accordion Tribe, grupującej – zgodnie z nazwą – pięcioro wybitnych akordeonistów z różnych stron
świata (m.in. Guya Klucevseka i Larsa
Hollmera).
Timo Alakotila, który zagra wspólnie
z Marią Kalaniemi, jest jej stałym
współpracownikiem od dwóch dekad,
zarówno na płytach Aldargaz, jak
i w jej solowych dokonaniach. Po tylu
latach wciąż fascynuje ich artystyczne
porozumienie i oszałamiający poziom
wirtuozerii, z drugiej strony – zachwyca
delikatność oraz melodyjność ich kompozycji i aranżacji.
Maria Kalaniemi is an acclaimed European instrumentalists on the
world music scene, and one of the most
important Finnish artists working today.
Her own albums and the stunning results
of collaborations with other artists are
impressive achievements. In Kraków, she
performs alongside her long-term onstage partner Timo Alakotila.
Kalaniemi is a virtuoso of diatonic accordion. She was a member of the much-admired, pioneering groups Niekku and Aldargaz, both of which carved new paths
in Finnish music. She graduated from
the Faculty of Folk Music at the Sibelius
Academy, where she now teaches. Her
artistic inspiration is rooted in folk and
classical music, yet her skills and sensitivity
reach far beyond genre boundaries.
She has a dazzling technique and an
outstanding feel for improvisation. The
majority of her recordings are of her own
compositions. Her works are disciplined
and well thought-out, as well as being
filled with lyricism, subtlety and melodic
finesse. Her discography includes “Iho”,
“Ahma” and “Below Poetry”; the latter was
mainly recorded solo with some support
from the guitarist Olli Varis.
Her audiences admire her own compositions and her outstanding artistic collaborations. Particularly notable is Kalaniemi’s
participation in the international formation Accordion Tribe, bringing together
five acclaimed accordionists from around
the globe (including Guy Klucevsek and
Lars Hollmer).
Timo Alakotila who joins Kalaniemi on
stage in Kraków has been her regular
musical partner for two decades, performing alongside her in Aldargaz and
in her solo ventures. Even after all these
years, their artistic understanding and
staggering virtuosity are as fascinating as
the refinement and melodiousness of their
compositions and arrangements.
Timo Alakotila
fortepian
piano
CONCERT
7.30 PM
10.07
producent / producer: Elina Roms
82
fot. Kimmo Tähtinen
83
MARIO BIHARI
Mário Bihári
fortepian, akordeon
piano, accordion
CZECHY
CZECH REPUBLIC
CR
ebu
Mário Bihári jest wyjątkowym romskim artystą. Jest niewidomy
od ósmego roku życia. Po utracie wzroku przestał zajmować się lekkoatletyką
i poświęcił się absolutnie muzyce. Początkowo uczył się w słowackim mieście Lewocza, potem ukończył praskie
Konserwatorium im. Jana Deyla. Jako
fenomenalny akordeonista, utalentowany pianista i kompozytor został zauważony przez słynną czeską artystkę
Zuzanę Navarovą. Został członkiem
jej zespołu KOA i skomponował około
jedną trzecią jej repertuaru.
Po śmierci Zuzany rozpoczął karierę
solową, tworząc zespół Bachtale Apsa.
Jego członkowie wydali dwa albumy
i dali ponad dwieście koncertów zarówno w Republice Czeskiej, jak i za granicą. Bihári, jako wszechstronna, twórcza
osobowość grywa nie tylko z wieloma
innymi czeskimi i słowackimi muzykami; występował także w teatrze jako
aktor. Jego twórczość uosabia niezwykłą wrażliwość muzyczną wywiedzioną
z tradycji romskiej, zmieszaną z muzyką klasyczną, folkiem, popem, jazzem
i współczesną muzyką elektroniczną.
Jego występy solowe są zawsze dla słuchaczy wyjątkowym doświadczeniem,
spotkaniem z zachwycającą wirtuozerią artysty oraz swobodnym łączeniem
rozmaitych muzycznych tematów
romskich – i nie tylko.
Jego nowym projektem jest zespół
Mário Bihári i Przyjaciele, który wykonuje zarówno romski repertuar klasyczny, jak i własne kompozycje Mária.
Gitarzysta i wokalista Petr Horváth jest
długoletnim partnerem lidera, już od
czasów Bachtale Apsa. Podczas gdy
jego gitara pełni często rolę drugoplanową, urzekający głos Petra nadaje
charakter muzyce zespołu. Sekcję rytmiczną kwartetu tworzą dwaj nieromscy artyści, którzy również w intuicyjny
sposób rozumieją się z liderem.
Mário Bihári is an extraordinary Roma artist. When he was just
eight years old he lost his sight; he was
no longer able to practice athletics, so he
devoted himself wholly to music. He started off studying in the Slovakian town of
Levoča, going on to graduate from the
Jan Deyl Conservatory in Prague. His outstanding talent as an accordionist, pianist
and composer attracted the attention
of the acclaimed Czech artist Zuzana
Navarova. He became a member of her
ensemble KOA, and went on to compose
around a third of its repertoire.
After Navarova’s passing, he launched
a solo career and founded the group
Bachtale Apsa. Its members released two
albums and appeared at over two hundred concerts in the Czech Republic and
further afield. Bihári’s versatility and creativity mean he doesn’t just perform with
many Czech and Slovak musicians; he
also appears in theatre plays as an actor.
His work captures incredible musical sensitivity originating from Roma traditions
and intertwined with classical music, folk,
pop, jazz and contemporary electronics.
His solo performances are always a singular experience and a meeting with the
artist’s stunning virtuosity in combining
diverse Roma motifs with many others.
His latest project is the ensemble Mário
Bihári and Friends, performing classical
Roma repertoire alongside Bihári’s own
compositions. The guitarist and vocalist
Petr Horváth has been Bihári’s partner for
many years, since the days of Bachtale
Apsa. Although his guitar frequently
blends into the background, Horváth’s
captivating voice gives the music an unforgettable atmosphere. The rhythm section comprises two artists who also have
an intuitive connection with the frontman.
Petr Horváth
gitara, ŚPIEW
guitar, vocals
Standa Vít
Adam Pospíšil
gitara basowa, skrzypce
bass guitar, violin
KONCERT
18.00
10.07
CONCERT
6.00 PM
10.07
Museum of Municipal
Engineering
producent / producer: Ales Opekar
84
fot. Jan Hromádko
85
MARTINA & FRANTISEK DUDA
SŁOWACJA
SLOVAKIA
rozstaje
crossroads festival
PROJEKCJA FILMU I SPOTKANIE
Z JANKĄ BELIŠOVĄ
18.00
7.07
Koncert
19.00
7.07
Martina Duda
František zwany Ferko
i Martina, o której mówi się zdrobniale
Martinka, to dwoje niezwykłych romskich artystów ze Słowacji. Niewidomi
siostra i brat, zmuszeni przez choroby
do poruszania się na wózkach inwalidzkich, są przykładem tego, jak mimo
ciężkich doświadczeń życiowych odnaleźć radość w muzyce i dzielić się nią ze
słuchaczami.
Nauczyli się śpiewać od babci. Mieszkają w rodzinnej wsi Sol, kilka kilometrów od Vranova nad Topľou, i są ulubieńcami lokalnej społeczności. Mają
w repertuarze kilkaset romskich piosenek. František mówi: „Są ludzie, którzy
są w gorszej sytuacji niż my, którzy nie
mają rąk i nóg. Więc chcemy im pokazać naszą siłę”. Jego siostra dodaje:
„Chcemy im pokazać, że nadzieja nie
umiera”.
Dudom poświęcony został film Cristiano Bertiego „Lety”. Ukazywał on
podróż rodzeństwa z rodzinnego miasta we wschodniej Słowacji do czeskiej
miejscowości Lety. Podróż stała się
okazją do rozmowy o doświadczeniach
i uczuciach obojga artystów.
Wiele uwagi ich twórczości poświęciła
etnografka Janka Belišová, która także
będzie gościem krakowskiego festiwalu. To ona odkryła nieznanych nikomu
wcześniej artystów. Mówi o nich: „Dzięki temu, że nie widzą, nie są zepsuci
przez świat. Z ich śpiewu bije czystość,
szczerość, ale także radość. Mają silną
charyzmę”.
Najczęściej wykonują piosenki a cappella, Martina śpiewa główną melodię, a Ferko ustami imituje brzmienie
gitary, wybijając rytm swymi dłońmi.
Ich piosenki znalazły się na dwóch albumach z serii „Phurikane Gila”.
Koncert Dudów będzie poprzedzony
specjalną prezentacją filmu Marka
Šulíka i Jany Kovalčíkovej „Cigarety
a pesničky” o współczesnym obrazie
muzyki słowackich Romów.
śpiew
vocals
František, known as Ferko,
and Martina, who is referred to by the
diminutive Martinka, are two unusual
Roma artists from Slovakia. The blind
brother and sister, forced by illness to
move around in wheelchairs, are an example of how to find joy in music despite
the hardships of life – and share it with
their audiences.
They learned to sing from their grandmother. They live in their home village of
Sol, a few kilometres from Vranov nad
Topľou and are the darlings of the local
community. They have a repertoire of
hundreds of Roma songs. František says:
“There are people who are worse off than
we are, who do not have arms and legs.
So we want to show them our strength”.
His sister adds: “We want to show them
that hope does not die”.
Cristiano Bertie’s film “Lety” was devoted
to the Dudas, showing their voyage from
their hometown in eastern Slovakia to the
Czech village of Lety. The journey was an
opportunity for both artists to talk about
their experiences and feelings.
Much attention has been devoted to their
work by the ethnographer Janka Belišová,
who will also be a guest of the festival. It
was she who discovered the previously unknown artists. She says of them: “Because
they cannot see, they are not corrupted by
the world. Their singing rings with purity,
sincerity, but also joy. They have a strong
charisma”.
Most often they perform a cappella
songs, with Martina singing the main
melody, and Ferko imitating the sound
of a guitar, beating the rhythm with his
hands. Their songs featued on two albums from the series “Phurikane Gila”.
The Dudas’ concert will be preceded by
a special presentation of a film by Marek
Sulik and Jany Kovalčíková, “Cigarety
a pesničky”, on the contemporary image
of Slovak Roma music.
František Duda
śpiew
vocals
FILM AND MEETING WITH
JANKA BELIŠOVÁ
6.00 pm
7.07
Galicia Jewish Museum
CONCERT
7.00 pm
7.07
86
87
MBONGWANA STAR
Coco Yakala Ngambali
śpiew
vocals
DEMOKRATYCZNA REPUBLIKA
KONGA
DEMOCRATIC REPUBLIC
OF THE CONGO
rozstaje
crossroads festival
Debiutancką płytę wydali
zaledwie kilka tygodni temu – w maju
tego roku. Mają jednak szansę stać
się jedną z sensacji sezonu, nie tylko
w Afryce.
Mbongwana Star to formacja powstała na gruzach dobrze znanej fanom
world music grupy Staff Benda Bilili
(owacyjnie przyjmowana grała przed
kilku laty w Polsce). Mbongwana znaczy „zmiana” i nie przypadkiem taką
„znaczącą” nazwę wybrali sobie artyści.
Tworząc piętnaście lat temu swój
pierwszy zespół, liderzy grupy Coco
Ngambali i Théo Nzonza kierowali się
swą miłością do kongijskiej rumby i jej
największych gwiazd, takich jak słynni
Tabu Ley Rochereau czy Pépé Kallé.
Do dziś pozostają wierni swej muzycznej miłości.
Muzycy przybędą na festiwal EtnoKraków prosto z Kinszasy, stolicy
Demokratycznej Republiki Konga.
Grupa w niezwykły sposób łączy muzykę gitarową z tradycyjnymi rytmami
i melodiami, imponując wirtuozerią tak
w grze na instrumentach, jak i w zbiorowym śpiewie. Niektórzy z członków
zespołu na skutek przebytego w dzieciństwie polio poruszają się na wózkach, jednak na scenie w niczym im to
nie przeszkadza. Wszystkich rozpiera
energia, są pełni radości z występów
na żywo, a ich pozytywne emocje
szybko udzielają się koncertowej publiczności. Artyści promować będą
w Krakowie swój debiutancki album
wydany w maju bieżącego roku.
Krążek „From Kinshasa” wydała legendarna oficyna World Circuit. Afrykańscy artyści znaleźli się więc w jednym
katalogu z takimi gigantami jak Buena
Vista Social Club, Ali Farka Touré, Orchestra Baobab czy Oumou Sangaré.
Krakowski występ Mbongwana Star
będzie pierwszym koncertem grupy
w Polsce.
The musicians released
their debut album just a few weeks ago,
in May this year. They may well become
a major sensation of the season, and not
only in Africa.
Mbongwana Star is an ensemble formed
on the foundations of Staff Benda Bilili – the group which was enthusiastically
received in Poland a few years ago.
‘Mbongwana’ means ‘change’, and it is
no surprise that the artists selected such
a significant name.
When they were forming their first ensemble fifteen years ago, leaders Coco
Ngambali and Théo Nzonza were driven
by their love for Congolese rumba and its
greatest stars such as the famous Tabu
Ley Rochereau and Pépé Kallé. And they
remain faithful to their first musical love.
They come to the EtnoKraków Festival
straight from Kinshasa, the capital of the
Democratic Republic of the Congo. The
musicians intertwine guitar music with traditional rhythms and melodies, dazzling
with their virtuoso instrumental skills and
singing. Some of the group members
contracted polio during childhood and
now use wheelchairs, although this causes
them no problems at all on stage. They
are all full of energy and exuberance
while performing live, and their positive
emotions are soon picked up by audiences.
The artists will be promoting their debut
album “From Kinshasa”, released by the
legendary World Circuit label. The African
artists are the latest addition to the label’s
catalogue which includes such stars as
Buena Vista Social Club, Ali Farka Touré,
Orchestra Baobab and Oumou Sangaré. Mbogwana Star’s performance in
Kraków will be their first in Poland.
Jean Claude Kamina Mulodi (aka R9)
gitara, śpiew
guitar, vocals
Cubain Kabeya Tshipangila
perkusja
DRUMS
Théo Nzonza Nsutuvuidi
śpiew
vocals
Rodrick Matuzolele Dialungana (aka Sage)
śpiew
vocals
Liam Farrell (aka Doctor L)(aka R9)
gitara basowa, instrumenty perkusyjne, efekty specjalne
bass guitar, percussion instruments, special effects
Randy Makana Kalambayi
KONCERT
22.30
10.07
instrumenty perkusyjne, perkusja, śpiew
percussion instruments, DRUMS, vocals
CONCERT
10.30 PM
10.07
88
89
MERIDIAN BROTHERS
María Valencia
klarnet, saksofon, syntezatory
clarinet, saxophone, synths
KOLUMBIA
COLOMBIA
rozstaje
crossroads festival
Czy znacie Państwo
muzykę latynoską? Poznajcie więc jej
alternatywną czy eksperymentalną
wersję. Nie traci nic z żywiołowości i komunikatywności tamtej, ma w sobie za
to mnóstwo nieprzewidywalności oraz
oryginalnych brzmień.
Zespół Meridian Brothers powstał
w Bogocie w 1998 roku. Kolumbijska
formacja kierowana jest przez kompozytora i multiinstrumentalistę Eblisa
Álvareza. Pochodzący z Bogoty artysta umiejętnie i z dużym poczuciem
humoru łączy taneczne rytmy cumbii
i samby z rozedrganym psychodelicznym brzmieniem oraz eksperymentami w zakresie stroju i technik kompozytorskich. Swoją ekscentryczną muzykę
określa mianem „cumbiaatonal” oraz
„noiseprotesta”, a wśród inspiracji
wymienia Kraftwerk, Einstürzende
Neubauten i Björk. Recenzenci do
grona artystów, z którymi kojarzy im
się twórczość Kolumbijczyków dopisują
Franka Zappę, The Residents czy Arto
Lindsaya.
Zespół ma na swoim koncie kilka świetnych, znakomicie przyjmowanych płyt.
Ostatni album Meridian Brothers to
wydany w ubiegłym roku „Salvadora
Robot”, będący eksplozją spontanicznej, dynamicznej muzyki. Do Polski
grupa przybywa po raz pierwszy, a jej
koncert ma szansę stać się wydarzeniem Rozstajów. W brzmieniu zespołu
udział mają instrumenty tradycyjne,
ale też elektryczne i elektroniczne. To
właśnie charakterystyczne brzmienie
oraz różnorodność inspiracji sprawiają, że muzyka Meridian Brothers
jest tak niepowtarzalna i trudna do
sklasyfikowania. Ujmująca mieszanka
latynoskich rytmów i psychodelicznych
wpływów sprawia, że Eblis Álvarez jest
dziś jedną z kluczowych postaci sceny
muzyki eksperymentalnej w Bogocie
i całej Ameryce Południowej.
Do you already know
Latino music? How about discovering
its alternative and experimental side? It
loses nothing of the spontaneity and exuberance of the original while bringing
in plenty of unpredictable and original
sounds.
Meridian Brothers were formed in Bogota in 1998. The Colombian ensemble
is led by the composer and multi-instrumentalist Eblis Álvarez. The artist brings
skill and a dose of humour to combining
dance rhythms of cumbia and salsa with
bouncy, psychedelic sounds and experimentation in costumes and composition
technique. He describes his eccentric music as “cumbiaatonal” and “noiseprotesta”,
and names Kraftwerk, Einstürzende Neubauten and Björk among his inspirations.
Reviewers also add Frank Zappa, The
Residents and Arto Lindsay to the list of
influences.
The group has recorded several acclaimed albums. Their latest release
“Salvadora Robot”, issued last year, is an
explosion of spontaneous, dynamic music.
The group comes to Poland for the first
time, and their concert may well be the
big event of the festival. The musicians use
traditional instruments alongside electric
and electronic ones. It is this distinctive
sound and diversity of inspiration that
make Meridian Brothers’ music so unique
and difficult to classify. The fascinating
blend of Latino rhythms and psychedelic influences makes Eblis Álvarez one of
the key figures on the experimental music
scene in Bogota and throughout South
America.
Eblis Álvarez
śpiew, gitara, elektronika
vocals, guitar, electronics
Damián Ponce
César Quevedo
gitara basowa
bass guitar
Alejandro Forero
instrument klawiszowe
keyboards
KONCERT
23.00
9.07
CONCERT
9.07
11.00 PM
90
91
MUZICKA
Tomáš Brunovský
skrzypce
violin
SŁOWACJA
SLOVAKIA
rozstaje
crossroads festival
Jedna z najlepszych słowackich grup, świetnie znana i bardzo
lubiana w Polsce, podczas festiwalu
da koncert i poprowadzi warsztaty.
Zespół został założony w 1990 roku
w Bratysławie przez grupę miejscowych studentów. Muzička szybko
stała się jednym z najważniejszych
wykonawców folkowych w swoim kraju. Grupa stara się zgłębiać muzykę
różnych regionów Słowacji, zachowując szacunek dla jej pierwotnego
kolorytu. Członkowie zespołu od lat
współtworzą Tanečný Dom w Bratysławie. Mówią o sobie: „Kim jesteśmy?
Pasjonatami słowackiej muzyki tradycyjnej; staramy się ją jak najlepiej i jak
najwięcej grać: dla publiczności, przyjaciół i własnej przyjemności. Muzyka
rodziła się przez wieki, zawsze towarzysząc codziennym emocjom. Od
chrzcin do pogrzebu – to przestrzeń,
w jakiej powstawała, opisując najgłębsze ludzkie troski i radości. Staramy się zachować jej ducha; grając
z pełnym zaangażowaniem do tańca
i do »słuchu« wierzymy, że to jest właśnie sposób na to, by przetrwała”.
Brzmienie zespołu, oparte o instrumenty smyczkowe: skrzypce, altówkę
i kontrabas, przywodzi na myśl węgierskich klasyków gatunku z grupy
Muzsikás, a występy Muzički wzbogacają prezentacje tradycyjnych
tańców.
Również podczas koncertu, w którym
zespół wystąpi na festiwalu, zaprezentuje nie tylko muzykę. Utworom
pochodzącym z różnych części kraju
towarzyszyć będzie prezentacja regionalnych słowackich tańców. Artyści ze Słowacji poprowadzą też warsztaty, połączone z zabawą taneczną.
One of the finest groups
from Slovakia, well known and popular in
Poland, comes to the festival with a concert and workshops.
Founded in 1990 in Bratislava by local
students, Muzička quickly became one of
the most important folk ensembles in the
country. The group seeks out music from
all regions of Slovakia while respecting its
original style. For many years, the musicians have been a part of Tanečný Dom
in Bratislava. When asked what they are
about, they answer, “We are passionate
about traditional Slovakian music, and
we try to play it as often and as well as
possible: for the public, for friends, for
our own pleasure. Music has been evolving over the centuries, and it has always
accompanied our everyday experiences.
From baptism to burial – it all forms the
space which has been created to describe
humankind’s deepest joys and sorrows.
We try to preserve its spirit; we believe
performing with a full dedication to the
dance and the sound is the right way for
the traditions to survive.”
The ensemble’s sound, based around
violin, viola and double bass, brings to
mind the classic Hungarian ensemble
Muzsikás; Muzička’s performances also
feature presentations of traditional dances.
Their concert during the festival is about
more than music: pieces from different
parts of Slovakia will be accompanied
by traditional regional dances. The artists also host workshops combined with
dance events.
Laco Fekete
skrzypce
violin
Ivan Hanula
skrzypce
violin
Martin Brunovský
skrzypce sekund
SECOND violin
Mišo Brdársky
altówka sekund
SECOND viola
WARSZTATY
17.00
5.07
KONCERT
23.00
5.07
Peter Obuch
kontrabas, basy
double bass, basses
WORKSHOP
5.00 PM
5.07
CONCERT
11.00 PM
5.07
92
93
NOMADIC VOICES
Cuncordu e Tenore de Orosei:
WŁOCHY / MONGOLIA
ITALY / MONGOLIA
rozstaje
crossroads festival
WARSZTATY ŚPIEWU
ALIKWOTOWEGO
15.00
7.07
15.00
9.07
im. S. Udzieli w Krakowie
KONCERT
22.00
9.07
THROAT SINGING WORKSHOPS
3.00 pm
7.07
3.00 pm
9.07
Seweryn Udziela Ethnographic
Museum in Kraków
Massimo Roych
Nomadic Voices to pełne skupienia i wewnętrznej, duchowej
pasji poszukiwanie artystycznego porozumienia między przedstawicielami
odległych kultur. W jego ramach naprzeciw sobie wychodzą wybitni artyści
z Sardynii i Mongolii. Wielowiekowa
tradycja wokalnej polifonii z południa
Europy spotyka się tu z równie fascynującym dziedzictwem śpiewu z serca
Azji. To artystyczne świadectwo dialogu, otwartości, tolerancji.
W tym projekcie spotykają się członkowie legendarnej sardyńskiej formacji Cuncordu e Tenore de Orosei oraz
mongolscy artyści Tsogtgerel Tserendavaa i Ganzoring Nergui.
Sardyńska grupa założona została
w 1978 roku. W repertuarze ma zarówno religijne pieśni „cuncordu”, jak
i świeckie „a tenore” (w 2008 roku wpisane na Listę Reprezentatywną Niematerialnego Dziedzictwa Ludzkości
UNESCO). Celem członków zespołu
było zawsze jak najwierniejsze przechowanie tradycyjnego repertuaru,
zwłaszcza że dzięki naturalnej kontynuacji tradycja tych śpiewów nigdy
nie została na Sardynii przerwana.
Międzynarodowa publiczność poznała twórczość Cuncordu e Tenore de
Orosei m.in. dzięki płytom wydanym
przez prestiżową wytwórnię Winter
& Winter. Były to: „Tenore de Orosei
– amore profundhu”, „Cuncordu de
Orosei – Miserere” oraz „Colla Voche”.
Ta ostatnia zrealizowana została we
współpracy z cenionym holenderskim
wiolonczelistą Ernstem Reijsegerem.
Z kolei artyści mongolscy odwołują się
do swoich najstarszych lokalnych tradycji, m.in. klasycznego gardłowego
śpiewu khoomei. Grają również na tradycyjnych instrumentach, m.in. smyczkowym morin khuur, który trafił na Listę Reprezentatywną i Niematerialnego Dziedzictwa Ludzkości UNESCO.
Podczas festiwalu artyści poprowadzą
też warsztaty śpiewu alikwotowego.
Twórcy z Sardynii i Mongolii – dwóch
odległych części globu – odnajdują
wspólne pierwiastki w pierwotnych, archaicznych formach śpiewu, w odwołaniu do czasów, gdy człowiek potrafił
być jednością z naturą.
Nomadic Voices is a project searching for deep, spiritual, passionate connections between representatives
of distant cultures. It brings together
artists from Sardinia and Mongolia. The
ancient tradition of vocal polyphony from
Southern Europe encounters an equally fascinating singing heritage from the
heart of Asia. It is an artistic testament of
dialogue, openness and tolerance.
The project brings together members of
the legendary Sardinian formation Cuncordu e Tenore de Orosei with Mongolian
artists Tsogtgerel Tserendavaa and Ganzoring Nergui.
The repertoire of the Sardinian ensemble, founded in 1978, includes religious
“cuncordu” and pastoral “a tenore” songs
(the latter were inscribed on the UNESCO Representative List of the Intangible
Cultural Heritage of Humanity in 2008).
The ensemble’s aim has always been to
faithfully preserve traditional repertoire;
fortunately, natural continuation means
that these song traditions have existed in
Sardinia without interruption. Cuncordu
e Tenore de Orosei are known to international audiences through their albums
released by the acclaimed label Winter
& Winter, including “Tenore de Orosei –
amore profundhu”, “Cuncordu de Orosei
– Miserere” and “Colla Voche”. The latter
was recorded jointly with the celebrated
Dutch cellist Ernst Reijseger.
In turn, the Mongolian artists recall their
ancient local traditions, including the classical throat singing style khoomei. They
also play traditional instruments, such as
the bowed string instrument morin khuur,
listed on the UNESCO Representative
List of the Intangible Cultural Heritage
of Humanity. During the festival, they will
also host throat singing workshops.
The artists from Sardinia and Mongolia
– far-flung parts of the world – find common elements in ancient, archaic forms of
singing recalling the days when humankind was at one with nature.
śpiew
vocals
Gian Nicola Appeddu
śpiew
vocals
Mario Siotto
śpiew
vocals
Piero Pala
śpiew
vocals
Tonino Carta
śpiew
vocals
ORAZ / AND:
śpiew, morin khuur
vocals, morin khuur
Ganzorig Nergui
śpiew, morin khuur
vocals, morin khuur
CONCERT
10.00 PM
9.07
94
95
PUNG RYU JI AK
"
"
"SOUND OF THE WIND / "CHOPIN & ARIRANG PROJECT
KOREA POŁUDNIOWA
SOUTH KOREA
rozstaje
crossroads festival
KONCERT
„Sound of the Wind”
18.30
8.07
WARSZTATY
17.30
9.07
KONCERT
Chopin & Arirang Project
20.00
10.07
CONCERT
“Sound of the Wind”
6.30 PM
8.07
Fascynujące brzmienie
koreańskich artystów usłyszymy zarówno podczas ich wspólnego grania
z polskimi muzykami, jak i w trakcie
własnego koncertu.
W środowy wieczór koreańscy twórcy
z Pung Ryu Ji Ak przedstawią swój
autorski program „Sound of the Wind”.
W jego trakcie zaprezentują utwory
należące do różnych form koreańskiej
tradycji: muzyki dworskiej, folkowej,
pansori, muzyki szamańskiej, sinawi
i sanjo.
Styl, tempo i ekspresja muzyki dworskiej różnią ją od muzyki arystokratycznej czy ludowej. Typowa grupa składa
się tu z dużego i wspaniałego zbioru instrumentów perkusyjnych. Z kolei muzyka ludowa jest bezpośrednia i pozytywna, obficie korzysta z instrumentów
strunowych, które pomagają – dzięki
prostym melodiom – wyrazić uczucia
i emocje. Pansori to dramat wokalny,
w którym artysta śpiewa, mówi i używa
aktorskich gestów, opowiadając długą
historię. Wspiera go siedzący na scenie
zazwyczaj tuż obok perkusista. Szeroki
repertuar wykorzystywanych tu form
wokalnych, aktorskich, muzycznych
decyduje o niezwykłości tej formy
sztuki. Muzyka szamańska to pieśni
z akompaniamentem efektów akustycznych, czasem instrumentów. Mają
one formę egzorcyzmu, rytuału religijnego, czasami rozrywki. Sinawi to muzyka instrumentalna odwołująca się do
tradycji szamańskich. Szaman śpiewa
i tańczy w towarzystwie takich instrumentów, jak piri, daegeum, haegeum,
janggu i jing. Muzyka jest formą improwizowaną, luźno opartą na kilku
rytmicznych wzorach. Wreszcie sanjo
to przykład ludowej instrumentalnej
muzyki solowej. To wysoce artystyczna
formuła pozwalająca wykonawcy pokazać jego techniczną biegłość.
The fascinating sound of
these Korean artists can be heard both
during their appearance together with
Polish musicians, and during their own
concert.
On Wednesday evening, the Korean creators of Pung Ryu Ji Ak will present their
own programme, “Sound of the Wind”.
During this performance they will present
works belonging to various forms of Korean tradition: court, folk, pansori, shamanic, sinawi and sanjo music.
The style, tempo and expression of court
music differ from aristocratic and folk music. A typical group consists here of a large
and wonderful collection of percussion instruments. On the other hand, folk music
is direct and positive, with abundant use
of string instruments that help – through
simple melodies – express feelings and
emotions. Pansori is a vocal drama in
which the artist sings, speaks and uses
theatrical gestures, telling a long story.
The artist is accompanied by a drummer
sitting on the stage usually right next to
him. The broad repertoire of vocal, acting,
and musical forms used here determines
the uniqueness of this art form. Shamanic
music is songs accompanied by acoustic
effects, sometimes instruments. They take
the form of exorcism, religious ritual, and
sometimes entertainment. Sinawi is instrumental music drawing on the shamanic
tradition. The shaman sings and dances
accompanied by instruments such as piri,
daegeum, haegeum, janggu and jing.
The music is improvised, loosely based
on several rhythmic patterns. Finally sanjo
is an example of instrumental solo folk
music. This highly artistic formula allows
the performers to show their technical
proficiency.
Hang yun Lee
daegeum
Yun mi Jang
haegeum
Eun young Wee
geomungo
Seongyeol Yu
piri
Eunjin Kang
janggu
Young soon Park
pansori, ŚPIEW
pansori, vocals
WORKSHOP
5.30 pm
9.07
CONCERT
Chopin & Arirang Project
8.00 pm
10.07
Museum of Municipal Engineering
96
97
QUARTETT ROBIN MARK
SZWAJCARIA
SWITZERLAND
SRG-SSR/RTR
ebu
Kwartet prowadzony
przez Robina Marka gra nową szwajcarską muzykę folk we własnym stylu.
Zespół, który funkcjonuje na muzycznych scenach od 2010 roku, łączy
w swej twórczości elementy jazzu, folku
czy muzyki tradycyjnej. Jego twórczość
zawiera w sobie szeroką paletę barw:
od liryki i melancholii do emocjonalnych porywów.
Robin Mark, urodzony i mieszkający
w szwajcarskich Alpach, kreuje swój
muzyczny świat z tradycyjnym instrumentem Schwyzerörgeli, szwajcarskim
akordeonem diatonicznym. Jak sam
mówi: „Ja tworzę swoją muzykę, definicje pozostawiam innym”.
Pierwsze kroki w nauce na akordeonie
czynił pod okiem ojca jako kilkulatek.
Jest postacią niebanalną. Pracował
jako urzędnik bankowy, jako bloger
i felietonista, kształcił się w kierunku
marketingu i komunikacji. Przed kilku
laty skupił się w pełni na działaniach
muzycznych.
Robin Mark stoi równolegle na czele
kilku różnych zespołów. Podstawowe
znaczenie w każdym z nich ma charakterystyczne brzmienie jego akordeonu. Na koncie ma kilkanaście płyt, na
których dominuje jego autorska wizja
i interpretacja szwajcarskiej tradycji.
Jest zdobywcą wielu nagród w konkursach muzycznych. Bierze udział w realizacjach telewizyjnych i teatralnych.
Jako ważna postać szwajcarskiej nowej
sceny folkowej wynajduje młode talenty, uczy młodych muzyków i zachęca
ich do dalszych poszukiwań inspiracji
w kręgu muzyki tradycyjnej.
Przed nami spotkanie z jednym z najciekawszych dziś szwajcarskich artystów.
The quartet, led by Robin
Mark, performs new Swiss folk music in
their own, unique style. The ensemble,
active on music stages since 2010, intertwines elements of jazz, folk and traditional music. Their works feature a wide range
of sounds and moods, from the lyrical
and melancholic to emotional impulses.
Robin Mark, born and resident in the
Swiss Alps, creates his musical world with
the Schwyzerörgeli – the traditional Swiss
diatonic accordion. He says, “I create my
music, and I leave definitions to others”.
He first took up the accordion when he
was a teenager, under the tuition of his
father. His career path has been unusual:
he has worked as a bank clerk, blogger
and journalist, and he has been educated
in marketing and communications. He
devoted himself fully to his music a few
years ago.
Mark is also the leader of a few other ensembles. Each one is centred on the distinctive sound of his accordion. He has recorded over a dozen albums, dominated
by his creative vision and interpretations
of Swiss traditions. He has been awarded
numerous prizes at music competitions,
and he participates in TV and theatre
productions. He is an important personality on the Swiss new folk scene, searching
for new talents, educating young musicians and encouraging them to seek inspiration in traditional music.
We are about to meet one of the most
fascinating Swiss musicians working today.
Robin Mark
szwajcarski akordeon diatoniczny
Swiss diatonic accordion
Florian Mächler
gitara
guitar
Pirmin Huber
kontrabas
double bass
Lukas von Flüe
perkusja
DRUMS
KONCERT
16.00
9.07
CONCERT
4.00 PM
9.07
Museum of Municipal
Engineering
producent / producer: Jachen Prevost
98
fot. band / robin mark
99
SHER ON A SHIER
NIEMCY
GERMANY
ARD/BR
ARD/WDR
ebu
Sher on a Shier – to sformułowanie w języku jidysz, które można przetłumaczyć jako „niekończący
się taniec”. Jest to jednocześnie nazwa
niemieckiego kwartetu niestrudzenie
poszukującego idealnego brzmienia
muzyki klezmerskiej. Zespół stale
rozwija własny program i buduje artystyczny przekaz, mając w pamięci
twórczość wielkich zespołów muzycznych dawnej Europy Wschodniej.
Opierając charakter swej muzyki na
współpracy klarnetu, fletu, akordeonu
i kontrabasu, artyści próbują tworzyć
autentyczne, piękne brzmienie. Starają się przekonująco przekazać odbiorcom nieusuwalne napięcie między
tradycją, a jej odświeżaniem i nowoczesnością. Czworo artystów, połączonych miłością do żydowskiej muzyki
Europy Wschodniej, przynosi na koncertowe sceny melodie i namiętność
z innego świata, tworząc fascynującą
atmosferę.
Franka Lampe jest jedną z najbardziej cenionych akordeonistek na niemieckiej scenie muzyki klezmerskiej
i bałkańskiej. Komponowała muzykę
teatralną, współpracowała z cenionymi europejskimi i amerykańskimi
artystami. Głównym przedmiotem
studiów Sabine Doll była gra na flecie
poprzecznym. Artystka współpracuje
z wieloma wykonawcami, jest laureatką międzynarodowego konkursu
muzycznego we Francji. Klarnecistka
Anja Günther po raz pierwszy spotkała
się z muzyką klezmerską w wieku dziesięciu lat i od tego czasu pozostaje jej
wierna. Bywa zapraszana do prowadzenia warsztatów gry na klarnecie.
Skrzypek Johannes Paul Gräßer był
członkiem i założycielem wielu zespołów. Gościł na niezliczonej liczbie festiwali, z krakowskim Festiwalem Kultury
Żydowskiej na czele.
Sher on a Shier is a Yiddish
phrase that loosely translates as “neverending dance”. It is also the name of the
German quartet tirelessly searching for
the perfect sound of klezmer music. The
ensemble continues to develop its own
programme and artistic message all the
while keeping in mind works by the great
music groups of old Eastern Europe.
By building their music around the clarinet, flute, accordion and double bass, the
artists create beautiful, authentic sounds.
They strive to show their listeners the indelible tension between tradition and its
revival and modernity. The four artists,
joined by their love of the Jewish music
of Eastern Europe, bring melodies and
passions from a different world, creating
a fascinating atmosphere.
Franka Lampe is one of the most esteemed accordionists on the klezmer and
Balkan scene in Germany. She composes
theatre music and works with acclaimed
European and American artists. Sabine
Döll’s main subject of study was flute. She
works with many other musicians and is
the winner of an international music competition in France. The clarinettist Anja
Günther first encountered klezmer music
when she was just ten years old, and she
has been faithful to it ever since. She frequently hosts clarinet workshops. The violinist Johannes Paul Gräßer is the founder
and member of many ensembles. He has
performed at countless festivals, including
the Jewish Culture Festival in Kraków.
Franka Lampe
akordeon
accordion
Sabine Döll
kontrabas, flet
double bass, flute
Anja Günther
klarnet
clarinet
Johannes Paul Gräßer
skrzypce
violin
KONCERT
18.00
9.07
CONCERT
6.00 PM
9.07
Museum of Municipal
Engineering
producent / producer: Werner Fuhr
100
fot. Manuel Miethe
101
TALAKA
VIACHASLAU KALATSEI
dudy, flet, gusli, śpiew
Bagpipe, flute, gusli, singer
Viachaslau Krasulin
BIAŁORUŚ
BELARUS
BTRC
ebu
KONCERT
16.00
11.07
Talaka (oczyszczanie) to
ludowy zwyczaj Białorusinów (znany
również szerzej w Europie Wschodniej), oznaczający wspólne działanie
całą społecznością, w tłocznej gromadzie, na przykład gdy cała wieś
wspólnie pomaga jednemu człowiekowi. To również nazwa zespołu składającego się ze studentów wydziałów
etnologii i etnografii białoruskich
uniwersytetów – młodych ludzi zafascynowanych tradycją i określających w ten sposób swój stosunek do
współczesnego świata. Ludzi, którzy
wierzą, że dzisiejszą rzeczywistość
można zrozumieć tylko dzięki głębokiej więzi z przeszłością.
Członkowie zespołu przyznają, że
działalność takich folklorystycznych
czy folkloryzujących zespołów staje
się coraz bardziej popularna. Również dlatego, że dodaje kolorów codziennemu, szaremu życiu. Artyści
dodają też, że ich ambicją jest przełamanie stereotypów głoszących,
że folklorem zajmują się tylko starsi
ludzie oraz że jest to zajęcie nudne
i staromodne. Dlatego z pełnią młodzieńczej spontaniczności i dynamizmu pokazują, że dawne tradycje są
aktualne we współczesnych realiach.
Podstawę repertuaru zespołu stanowią pieśni obrzędowe związane
z ludowym kalendarzem, także
tańce i zabawy. Członkowie grupy
podejmują wyprawy etnograficzne,
zbierając materiał badawczy i inspiracje w całej Białorusi. Instrumenty
muzyczne wykorzystywane przez
zespół to m.in. dudy, skrzypce, cymbały, bęben i ceramiczne instrumenty
perkusyjne.
Talaka jest laureatem licznych międzynarodowych przeglądów oraz
konkursów muzyki studenckiej i folkowej. Grupa otrzymała nagrodę specjalną Prezydenta Republiki Białorusi
przyznaną w ramach wspierania
utalentowanej młodzieży. Liderem
zespołu jest Viachaslau Kalatsei.
Talaka (purification) is
a popular custom among Belarusians
(also widely known in Eastern Europe),
meaning joint action within the community, in a group, for example, when the
whole village together helps one person.
It’s also the name of a band consisting of
students of ethnology and ethnography
at Belarusian universities – young people
fascinated by tradition and so defining
their attitude to the modern world. People
who believe that today’s reality can be
only understood through deep ties with
the past.
The band members acknowledge that
such folk bands are becoming increasingly popular and bring colour to dull
everyday life. The artists also add that
their ambition is to break stereotypes
proclaiming that only elderly people think
about folklore and that it is a boring and
old-fashioned occupation. And so, full of
youthful spontaneity and dynamism they
show that the ancient traditions are still
relevant today.
The basis of the repertoire are ritual
songs associated with the folk calendar,
in addition to dances and entertainment.
The members of the group go on ethnographic expeditions, collecting research
material and inspiration throughout Belarus. The musical instruments the band
play include bagpipes, fiddle, dulcimer,
drums and ceramic percussion instruments.
Talaka are the winner of numerous international reviews and student and folk
music competitions. The group received
a special prize from the President of the
Republic of Belarus granted in support of
talented youth. The leader of the band is
Viachaslau Kalatsei.
dudy, flet, śpiew
Bagpipe, flute, singer
PAVEL LIASHOK
perkusja, śpiew
Drums, singer
ALIAKSANDR MASIBUT
skrzypce, śpiew
Violin, singer
MARYNA SHELEH
śpiew, taniec
Singer, dancer
MARYNA VESIALUKHA
taniec
dancer
EVELINA SHCHADRYNA
śpiew, taniec
Singer, dancer
TATIANA PLODUNOVA
śpiew, taniec
Singer, dancer
CONCERT
4.00 pm
11.07
Museum of Municipal
Engineering
producent / producer: Tatiana Pesniakevich
102
fot. Timur Mitkevich
103
TARUTA
Ievgen Romanenko
śpiew, gitara
vocals, guitar
Taras Kozak
UKRAINa
UKRAINE
NRCU
ebu
KONCERT
22.00
9.07
Kraków
CONCERT
10.00 PM
9.07
Pochodząca z Kijowa
grupa TaRuta jest czołowym przedstawicielem ukraińskiej sceny world
music. Oryginalny pomysł na brzmienie i energia bijąca z muzyki zespołu
sprawiły, że w ciągu sześciu lat swojego istnienia dwukrotnie był laureatem
ukraińskiego festiwalu muzycznego
Chervona Ruta. TaRuta z powodzeniem prezentowała się na zagranicznych festiwalach, wśród których był
i polski – „Z wiejskiego podwórza”,
odbywający się we wsi Czeremcha na
Podlasiu.
Założycielami i liderami zespołu
są folkloryści i etnografowie Ievgen
i Olena Romanenko. Towarzyszą im
profesjonalni, świetnie grający instrumentaliści. TaRuta zdefiniowała swoje zdecydowane brzmienie podczas
pierwszego ważnego koncertu na
międzynarodowym festiwalu muzycznym Kraina Marzeń w 2008 roku
w Kijowie. Dwa lata później ukazał
się debiutancki album zespołu „Born
in Love”. Przyniósł piękne pieśni, wywodzące się z ludowej tradycji, zaśpiewane z tradycyjną manierą, osadzone
w mocnym, porywająco energetycznym rockowym brzmieniu.
W 2012 roku po zmianie składu grupa
postanowiła nieco udoskonalić swoje
brzmienie, otwierając się również na
współczesne eksperymenty muzyczne.
Efektem tego było powstanie drugiego
albumu „EthnoLab”, na którym pojawiają się nowe rozwiązania aranżacyjne. Ważnymi elementami brzmienia
stały się improwizacje fortepianowe
Romana Kolyady i elektroniczne
dźwięki, które generował DJ Igor Liodin.
Pod koniec 2013 roku, wraz z początkiem rewolucji na Majdanie, zespół
wziął czynny udział w działaniach
społecznych. Muzycy robili wszystko co
możliwe, by wesprzeć protestujących
rodaków. W wyniku tych doświadczeń
wiosną 2014 roku TaRuta nagrała
i opublikowała nową epkę zatytułowaną „Celestial Hundred”.
The ensemble TaRuta
from Kyiv is a leading representative of
the Ukrainian world music scene. The
group’s original sound and energy mean
that within six year of their foundation,
they were twice winners of the Ukrainian
music festival Chervona Ruta. TaRuta is
also popular at international festivals, including Poland’s “Z wiejskiego podwórza”
held in the village of Czeremcha in the
Podlasie region.
The group’s founders and leaders are the
folklorists and ethnographers Ievgen and
Olena Romanenko. They are accompanied by acclaimed professional instrumentalists. TaRuta defined their sound
during their first appearance at a major
international music festival: Dreamland
in Kyiv in 2008. Two years later, they released their debut album “Born in Love”,
featuring beautiful songs originating from
folk traditions and performed in the traditional style, rooted in a powerful, spirited
rock energy.
After a change of line-up in 2012, the
group decided to polish its sound and
open to more contemporary musical experimentation. The result was the second
album, “Ethnolab”, presenting new arrangements and ideas. An important element is piano improvisations by Roman
Kolyada and electronic sounds generated
by DJ Igor Liodin.
In late 2013, at the time of the Euromaidan events, the group played an
active part in the demonstrations and did
what they could to support the protesters.
As a result, in spring 2014 TaRuta recorded and published a new EP entitled “Celestial Hundred”.
perkusja, instrumenty perkusyjne, ksylofon
drums, percussion instruments, xylophone
Rostislav Mamadloikov
gitara
guitar
Oleksandr Atamas
gitara basowa
bass guitar
Igor Liodin
DJ, beat maker, sound producer
DJ, beat maker, sound producer
Yaryna Tovkailo
ludowe instrumenty dęte
folk wood instruments
Roman Kolyada
fortepian
piano
fot. Gera Sulikov
104
105
VALENTIN CLASTRIER
Valentin Clastrier
lira korbowa
hurdy-gurdy
FRANCJA
FRANCE
rozstaje
crossroads festival
Uważany jest za jednego
z najwybitniejszych artystów grających
muzykę współczesną na lirze korbowej.
Przed jego pojawieniem się na scenie
muzycznej, instrument ten był wykorzystywany głównie w wykonawstwie
muzyki średniowiecznej i ludowej. Artysta był prekursorem wykorzystania go
w repertuarze współczesnym.
Valentin Clastrier rozpoczynał karierę na przełomie lat sześćdziesiątych
i siedemdziesiątych. Pierwsze artystyczne kroki stawiał jako gitarzysta.
Na lirze korbowej gra od początku lat
siedemdziesiątych ubiegłego wieku.
Instrument, na którym gra Clastrier,
posiada dwadzieścia siedem strun,
w przeciwieństwie do standardowych
lir korbowych, które mają zazwyczaj
zaledwie po kilka strun. Artysta nieustannie pracuje nad udoskonalaniem
swego instrumentu.
Swoje autorskie kompozycje realizował zarówno w akustycznej, jak i elektroakustycznej formule. Przedstawiał
je we współpracy z tak wybitnymi
artystami jak słynny tubista (grający
też na serpencie) Michel Godard, klarneciści Michael Riessler i Louis Sclavis
czy akordeonista Jean-Louis Matinier.
Jego bogata dyskografia to kilkanaście
oryginalnych, niepowtarzalnie brzmiących płyt.
Clastrier chętnie promuje swój instrument, dzieląc się swą wiedzą i doświadczeniem. Mistrzowskie techniki gry na
lirze korbowej przybliżył wszystkim zainteresowanym w wydanej przed kilkoma laty książce „La vielle et l’univers de
l’infinie roue-archet“. Na załączonej do
wydawnictwa płycie DVD szczegółowo
ukazuje podstawy gry na instrumencie,
prowadzenia każdej z rąk. Jego wielką
pasją są koncerty. W żywym kontakcie
ze słuchaczami jego muzyka nabiera
dodatkowych barw.
He is regarded as one of
the most accomplished artists performing
contemporary music on a hurdy-gurdy.
Before he burst on the scene, the instrument remained in the realm of mediaeval and folk music. Valentin Clastrier was
a pioneer of using it to perform contemporary repertoires.
The artist started his musical career as
a guitarist in the late 1960s, and he was
introduced to the hurdy-gurdy in the early
1970s. Clastrier’s instrument has twenty-seven strings, in contrast to standard
hurdy-gurdies which have just six strings
each, and he is always working on making improvements.
His compositions are strikingly original,
and they have been recorded in both
acoustic and electroacoustic versions.
He works closely with other musicians,
including the acclaimed tubist and serpent player Michel Godard, clarinettists
Michael Riessler and Louis Sclavis, and
accordionist Jean-Louis Matinier. His extensive discography includes over a dozen
extraordinary records.
Clastrier is a keen proponent of his instrument, sharing his knowledge and experience. A few years ago, he outlined the
secrets of his hurdy-gurdy technique in
the book “La vielle et l’univers de l’infinie
roue-archet”. The publication comes with
a DVD showing the intricacies of playing
the instrument and techniques for both
hands. Concerts remain his greatest passion, and his music takes on fresh colours
during live encounters with listeners.
KONCERT
21.00
7.07
CONCERT
9.00 PM
7.07
fot. Eric Legret
106
107
ZAKIR HUSSAIN
& RAKESH CHAURASIA DUO
Zakir Hussain
INDIE
INDIA
ebu
KONCERT
20.00
8.07
Kraków
Podczas koncertu oficjalnie rozpoczynającego festiwal Europejskiej Unii Nadawców wystąpią dwaj
wielcy artyści: Zakir Hussain i Rakesh
Chaurasia.
Zakir Hussain to jedna z niekwestionowanych legend world music, wirtuoz gry na tabli, artysta koncertujący
i nagrywający z największymi sławami,
również scen jazzowych.
Jego ojcem był słynny muzyk Ustad
Alla Rakha. Dzięki ojcu Zakir uczył
się gry na instrumentach od najwcześniejszego dzieciństwa. Występował już
jako kilkunastolatek. W wieku dziewiętnastu lat po raz pierwszy wyjechał do
Stanów Zjednoczonych, koncertując
u boku Raviego Shankara.
Publiczność pamięta doskonale wybitne płyty Hussaina, z albumem
„Making Music” nagranym dla słynnej
wytwórni ECM na czele. Krążek ten
bywa uznawany za jedną z najwspanialszych muzycznych fuzji Wschodu
i Zachodu. Partnerami lidera byli tam
John McLaughlin, Jan Garbarek i legendarny Hariprasad Chaurasia – wuj
Rakesha, którego usłyszymy w Krakowie.
Z Johnem McLaughlinem Hussain
współpracował wielokrotnie, m.in.
współtworząc świetne nagrania jego
grup Shakti i Remember Shakti. Z kolei
wspólnie z Billem Laswellem prowadził
grupę Tabla Beat Science, gromadzącą wybitnych tablistów i perkusjonistów. Współtworzył też znakomite
projekty Planete Drum i Global Drum.
Współpracował z największymi – od
George’a Harrisona i Vana Morrisona po Pharoaha Sandersa i Charlesa
Lloyda. Sam jest dziś żywą legendą
muzyki.
Rakesh Chaurasia jest nie tylko bratankiem, ale też jednym z najbardziej
utalentowanych uczniów Hariprasada
Chaurasii. Gra na bansouri, tradycyjnym hinduskim flecie bambusowym.
Ma za sobą współpracę m.in. ze słynnym Talvinem Singhiem. Brał udział
w nagraniu kilkudziesięciu albumów.
Prowadzi m.in. grupę RAF, czyli Rakesh and Frieds.
The concert officially inaugurating the festival of the European
Broadcasting Union presents two great
artists: Zakir Hussain and Rakesh Chaurasia.
Zakir Hussain is undoubtedly one of the
greatest legends of world music, virtuoso
of the tabla, and artist who tours and
records with many other acclaimed musicians, including those form the world of
jazz.
His father was the famous musician
Ustad Alla Rakha. Thanks to his father,
Zakir learned to play musical instruments
from his youngest days. He started performing as a teenager, and when he was
19 years old, he travelled to the US for
the first time, appearing alongside Ravi
Shankar.
Audiences remember Hussain’s acclaimed albums, especially “Making Music” recorded for the famous ECM label.
It is regarded as one of the finest musical
fusions of the East and the West. Hussain
was accompanied by John McLaughlin, Jan Garbarek and the legendary
Hariprasad Chaurasia – uncle of Rakesh,
who joins Hussain in Kraków.
Hussain has worked with McLaughlin
many times, for example when creating recordings with his groups Shakti
and Remember Shakti. He also worked
alongside Bill Laswell, leading the group
Tabla Beat Science bringing together
acclaimed tablists and percussionists.
He has also co-created the outstanding
projects Planete Drum and Global Drum,
and worked with some of the greatest musicians of all time, from George
Harrison and Van Morrison to Pharoah
Sanders and Charles Lloyd. He is a living
legend himself.
Rakesh Chaurasia is more than just
a nephew of Hariprasad Chaurasia – he
is also one of his most talented pupils. He
plays the bansouri, a traditional South
Asian bamboo flute. He has worked with
musicians including Talvin Singh, participated in recording dozens of albums, and
he leads the RAF ensemble – Rakesh and
Friends.
tabla, instrumenty perkusyjne
tabla, percussion instruments
Rakesh Chaurasia
bansouri
bansouri
CONCERT
8.00 PM
8.07
108
109
ARTYŚCI Z POLSKI
/ ARTISTS FROM POLAND
ADAM STRUG & KWADROFONIK
112
AGATA SIEMASZKO TRIO
114
ANIA BRODA
116
BANDA NELLA NEBBIA
118
BUM BUM ORKESTAR
120
HAŃBA!
122
JOANNA SŁOWIŃSKA /"ARCHIPELAG"
KAPELA BRODÓW / "MUZIKAIM"
KAPELA ZE WSI WARSZAWA
124
126
KAPELA MALISZÓW
128
MERCEDES PEÓN
130
&
KROKE
132
LAUTARI
134
MARIA POMIANOWSKA / "CHOPIN & ARIRANG PROJECT"
136
MUZYKANCI
138
PIANOHOOLIGAN" ORZECHOWSKI 140
PIOTR "
TEATR RODZINNY HAŁASÓW / "ZEGAR BIJE"
142
WARSZAWA WSCHODNIA
144
KINO NA ROZSTAJACH
146
WARSZTATY NA ROZSTAJACH
148
ADAM STRUG
& KWADROFONIK
Adam Strug
śpiew
vocals
polska
poland
PR
ebu
KONCERT
18.30
10.07
Wspólne dzieło zespołu Kwadrofonik i Adama Struga
– „Requiem Ludowe” – jest jednym
z najważniejszych fonograficznych wydarzeń tego roku. Podczas krakowskiego festiwalu artyści mają przedstawić
zupełnie nowy materiał.
Na koncert Adama Struga i grupy
Kwadrofonik złożą się wykonywane
a cappella liryczne pieśni kurpiowskie i instrumentalne komentarze do
tychże. W odróżnieniu od wcześniejszego, wspólnego dzieła artystów,
czyli „Requiem Ludowego”, śpiewak
Adam Strug nie będzie wprzęgnięty
w rytmiczne i harmoniczne rozwinięcia
instrumentalne. Słuchacze obcować
będą z oryginalną, zachowawczą
praktyką śpiewaczą. Jej cechami są
inne niż współcześnie używane skale
i odmienny od naszego – zdecydowanie wolniejszy – wewnętrzny czas
tej zadziwiającej muzyki. Instrumentaliści z grupy Kwadrofonik rozwijać
będą tematy muzyczne podane przez
śpiewaka niejako autonomicznie. Ich
komentarz rodzi się z zachwytu nad
kompozytorskim geniuszem kurpiowskich pieśni leśnych. I z tęsknoty za
utraconym rajem naturalnej, plemiennej muzykalności.
Kwadrofonik to laureat Paszportów
Polityki za rok 2014. Klasycznie wykształceni, poszukujący, improwizujący muzycy zadebiutowali na festiwalu
Nowa Tradycja w 2006 roku, zdobywając Grand Prix. W kolejnych latach
wydawali świetne płyty: „Folklove” oraz
wspólną z Dorotą Miśkiewicz „Lutosławski. Tuwim. Piosenki nie tylko dla
dzieci”. Zrealizowali też nieliczoną ilość
projektów, m.in. z muzyką Strawińskiego, Szymanowskiego czy Reicha.
Adam Strug to jeden z najoryginalniejszych polskich wokalistów, wybitny interpretator i znawca polskiej
pieśni ludowej, szczególnie muzyki
kurpiowskiej. Nagrywa i wydaje też
płyty z własnymi piosenkami. „Adieu!”
zyskała tytuł Folkowego Fonogramu
Roku 2012. Najnowszą płytę „Mysz”
nagrał we współpracy z Wojciechem
Waglewskim.
The joint work by Kwadrofonik and Adam Strug – “Requiem Ludowe” – is one of the most important
phonographic events of the year. During
the Kraków festival they will be introducing completely new material.
The concert by Adam Strug and Kwadrofonik will consist of a cappella Kurpian lyrical songs and instrumental commentaries on them. Unlike the previous joint work
by these artists, the “Requiem Ludowe”,
singer Adam Strug will not be handcuffed
by the rhythmic and harmonic instrumental development. The audience will get to
know the original, conservative practice
of singing. Its characteristics are different
scales from those used today and the different internal time from ours – decidedly
slower – of this amazing music. The instrumentalists from Kwadrofonik will develop
the musical themes given by the singer
autonomously. Their commentary is born
out of admiration for the genius composition of the songs from the Kurpian forest
and with a longing for the lost paradise of
natural, tribal musicality.
Kwadrofonik won the Polityka Passport
for 2014. The classically trained, searching, improvising musicians made their
debut at the New Tradition festival in
2006, winning the Grand Prix. In subsequent years they have released the
marvellous album “Folklove”, and with
Dorota Miśkiewicz “Lutosławski. Tuwim.
Piosenki nie tylko dla dzieci”. They have
also worked on an endless succession of
projects, including music by Stravinsky,
Szymanowski, and Reich.
Adam Strug is one of Poland’s most original singers, an outstanding interpreter
and expert on Polish folk song, especially
Kurpian music. He also records and releases albums with his own songs. “Adieu!”
won the title of Folk Phonogram 2012.
His latest album “Mysz” was recorded in
collaboration with Wojciech Waglewski.
Emilia Sitarz
fortepian
piano
Bartłomiej Wąsik
fortepian
piano
Magdalena Kordylasińska
Miłosz Pękala
CONCERT
6.30 pm
10.07
producent / producer: Polskie Radio
112
fot. Agata Grzybowska / Agencja Gazeta
113
AGATA SIEMASZKO TRIO
Agata Siemaszko
śpiew
VOCALS
POLSKA / SŁOWACJA
POLAND / SLOVAKIA
rozstaje
crossroads festival
KONCERT
19.00
5.07
Kraków
CONCERT
7.00 PM
5.07
Nowy polsko-słowacki
projekt laureatów Grand Prix festiwalu Nowa Tradycja sprzed czterech lat.
Agata Siemaszko i Kuba „Bobas” Wilk
współpracę rozpoczęli jesienią roku
2010, by już kilka miesięcy później zachwycić na wspomnianym warszawskim festiwalu. Wcześniej spotykali się
już na scenie przy okazji współpracy
z Teresą Mirgą i jej romskim zespołem
Kałe Bała. Wywodzą się z różnych
środowisk, a ich muzyczna działalność ma korzenie w bardzo różnych
nurtach. Agata od dziecka związana
jest ze środowiskiem folkowym, inspiruje się przede wszystkim muzyką
tradycyjną szeroko pojętego Łuku
Karpat i folklorem romskim. Koncertowała m.in. gościnnie z zespołem
Mostar Sevdah Reunion.
Kuba natomiast gra głównie jazz
i funk, nie przeszkadza mu to jednak w otwieraniu się na inne, często
bardzo odległe stylistycznie gatunki.
Współpracował z wieloma zespołami
folkowymi, m.in. od kilku lat ze słynną
kapelą Trebuniów-Tutków. To, co ich
łączy, to zaangażowanie w muzykę.
Poprzez swobodną improwizację,
opartą na płynących z różnych źródeł inspiracjach, udało się im stworzyć nową jakość. Przed dwoma laty
wydali świetną, wspólną debiutancką
płytę „Ogień i woda”, która zdobyła
tytuł Folkowego Fonogramu Dwójki.
Na repertuar duetu składają się pieśni romskie i tradycyjne pieśni Łuku
Karpat oraz autorskie kompozycje
obojga.
Tym razem spotykają na swej drodze
wybitnego słowackiego artystę Miroslava Rajta. Jest on absolwentem
bratysławskiego
konserwatorium
w klasie cymbałów węgierskich. Gra
również na skrzypcach, altówce, fortepianie, perkusji, akordeonie i kontrabasie.
Współpracował z ważnymi słowackimi zespołami takimi jak: Sľuk (Narodowy Reprezentacyjny Zespół Pieśni
i Tańca), Lúčnica (Balet Narodowy),
Oľun (Orkiestra Instrumentów Ludowych Słowackiego Radia) czy Violin
Orchestra Bratislava. Oprócz gry na
cymbałach zajmuje się także kompozycją i aranżacją – obecnie kończy
studia na wydziale kompozycji i dyrygentury.
The latest Polish-Slovakian
project by the winners of the Grand Prix at
the New Tradition festival four years ago.
Agata Siemaszko and Kuba Bobas Wilk
first started working together in autumn
2010, and just a few months later they
were enchanting audiences at this acclaimed Warsaw festival. They met before
while they were both collaborating with
Teresa Mirga and her Roma ensemble Kałe Bała. They have very different
backgrounds, and their musical activities
are rooted in diverse genres. From her
youngest years, Agata has bene involved
with folk music, mainly seeking inspiration
from traditions from the Carpathian region and Roma folk. She has performed
alongside ensembles such as Mostar
Sevdah Reunion.
In turn, Kuba’s focus is on jazz and funk,
although it doesn’t stop him from being
open to other, frequently very diverse
styles. He has worked with many folk
groups, and has had close ties with the
acclaimed ensemble Trebunie-Tutki for
several years. The two are linked by their
passion for music. They have been able to
create a new style through free improvisation based on inspirations from many
different sources. Two years ago, they
jointly released an outstanding debut
album “Ogień i woda”, which was hailed
as Folk Phonogram of Polish Radio 2. The
duo’s repertoire includes traditional Roma
songs, Carpathian melodies, and their
own original compositions.
This time, they encounter the outstanding Slovakian artist Miroslav Rajt. He is
a graduate of the Bratislava Conservatory from the cimbalom class, but he also
plays violin, viola, piano, percussion, accordion and double bass.
He has worked with important Slovakian ensembles including Sl’uk (State
Traditional Dance Company) Lúčnica
(National Ballet), Ol’un (Instrumental
Folk Orchestra of Slovakian Radio) and
the Violin Orchestra Bratislava. As well as
playing cimbalom, he is a composer and
arranger, and he is currently completing
studies in composition and conducting.
Kuba „Bobas” Wilk
gitara basowa, gitara
bass guitar, guitar
Miroslav Rajt
cymbały, skrzypce, altówka
cimbalom, violin, viola
fot. Sasha Berkyová
114
115
ANIA BRODA
polska
poland
rozstaje
crossroads festival
Jeden z najor yginalniejszych głosów na polskiej scenie
muzycznej i jedna z najciekawszych
osobowości festiwalu – poprowadzi tu
warsztaty wokalne i instrumentalne
dla dzieci i rodziców.
Wielbiciele muzyki tradycyjnej i folkowej pamiętają jej niezapomniany,
charakterystyczny
głos
przede
wszystkim z dokonań Kapeli Brodów,
której podporą była przez wiele lat.
Wspólnie nagrali pięć świetnych płyt
(z „Pieśniami i melodiami na rozmaite
święta” uznanymi za najlepszą płytę
folkową 2001 roku), zagrała setki
owacyjnie przyjmowanych koncertów. W zespole tym śpiewała, grała
na cymbałach i bębnach.
Od pewnego czasu realizowała
równolegle swoje autorskie, solowe
działania. Przed kilkoma laty opuściła Kapelę Brodów, koncentrując się
wyłącznie na solowych dokonaniach:
nagraniach, prowadzeniu warsztatów, koncertach z własnym zespołem.
W autorskim dorobku ma trzy płyty:
„A ja nie chcę spać!”, „6H” oraz „Najlepsze życzenie”, czerpiące natchnienie z ludowej tradycji, ale też twórczości współczesnych poetów.
Znacząca część jej muzycznych aktywności skierowana jest bezpośrednio do dzieci, choć prostota, melodyjność i wdzięk tej twórczości sprawiają,
że trafia ona również do dorosłych.
Sama o sobie mówi: „Inspiracją jest
dla mnie piękna poezja dziecięca
– szczególnie ta nieobliczalna i zagadkowa, w której dźwięczą słowa.
W muzyce szukam nastrojów, kolorów, tajemnic i nieprawdopodobnych
historii, poruszających struny wyobraźni. Piosenki wykonuję w towarzystwie cymbałów, pianina i głosu”.
One of the most original
voices on the Polish music scene and one
of the most interesting personalities of the
festival will run vocal and instrumental
workshops for children and parents.
Devotees of traditional and folk music remember her memorable, distinctive voice
above all from the work of the Kapela
Brodów ensemble, whose mainstay she
was for many years. Together they recorded five great albums (from “Pieśni i melodie na rozmaite święta” recognised as
the best folk album of 2001), and played
hundreds of enthusiastically received concerts. She was the group’s singer, as well
as playing the cymbals and drums.
For some time she has pursued a parallel career with her original, solo activities.
A few years ago she left Kapela Brodów
to focus exclusively on her solo achievements: recordings, conducting workshops,
and concerts with her own band. Her
original credits include three albums: “A ja
nie chcę spać!”, “6H” and “Najlepsze życzenie”, drawing inspiration from the folk
tradition and the work of contemporary
poets.
A significant part of her musical activity is
aimed directly towards children, although
the simplicity, musicality and charm mean
that this work is also for adults. She says of
herself: “My inspiration is children’s poetry,
especially the unpredictable and mysterious, in which words ring. In music, I look
for moods, colours, secrets and improbable stories, plucking the strings of the imagination. I perform songs accompanied
by cymbals, piano and voice.”
Anna Broda
śpiew, instrumenty
vocals, instruments
WARSZTATY
12.00
6.07
12.00
7.07
WORKSHOPS
noon
6.07
noon
7.07
Museum in Kraków
116
117
BANDA NELLA NEBBIA
Kacper Szroeder
trąbka
trumpet
polska
poland
PR
ebu
rozstaje
crossroads festival
Laureat Grand Prix tegorocznego festiwalu muzyki folkowej
Polskiego Radia Nowa Tradycja proponuje muzykę, jakiej w kręgu polskiego folku jeszcze nie było! To wybuchowa mieszanka, zachwycająca zarówno
niespotykaną energią, jak i precyzją
wykonania, żywiołowością i dyscypliną. Na pewno jest to propozycja rewelacyjna.
Banda Nella Nebbia to autorski projekt pochodzącego z Litwy kompozytora i basisty Justinasa Važnevičiusa występującego pod pseudonimem Franciszek Szpilman. Do współpracy zaprosił
artystów z Sejn i Warszawy. Ich muzyka to połączenie żywiołu jazzowego,
może nawet avant-jazzowego z rockową dynamiką i wpływami muzyki
tradycyjnej. Słuchaczom ich twórczości na myśl przychodzą skojarzenia
z dokonaniami Franka Zappy, Johna
Zorna czy rockowego zespołu Primus.
Tych konotacji jest zresztą dużo więcej.
Ważnym źródłem inspiracji jest także
tradycyjna muzyka litewska, klezmerska i polska.
Wyrazista artystyczna wizja, którą
lider zaproponował na Nowej Tradycji z zespołem Banda Nella Nebbia
przyniosła Franciszkowi Szpilmanowi
także nagrodę specjalną im. Czesława
Niemena dla wyróżniającej się osobowości. Muzyk angażuje się bowiem
bez reszty w sceniczną prezentację,
proponując brawurowe partie na gitarze basowej, a przy tym – równolegle
– dyrygując kolegami.
Franciszek Szpilman w przeszłości stał
na czele litewskiej grupy Banda Dzeta, która koncertowała przed kilkoma
laty w Polsce. Teraz czas na krakowską
premierę jego nowej, rewelacyjnej formacji.
Tomek Stawiecki
Winners of the Grand Prix
of this year’s Polish Radio New Tradition
Folk Music Festival bring music never
heard before in our circles! This explosive
mix, enchanting with its blend of energy,
precision of performance, spontaneity
and discipline, is bound to be outstanding.
Banda Nella Nebbia is a project by the
Lithuanian composer an bassist Justinas
Važnevičius, performing under the pseudonym Franciszek Szpilman. He has invited musicians from Sejny and Warsaw to
join him. Their music intertwines elemental
jazz and notes of avant-jazz with rock
dynamism and influences of traditional
music. Listeners are reminded of works
by Frank Zappa, John Zorn and the rock
group Primus. And there are plenty more
connotations: there are influences from
traditional Lithuanian, klezmer and Polish
music.
The clear artistic vision brought to New
Tradition by Banda Nella Nebbia
earned Szpilman the Czesław Niemen
Prize, awarded to outstanding personalities. The musician immerses himself fully
in stage presentation, performing daring
bass guitar parts while conducting his colleagues at the same time.
Szpilman previously led the Lithuanian
ensemble Banda Dzeta, which performed live in Poland a few years ago.
Now it’s time for the Cracovian premiere
of his new, outstanding formation.
saksofon, klarnet, klarnet basowy
saxophone, CLARINET, BASS CLARINET
Piotr Janiec
tuba
tuba
Mateusz Szemraj
lutnia
lute
Konstanty Szemraj
gitara
guitar
Dominika Korzeniecka
bęben
DRUM
Amar Ziembiński
perkusja
DRUMS
Franciszek Szpilman
gitara basowa, altówka
bass guitar, viola
GOŚCINNIE / FEATURING:
Dominyka Kriščiūnaitė
Raminta Kriščiūnaitė
Lauksmina Kriščiūnaitė
KONCERT
16.00
10.07
śpiew
vocals
CONCERT
4.00 PM
10.07
Museum of Municipal
Engineering
118
fot. Bartosz Wojciechowski
119
BUM BUM ORKESTAR
Oliwier Andruszczenko
klarnet
clarinet
polska
poland
ebu
rozstaje
crossroads festival
W maju tego roku zdobyli
drugie miejsce oraz nagrodę publiczności podczas osiemnastego festiwalu
Nowa Tradycja. Jako jeden z najlepszych zespołów tego festiwalu zostali
zaproszeni do występu w Krakowie.
BUM BUM ORKeSTAR odwołuje się
do inspiracji tradycją bałkańską i klezmerską, a także tradycyjną muzyką
polską. To wpływy i przenikanie się tych
trzech muzycznych światów sprawiają,
że zespół potrafi na scenie zaskoczyć
energią, zaraz potem wzruszyć rzewną
melodią, by na koniec zmusić publiczność do poddania się rytmowi muzyki.
Każdy koncert jest niepowtarzalny
i zarazem nieobliczalny. Każdy jest na
swój sposób wyjątkowy – a to za sprawą pięciu muzyków, którzy kochają to
co robią, i ich instrumentów (klarnet,
trąbka, akordeon, tuba, bułgarski
bęben tapan). Muzyków, którzy podczas koncertu zarażają publiczność
pozytywną energią niczym słynne bałkańskie orkiestry weselno-pogrzebowe.
I rzeczywiście – nie pozostawiają nikogo ze słuchaczy obojętnym.
W wywiadzie udzielonym Programowi
Drugiemu Polskiego Radia klarnecista
zespołu Oliwier Andruszczenko przyznał: „Zaczęliśmy od wykonywania
utworów weselno-pogrzebowych orkiestr bałkańskich, ale coraz częściej
gramy swoje melodie”. I dodał: „Gdy
zaczynaliśmy, nie myśleliśmy o koncertach i zarabianiu pieniędzy. Chcieliśmy
po prostu bawić się muzyką. Jednak
pierwsze występy pokazały nam, że
ludzie reagują szaleństwem na nasze
dźwięki”.
BUM BUM ORKeSTAR odniósł sukces
nie tylko na Nowej Tradycji. W grudniu
ubiegłego roku zespół zajął drugie
miejsce w konkursie na festiwalu Mikołajki Folkowe.
Piotr Krukowski
In May this year, they won
second place and the audience award
during the eighteenth New Tradition
Festival. As one of the best bands at that
festival, they were invited to perform in
Kraków.
The BUM BUM ORKeSTAR take their
inspiration from the Balkan and klezmer
traditions, as well as traditional Polish
music. These influences and the interpenetration of these three musical worlds
mean that the band create surprise on
stage with their energy, and immediately
afterwards move the audience with wistful
melodies, to finally make them surrender
to the rhythm of the music.
Each concert is unique and unpredictable
at the same time. They are all new and
different – and this is thanks to the five
musicians who love what they do, and
their instruments (clarinet, trumpet, accordion, tuba, and tapan – a Bulgarian
drum). They infect their audiences with
positive energy like the famous Balkan
wedding and funeral orchestras. And indeed they leave nobody in the audience
indifferent.
In an interview with Polish Radio 2, the
band’s clarinettist Oliwier Andruszczenko
said, “We started by playing the music of
Balkan wedding-funeral orchestras, but
now more often we play our own tunes.”
And he added: “When we started, we
weren’t thinking about concerts and earning money. We just wanted to play music
and have fun. However, our first performances showed us that people go crazy
to our sounds.”
The BUM BUM ORKeSTAR has not
only been successful at New Tradition. In
December last year the band took second
place in the competition at the Mikołajki
Folkowe Festival.
trąbka
trumpet
Mateusz Wachowiak
akordeon
accordion
Piotr Janiec
tuba
tuba
KONCERT
16.00
6.07
Plac Nowy – Koncert na dachu
21.00
6.07
Alchemia
CONCERT
4.00 PM
6.07
NOWY SQUARE – concert on the roof
9.00 PM
6.07
Alchemia
120
Mateusz Sieradzan
tapan
tapan
121
HAŃBA!
Andrzej Zamenhoff
banjo, śpiew
banjo, vocals
polska
poland
PR
ebu
Grupę
tworzy
czterech muzyków z niemałym stażem
w grupach folkowych, punkowych,
indie-rockowych, a nawet elektronicznych. Wspólnie postanowili założyć
zespół będący muzyczną prowokacją,
a zarazem swoistym wehikułem czasu, przenoszącym słuchaczy do międzywojennej Polski. Ukrywają się pod
pseudonimami. Zarówno ich ubiór, jak
stylistyka i tematyka tekstów odwołują
się do rzeczywistości lat trzydziestych
XX wieku.
Hańba! znalazła się w gronie finalistów Konkursu Tuwimowskiego, organizowanego przez Dom Literatury
w Łodzi, oraz ubiegłorocznej Nowej
Tradycji, na której zdobyła nagrodę
specjalną im. Czesława Niemena. Zespół, wykorzystując instrumentarium
tradycyjnej kapeli podwórkowej, gra
energiczny, prosty punk, inspirowany z jednej strony polskim folklorem,
a z drugiej dokonaniami współczesnymi. Członkowie zespołu korzystają
z twórczości poetów międzywojennych
(Tuwim, Brzechwa, Broniewski), tworzą
też własne teksty.
Piszą o sobie: „Od 1926 roku Polska nasza miała być uzdrowiona i naprawiona. W sferze politycznej zaprowadzony
miał być porządek, a w sferze społecznej nowe, godne życie. Minęło już lat
siedem, a wciąż uczciwie pracującego
człowieka ledwie stać na bochenek
chleba, tem gorzej, jeśli na jego utrzymaniu jest głodna rodzina. Naruszane
jest prawo, ośmieszana konstytucja.
Osiągnięciami infrastruktury i technologji zasłonić się próbuje problemy
maluczkich – Polska zaczyna powoli
przypominać Włochy faszystowskie.
W roku 1931 kilkoro muzykantów postanawia założyć wspólnie Orkiestrę
Zbuntowaną, której muzyka ma ganić
jawny gwałt na demokracji oraz pocieszać tych owem gwałtem pokrzywdzonych. Której muzyka niesie wrzeszczącą krytykę niesprawnego ustroju, wytyka palcem jego absurdy oraz przede
wszystkiem – pięść wymierza prosto
w twarz Sanacji”.
The group comprises four
musicians with considerable experience in
folk, punk, indie-rock and even electronic
groups. Together they decided to form
a band as a musical provocation, and
also a kind of time machine, carrying listeners back to interwar Poland. They hide
behind pseudonyms. Their clothes, style
and lyrical subject matter all refer to the
1930s.
Hańba! were among the finalists at the
Tuwim Competition, organised by the
House of Literature in Łódź, and last
year’s New Tradition festival, when they
won the Czesław Niemen special prize.
The band, using the traditional instruments of strolling groups, play energetic,
simple punk, inspired by Polish folklore
and by contemporary achievements. The
band members use the works of interwar
poets (Tuwim, Brzechwa, Broniewski) and
also write their own lyrics.
They write of themselves: “From 1926 our
Poland was to be healed and repaired. In
the political sphere there was supposed to
be order, and in the social sphere a new,
dignified life. It’s been seven years, and
still the honest working man can hardly afford a loaf of bread, even worse if
his dependents are a hungry family. The
law is violated, the constitution ridiculed.
Infrastructure developments and technologies are used to cover up problems of
the average Joe – Poland is slowly starting
to resemble fascist Italy.
In 1931, several musicians decided to set
up a joint Rebellious Orchestra, whose
music openly rebukes the rape of democracy and comforts the victims of said
rape. Whose music is a shrieking criticism
of the faulty system, which points a finger
at its absurdities and, above all things –
raise a fist in the face of the Sanacja.”
Wiesław Król
akordeon
accordion
Ignacy Woland
tuba, śpiew
tuba, vocals
Adam Sobolewski
bęben, grzebień, śpiew
drum, comb, vocals
KONCERT
20.45
10.07
Scena Plac Wolnica
CONCERT
8.45 pm
10.07
122
fot. Izolda Sznaps
123
JOANNA SŁOWIŃSKA / „ARCHIPELAG”
Joanna Słowińska
śpiew
vocals
Stanisław Słowiński
skrzypce, elektronika, opracowanie muzyczne
violin, electronics, musical arrangement
polska
poland
rozstaje
crossroads festival
KONCERT
19.00
5.07
Kraków
CONCERT
7.00 PM
5.07
124
Jedna z najbardziej charyzmatycznych postaci na polskiej
scenie, wokalistka o wielkiej scenicznej
osobowości; nie boi się nowych wyzwań
i artystycznych eksperymentów.
Zarówno przed laty, jak i dziś Joanna Słowińska występuje z zespołem
Muzykanci. Od lat realizuje jednak
liczne autorskie projekty. W 2004 roku
zdobyła Grand Prix oraz Nagrodę
Publiczności festiwalu Polskiego Radia
Nowa Tradycja, a jej kolejne płyty:
„Live in Alchemia” (2005) oraz „Możesz być” (2007) znalazły się w czołówce konkursu na Folkowy Fonogram
Roku. Album „Możesz być” zdobył ten
prestiżowy tytuł. Artystka współpracowała z Jarosławem Besterem, Ośrodkiem Praktyk Teatralnych Gardzienice,
komponuje dla niej Zygmunt Konieczny. W ramach EURORADIO Folk Festiwal EBU dwukrotnie reprezentowała
Polskie Radio: z zespołem Muzykanci
w roku 2000 oraz z projektem solowym w rok 2005. W 2013 roku została
uhonorowana przez Ministra Kultury
i Dziedzictwa Narodowego medalem Gloria Artis – Zasłużony Kulturze.
Z autorskimi recitalami występowała
w USA (NY Broadway Symphony
Space, Chicago Cultural Center)
i w większości krajów Europy.
Artystka zaprezentuje specjalną odsłonę projektu „Archipelag/Kraków”, inspirowanego motywami polskich i słowiańskich pieśni obrzędowych. Koncert
współtworzą doborowi muzycy sceny
etno oraz muzyki improwizowanej
i jazzowej. Na jednej scenie wystąpią
z nią: skrzypek Stanisław Słowiński
z formacją AKT, członkowie grupy Muzykanci, wokalistka Katarzyna Bogusz
oraz wybitni instrumentaliści sceny
improwizowanej: Paweł Kaczmarczyk
(pianista koncertujący na całym świecie, lider Audiofeeling Trio), Marcin
Oleś (kontrabasista współpracujący
z czołówką polskich improwizatorów
i wybitnymi przedstawicielami amerykańskiego jazzu) oraz Tomasz Kukurba (altowiolista i wokalista współtworzący zespół Kroke).
One of the most charismatic figures on the Polish scene, she is
a singer with great stage personality; not
afraid of new challenges and artistic experiments.
Both years ago and now, Joanna
Słowińska has appeared with the group
Muzykanci. For years, though, she has
been releasing numerous original projects.
In 2004, she won the Grand Prix and the
Audience Award at the Festival of Polish
Radio New Tradition, and her subsequent
albums “Live in Alchemia” (2005) and
“Możesz być” (2007) were at the forefront of the competition for the Folk Phonogram of the Year. The album “Możesz
być” won this prestigious title. The artist
has worked with Jarosław Bester and the
Gardzienice Centre for Theatre Practices,
and Zygmunt Konieczny has composed
for her. As part of the EURORADIO
EBU Folk Festival she has twice represented Polish Radio: with Muzykanci in
2000, and with a solo project in 2005.
In 2013, she was honoured by the Minister of Culture and National Heritage with
the Gloria Artis medal for Cultural Merit.
She has performed original recitals in the
USA (NY Broadway Symphony Space,
Chicago Cultural Center) and most European countries.
The artist will present a special version of
project “Archipelago/Kraków”, inspired
by Polish motifs and Slavic ritual songs.
In concert she will be accompanied by
a group of musicians from the ethno, improvised music, and jazz scenes. On stage
with her will be Stanisław Słowiński – violinist with the group AKT, members of the
group Muzykanci, the singer Katarzyna
Bogusz and eminent musicians from the
improvised music scene: Paweł Kaczmarczyk (a concert pianist who has performed worldwide and the leader of the
Audiofeeling Trio), Marcin Oleś (a bassist
who works with leading Polish improvisers
and eminent representatives of American
jazz) and Tomasz Kukurba (violist and vocalist with Kroke).
Justyn Małodobry
kontrabas, elektronika, sample
double bass, electronics, samples
Max Olszewski
PERCUSSION INSTRUMENTS
Paweł Kaczmarczyk
fortepian
piano
Tomasz Kukurba
altówka, śpiew
viola, vocals
Katarzyna Bogusz
śpiew
vocals
Marcin Oleś
kontrabas
double bass
Muzykanci
Jan Słowiński
altówka, śpiew
VIOLA, VOCALS
Jacek Hałas
śpiew, lira korbowa
VOCALS, HURDY-GURDY
Alicja Hałas
bęben, gordon
DRUM, gordon
125
KAPELA BRODÓW / „MUZIKAIM”
Witold Broda
skrzypce
violin
polska
poland
rozstaje
crossroads festival
W odmienionym składzie, jak zawsze fascynujący, klasycy
polskiego folku sięgają do inspiracji
żydowskich przechowanych w polskiej
tradycji.
Kapela Brodów powstała w 1992 roku.
Na czele zespołu od samego początku
stoi Witold Broda, artysta związany
z inną legendą polskiej sceny muzyki
interpretowania tradycji – Bractwem
Ubogich. Na repertuar kapeli składają
się utwory świeckie i religijne z obszaru Pierwszej Rzeczypospolitej. Artyści
zachowują oryginalne maniery wykonawcze, a w przypadku muzyki religijnej właściwy jej tematyce kontekst.
Ale też, chlubiąc się swym indywidualizmem, przyznają: „nie tyle cytujemy, ile opowiadamy tę samą co przed
wiekami historię”.
W 2001 roku Kapela Brodów wydała
debiutancką płytę „Pieśni i melodie na
rozmaite święta”, która zdobyła tytuł
Folkowego Fonogramu Roku. Świetnie
przyjmowano też ich kolejne, równie
znakomite albumy: „Kolędy i inne pieśni”, „Pieśni Maryjne”, „Tańce polskie”,
„Pieśni do Świętych Pańskich”. Najnowszy album „Muzikaim” to przejmujące
poszukiwanie wątków żydowskich
w polskiej muzyce tradycyjnej.
Sam Witold Broda przyznaje, że
utwory, które złożyły się na najnowsze wydawnictwo jego zespołu, wzięły
się z włóczęgi po wsiach, wertowania
dzieł Oskara Kolberga, archiwów IS
PAN, autorów znanych i nieznanych.
Jak mówi: „Kolberg notował melodie
żydowskie sporadycznie. Na tysiące
zapisanych znajdziemy ich kilkanaście.
Zbierałem te motywy, sklejałem okruchy. Taka mogła być muzyka żydowska na wsiach w przedwojennej Polsce”.
In a new lineup but as fascinating as ever: the stalwarts of Polish
folk are reaching for Jewish inspirations
preserved in Polish traditions.
Kapela Brodów was founded in 1992.
Since its inception it has been led by Witold Broda, an artist with ties to another
legend of interpretation of traditional Polish music: the Bractwo Ubogich ensemble. The group’s repertoire includes secular and religious songs from the regions of
the First Polish Republic. The artists preserve original performance styles, and for
religious music also its thematic context.
However, proud of their individualism,
they say, “We don’t really cite; we tell the
same stories as were told centuries ago”.
In 2001, Kapela Brodów released its debut album “Pieśni i melodie na rozmaite
święta”, hailed as the Folk Phonogram
of Polish Radio 2. Their following albums
were also very well received; they are
“Kolędy i inne pieśni”, “Pieśni Maryjne”,
“Tańce polskie”, and “Pieśni do Świętych
Pańskich”. Their latest release, “Muzikaim”,
is a moving search for Jewish motifs in traditional Polish music.
Broda himself says that pieces comprising the album originate from rambles in
rural villages, and rummaging through
works by Oskar Kolberg, archives of the
Institute of Art of the Polish Academy of
Sciences and pieces by known and unknown artists. He says, “Kolberg rarely
noted Jewish melodies. There are maybe
a dozen or so out of a total of thousands
he recorded. I searched for these motifs,
pieced together fragments. This is what
Jewish music might have been like in rural
pre-war Poland.”
Iwona Sojka
skrzypce
violin
Marta Maślanka
cymbały
dulcimer
Jacek Mielcarek
klarnet, saksofon, taragoto
clarinet, saxophone, tarogato
Jakub Mielcarek
kontrabas
double bass
Anatol Broda
basy
basses
KONCERT
23.00
8.07
CONCERT
11.00 PM
8.07
126
127
KAPELA MALISZÓW
Jan Malisz
skrzypce, basy, lira korbowa, akordeon, śpiew
violin, bass, hurdy-gurdy, accordion, vocals
polska
poland
PR
ebu
rozstaje
crossroads festival
WARSZTATY
15.00
8.07
Jedno z największych odkryć polskiej sceny muzycznej ostatnich
lat. Rodzinna kapela, która zachwyca
wszystkich słuchaczy o otwartych głowach i sercach.
Kapela pochodzi z Męciny Małej
w Beskidzie Niskim. Założona została
przez multiinstrumentalistę Jana Malisza i jego dzieci. Zespół inspiruje się
tradycyjną muzyką swojego regionu:
tańcami i przyśpiewkami z okolic powiatu gorlickiego. Kapela Maliszów
gra tradycyjnie – czyli na skrzypcach,
basach i bębnie – w sposób archaiczny, ale z pewną dozą wolności, radości
i improwizacji. Nie jest to szkolne odtwarzanie starych melodii.
Odnosili sukcesy w konkursie Stara Tradycja, na Festiwalu Śpiewaków i Kapel
Ludowych w Kazimierzu, na Nowej
Tradycji, Mikołajkach Folkowych, Festiwalu Folkloru Górali Polskich. Wiosną
tego roku w studiach nagraniowych
Polskiego Radia zrealizowali szesnaście utworów, wydanych w czerwcu
na płycie zatytułowanej „Mazurki niepojęte”. Nagrania te w pełni ukazują
bogactwo i oryginalność propozycji
kapeli. Organiczną, porywającą i nierozerwalną całość tworzą tu z jednej
strony tradycyjne tematy, a z drugiej
– autorskie kompozycje.
Warto wspomnieć, że skrzypce oraz
baraban, na których grają muzycy kapeli, to instrumenty rodzinne, które zespół odziedziczył po ojcu Jana Malisza,
Józefie. Przekazał on również synowi
podstawy gry na wielu instrumentach,
jakie otaczały go w domu rodzinnym.
Kapela zajmuje się również budową
instrumentów. W pracowni Jana powstają takie instrumenty jak skrzypce,
basy, lira korbowa, nyckelharpa, fujarki i wiele innych.
Podczas festiwalu Jan Malisz i jego
dzieci poprowadzą także warsztaty.
One of the greatest discoveries on the Polish music scene in recent
years, they are a family band that inspires
all listeners with open minds and hearts.
The band comes from Męcina Mała in
the Low Beskids, and was founded by
multi-instrumentalist Jan Malisz and his
children. They are inspired by the traditional music of the region: the dancing
and singing from around the Gorlice
district. The Kapela Maliszów band play
traditional instruments – violin, bass and
drums – in an archaic way, but with a degree of freedom, joy and improvisation.
This is not an educational version of old
tunes.
They have been successful in the Old
Tradition competition, at the Festival of
Singers and Folk Bands in Kazimierz, at
New Tradition, Mikołajki Folkowe, and
the Polish Highlanders’ Folklore Festival.
In the spring of this year, in the studios
of Polish Radio they recorded the album
entitled “Mazurki niepojęte” featuring
sixteen tracks, released in June. These
recordings fully reveal the richness and
originality of the band: on the one hand
the traditional subjects, and on the other
original compositions forming an organic,
thrilling and inseparable whole.
It is worth mentioning that the violin and
baraban the musicians play are family
heirlooms which they inherited from Jan
Malisz’s father, Józef. He also gave his
son the fundamentals of playing the variety of instruments that surrounded him
in the family home. The band is also involved in the construction of instruments,
making violins, basses, hurdy-gurdies, nyckelharpas, fifes and many others in Jan’s
workshop.
During the festival, Jan Malisz and his
children will also lead workshops.
Kacper Malisz
pierwsze skrzypce, basy, nyckelharpa first violin, bass, nyckelharpa KONCERT
20.00
11.07
Scena Plac Wolnica
Zuzanna Malisz
WORKSHOP
3.00 pm
8.07
Museum in Kraków
śpiew, basy, bęben
vocals, bass, drum
CONCERT
8.00 PM
11.07
128
fot. Jarek Mazur
129
KAPELA ZE WSI WARSZAWA
& MERCEDES PEÓN
Mercedes Peón
śpiew, elektronika
vocals, electronics
POLSKA / HISZPANIA
POLAND / SPAIN
PR
ebu
Spotkanie jednej z najsłynniejszych grup polskiego folku
i wybitnej artystki z hiszpańskiej Galicji
owocuje fascynującymi efektami artystycznymi.
Na wielki finał festiwalu artyści zaprezentują program będący efektem
trwającej blisko trzy lata muzycznej
znajomości – wspólne kompozycje
z zapowiadanego na jesień nowego albumu Kapeli ze Wsi Warszawa
i Mercedes Peón „Święto Słońca”.
Powołana do życia w 1997 roku Kapela
ze Wsi Warszawa to dziś jeden z najważniejszych zespołów na europejskiej
scenie muzyki etnicznej. To jeden
z najwybitniejszych przedstawicieli
i symboli polskiego folku. Instrumentarium grupy jest tradycyjne (skrzypce,
cymbały, baraban, bęben obręczowy),
ale brzmienie zupełnie nowoczesne.
Każde wydawnictwo zespołu to nowe
artystyczne eksperymenty i fuzje orbitujące wokół korzennej muzyki szeroko
pojmowanego obszaru Mazowsza.
Ich fonograficznym debiutem była
spontaniczna i pełna radości muzykowania płyta „Hopsasa” z 1998 roku.
Międzynarodowe sukcesy przyszły
wraz z wydaniem drugiego albumu
„Wiosna Ludu” z 2002 roku. Od tego
czasu zespół grywa na najważniejszych festiwalach, a jego nowe dokonania oczekiwane są przez sympatyków w wielu krajach świata. Ostatnim
z nich jest jak dotąd płyta „Nord”
z 2012 roku, nagrana we współpracy
m.in. z członkami słynnej szwedzkiej
grupy Hedningarna.
Mercedes Peón to jedna z najważniejszych postaci hiszpańskiej sceny world
music. Jej niezwykle energetyczne występy to pokaz prawdziwej wirtuozerii
– dzięki wykorzystaniu loopów, sampli,
własnego głosu i wielu instrumentów
artystka buduje na scenie fascynujące
ściany dźwięku. W dyskografii ma kilka świetnie przyjmowanych autorskich
płyt. Wspólnie z Kapelą ze Wsi Warszawa kreuje nowy muzyczny świat.
The meeting between one
of Poland’s most famous folk groups and
an outstanding Spanish artist from Galicia results in fascinating artistic effects.
At the grand finale of the festival these
artists will present a programme which is
the result of nearly three years of musical
acquaintanceship – shared compositions
announced for the new autumn album
from the Kapela ze Wsi Warszawa and
Mercedes Peón “Święto Słońca”.
Founded in 1997, Kapela ze Wsi Warszawa (Warsaw Village Band) are now one
of the most important bands on the European ethnic music scene. They are one
of the most prominent representatives
and symbols of Polish folk. The group
plays traditional instruments (violin, dulcimer, baraban, frame drum), but sound
completely modern. Each of the band’s
releases includes new artistic experimentations and fusion orbiting around the
roots in the general Mazowsze area.
Their phonographic debut was the spontaneous and joyful album “Hopsasa” in
1998. International success came with
the release of their second album “Wiosna Ludu” in 2002. Since then, the band
has played at major festivals, and their
new achievements are awaited by fans
in many countries around the world. The
most recent of these to date is the album
“Nord” from 2012, recorded in cooperation with members of the famous Swedish
group Hedningarna.
Mercedes Peón is one of the most important figures of the Spanish world music
scene. Her extremely energetic performances show true virtuosity – by using
loops, samples, her own voice, and many
instruments the artist builds a fascinating
wall of sound on stage. Her discography
includes some rapturously applauded
albums. Together with Kapela ze Wsi
Warszawa she creates a new musical
world.
Magdalena Sobczak-Kotnarowska
śpiew, cymbały
vocals, dulcimer
Sylwia Świątkowska
śpiew, skrzypce, fidel płocka
vocals, violin, Płock fiddle
Ewa Wałecka
skrzypce, śpiew
violin, vocals
Piotr Gliński
baraban, perkusjonalia
baraban, percussion
Paweł Mazurczak
kontrabas
DOUBLE BASS
Maciej Szajkowski
bębny obręczowe, perkusjonalia
hoop drums, percussion
Miłosz Gawryłkiewicz
KONCERT
21.00
11.07
Scena Plac Wolnica
trąbka
trumpet
CONCERT
9.00 pm
11.07
130
fot. Bartek Muracki
131
KROKE
polska
poland
PR
ebu
Jeden z najwybitniejszych
zespołów na polskiej scenie muzycznej,
a przy tym jedna z najoryginalniejszych europejskich grup, która wychodząc od zachwytu nad tradycją muzyki klezmerskiej, wypracowała własny,
oryginalny, fascynujący język.
Trio Kroke powstało w Krakowie w 1992
roku (nazwa zespołu oznacza Kraków
w języku jidysz), założone przez absolwentów miejscowej Akademii Muzycznej. Już po czterech latach wspólnego
muzykowania i wydaniu dwóch kaset
magnetofonowych zespołem zainteresowała się prestiżowa niemiecka oficyna Oriente, która na długie lata stała
się głównym wydawcą jej płyt.
Pierwsze wydawnictwa zespołu dowodziły fascynującej umiejętności autorskiego interpretowania tradycyjnej muzyki klezmerskiej. W późniejszych latach artyści – bazując na klezmerskich
inspiracjach, ale odwołując się również
do wpływów muzyki bałkańskiej, bliskowschodniej oraz improwizowanej
– zaproponowali autorskie kompozycje. Spotkały się one ze znakomitym
przyjęciem recenzentów i publiczności.
Za sobą artyści mają wspólną płytę
– i wiele koncertów – z Nigelem Kennedym. Już kilkanaście lat temu sam
Peter Gabriel zaprosił ich do udziału
w festiwalu WOMAD oraz do nagrań
w jego studio. Wielbicielem twórczości
zespołu jest też Steven Spielberg. Muzyka Kroke gromadzi jednak tłumy
fanów wszędzie tam, gdzie artyści
się pojawią. Recenzenci podkreślają
wybitną muzykalność, radość grania
i szczególną umiejętność pracy zespołowej. Kroke ponad dwie dekady
po debiucie jest jednym z najważniejszych polskich artystycznych „towarów
eksportowych”. Klasy zespołu dowodzi
też jego ostatnia świetna płyta „Ten”,
wydana jesienią ubiegłego roku.
One of the finest groups
on the Polish music scene and one of
Europe’s most original ensembles, they
started from enchanting audiences with
klezmer music traditions to soon develop
their own unique fascinating style.
The Kroke trio was founded in Kraków
in 1992 (their name is the Yiddish for
Kraków) by graduates of the city’s Academy of Music. Four years later, following
many concerts and the release of two
cassettes, the group aroused the interest
of the prestigious German label Oriente,
which became their main publisher for
many years.
The group’s first albums were proof of
their fascinating ability to create original
interpretations of traditional klezmer music. The artists remain steeped in klezmer
inspirations, in later years also reaching
for influences from Balkan, Middle Eastern and improvised music to write their
very own compositions. They have all
been acclaimed by critics and audiences.
They have also recorded an album with
Nigel Kennedy, and have performed
alongside him many times. Over a decade ago they were invited by Peter Gabriel to participate in the WOMAD festival
and record at his studio. Steven Spielberg
is also a fan. Wherever Kroke goes, their
music gathers huge crowds of fans. Reviewers stress their outstanding musical
ability, joyful performances and outstanding ability to work together. More
than two decades since the group’s foundation, Kroke remains one of Poland’s
main artistic “export brands”. Their class
is further confirmed by their latest album
“Ten”, released last autumn.
Tomasz Kukurba
altówka, instrumenty perkusyjne, flet, śpiew
viola, percussion instruments, flute, vocals
Jerzy Bawoł
akordeon
accordion
Tomasz Lato
kontrabas
double bass
Sławomir Berny
PERCUSSION INSTRUMENTS
KONCERT
20.00
8.07
Kraków
CONCERT
8.00 PM
8.07
Kraków Congress Centre
132
fot. Jacek Dyląg
133
LAUTARI
Maciej Filipczuk
skrzypce
violin
polska
poland
PR
ebu
Jeden z klasyków polskiej
sceny folkowej powrócił na dobre do
wspólnej pracy po kilku latach przerwy.
Ich nowy projekt „Vol. 67” nawiązuje
do wielkiego dzieła Oskara Kolberga
„Lud. Jego zwyczaje, sposób życia,
mowa, podania, przysłowia, obrzędy,
gusła, zabawy, pieśni, muzyka i tańce”. Tom 67. dzieł zebranych Kolberga
zawiera opracowania fortepianowe
muzyki ludowej. Muzycy zainspirowani spuścizną pierwszego polskiego
etnomuzykologa przedstawiają własne, współczesne opracowania polskiej
muzyki ludowej, zaaranżowane na
kameralny zespół z preparowanym
fortepianem.
Zespół powstał w roku 2000. Zdobywał laury na najważniejszych polskich
konkursach folkowych. Jego twórczość
zawsze była osobistą muzyczną podróżą, śladem własnych zachwytów
i inspiracji: od twórczości wędrownych
rumuńskich muzykantów, wzdłuż
karpackiego łuku, ale też na Bliski
Wschód.
Grupa zadebiutowała płytą „Musica
Lautareasca Nova” w 2002 roku, która zainspirowana była głównie przez
muzykę krajów karpackich. Drugi
album, „Azaran” z roku 2006, odwoływał się m.in. do tradycji ormiańskich.
Płyta ta została uhonorowana tytułem
Folkowego Fonogramu Roku.
Maciej Filipczuk był również związany z Transkapelą, gra w zespole Tęgie
Chłopy. Był autorem wybitnej płyty
„MetaMuzyka” z autorskimi wizjami
kompozycji Kazimierza Meto. Rok
temu otrzymał w konkursie Muzyka
Źródeł nagrodę specjalną za album
„Mazurek vulgaris”. Jacek Hałas związany jest m.in. z zespołem Muzykanci
i rodzinną Kapelą Hałasów. Michał
Żak grał m.in. w grupach Bal Kuzest
czy Len, od kilku lat jest podporą Janusz Prusinowski Trio i zespołu Adama
Struga. Marcin Pospieszalski to wybitny basista, kompozytor, producent.
Związany m.in. z zespołami Tie Break
i New Life’m, 2Tm2,3, ma przebogaty
dorobek artystyczny.
One of the stalwarts of the
Polish folk scene make a welcome return
after taking a break for a few years. Their
latest project, “Vol. 67”, recalls Oskar Kolberg’s great ethnographic compilation of
folk traditions from all the Polish regions.
Its 67th volume comprises piano arrangements of folk music. The musicians were
inspired by the great ethnographer’s legacy to present their own, contemporary
interpretations of Polish folk arranged for
a small ensemble with prepared piano.
The group was founded in 2000, and
has won accolades at the most important
Polish folk competitions. Their work has
always been a personal musical journey
in the footsteps of their inspirations and
enchantments: from tunes by travelling
Romanian musicians, alongside the Carpathian Arc and as far as the Middle
East.
They debuted with the album “Musica
Lautareasca Nova” in 2002, mainly
inspired by music from the Carpathian region. Their second album, “Azaran” from
2006, focusing on Armenian traditions,
was awarded the title of Folk Phonogram
of the Year.
Maciej Filipczuk has been involved with
Transkapela, plays in the ensemble Tęgie
Chłopy, and he was the author of the
acclaimed album “MetaMuzyka” sketching his own visions of compositions by
Kazimierz Meto. Last year, he received
the special prize at the Muzyka Źródeł
competition for “Mazurek vulgaris”. Jacek
Hałas works with the ensemble Muzykanci and his family band Kapela Hałasów.
Michał Żak has worked with groups including Bal Kuzest and Len, and for the
last year he has been working with the
Janusz Prusinowski Trio and Adam Strug’s
ensemble. Marcin Pospieszalski, the acclaimed bassist, composer and producer,
has created an impressive body of work
and performs with ensembles including
Tie Break, New Life’m and 2Tm2,3.
Michał Żak
klarnet, flet, szałamaja
clarinet, flute, shawm
Marcin Pospieszalski
kontrabas
double bass
Jacek Hałas
fortepian, akordeon
piano, accordion
KONCERT
17.00
9.07
CONCERT
5.00 PM
9.07
Museum of Municipal
Engineering
134
fot. Tomasz Ogrodowczyk
135
MARIA POMIANOWSKA / "CHOPIN & ARIRANG PROJECT"
Maria Pomianowska
kierownictwo artystyczne, ŚPIEW, suka biłgorajska, fidel płocka
art direction, VOCALS, Biłgoraj suka, Płock fiddle
POLSKA / KOREA POŁUDNIOWA
POLAND / south KOREA
rozstaje
crossroads festival
WARSZTATY
17.30
9.07
KONCERT
20.00
10.07
Doktor habilitowana
sztuk muzycznych, multiinstrumentalistka, wokalistka, kompozytorka,
rekonstruktorka instrumentów zapomnianych i pedagog. Profesor Akademii Muzycznej w Krakowie oraz
dyrektor międzynarodowego festiwalu Skrzyżowanie Kultur.
Od 1984 roku prowadzi studia nad
unikalnymi technikami gry na instrumentach muzycznych rodem z Azji
i Europy. Od 30 lat koncertuje na całym świecie, m.in. z takimi artystami
jak: Yo Yo Ma, Borys Griebienszczikow, Ram Narayan, Fazal Qureshi,
Gil Goldstein, Gonzalo Rubalcaba,
Ian Gillan czy Anna Maria Jopek.
Muzykę polską wielokrotnie prezentowała na dworze cesarskim Japonii.
Artystka wydała 21 autorskich płyt,
wiele z nich otrzymało międzynarodowe nagrody. W 2010 roku otworzyła pierwszą w Polsce specjalizację Ethno na Akademii Muzycznej
w Krakowie. Od 2011 roku tworzy
w Azji i Afryce unikatowe programy
bazujące na polskiej muzyce ludowej,
wraz z muzykami arabskimi, pakistańskimi, senegalskimi, irańskimi,
koreańskimi, chińskimi, japońskimi
i indyjskimi.
Podczas festiwalu Maria Pomianowska i członkowie jej zespołu przedstawią wspólny projekt wraz z artystami
koreańskimi. Chopin Arirang Project
od strony artystycznej opiera się na
połączeniu tradycji polskiej i koreańskiej, bazujących na wspólnej dla obu
kultur rytmice trójkowej. Nazywa się
ona w naszym kraju rytmiką mazurkową i uważana jest za wyznacznik
polskości w muzyce. Maria Pomianowska odnalazła w muzyce koreańskiej bardzo podobny wzór rytmiczny
– uważany za cechę wyróżniającą dla
tradycji Korei. Ten element okazał się
muzycznym „pomostem”.
Maria Pomianowska is
a Doctor of Musical Arts, multi-instrumentalist, singer, composer, reconstructor
of forgotten instruments, and educator, as
well as working as Professor at the Academy of Music in Kraków and Director of
the International Cross-Culture Festival.
Since 1984 she has been studying unique
techniques of playing musical instruments
from Asia and Europe. For 30 years,
she has toured around the world, including with artists such as Yo Yo Ma, Boris
Grebenshchikov, Ram Narayan, Fazal
Qureshi, Gil Goldstein, Gonzalo Rubalcaba, Ian Gillan, and Anna Maria Jopek.
She has presented music at the Imperial
Court of Japan on numerous occasions.
She has released 21 CDs as leader, many
of which received international awards. In
2010 she opened Poland’s first specialisation in Ethno music at the Academy
of Music in Kraków. Since 2011 she has
worked in Asia and Africa on unique programmes based on Polish folk music, with
Arabic, Pakistani, Senegalese, Iranian,
Korean, Chinese, Japanese, and Indian
musicians.
During the festival, Maria Pomianowska
and members of her group will present
a joint project together with Korean artists. The Chopin Arirang Project’s artistic
side is based on a combination of Polish
and Korean traditions, with the triplet
rhythm common to both cultures. In Poland it’s known as the mazurka rhythm
and is considered an indicator of Polishness in music. Maria Pomianowska found
a very similar rhythmic pattern in the music of Korea – where it’s considered a defining characteristic of Korean tradition.
This element turned out to be a musical
“bridge”.
Paweł Betley
flety
flutes
Hubert Giziewski
akordeon
accordion
Bartłomiej Pałyga
wspak, śpiew alikwotowy, drumla
wspak, throat singing, Jew’s harp
Wojciech Lubertowicz
bębny, duduk
drums, duduk
WORKSHOP
5.30 pm
9.07
CONCERT
8.00 PM
10.07
Museum of Municipal
Engineering
136
137
MUZYKANCI
polska
poland
rozstaje
crossroads festival
Joanna Słowińska
Legenda polskiej sceny
folkowej wciąż w znakomitej formie!
Kapela Muzykanci powstała w 1997
roku. Szybko stała się sensacją na
polskiej scenie muzycznej. Jej członkowie z równym sukcesem grywali
na weselach, w wiejskich świetlicach,
jak i w prestiżowych salach koncertowych w Polsce i Europie. Angażowali
się w organizację warsztatów tańców
ludowych, prowadzili też życie koncertowo-wydawnicze. Występ na festiwalu Polskiego Radia Nowa Tradycja
w 1999 roku przyniósł im Grand Prix.
Kilka miesięcy później wygrali również
w konkursie na Folkowy Fonogram
Roku ze swą debiutancką płytą „Muzykanci” – jednym z najważniejszych
krążków w historii polskiego folku.
W kolejnych latach ukazały się wydawnictwa przynoszące opracowania
zarówno polskiej muzyki ludowej, jak
i tematów łemkowskich, słowackich,
żydowskich czy węgierskich. Jednym
z nich była płyta „A na onej górze…”
kontynuująca wątki zapoczątkowane
na debiutanckim krążku. Kolejna –
„Gore gwiazda” – przyniosła tradycyjne pastorałki i kolędy, a „Muzykanci
i Hradištan” – to nagrany w Czechach
studyjno-koncertowy album z udziałem morawskiej grupy Jiříego Pavlicy.
W ramach EURORADIO Folk Festival EBU reprezentowali Polskie Radio
w roku 2000.
Muzykanci należą do prekursorów
brzmienia opartego na akustycznym
instrumentarium i odwołującego się
wprost do ludowego wzorca. To, plus
ogromna sceniczna ekspresja, wykonawczy dynamizm, znakomite partie
wokalne śpiewane na głosy, wciąż
współdecyduje o oryginalności i atrakcyjności propozycji grupy. Muzykanci
to dziś jedna z największych koncertowych atrakcji na folkowej scenie.
Podróż w czasie i przestrzeni: śladami
wiejskich grajków, cygańskich taborów
i klezmerskich orkiestr...
Każdy ich koncert zwiastuje artystyczne wydarzenie.
The legends of the Polish
folk scene are still in great shape!
Muzykanci was founded in 1997 and
quickly became a sensation on the Polish music scene. Its members played with
equal success at weddings, in rural community centres, as well as in prestigious
concert halls in Poland and Europe. They
were involved in the organisation of folk
dance workshops, and they also toured
and published. Their appearance at the
Polish Radio New Tradition Festival in
1999 brought them the Grand Prix. A few
months later they also won the competition for the Folk Phonogram of the Year
with their debut album “Muzykanci” – one
of the most important discs in the history
of Polish folk. Subsequent years saw the
releases which developed both Polish folk
music and Lemko, Slovak, Hungarian,
and Jewish themes. One of these was
the album “A na onej górze...” continuing threads started on the debut album.
Another – “Gore gwiazda” – brought
traditional pastorales and Christmas carols, while “Musicians and Hradišťan” was
a studio and live album recorded in the
Czech Republic with the participation of
the Moravian group of Jiří Pavlica. As part
of the EURORADIO EBU Folk Festival
they represented Polish Radio in 2000.
Muzykanci are among the precursors of
sound based on acoustic instruments and
referring directly to the folk template. That
plus a huge stage expression, dynamism,
excellent vocal parts – sung in harmonies
– still emphasises the originality and attractiveness of the group. Muzykanci are
today one of the biggest concert attractions on the folk scene. A journey through
time and space: in the footsteps of rural
musicians, gypsy caravans, and klezmer
bands...
Every concert heralds an artistic event.
śpiew, skrzypce
vocals, violin
Jan Słowiński
altówka, basy, śpiew
viola, bass, vocals
Alicja Hałas
bęben, gordon
drum, gordon
Jacek Hałas
śpiew, akordeon, lira korbowa
vocals, accordion, hurdy-gurdy
gościnnie / featuring:
Stanisław Słowiński
skrzypce
violin
KONCERT
20.30
9.07
CONCERT
8.30 PM
9.07
fot. Maciej Kaczyński
138
139
PIOTR "PIANOHOOLIGAN" ORZECHOWSKI
Piotr „Pianohooligan” Orzechowski
fortepian
piano
polska
poland
rozstaje
crossroads festival
Niepokorny wizjoner, enfant terrible polskiej sceny muzycznej,
artysta błyskotliwie łączący (czasami
dekonstruujący) wątki muzyki klasycznej, współczesnej, jazzowej, ale i inspiracje ludowe.
Piotr „Pianohooligan” Orzechowski
urodził się w 1990 roku w Krakowie. Jest
pianistą i kompozytorem, absolwentem Berklee College of Music, jednym
z najbardziej utytułowanych muzyków
jazzowych młodego pokolenia. Ma na
koncie wiele laurów, w tym I nagrodę
na Montreux Jazz Solo Piano Competition w 2011 roku, którą zdobył jako
pierwszy Polak w historii tego legendarnego szwajcarskiego festiwalu.
Stoi również na czele cenionego kwartetu jazzowego High Definition Quartet, z którym wygrał kilka międzynarodowych konkursów, przygotował też
świetnie przyjętą płytę „Hopasa”. Dla
słynnej wytwórni Decca nagrał album
„Experiment: Penderecki”, oczywiście
z interpretacjami kompozycji Krzysztofa Pendereckiego. Ma na koncie
też płytę „Bach Rewrite” zrealizowaną
wspólnie z Marcinem Maseckim i Capellą Cracoviensis, będącą – zgodnie
z tytułem – autorskim odczytaniem
kompozycji Bacha.
Najnowszy projekt Orzechowskiego to
„15 Studies for the Oberek”. Owe „Studia”, uwiecznione już także na świetnie
przyjętej płycie, to zbiór krótkich szkiców muzycznych, poświęconych konkretnym cechom oberka, przywołujących na myśl fortepianową miniaturę.
Utwory stanowią próbę odnalezienia
uniwersalnych właściwości muzyki
ludowej, jak również ich konfrontacji
z językiem muzyki współczesnej.
A rebellious visionary and
enfant terrible of the Polish music scene,
the artist brilliantly combines (at times
deconstructing) motifs of classical, contemporary and jazz music, as well as folk
inspirations.
Piotr “Pianohooligan” Orzechowski, born
in Kraków in 1990, is a pianist, composer,
graduate of the Berklee College of Music
and one of the most acclaimed young
Polish jazz musicians. He is the winner of
numerous awards, including the 1st prize
at the Montreux Jazz Solo Piano Competition in 2011; he was the first Polish musician to win this legendary Swiss festival.
He also leads the acclaimed High Definition Quartet; together they have won several international competitions, as well as
recording the critically-acclaimed album
“Hopasa”. He has recorded “Experiment:
Penderecki” for the famous Decca label,
presenting his interpretations of works
by this outstanding Polish composer. Together with Marcin Masecki and Capella
Cracoviensis, he has also recorded “Bach
Rewrite” – as the title suggests, the album
is an original interpretation of Bach’s
compositions.
Orzechowski’s latest project is “15 Studies for the Oberek”. The “Studies”, also
immortalised as a successful album, is
a collection of short musical sketches dedicated to individual features of the oberek
dance, recalling the style of piano miniatures. They are an attempt to find universal features of folk music and confront
them with the language of contemporary
music.
KONCERT
20.30
10.07
CONCERT
8.30 PM
10.07
fot. Adam Golec
140
141
TEATR RODZINNY HAŁASÓW
"
"ZEGAR BIJE
Jacek Hałas
śpiew, akordeon, lira korbowa
vocals, accordion, hurdy-gurdy
polska
poland
rozstaje
crossroads festival
Rodzinne przedsięwzięcie, któremu przewodzi jeden z weteranów, ale i największych autorytetów
polskiej sceny muzyki etnicznej, folkowej, tradycyjnej.
„Zegar bije” to spektakl wywiedziony
z tradycji kolędniczego „wertepu” – wędrownego przedstawienia granego od
wsi do wsi, od chałupy do chałupy, od
człowieka do człowieka. Czułego na
reakcję widza i dla widza czułego. To
liryczna opowieść o śmierci, miłości,
wędrowaniu. Każda scena to nowa
historia, grana na tle starych sztandarów i wyszywanek, przetykana muzyką
i dźwiękonaśladowczą narracją wykonywaną „na uszach” widza – by go
oczarować, omamić, porwać w świat
wyobraźni ludycznej, prostej, pełnej
smaku i bezpretensjonalności.
W spektaklu brzmią pieśni dziadowskie
zebrane przez Jacka Hałasa, muzyka
napisana i zaaranżowana przez niego
na sześcioosobową rodzinną orkiestrę.
Rodzina Hałasów pojawia się w nietypowej, aktorskiej odsłonie.
Alicja i Jacek Hałasowie to postaci
doskonale znane na polskiej scenie
muzycznej. Od lat do głębi przejęci
ludowymi tradycjami muzycznymi,
tanecznymi, inspiracji szukają w pieśniach dziadowskich, muzyce wiejskiej,
tańcach korowodowych. Związani
z wieloma ważnymi zespołami sceny
folkowej, m.in. Bractwem Ubogich,
kapelą Muzykanci, poznańskim Domem Tańca, teatrami Węgajty i Strefa Ciszy; sam Jacek Hałas grywał też
m.in. w grupach Lautari, Transkapela,
Ket Jo Barat.
Tym razem Alicja i Jacek Hałasowie do
współpracy zaprosili swoje dzieci…
A family enterprise led by
a veteran and one of the greatest authorities of Poland’s ethnic, folk and traditional
music scene.
“Zegar bije” (“The Clock Chimes”) is
a performance originating from the traditions of carol singers wandering from village to village, from cottage to cottage,
from person to person. It is sensitive to
viewers’ reactions, and perfect for sensitive viewers. It is a lyrical tale of death,
love, wandering. Each scene is a new
story performed against the background
of old banners and embroideries, woven
with music and onomatopoeic narration
aiming to enchant and beguile listeners
and take them on a journey to a world of
ludic, simple, unpretentious imagination.
The spectacle features songs of travellers
collected by Jacek Hałas alongside music
written and arranged by him for his sixstrong family orchestra. The Hałas family
appears in an unusual stage setting.
Alicja and Jacek Hałas are well known on
the Polish music scene. They have spent
years immersed in traditions of folk music
and dance; they seek inspiration in traveller songs, rural music and pageant dances. They have close links with important
folk ensembles, including Bractwo Ubogich and Muzykanci, the House of Dance
from Poznań, and Węgajty and Strefa
Ciszy theatres; Jacek Hałas himself has
also performed with Lautari, Transkapela
and Ket Jo Barat.
This time, Alicja and Jacek Hałas will be
joined by their children.
Alicja Hałas
bęben, tapan, gordon
drum, tapan, gordon
oraz / AND:
Julia, Antoni, Jonasz i Jakub Hałasowie
Dariusz Skibiński
Reżyseria
Direction
SPEKTAKL
22.30
7.07
PERFORMANCE
10.30 PM
7.07
fot. Mario Jagniewski
142
143
WARSZAWA WSCHODNIA
polska
poland
rozstaje
crossroads festival
WARSZTATY
pieśni wschodniosłowiańskich
15.30
5.07
KONCERT
20.00
6.07
WORKSHOP
of Eastern Slavic songs
led by Justyna Piernik
3.30 pm
5.07
Museum in Kraków
Piękny powrót do oryginalnych tradycji śpiewaczych proponują członkowie zespołu Warszawa
Wschodnia.
Zespół istnieje od 1999 roku. Wcześniej działał pod nazwą Muzyka
z Drogi. Warszawa Wschodnia zajmuje się dokumentacją, rekonstrukcją
i wykonywaniem rosyjskich, ukraińskich
i polskich pieśni tradycyjnych, a także
organizacją wydarzeń kulturalnych.
W swoim repertuarze ma utwory,
zbierane przez członków zespołu
podczas licznych podróży etnograficznych głównie na ukraińskie Polesie
czy do południowo-zachodniej Rosji,
a w Polsce – na Kurpie, Kujawy czy
Mazowsze. Ważnym źródłem są także
polskie, ukraińskie i rosyjskie archiwa
muzyczne.
Głównym celem zespołu jest odtwarzanie dawnego, ginącego już sposobu śpiewania oraz dokumentacja
najcenniejszych zjawisk wschodniosłowiańskiej kultury muzycznej. Za swoją
najważniejszą inspirację muzycy uważają kontakt z wiejskimi mistrzami –
śpiewakami starego pokolenia, których
odwiedzają od wielu lat. Uczą się od
nich zarówno pieśni, jak i oryginalnego
sposobu śpiewania.
W ubiegłym roku zespół wydał dwupłytowy album „Ławeczka”. Jak mówią
artystki Warszawy Wschodniej, jest
on „opowieścią o wsi Podserednieje,
do której podróżowaliśmy w latach
2002-2013, aby słuchać, dokumentować i uczyć się muzyki tradycyjnej od
śpiewaków starego pokolenia. Jest to
opowieść o niepowtarzalnej muzyce
i ludziach, którzy naznaczyli ją swoimi
osobowościami, dawnym sposobem
słyszenia i doświadczania świata”.
Na pierwszej płycie albumu śpiewają
pieśniarki ze wsi Podserednieje, na drugiej – członkinie Warszawy Wschodniej.
A beautiful return to original singing traditions is on offer from
the members of the band Warszawa
Wschodnia.
The group has existed since 1999. They
previously played under the name Muzyka z Drogi. Warszawa Wschodnia document, reconstruct and perform Russian,
Ukrainian and Polish traditional songs,
as well as organising cultural events. Their
repertoire includes works collected by
band members during numerous ethnographic trips, mainly in Ukrainian Polesie
and southwestern Russia, and in Poland –
in Kurpie, Kujawy and Mazowsze. Another important sources are Polish, Ukrainian
and Russian musical archives.
The group’s main objective is recreating
old and disappearing styles of singing
and documenting the most valuable
parts of Eastern Slavic musical culture.
The musicians find their most important
inspirations in contact with rural maestros
– the older generation of singers – who
they have been visiting for many years.
From them, they learn from both songs
and the original way of singing.
Last year, the band released the double
album “Ławeczka”. As the Warszawa
Wschodnia artists say, it is “a story about
the village of Podserednieje, to which we
travelled in 2002-2013, to listen, to document and to learn traditional music from
singers of the old generation. It is the story
of a unique music and the people who
graced it with their personalities, the old
way of listening to and experiencing the
world”.
The first disc of the album includes singers
from the village of Podserednieje, while
the second – the members of the Warszawa Wschodnia.
Ewa Grochowska
śpiew
vocals
Joanna Górska
śpiew
vocals
Anna Jakowska
śpiew
vocals
Jagna Knittel
śpiew
vocals
Justyna Piernik
śpiew
vocals
Taras Shumeyko
śpiew
vocals
Cezary Szymański
śpiew
vocals
Monika Walenko
śpiew
vocals
CONCERT
8.00 PM
6.07
fot. Cezary Szymański
144
145
KINO NA ROZSTAJACH
/ CINEMA AT THE CROSSROADS
rozstaje
crossroads festival
PROJEKCJE:
6.07
19.00
„From Podserednieje with Love”
– reż. T. Knittel,
18.00
7.07
„Cigarety a pesničky”
Marka Šulíka i Jany Kovalčíkovej
oraz spotkanie z Janką Belišovą,
17.00
8.07
Andrzej Bieńkowski:
„Muzyka żydowska w pamięci
wiejskich muzykantów”
– film i spotkanie z autorem,
im. S. Udzieli
SCREENINGS:
7.00 pm
6.07
“From Podserednieje with Love”
– dir. T. Knittel,
6.00 pm
7.07
“Cigarety and pesničky”
by Marek Šulík and Jana
Kovalčíková, and a meeting with
Janka BELIŠOVÁ,
5.00 pm
8.07
Andrzej Bieńkowski:
“Jewish music in the memories
of village musicians” – film and
meeting with the director,
Ethnographic Museum
146
Podczas festiwalu odbędą się trzy pasjonujące pokazy filmowe.
Jako pierwszy zaprezentowany zostanie obraz „From Podserednieje with
Love” Tomasza Knittla, który będzie
prologiem do koncertu zespołu Warszawa Wschodnia. Podserednieje to
wieś położona w głębi Rosji, 700 km
na południe od Moskwy. W latach
70. ubiegłego wieku została odkryta
przez rosyjskich folklorystów, a miejscowy zespół objechał pół świata.
Podczas jednej z podróży członkowie
zespołu poznali Mary, medytującą katoliczkę z Teksasu, zakochaną
w Dostojewskim. Amerykanka wybrała Podserednieje na swój drugi dom…
Zobaczymy też film Marka Šulíka
i Jany Kovalčíkovej „Cigarety a pesničky”. Jego prezentacji będzie towarzyszyło spotkanie z etnografką
Janką Belišovą. Obraz ten – mówiący
o świecie muzyki słowackich Romów
– wprowadzi do występu duetu Martiny i Františka Dudów. Belišová jest
autorką głośnych projektów badawczych „Phurikane Gila” i „Neve Gil’a”
dotyczących starych i nowych pieśni
romskich w Słowacji. Zebrała setki
pieśni, organizowała warsztaty twórcze. To właśnie jej niezwykłe poszukiwania zainspirowały powstanie filmu.
Zaprezentowany zostanie także obraz Andrzeja Bieńkowskiego „Muzyka żydowska w pamięci wiejskich muzykantów”. Jego dopełnieniem będzie
koncert Kapeli Brodów połączony
z promocją najnowszej płyty zespołu
„Muzikaim”. Bieńkowski jest malarzem, etnografem, pisarzem, profesorem warszawskiej ASP. W 1980
roku rozpoczął badania etnograficzne w ramach projektu Muzyka Odnaleziona. Interesuje go wieś ze swoimi
problemami, ale przede wszystkim
muzyka, losy i kondycja muzykantów – wiejskich artystów. Poszukuje
instrumentów, odnawia je, rekonstruuje dawne kapele wiejskie. Dokumentował początkowo w Radomskiem,
Rawskiem czy Łódzkiem, później także Lubelskiem, zaś od 2003 roku na
Ukrainie i Białorusi. W trakcie swoich
wypraw na wieś zgromadził wielkie
prywatne archiwum etnograficzne,
zawierające tysiące nagrań audio
i wideo oraz zdjęć.
During the festival, there
will be three exciting film screenings. The
first screening is “From Podserednieje
with Love” by Tomasz Knittel, which is
a prologue to the concert by the band
Warszawa Wschodnia. Podserednieje is
a village located in the heart of Russia,
700 km south of Moscow. In the 1970s
it was discovered by Russian folklorists,
and the local band toured half the world.
During one of these journeys, the band
met Mary, a meditating Catholic from
Texas, in love with Dostoevsky. The American chose Podserednieje as her second
home...
We’ll also see the film by Marek Šulík and
Jana Kovalčíková “Cigarety and pesničky”
(“Cigarettes and Songs”). The screening
will be accompanied by a meeting with
ethnographer Janka Belišová. This film
– discussing the world of Slovak Roma
music – will introduce the performance by
the duo of Martina and František Duda.
Belišová. is the author of the high-profile
research projects “Phurikane Gila” and
“Neve Gil’a” on old and new Roma songs
in Slovakia. She has collected hundreds of
songs, and organised creative workshops.
It was her unusual explorations that inspired the film.
There will also be a screening of Andrzej
Bieńkowski’s film “Muzyka żydowska
w pamięci wiejskich muzykantów” (“Jewish
music in the memories of village musicians”). This will complement the concert
by Kapela Brodów connected with the
promotion of the band’s new album
“Muzikaim”. Bieńkowski is a painter, ethnographer, writer, and professor at the
Academy of Fine Arts in Warsaw. In 1980
he began ethnographic research as part
of the project Music Rediscovered. He is
interested in rural life and all its problems,
but above all music, and the fate and position of musicians – rural artists. He looks
for instruments, restores them, and reconstructs old rural groups. He began his
documentary in the Radom, Rawa and
Łódź regions, and later also Lublin, and
since 2003 in Ukraine and Belarus. During his expeditions into the countryside he
has amassed a huge private ethnographic archive, containing thousands of audio
and video recordings and photos.
Kadr z filmu Andrzeja Bieńkowskiego „Muzyka żydowska w pamięci wiejskich muzykantów”
A film frame from “Jewish Music in the Memories of Village Musicians”,
dir. by Andrzej Bieńkowski
WARSZTATY NA ROZSTAJACH
/ WORKSHOPS AT THE CROSSROADS
rozstaje
crossroads festival
148
Tegoroczna oferta programowa warsztatów na Rozstajach
jest szeroka i różnorodna, atrakcyjna
zarówno z uwagi na tematykę poszczególnych spotkań, jak i ze względu na
osobowość prowadzących.
Warsztaty śpiewu alikwotowego poprowadzą: Tsogtgerel Tserendavaa i Johanni Curtet. Dzieci oraz ich rodziców
do wspólnego śpiewu i gry na instrumentach zaprosi Ania Broda. Również
dla dzieci i rodziców zaplanowane zostały warsztaty ŻyWej Pracowni. Jednego dnia będą to zajęcia zabawkarskie
z drewnianymi smokami wawelskimi
jako głównym tematem. Drugiego
dnia można nauczyć się zdobienia tkanin w motywy kwiatowe z wycinanek
krakowskich.
Warsztaty połączone z prezentacją
instrumentów poprowadzą również
muzycy Kapeli Maliszów, laureaci
wielu konkursów muzyki folkowej i tradycyjnej, m.in. Starej Tradycji, Nowej
Tradycji i Mikołajek Folkowych. Justyna
Piernik z zespołu Warszawa Wschodnia
zaprosi na spotkanie z tradycją pieśni
wschodniosłowiańskich.
Maria Pomianowska i muzycy koreańscy wspólnie poprowadzą warsztaty
instrumentalne melodii trójmiarowych
„sanjo-shinawi-mazurek”.
Odbędzie
się również „Sesja oberkowa” – nauka
polskich tańców z muzycznym i choreotechnicznym wsparciem członków
Kapeli na Krzywych Dźwiękach. Tradycyjnych słowackich tańców uczyć będą
lubiani w naszym kraju artyści z zespołu Muzička. Z południowowłoskimi tańcami zapoznają nas członkowie pochodzącej z Kalabrii grupy Banda Corapi.
Szczególną postacią w gronie prowadzących warsztaty jest Maria Siwiec,
jedna z najwybitniejszych polskich
śpiewaczek ludowych. Pochodząca
z Gałek Rusinowskich artystka zna setki
pieśni lokalnych, jest jedną z głównych
wokalistek zespołu działającego we wsi.
Chętnie dzieli się swoją wiedzą.
This year’s programme of
workshops at Rozstaje is broad and diverse, attractive both because of the subjects of individual meetings and because
of the personalities of the leaders.
Tsogtgerel Tserendavaa and Johanni
Curtet will lead throat singing workshops.
Children and their parents are invited to
communal singing and playing instruments by Anna Broda, and to the workshops by the Living Lab. Their first event
is a class with wooden toy Wawel dragons
as the main theme, while on the second
day you can learn to decorate fabrics with
floral designs from Kraków cut-outs.
Workshops combined with the presentation of instruments will be led by the musicians of the Kapela Maliszów, winners
of numerous folk and traditional music
competitions, including the Old Traditions,
New Traditions, and Mikołajki Folkowe.
Justyna Piernik from the band Warszawa
Wschodnia offers a meeting with the tradition of East Slavic songs.
Maria Pomianowska and Korean musicians will lead a workshop on three-dimensional instrumental melodies “sanjo-shinawi-mazurkas”. There will also be
an “Oberek Session” – learning Polish
dances with music and teaching support
with members of the Kapela na Krzywych
Dźwiękach. Traditional Slovak dances will
be taught by the band Muzička, much
loved in Poland. The group Banda Corapi
from Calabria will present southern Italian
dances.
A unique character among those leading
workshops is Maria Siwiec, one of Poland’s
greatest folk singers. The artist, a native of
Gałki Rusinowskie, knows hundreds of local songs, and is one of the main vocalists
of the ensemble who work in the village.
She is keen to share her knowledge.
HARMONOGRAM WARSZTATÓW
WORKSHOP SCHEDULE
5.07 / niedziela
12.00-18.00
Instrumenty Ludowe – Targi
– Warsztaty – Prezentacje,
STARA ZAJEZDNIA KRAKÓW
15.30-17.00
warsztaty pieśni
WSCHODNIOSŁOWIAŃSKICH,
(Warszawa Wschodnia),
MUZEUM ETNOGRAFICZNE
17.00-18.30
warsztaty tańców SŁOWACKICH,
prowadzi Muzička (SK),
5.07 / Sunday
12.00 - 6.00 pm
Folk Instruments – Fair –
Workshops – Presentations,
3.30 - 5.00 pm
workshop on WORKSHOP OF
EASTERN Slavic SONGS, led by
Justyna Piernik (Warszawa
Wschodnia),
ETHNOGRAPHIC MUSEUM
5.00 - 6.30 pm
Slovak dance workshop
led by Muzička (SK),
6.07 / poniedziałek
12.00-13.30
Ania Broda – warsztaty muzyczne
dla dzieci i rodziców,
16.30-18.00
Sesja oberkowa – warsztaty
polskich tańców tradycyjnych
z Kapelą na Krzywych Dźwiękach,
18.00-19.30
Banda Corapi (IT) - warsztaty
tańców południowowłoskich,
6.07 / Monday
12.00 - 1.30 pm
Ania Broda – music workshops
for children and parents,
ETHNOGRAPHIC MUSEUM
4.30 - 6.00 PM
Oberek Session – workshops of
traditional Polish dances
with the Kapela na Krzywych
Dźwiękach,
ETHNOGRAPHIC MUSEUM
6.00 - 7.30 pm
Banda Corapi (IT) – southern
Italian dance workshops,
7.07 / wtorek
12.00-13.30
Ania Broda – warsztaty
dla dzieci i rodziców,
15.00-16.30
& Johanni Curtet (MN)
- warsztaty śpiewu alikwotowego,
16.30-18.00
Sesja oberkowa – warsztaty
polskich tańców tradycyjnych,
8.07 / środa
15.00-16.30
warsztaty muzyczne
Kapeli Maliszów
16.30-18.00
Drewniane smoki wawelskie
– warsztaty zabawkarskie
dla dzieci i dorosłych,
ŻyWa PRACOWNIA
18.30-19.30
warsztaty Marii Siwiec,
9.07 / czwartek
15.00-16.30
& Johanni Curtet (MN)
- warsztaty śpiewu alikwotowego,
16.30-18.00
Zdobienie tkanin
w motywy kwiatowe z wycinanek
krakowskich – warsztaty
artystyczne dla dzieci
i dorosłych,
ŻyWa PRACOWNIA
17.30-19.00
sanjo-shinawi-mazurek [KR/PL] –
warsztaty muzyczne prowadzone
przez Marię Pomianowską oraz
muzyków polskich i koreańskich,
ŻYDOWSKIE MUZEUM GALICJA
7.07 / Tuesday
12.00 - 1.30 pm
AnIa Broda – music workshops for
children and parents,
ETHNOGRAPHIC MUSEUM
3.00 - 4.30 pm
Tsogtgerel Tserendavaa &
Johanni Curtet (MN) – throat
singing workshops,
ETHNOGRAPHIC MUSEUM
4.30 - 6.00
Oberek Session – workshops
of traditional Polish dances,
ETHNOGRAPHIC MUSEUM
8.07 / Wednesday
3.00 - 4.30 PM
music workshops
by the Kapela Maliszów
4.30-6.00 pm
wooden Wawel dragons
– toy workshops for children
and adults,
LIVING LAB
6.30 - 7.30 pm
Maria Siwiec,
ETHNOGRAPHIC MUSEUM
9.07 / Thursday
3.00-4.30 pm
Tsogtgerel Tserendavaa &
Johanni Curtet (MN) – throat
singing workshops,
ETHNOGRAPHIC MUSEUM
4.30 - 6.00 PM
Decorating fabrics in floral
designs with Kraków cut-outs –
art workshops for children and
adults,
LIVING LAB
5.30 - 7.00 pm
Sanjo-shinawi-mazurka [KR/PL]
– music workshop LED by Maria
Pomianowska and Polish
and Korean musicians,
GALICIA JEWISH MUSEUM
149
ORGANIZATORZY / ORGANIzERS:
Organizatorzy / ORGANIzERS:
POLSKIE RADIO SA / POLISH RADIO
Prezes Zarządu / President of the Board
PROGRAM 2 POLSKIEGO RADIA / POLISH RADIO PROGRAM 2
MAŁGORZATA MAŁASZKO-STASIEWICZ
Dyrektor / Director
Patroni medialni / Media Patrons:
EUROPEJSKA UNIA NADAWCÓW (EBU) EURORADIO
/ EUROPEAN BROADCASTING UNION (EBU) EURORADIO
DR CHRISTIAN VOGG
Head of Radio
Dofinansowano przez / Financed by:
STOWARZYSZENIE ROZSTAJE: U ZBIEGU KULTUR I TRADYCJI
/ CROSSROADS OF CULTURES AND TRADITIONS ASSOCIATION
JAN SŁOWIŃSKI
Prezes / President
KRAKOWSKIE BIURO FESTIWALOWE / KRAKOW FESTIVAL OFFICE
IZABELA HELBIN
Dyrektor / Director
Partnerzy / Partners:
Wydawca / Publisher:
EUROPE FOR FESTIVALS
FESTIVALS FOR EUROPE
EFFE LABEL 2015-2016
POLSKIE RADIO SA / POLISH RADIO
and STOWARZYSZENIE ROZSTAJE: U ZBIEGU KULTUR I TRADYCJI
/ CROSSROADS OF CULTURES AND TRADITIONS ASSOCIATIONS
TOMASZ JANAS
Redakcja i koordynacja, przygotowanie tekstów / Coordinating Editor
GRZEGORZ SŁĄCZ, KUBA BORYSIAK, JAN SŁOWIŃSKI
Współpraca / Cooperation
STUDIO GRAFICZNE TEMPERÓWKA | TEMPEROWKA.PL
Projekt i skład / Artwork and typesetting
ROBIN GILL, CAROLINE STUPNICKA
Tłumaczenie / Translation
BARBARA SKOWROŃSKA
Korekta / Proofreading
ARGRAF
Druk
Golonka FA
Josefin Sans
Novecento Wide
Fonty / Fonts
www.polskieradio.pl
www.polskieradio.pl/dwojka
www.ebu.ch
www.rozstaje.pl
www.biurofestiwalowe.pl
ISBN 978-83-940942-1-8
www.etnokrakow.com
BILETY (oraz karnety) na KONCERTY
dostępne na stronie: www.eventim.pl
oraz w:
punktach InfoKraków – Sieć Informacji Miejskiej w Krakowie przy ul. Św. Jana 2,
Pawilonie Wyspiańskiego (Plac Wszystkich Świętych 2),
Sukiennicach (Rynek Główny 1/3)
Centrum Obsługi Ruchu Turystycznego (ul. Powiśle 11).
BILETY na WARSZTATY
dostępne w miejscach realizacji warsztatów
Muzeum Etnograficzne (Plac Wolnica 1)
rezerwacja biletów: [email protected] (tel. +48 12 430 60 23)
Żydowskie Muzeum Galicja (ul. Dajwór 18)
rezerwacja biletów: [email protected]
ŻyWa Pracownia (ul. Bartosza 1)
rezerwacja biletów: [email protected]
Stara Zajezdnia Kraków (ul. św. Wawrzyńca 12)
warsztaty bezpłatne
TICKETS (and passes) to CONCERTS
available at www.eventim.pl
and
InfoKraków – City Information Network points in Kraków at ul. św. Jana 2,
Pawilon Wyspiańskiego (Wyspiański Pavilion, pl. Wszystkich Świętych 2),
Sukiennice (Cloth Hall, Rynek Główny 1/3)
Tourist Service Centre (ul. Powiśle 11).
TICKETS to WORKSHOPS
available at the workshop venues
Ethnographic Museum (pl. Wolnica 1)
reservations: [email protected] (ph. +48 12 430 60 23)
Galicia Jewish Museum (ul. Dajwór 18)
reservations: [email protected]
ŻyWa Pracownia (ul. Bartosza 1)
reservations: [email protected]
Stara Zajezdnia Kraków (ul. św. Wawrzyńca 12)
workshops free of charge

ROZSTAJE od swojego początku w 1999 roku były czymś

Transkrypt

Podobne dokumenty

wiosna nasza - Krakowskie Biuro Festiwalowe

bank muzyki cpm